Ana Beatriz Zamai

Depois de nos entregar uma performance espetacular e merecedora do Oscar de melhor atriz por seu papel em Hamnet (2025), Jessie Buckley aparece irreconhecível e fenomenal em A Noiva!, interpretando três personagens: a autora Mary Shelley, Ida e a Noiva. O filme conta a história de Ida, uma mulher de Chicago dos anos 1930, que foi assassinada a mando de chefes da máfia, enquanto era possuída pelo espírito fantasmagórico e teatral de Shelley. Em uma mudança de cenários, Frank (Christian Bale), o monstro de dr. Frankenstein, implora pela ajuda da Dra. Euphronious (Annette Bening), cientista especializada em reanimação de organismos, para acabar com sua solidão que já dura um século. O monstro e a doutora desenterram Ida e a trazem de volta à vida, dando início à uma grande história de amor – ou de terror.

Escrito e dirigido por Maggie Gyllenhaal, a adaptação do clássico conto de A Noiva de Frankenstein (1935) é uma mistura ousada de gêneros: romance, drama, ficção científica, suspense, terror – e até um quê de musical. James Whale, diretor do clássico, fez o filme a contragosto e, por isso, a obra parece um delírio coletivo: Whale se divertiu e apostou em usar todas as ideias que passassem pela mente. Sendo assim, faz todo sentido que Gyllenhaal também escute as vozes de sua cabeça e crie a história como achar melhor. 

Essa mistura não é um fator negativo, mas pode facilmente dividir o público por sua alternância em gêneros tão distantes entre si. A liberdade narrativa da diretora faz sentido, projetando um encontro entre casais criminosos, como Bonnie e Clyde, e uma análise da sociedade através da visão feminina. É um pouco do que Coringa: Delírio a Dois (2024) sonhava ser, uma tentativa de criar mais uma dupla caótica na história do cinema que se torna símbolo de resistência para os oprimidos.

Maggie Gyllenhaal traz a crítica social em várias partes do filme, de forma óbvia ou não. A maneira mais direta é através da luta de Ida/A Noiva de recuperar sua memória da vida anterior, seja apenas com ela mesma, como quando diz em um diálogo entre ela e Frank “A noiva de Frankenstein. Não, só A Noiva.”, ou com o grupo de mulheres que se inspiram nela e criam uma nova onda de feminismo. A forma mais sútil vem através de outras duas personagens femininas: a investigadora Myrna Mallow (Penélope Cruz) e a dra. Euphronios. Myrna é uma investigadora que segue o casal e é o verdadeiro cérebro da maioria das operações importantes, mas não recebe distintivo de detetive – aliás, é confundida como secretária de seu parceiro Wiles (Peter Sarsgaard). Já a doutora explica para Frank logo no começo como usa apenas o sobrenome na publicação de trabalhos científicos para tentar ser levada mais a sério no meio. O próprio Frank chega perguntando pelo ‘doutor’ Euphronios e é corrigido pela senhora. 

Tanto Gyllenhaal quanto A Noiva tem coisas para falar ao público, e ambas são bem sucedidas nesse quesito. A diretora consegue passar sua mensagem de qual é sua visão do mundo atual sem parecer clichê ou forçado – muito pelo contrário, faz isso de forma gradual e leve. A Noiva fala sobre mulheres sendo silenciadas por homens, o gradual dela, porém, é quando vai recuperando a memória de quem foi na outra vida – Ida – e, dessa forma, se libertando de ser ‘a noiva de Frankenstein’ para se tornar apenas A Noiva. 

Mary Shelley fica em terceiro plano na história. A autora está em um limbo após a morte, frustrada por não ter conseguido escrever uma continuação sobre a Noiva, e, por isso, possui o corpo de Ida. As cenas em que Shelley aparece são formadas por um jogo de luz e sombra, criando uma aparência teatral muito distante dos filmes blockbusters atuais – mas que caiu bem para deixar explícito quando cada personagem estava falando, mesmo que tenha ficado um pouco confuso.

Com uma curiosa (mas muito boa!) trilha sonora, que conta com a presença de Monster Mash no final – o que super combinou com a mistura de gêneros do filme – , assinada por Hildur Guðnadóttir, e fotografia de Lawrence Sher, ambos de Coringa (2019), A Noiva! é um filme para quem quer sair do básico, comum e esperado. Quem estiver disposto a conhecer algo novo, abraçando a proposta de Gyllenhaal, pode ser presenteado com uma grande obra que, felizmente, não tem medo de correr riscos.  

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Lucas Barbosa

Cinco anos após o primeiro filme, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às altíssimas expectativas que pesavam sobre o longa-metragem que carrega a continuação da história problemática e exotérica de um dos maiores seres vilanescos do universo dos quadrinhos. Sendo a sombra de uma das melhores películas de 2019, garantindo até Oscar de melhor Ator para o Joaquim Phoenix, a continuação deixou lacunas mal resolvidas, questionamentos desnecessários sobre a história e aquele velho pensamento se uma continuação de uma obra amplamente premiada é realmente necessária.

Dentro do longa, a continuação é historicamente correta. Arthur Fleck (Joaquim Phoenix) está preso dentro do Asilo Arkham, esperando seu julgamento que o sentenciará a morte. Com o desenrolar da história, acaba conhecendo dentro do asilo a personagem interpretada pela Lady Gaga, Harleen Lee Quinzel, que é completamente apaixonada pelo protagonista, e assim a história se desenrola entre o amor dos dois.

Um destaque positivo é a Fotografia, Lawrence Sher novamente deixa o ar noir de uma Gotham City devastada pela violência e desigualdade social, que era um ponto positivo do primeiro filme, e consegue ser primoroso nas cenas que Coringa e a Harleen estavam em evidência. A trilha sonora também merece elogios. As canções interpretadas pelos protagonistas e as trilhas, feitas pela compositora Hildur Guðnadóttir, complementam e aliviam a tensão de toda a jornada do casal do filme.

Gaga e Joaquim Phoenix tentam ao máximo trazer bons momentos de atuação dentro do filme, até mesmo nas sequências de musical, onde conseguem explorar de uma ótima forma a história de amor e loucura dos dois personagens. Entretanto, mesmo com todas as qualidades dos atores, o roteiro fica apenas rodeando entre o psicótico amor entre os dois e deixa de explorar outros bons personagens que o filme introduz, como o Harvey Dent (Harry Lawtey) – o Duas Caras –, que é utilizado apenas nas cenas do julgamento do Arthur e poderia ter mais tempo de tela, mesmo em contato com o Coringa. Outra ótima atuação é de Catherine Keener, interpretando a advogada Maryanne Stewart que, acima de tudo, tentou, minimamente, dar humanidade ao protagonista.

Mesmo com a sequência da fuga do julgamento, que foi a melhor, os momentos finais deixam não apenas um sentimento de dúvida para quem assiste, como também criam uma sensação de desconexão entre as cenas desse longa e do primeiro Coringa, que é aflorado ainda com os últimos momentos do filme. É até possível distinguir em algumas partes se é Arthur ou seu alter-ego falando, entretanto, quando discorre o relacionamento com a Harleen e a percepção de que, mesmo com o julgamento, o seu futuro já está praticamente decretado, o real e a ilusão da personalidade do protagonista entram em conflito. 

Todd Phillips, em Outubro de 2024, deu uma declaração dizendo que Arthur Fleck nunca foi realmente o Coringa, ele era apenas um ícone involuntário que não queria mais toda aquela farsa, e esse é um problema que o roteiro não consegue sustentar por completo, principalmente quando o relacionamento do Arthur e da Harleen começa. A força dele é o desejo de Lee pelo vilão e, assim, o alter-ego do protagonista toma conta durante certo tempo. A cena da demissão da advogada é o ápice da imprevisibilidade e insanidade do protagonista, e no momento que ela vai embora do tribunal, é quando a personalidade do Arthur retorna, se tornando um personagem fraco, solitário e dependente de qualquer tipo de amor.

Arthur Fleck se mistura com o seu alter ego psicótico em certos momentos do filme, onde a solidão e a ruptura dos valores morais e sociais entram em colapso. O Coringa está isolado mesmo com o apoio da multidão e Arthur é solitário pelas suas próprias dificuldades que o seu próprio universo impõe. Quando ocorre essas misturas, é exatamente o momento que as necessidades emocionais dele são supridas, e as loucuras do Coringa são exploradas. O amor por Harleen aflora o delírio dele, e os diálogos com a Dra. Stewart, tentam explorar a humanidade e as fraquezas do réu.

O filme chegou às plataformas de streaming norte-americanas menos de um mês depois  de sair dos cinemas. A estimativa de prejuízo foi de US$ 200 milhões de dólares. As notas ruins nos sites de críticas e o destaque dentro do Framboesa de Ouro, com simplesmente 7 indicações, deixam uma triste realidade. Infelizmente, Coringa: Delírio a dois não correspondeu às expectativas e, mesmo com decentes atuações de seu elenco, o roteiro frágil deixa diversas pontas soltas – que devem ser utilizadas para um spin-off dentro deste universo – que nunca terão soluções. Dessa forma, se consagra o longa entre uma das mais fracas continuações do universo DC Comics.

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Guilherme Moraes

Ainda que o Cinema de blockbusters não esteja tão aberto a olhar para o audiovisual e sua história como matéria prima, isso é algo essencial na construção de um filme. George Lucas idealizou Star Wars (1977) a partir das obras de samurai japonesas do meio do século XX; Tim Burton se inspirou no expressionismo alemão para dar vida a Batman (1989). Enquanto isso, na atualidade, as grandes franquias e as superproduções se sentem satisfeitas em apenas utilizar suas referências como um artifício de satisfação pessoal para o público que irá entender o significado, além de que, normalmente, eles se auto-referenciam, não explorando o que há de melhor na arte. Por sorte, Todd Phillips entendeu o quão rico pode ser vasculhar a história da linguagem e dialogar com ideias originais. Dessa forma, há cinco anos, ele escavou a filmografia de Martin Scorsese e construiu sua própria versão do Coringa.

O idealizador vai atrás de alguns dos longas mais intimistas de Scorsese: Taxi Driver (1976) e O Rei da Comédia (1982). Obras que são protagonizadas por personagens problemáticos que surgem da violência, caos, opressão e isolamento das metrópoles. Nesse sentido, o diretor pensa em Gotham como uma Nova Iorque nas décadas de 1970 e 1980, e associa tais protagonistas com o Coringa, pois compreende o palhaço como um fruto desse meio urbano conturbado, assim como Travis Bickle (Taxi Driver) e Rupert Pupkin (O Rei da Comédia).

Se olharmos para as outras representações do personagem – Jack Nicholson com toques de mafioso e o terrorista de Heath Ledger  –, vemos que existe um aspecto político por trás, mesmo que não esteja tão bem definido. Apesar de não ser um personagem politizado, existe uma essência crítica e ideológica em sua própria existência, especialmente por ser fruto do lixo de Gotham. A nova versão do vilão explora isso mais a fundo, centrada no ser e como ele se transforma em um símbolo da revolução e anarquia. O grito de violência de Arthur Fleck reverbera por toda cidade, que entende como um ato de rebeldia contra a burguesia local. Ainda que não fosse intencional, a reação popular mostra como qualquer ato de retaliação e sobrevivência é uma ação  política e revolucionária na Capital do Crime.

Pode até parecer que o longa vai para um lado heroico do vilão, que se põe frente ao sistema corrupto e desumano, mas isso não poderia estar mais errado. Os assassinatos são frios e, ao mesmo tempo, ferozes, com muita graficidade e sanguinolência, o que lembra bastante alguns filmes de crime de Scorsese, como Cassino (1995) e Os Bons Companheiros (1990). Dessa maneira, o diretor nos lembra que estamos falando sobre o Palhaço do Crime, evitando o discurso moralista de vítima da sociedade e sempre buscando uma área cinzenta. 

A DC Comics, como um todo, vem seguindo essa linhagem mais complexa em seus filmes e séries do universo Batman (ainda que Coringa não seja canônico). Os protagonistas têm uma natureza própria, como também são completamente influenciados pelo meio. Olhando para as últimas produções desse universo, é possível ver como o Coringa, o Pinguim e o Batman resolvem tudo na base da brutalidade, e isto está relacionado a barbaridade de Gotham. No entanto, eles se comportam de maneiras distintas, lidam com os seus problemas e com a violência de forma própria, pois existem diferenças gritantes em seus traços de personalidade.

O roteiro de Todd Phillips e Scott Silver opta por inserir Thomas Wayne na história e faz isso de maneira interessante, colocá-lo como uma figura problemática e mantenedora da desordem e do caos, totalmente oposto do que os filmes do morcego costumam fazer. Ademais, ele é parte da loucura de Arthur, sendo um dos maiores responsáveis pela criação do Palhaço Assassino. Todavia, o patriarca da família Wayne também é uma vítima do protagonista, pois é perseguido, assim como sua família. Contudo, se a inserção de Thomas é bem feita, a de Bruce parece apenas uma exigência do estúdio para satisfazer a cultura nerd.

A construção visual da cidade, feita pelo cenografista Mark Friedberg e do fotógrafo Lawrence Sher, são muito inspirados em Taxi Driver e After Hours (1985), com tons acinzentados de dia, que ressaltam a sujeira e a poluição, e a escuridão da noite, com pontos de iluminação muito específicos e cores saturadas e desfocadas. Assim, a metrópole se transforma em um ambiente desolador, que aliena os cidadãos e torna um lugar permissivo para o surgimento de figuras exóticas, como o protagonista.

Essa marginalidade cênica que constitui o tema principal da obra: a violência urbana. É dentro dele que surgem Coringas. Esse em questão não é formado a partir de um evento único que vai mudá-lo para sempre, mas a partir de diversos traumas ao longo da vida, até encontrar, na violência, um modo de liberdade e, na barbárie e loucura, enxergar uma versão de si mesmo que ele não se envergonha, muito pelo contrário, se orgulha.

O longa em si é muito musicado e dançante, o que serve cada vez mais para reforçar a excentricidade do protagonista. A cena que mais chama atenção nesse sentido, é a dança na escada, já vestido como o Palhaço do Crime, pronto para assumir de vez esse lado no programa do Murray. Portanto, é um filme que se passa, em grande parte, na mente de Arthur Fleck. De maneira parecida com O Rei da Comédia, nós não somos meros voyeurs de sua jornada, pois não estamos vendo de uma visão privilegiada, mas sim, dentro de sua cabeça, acompanhando seus delírios de perto.

A cena de dança no banheiro, combinada com a trilha sonora de Hildur Guðnadóttir é fundamental na transição de Arthur Fleck para o Coringa. As notas são melódicas e tristes, evidenciando a transformação. No entanto, ao invés de idealizar o ato, elas transformam em algo triste. A interpretação de Joaquin Phoenix eleva a loucura de seu personagem, que dança de maneira leve e com um olhar vago, como se estivesse nas nuvens, porém, Lawrence Sher faz questão de mostrar onde ele realmente está: em um banheiro sujo de Gotham. No que seria o momento de glória de Arthur, a compositora faz questão de destacar a tragicidade, enquanto o fotógrafo se encarrega de ilustrar que o indivíduo é apenas mais uma criatura excêntrica, criada da podridão.

Em um filme de personagem, é esperado que ele seja dependente da atuação do ator principal e é isso o que acontece. Os trejeitos de Joaquin Phoenix são fundamentais para compreender a transição de Arthur Fleck para o Coringa. Apesar de ser muito inspirado em Rupert Pupkin de O Rei da Comédia, Phoenix opta por uma atuação menos performática e mais expressiva. A loucura e a psicopatia são manifestadas por baixo de uma fisionomia triste e cansada. No entanto, a cada assassinato, a melancolia vai dando espaço para traços que estavam inicialmente escondidos. 

Apesar das qualidades, o longa sofreu com o seu legado. Parecido com o que aconteceu com Tropa de Elite (2007), Coringa foi compreendido por muitas pessoas como uma idealização do vilão. Sempre existiu um caráter anarquista e anti-sistêmico no personagem, mas depois da obra de Todd Phillips, os chamados incels o alçaram à condição de herói dos oprimidos. Nesse contexto, o diretor decidiu fazer um segundo filme para explicar o primeiro e desmistificar o personagem central, assim como fez José Padilha com o Capitão Nascimento.

As polêmicas acerca da obra não são atoa, afinal, Coringa é muito inspirado no Cinema de Martin Scorsese, diretor que, até hoje, é reconhecido por sua filmografia controversa. Todavia, a película não é apenas o que os incels enxergam nela, existe muito valor, principalmente por não ter medo de suas discordâncias. A fita consegue se aprofundar na essência de um personagem que era tratado como um vilão caótico, mas que agora, começa a ganhar outras roupagens. As análises acerca do Coringa, vão além da interpretação de Joaquin Phoenix, chegando ao de Heath Ledger e Jack Nicholson. Todd Phillips, não apenas bebe de fontes diferentes do que os filmes de heróis da atualidade, como também escolhe um caminho mais interessante, nos presenteando com um blockbuster preocupado com a sua forma.

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Raquel Freire

Uma pequena colônia religiosa isolada. Apenas homens têm o direito de ser alguém. Durante a noite, tranquilizante de vaca. Ao amanhecer, quando o coração ainda bate, uma ferida que não cicatriza. Quem fez isso? Ou melhor, qual deles ainda não fez isso? Dali nove meses, uma vida – se for menino, um aprendiz; se for menina, uma vítima. Certa noite, um rosto. Enfim, custódia! Todos eles saíram da colônia para ajudar com a fiança (é claro que eles saíram). Isso significou 48 horas Entre Mulheres. Três famílias debateram o futuro de todas as outras. “Não fazer nada. Ficar e lutar. Ou ir embora”. Permanecer na comunidade que as violou? Ou se afastar de tudo o que conhecem, principalmente do Deus em quem ainda depositam sua fé? Ao mesmo tempo, tudo e nada a perder.

Imaginar um cenário assim é angustiante, ainda mais sendo mulher. Lamentavelmente, a narrativa que sustenta Women Talking (no original) não é fruto completo da imaginação. Entre os anos de 2005 e 2009, mulheres eram drogadas e abusadas sexualmente durante a noite em uma colônia menonita na Bolívia, independentemente da idade. Miriam Toews, que cresceu em uma dessas comunidades em Manitoba, escreveu um livro que não reconta esse caso, mas passa a ser uma resposta idealizada a ele, uma em que as vítimas realmente possuem a oportunidade de lutar. Com um intelecto feroz, uma força imensa e um senso visionário de como refazer o mundo sob o olhar feminino, Sarah Polley o adapta para a Sétima Arte e o coloca na disputa pela estatueta dourada de Melhor Filme – o único dirigido por uma mulher nessa categoria do Oscar 2023.

Os filmes são meios visuais e aqueles que possuem muitos diálogos geralmente são considerados como não cinematográficos, mas Entre Mulheres foge dessa premissa. A confiança da diretora no material e em seus atores permite que as performances floresçam, e as interpretações impulsionam a história juntamente com a barragem das palavras. Essa é uma obra que faz exatamente o que precisa sem se complicar demais e que permanece integralmente fiel à sua premissa, evitando reviravoltas e subversões que poderiam apenas desvalorizá-la. Pessoas conversando umas com as outras pode ser uma experiência cinematográfica se a interação for boa e a atuação for do interesse do telespectador – Ethan Hawke e Julie Delpy na trilogia Before são prova viva disso, e o grupo que dá vida a Entre Mulheres também.

Rooney Mara (de Carol e A Ghost Story) é capaz de interpretar uma mulher com um coração bom demais para ser verdade da maneira mais coerente possível, enquanto Jessie Buckley (de A Filha Perdida) se afasta controladamente da rispidez defensiva de sua personagem com tal precisão que é possível sentir o exato segundo em que ela realmente reconhece o peso de tudo. Claire Foy (de The Crown) tem o papel mais vivo e, consequentemente, carrega os momentos mais emocionantes. A atriz é uma das presenças mais poderosas do filme, e a fúria de sua personagem é incandescente. O nível de atuação dessas mulheres traz um grau incrível de imensidão em cada close-up, e permite que longas cenas de diálogo se desdobrem com a excitação e a destreza de um filme de ação.

Concorrendo com filmes como Tudo em Todo o Lugar ao Mesmo Tempo, Nada de Novo no Front e Os Banshees de Inisherin, já era de se esperar que Entre Mulheres estivesse longe de ser o favorito ao prêmio de Melhor Filme. Entretanto, não é à toa que o longa se juntou à disputa. A grosso modo, pode-se dizer que uma obra indicada à categoria mais importante da premiação é reconhecida pela excelência de seu conjunto, e Entre Mulheres atende isso sem esforços. Com os mesmos produtores de Moonlight e Nomadland, e com uma trilha sonora criada por Hildur Guðnadóttir, a direção de Sarah Polley possui todos os ingredientes que agradam o paladar da Academia.

Se as chances de sucesso do longa na categoria mais esperada da noite são baixas, o contrário acontece quando se trata de sua segunda indicação: Melhor Roteiro Adaptado. O ponto mais forte do filme é o seu roteiro, e Sarah Polley teve uma incrível capacidade de dar espaço para que suas personagens se expressem mais profundamente do que se vê em produções hollywoodianas, de modo a tratar questões complexas do universo feminino de maneira contundente e, ainda assim, com delicadeza e respeito. Grandes produções têm chances de saírem vitoriosas nessa categoria, como Top Gun: Maverick e Glass Onion: Um Mistério Knives Out, mas nenhum script possui tanta sutileza quanto o de Entre Mulheres.

Mesmo que pareça que a trama é desenrolada em outro século, uma cena específica deixa claro que a história se passa em 2010 e as pautas trazidas pelas mulheres deixa mais claro ainda o quão atemporal elas são. As discussões envolvem a moralidade da violência, a natureza do verdadeiro perdão, a questão da masculinidade, o medo do desconhecido e o ódio ao familiar. Cada pergunta atada se desdobra em outra, e as conclusões a que chegam são de fundamental importância. É o próprio pensamento que as liberta e abre o caminho para o que o texto de abertura do filme descreve como “um ato de imaginação feminina”.

Sensível e maduro, Entre Mulheres é uma história dramaticamente impactante de mulheres que se unem em corpo e alma por sua liberdade e proteção. Todos os elementos que a compõem criam uma sensação de desolação e isolamento; no entanto, trata-se mais sobre a cura do que sobre a dor que grita por uma mudança, e só uma direção feita sob o olhar feminino poderia entregar isso. Sarah Polley deposita todo o seu talento no longa e retrata com primor o que todas sabem: só uma mulher é capaz de oferecer refúgio para outra.

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A cerimônia do Grammy Awards 2021 foi delas. Beyoncé quebrou o recorde de artista feminina com mais gramofones ao receber o prêmio de Melhor Performance de R&B, pela importantíssima BLACK PARADE, somando 28 estatuetas no total. Taylor Swift também quebrou um recorde ao receber o prêmio de Álbum do Ano, por folklore, ao se tornar a primeira mulher com três gramofones na categoria.

Praticamente ninguém saiu de mãos abanando: diferentemente do ano passado, quando Billie Eilish rapou as quatro categorias principais de uma vez – fato que só tinha acontecido uma vez na história até então, em 1981 –, em 2021 assistimos uma diversidade maior de premiados. Eilish levou para a casa a estatueta de Gravação do Ano pela segunda vez consecutiva, e em uma surpresa muito positiva, H.E.R. venceu o gramofone de Canção do Ano, com a tocante e política I Can’t Breathe.

Megan Thee Stallion derrotou as fortes competidoras Doja Cat e Phoebe Bridgers e foi consagrada a Artista Revelação de 2021, de forma muito merecida. A dança da chuva de Lady Gaga e Ariana Grande deu certo e as queridinhas do pop venceram a categoria Melhor Performance de Pop Duo/Grupo, se tornando a primeira dupla feminina a alcançar tal feito. E Dua Lipa, que perdeu AOTY, ROTY e SOTY pelo menos pôde levar o gramofone de Melhor Álbum de Pop Vocal para a casa.

Fiona Apple, ao vencer o gramofone de Melhor Álbum de Música Alternativa por Fetch the Bolt Cutters, se tornou a terceira mulher na história a realizar tal feito. Nas categorias Melhor Álbum de Country e Melhor Canção de Rock também assistimos mulheres fazerem história: pela primeira vez mais da metade dos indicados eram artistas femininas.

Porém, competições também dão margem para injustiças: infelizmente alguns grandes nomes não levaram para casa nem um mísero gramofone. É impossível não citar The Weeknd, que nem indicado foi e denunciou a corrupção e racismo dos votantes do Grammy. Mesmo com quatro indicações, a genial Phoebe Bridgers perdeu todas as estatuetas que concorria. Jhené Aiko, Chloe x Halle e Doja Cat, com três cada, também perderam tudo. As talentosíssimas irmãs da banda HAIM também foram embora da cerimônia principal só com os salgadinhos do buffet no estômago.

Pelo menos o quesito apresentação compensou a ida das três irmãs ao Centro de Convenções de Los Angeles. Elas cantaram a excelente The Steps, que concorria a Melhor Performance de Rock. Assistimos também Dua Lipa entregar um eletrizante medley de Levitating (com o rapper DaBaby) e Don’t Start Now. Taylor Swift, Megan Thee Stallion e Cardi B também apostaram no modelo. A loirinha cantou as suaves cardigan, august e willow, com participação especial de Jack Antonoff e Aaron Dessner. Já a dupla Megan e Cardi colocou todo mundo para dançar com Body, Savage (Remix), Up e a lendária WAP, que ganhou trecho especial com o remix do brasileiro Pedro Sampaio.

Outro representante da América Latina que cantou e encantou no Grammy foi o maravilhoso Bad Bunny, com DÁKITI, que contou com participação de Jhay Cortez. Do outro lado do mundo, os meninos do BTS explodiram o palco com o hit Dynamite. Doja Cat não aguenta mais cantar Say So, mas ainda sim entregou tudo em sua apresentação. Harry Styles e Billie Eilish abriram a premiação com performances individuais de Watermelon Sugar e everything i wanted, e os Black Pumas transbordaram talento com Colors.

Também assistimos apresentações de Silk Sonic, DaBaby, Roddy Rich, Anthony Hamilton, Mickey Guyton, Miranda Lambert, Maren Morris, John Mayer, Post Malone, Lil Baby, Tamika Mallory e Killer Mike. E as homenagens para os que já nos deixaram ficaram na voz de Lionel Ritchie, Brandi Carlile, Brittany Howard e Chris Martin.

A Editoria do Persona se reúne num Nota Musical Especial, e comenta os méritos, deméritos, prós e contras dos principais indicados e vencedores do Grammy 2021, em forma de resumão. Falamos das categorias da premiação, chances de vencer, campanhas na imprensa e, no caso de injustiças, quem merecia ter ganho. Fique por dentro do que rolou na premiação mais importante do mundo da música com o Persona.

Álbum do Ano: Taylor Swift – folklore

É difícil defender o Grammy. A forma como a premiação conduz suas principais categorias todos os anos é marcada por inconsistências, favoritismos e esnobadas injustas. O impacto disso é tão grande que prejudica até mesmo o reconhecimento sincero dos méritos de alguns indicados, que mesmo com trabalhos de qualidade, se tornam contestáveis pelas circunstâncias. Em 2021, a categoria que mais evidenciou isso tudo foi a de Album Of The Year. O vencedor era a aposta mais provável, digna e controversa, porque mesmo com toda a excelência de folklore, não tem como falar de Taylor Swift na Academia de Gravação sem reconhecer o favoritismo da artista e sem tocar em polêmicas que se transformaram em discussões seríssimas e importantes no mundo da música. 

Dentre os oito indicados, a experimentação um tanto quanto purificada de Coldplay em Everyday Life foi surpresa para uns, mas não para a Academia, que só deixa a banda passar em branco quando o trabalho é de fato muito terrível, como foi em 2016, quando pela primeira vez um álbum do grupo não recebeu nenhuma indicação na premiação. Post Malone é figurinha carimbada e um fenômeno do pop/trap, e Hollywood’s Bleeding justifica o porquê disso, mas o álbum poderia facilmente ser substituído por algum outro trabalho de mais qualidade e impacto – e The Weeknd e After Hours sempre serão mencionados quando o assunto for as principais categorias do Grammy 2021. O mesmo é com Jacob Collier e Djesse Vol.3, que cumpre a cota dos artistas jovens reconhecidos pela Academia com um trabalho que está longe de ocupar o mesmo espaço que Billie Eilish ocupou com seu primeiro álbum em 2020.

A nata da categoria estava na ponta de diversidade que o Grammy apresentou em 2021, depois de muita insistência do público e dos artistas. O disco de estreia homônimo do duo Black Pumas, que foi indicado em Artista Revelação em 2020, foi relançado numa versão deluxe para competir este ano, tomado por funk, R&B e soul maravilhosos. O trabalho de Jhené Aiko em Chilombo dança num R&B divino, a banda HAIM faz de Women In Music Pt. III uma obra de rock alternativo leve e encantador e o pop de Dua Lipa em Future Nostalgia dispensa apresentações. Entretanto, com o Grammy finalmente olhando para fora e entendendo a importância da arte se relacionar com as movimentações da do mundo externo (como bem defendeu Beyoncé em seu discurso histórico na premiação), era esperado que o Álbum do Ano refletisse o que foi 2020, com uma produção intimista, reclusa e fruto do isolamento social. Junte isso ao nome, letras e produções de Taylor Swift, Aaron Dessner e Jack Antonoff e pronto, temos toda a beleza de folklore e o Álbum do Ano do Grammy 2021. – R.D.

Gravação do Ano: Billie Eilish – everything i wanted

Billie Eilish já é queridinha da Academia: em 2020 levou os quatro prêmios principais de uma vez (Álbum do Ano, Canção do Ano, Gravação do Ano e Artista Revelação), feito que tinha sido realizado apenas em 1981. Em 2021, mesmo com pouquíssimas chances, foi a grande vitoriosa da categoria Gravação. Também concorrendo em Record of The Year estavam as favoritas Dua Lipa, com Don’t Start Now e Beyoncé, com BLACK PARADE, mas infelizmente não foi dessa vez.

A própria Billie ficou muito surpresa ao ouvir seu nome, e já com o gramofone na mão deu a entender que estava esperando a vitória de Megan Thee Stallion por Savage (Remix). Que o Grammy é imprevisível nós já sabíamos, porém, Billie vencer por everything i wanted, uma música que não teve forte apelo comercial e também não era a favorita da crítica especializada, é apenas um dos sinais que a Academia realmente gosta da artista e provavelmente continuará a premiar a estadunidense no futuro, mesmo que desagrade o público geral. – J.B.

Canção do Ano: H.E.R – I Can’t Breathe

Uma das categorias mais esperadas da noite, Song of The Year contou com faixas que conseguiram conquistar o público em uma época sem shows ou festas por conta do isolamento social. As composições The Box, cardigan, everything i wanted, If The World Was Ending, BLACK PARADE, I Can’t Breath, Don’t Start Now e Circles encantaram, emocionaram e animaram seus ouvintes, garantindo seu lugar na corrida para o prêmio tão aguardado.   

As obras de Beyoncé e H.E.R. entraram na história, onde pela primeira vez duas músicas sobre questões raciais concorreram à categoria. BLACK PARADE entrou na contagem que levou Beyoncé a ser a artista mais indicada da edição. I Can’t Breath, que nasceu dos protestos de Black Lives Matter do ano passado, garantiu a segunda indicação de música do ano para H.E.R..

E dentre os favoritos da noite pelo público, Don’t Start Now, cardigan e everything i wanted estavam com uma torcida gigante pelos fãs das cantoras. Apesar disso, foi H.E.R. que levou a estatueta e, ao subir no palco completamente emocionada, terminou seu discurso dizendo que devemos ser a mudança que queremos ter no mundo. – M.C.

Artista Revelação: Megan Thee Stallion

A categoria Artista Revelação, é, sem dúvidas, uma das mais polêmicas do Grammy. Desde as suas mudanças de regras ao longo dos anos influenciadas por artistas que não puderam ser indicados, como Lady Gaga e Lorde, até as críticas pela falta de diversidade entre os ganhadores. Nos últimos 10 anos da categoria, apenas dois dos vencedores eram pessoas negras. Mas na cerimônia de ontem a situação mudou um pouquinho: merecidamente, Megan Thee Stallion contrariou as estatísticas e recebeu o gramofone de Best New Artist. *Ahh!* 

Com uma campanha excelente de Megan e dois hits, WAP (com Cardi B) e Savage (Remix) [com Beyoncé], a rapper dona de um Body-ody-ody tão icônico quanto seu talento levou a estatueta para a casa com orgulho. Fosse em outro ano, talvez poderíamos ter assistido a também favorita e talentosíssima Phoebe Bridgers receber a categoria, ou até mesmo Doja Cat. Mas 2021 nos deixa satisfeitos, pelo menos nesse sentido, e esperançosos por um futuro que não esnobe tanto pessoas não brancas. – J.B.

Melhor Performance de Pop Solo: Harry Styles – Watermelon Sugar

A brisa da melancia foi o que fez um dos artistas mais idolatrados de 2020 não sair de mãos abanando do Grammy 2021. Com Watermelon Sugar, Harry Styles venceu Don’t Start Now de Dua Lipa, numa categoria que só tinha hit, como Say So, da revelação Doja Cat, e nomes fortes, como Billie Eilish com a maravilhosa everything i wanted e Taylor Swift com o lead single do Álbum do Ano, cardigan. 

A vitória caiu bem para o ex-One Direction, que foi o primeiro dos egressos da boyband a ser indicado e vencer um Grammy. Já para a Academia, uma indicação de Best Pop Solo Performance caiu muito mal, forçando um dos trabalhos mais preguiçosos de Justin Bieber com a terrível Yummy numa categoria que poderia reconhecer muitas outras performances louváveis de um ano tão rico para a música pop como 2021. – R.D.

Melhor Performance de Pop Duo/Grupo: Lady Gaga & Ariana Grande – Rain On Me

A categoria de Best Pop Duo/Group Performance do Grammy desse ano foi recheada de ídolos pop e era como se estivéssemos vendo a premiação de alguns anos atrás. Uma mulher que já fez nome no Grammy e concorreu nessa categoria foi Taylor Swift, junto de Bon Iver, com a canção exile, de seu álbum premiado folklore. A loirinha, que não saiu de cena nesse ano, entregou essa canção em um tom um pouco mais alternativo, e é a que mais se difere da fórmula das outras da categoria. 

Continuando na saga de cantores que amamos (ou amávamos), Justin Bieber esteve presente em Melhor Performance de Pop Duo/Grupo. Após vermos o canadense com Quavo em I’m The One, a colaboração dos dois na canção Intentions felizmente não ganhou o Grammy desse ano. Nessa mesma categoria, J. Balvin, Dua Lipa, Bad Bunny e Tainy terão que esperar UN DIA (ONE DAY) para ter um prêmio com essa canção. 

Lady Gaga, que até hoje não trouxe a continuação de Telephone  com a Beyoncé, ganhou nessa categoria com a colaboração de Ariana Grande, que foi esnobada no Grammy passado.  Assim, a parceria do pop foi a primeira colaboração feminina ganhar essa categoria na história da premiação. Rain On Me fez parte da primeira (e única)  performance do Chromatica e fez chover felicidade dos fãs das cantoras com uma música que mexeu com tudo nesse ano. Gaga também não deixou os meninos do BTS brilharem com seu Dynamite dessa vez e os fãs dos coreanos também ficaram surpresos. E agora, o que esperar das Armys em relação aos próximos Grammy? – A.B.R.

Melhor Álbum de Pop Vocal: Dua Lipa – Future Nostalgia

Na categoria Best Pop Vocal Album concorrem aqueles que apresentaram obras como mais de 51% de seu foco na sonoridade vocal dos artistas, e entre os nomes que disputam esse ano temos vários veteranos, alguns novatos e uma grande incógnita de merecimento. Começando pelo que não deveria concorrer, Changes e Justin Bieber colocam interrogações em nossas cabeças com a indicação. Afinal, sua vaga pertencia claramente ao maior ícone musical de 2020: The Weeknd.

Mas decepções a parte, Lady Gaga, indicada apenas em duas categorias esse ano, disputou com o caloroso Chromatica e sua fantasia de cores. Ela, assim como Taylor Swift e Bieber, já concorreram a Melhor Álbum Pop Vocal em anos anteriores, sendo ele o único que nunca venceu. Contudo, entre os veteranos, Taylor competiu com o aclamado folklore, empregando a magia pop folk que perpassa o álbum e fez dele um dos favoritos da noite.

Por fim, migrando para os novatos, Harry Styles recebeu suas primeiras indicações ao gramofone dourado nessa edição, concorrendo com Fine Line na categoria. O álbum que equilibra delicadeza e poder se destaca por ser um suspiro de personalidade entre obras masculinas clichês como Changes. Mas entre todos, foi Dua Lipa que dominou as rádios e corações no ano de 2020, o que torna mais do que justa sua vitória com Future Nostalgia. A britânica, que embalou a sonoridade oitentista em moldes contemporâneos, foi contemplada por oferecer carisma, diversão, autenticidade e qualidade em um único pacote. – A.L.F.

Melhor Álbum de Dance/Eletrônica: KAYTRANADA – BUBBA

Se ARCA, que também estava indicada, tivesse ganhado essa categoria com seu intenso KiCk i, ela seria a segunda mulher trans na história a receber uma indicação para o gramofone e a primeira a vencer. SOPHIE, produtora talentosíssima que perdemos no começo do ano, já havia sido indicada em 2018 por OIL OF EVERY PEARL’S UN-INSIDES. Porém, não foi dessa vez que a venezuelana fez história. 

A vitória de KAYTRANADA em Best Dance/Electronic Album não é de nenhuma forma decepcionante ou negativa, muito pelo contrário: o haitiano-canadense é uma força como artista negro e LGBTQ+. Seu álbum, BUBBA, transborda energia e sensibilidade, e ele também foi o grande vencedor da categoria Melhor Gravação de Dance com 10%, parceria com Kali Uchis. Na categoria também estavam indicados Disclosure, com o disco Energy; Madeon, com Good Faith; e Baauer, com Planet’s Mad. – J.B.

Melhor Performance de Rock: Fiona Apple – Shameika

Antes mesmo de premiar uma das seis performances indicadas, a categoria de Best Rock Performance fez história por incluir apenas artistas mulheres ou bandas comandadas por mulheres nomeadas. Enquanto Stay High de Brittany Howard perseverou em Canção, Performance apenas repetiu o discurso mais potente da música em 2020: Fiona Apple é uma força da natureza e deve ser reconhecida como tal, e mesmo que a vencedora Shameika passe longe do que a cantora oferece de melhor em Fetch the Bolt Cutters, sua vitória é um aceno da Academia para a excelência técnica de Apple, que transformou isolamento em rotina antes da OMS decretá-lo como norma. 

O caminho mais interessante, entretanto, seria premiar cantoras realmente ligadas no Grammy e que iriam apreciar uma vitória significativa, ainda mais nesse ano comandado por mulheres roqueiras. Um agrado para Kyoto, da excepcional Phoebe Bridgers, calharia aqui. Sem falar que premiar a melhor música de 2020, The Steps da banda HAIM, seria a justiça divina. Mas o Grammy raramente liga para o que é certo. – V.E.

Melhor Canção de Rock: Brittany Howard – Stay High 

Esse é um gramofone dado aos compositores, como o VT de Best Rock Song ilustra de maneira enfática. Quem saiu vitoriosa, então, foi Brittany Howard, vocalista do Alabama Shakes e dessa vez indicada por seu trabalho solo no disco Jaime. Indicada também em Performance de Rock, onde perdeu para Fiona Apple, a canção Stay High venceu aqui. Numa categoria usualmente dominada por homens, Howard já havia sido premiada em 2016, ainda sob o manto do Alabama Shakes. Ela perdeu esse prêmio ano passado, concorrendo com History Repeats.

A letra de Stay High é uma homenagem ao pai da cantora, K.J. Howard, e narra a importância do homem para a família, de maneira sensível e poderosa. Brittany venceu a favorita Shameika, de Apple, e a monumental Kyoto, de Phoebe Bridgers. Ainda concorriam canções das bandas Tame Impala e Big Thief. É especialmente notável que, num ano dominado por mulheres em Canção e Performance de Rock, foram elas mesmo que saíram vitoriosas. – V.E.

Melhor Álbum de Música Alternativa: Fiona Apple – Fetch the Bolt Cutters

Dado para artistas do gênero música alternativa, a categoria Best Alternative Music Album esse ano foi concorrido por Fiona Apple com Fetch the Bolt Cutters, Beck com Hyperspace, Phoebe Bridges com Punisher, Brittany Howard com Jaime e Tame Impala com The Slow Rush. Cada um dono de suas particularidades, os destaques ficaram com Fetch the Bolt Cutters, no qual a artista se desnudou para falar de traumas passados e entregou um verdadeiro clássico; e Punisher com seus arranjos complexos e perfeitamente dominados pela entrega da cantora.

O resultado não poderia ser outro. Fiona Apple que já concorreu ao lado da divindade Bjork em 2013 com The Idler Wheel…, seu quarto álbum de estúdio, ganhou o merecido gramofone, minimizando um pouco a injustiça após não ter sido indicado em Album of The Year, mesmo sendo um disco aclamado pela crítica especializada e consagrado o melhor de 2020. Produzido na própria casa da artista, o barulho do dia a dia se mescla com o instrumental das faixas, fazendo com que as biográficas letras se tornem ainda mais envolventes. O prêmio de Melhor Álbum de Música Alternativa não foi surpresa pra ninguém, o vitorioso Fetch the Bolt Cutters nasceu para ficar marcado na história. – A.J.T.

Melhor Performance de R&B: Beyoncé – BLACK PARADE 

As músicas de Beyoncé, Jhené Aiko, Jacob Collier, Brittany Howard e Emily King concorreram na categoria de Best R&B Performance. Goat Head, que discute colorismo e miscigenação, levou Brittany Howard a uma das suas 5 indicações na cerimônia. 

Jacob Collier, que já possuía 4 prêmios, entrou na disputa com seu feat junto a Mahalia e Ty Dolla Sign, All I Need. O outro collab que concorreu na categoria foi de Jhené que, com seu trabalho em parceria a John Legend, Lightning & Thunder, garantiu sua segunda indicação da noite.

E sendo a mais indicada da edição, Bey foi favorita pelo público para ganhar a estatueta com BLACK PARADE. A música também concorreu em Song of The Year, uma das maiores categorias do Grammy. Ao ser anunciada como vencedora, Beyoncé se tornou a artista feminina com mais prêmios em toda a história da premiação, e foi aplaudida de pé pelos outros convidados. – M.C.

Melhor Canção de R&B: Robert Glasper, H.E.R. & Meshell Ndegeocello – Better Than I Imagined

Em Melhor Canção de R&B, a mais indicada da noite competia com suas apadrinhadas e com a grande vencedora do disputadíssimo Grammy de Canção do Ano. Beyoncé e Chloe x Halle eram as favoritas com suas respectivas canções, BLACK PARADE e Do It. No entanto, Bey perdeu e a dupla das irmãs Bailey que entregaram em Ungodly Hour um dos melhores álbuns do ano não foram premiadas nem pelo lead single do disco.

O que brilhou forte foi o nome de H.E.R.. Além de ser reconhecida em uma das categorias principais, artista aparecia duas vezes em Best R&B Song, indicada por Slow Down, sua colaboração com Skip Marley, e na vencedora, Better Than I Imagined, levada graciosamente por H.E.R, Robert Glasper e Meshell Ndegeocello. A última indicação era Collide, de Tiana Major9 e EARTHGANG, que amarra uma das categorias mais consistentes do Grammy 2021. Cada uma delas vale muito o play. – R.D.

Melhor Álbum de R&B Progressivo: Thundercat – It Is What It Is 

Diferente do que as previsões apontavam, já entregando o gramofone para o aclamado álbum Chilombo, de Jhené Aiko, foi Thundercat que acabou levando a melhor. Cinco anos após sua primeira indicação e vitória no Grammy Awards, o estadunidense Stephen Lee Bruner conseguiu revirar todos os bolões ao ganhar o prêmio de Best Progressive R&B Album com seu melódico It Is What It Is. 

Outra surpresa na categoria foram as irmãs Bailey terem ficado para trás. A dupla criadora do Ungodly Hour, e uma das grandes revelações de 2020, também era uma das principais apostas ao prêmio. Suas indicações em categorias de R&B ainda causaram polêmica por se tratar de um álbum majoritariamente pop, e que poderia ter simplesmente trocado de lugar com outros artistas. – V.S.

Melhor Performance de Rap: Megan Thee Stallion & Beyoncé – Savage (Remix)

Quando Beyoncé está na área, não tem pra ninguém! Pelo nas categorias de gênero, a Queen B sempre se mostra presente e vitoriosa. Em 2021, o remix de Savage ganhou o prêmio de Best Rap Performance. Megan Thee Stallion, a sensação do ano passado, pareceu surpresa na hora de agradecer a Academia mas, convenhamos, não existia um mísero cenário onde a colaboração mais quente do rap pudesse perder o gramofone.

As únicas mulheres indicadas, Stallion e Beyoncé bateram nomes em ascensão e consolidados do cenário norte-americano, como DaBaby, Lil Baby e o falecido Pop Smoke. Não havia música mais badalada que Savage, mas os votantes poderiam homenagear de forma póstuma Pop Smoke, que foi baleado poucas semanas depois de lançar seu disco e estourar nas paradas. É uma pena que o brilhante trabalho do rapper tenha sido reconhecido apenas nas categorias de nicho e não se alastrado para as gerais, como Artista Revelação, onde uma indicação seria justa e bem-vinda. – V.E.

Melhor Performance de Rap Melódico: Anderson .Paak – Lockdown

O que diabos é Rap Melódico? Vamos começar por aí, então. A categoria de Best Melodic Rap Performance ganhou esse novo nome recentemente, na tentativa de abraçar o crescimento e a evolução do gênero. Em inglês, além de se referir ao estilo da música, a palavra rap é um verbo, o ato de cantar rap, normalmente de forma rápida, com beats intensos e pouco espaço para respiro. Então, são indicadas aqui canções do nicho que usam de elementos de fora dele. Para ajudar a entender, podemos olhar para os antigos vencedores: Crazy in Love, Umbrella, Empire State of Mind, All of the Lights e This Is America.

Em 2021, concorreram HIGHEST IN THE ROOM, de Travis Scott, Laugh Now Cry Later, parceria de Drake e Lil Durk e das 6 nomeações de Roddy Ricch, duas foram aqui, solo por The Box (injustiçada e vencedora moral), e acompanhado de DaBaby em ROCKSTAR (outra merecedora do gramofone). Quem venceu foi Anderson .Paak, queridinho da Academia e que performou algumas canções ao lado de Bruno Mars e a recém-nascida banda Silk Sonic. .Paak subiu ao palco para agradecer o prêmio pela melódica Lockdown. – V.E.

Melhor Canção de Rap: Megan Thee Stallion & Beyoncé – Savage (Remix)

Real Hot Girl Shit! Eu poderia muito bem repetir os argumentos escritos nos parágrafos acima, na seção de Performance de Rap, mas, assim como os diversos discursos que Megan Thee Stallion deu quando subiu ao palco do Grammy, vou ser versátil. Esse gramofone é especial por uma série de motivos: primeiro de tudo, pelo fato de Beyoncé ter dado as caras e feito história como a pessoa com mais prêmios na história da premiação. Segundo, por ser a primeira parceria feminina a vencer na categoria dominada por homens. Terceiro, pelas palavras de Stallion, visivelmente emocionada de receber a honraria ao lado da Queen B.

Ainda concorriam uma porrada de músicas escritas e cantadas por homens, a maioria presente nas outras categorias de rap da noite. O remix de Savage vencer Best Rap Song ajudou a pavimentar o estrelato de Megan, seu status de estrela não apenas em ascensão, mas agora completamente suspensa e brilhante. Além de ter turbinado a jornada de Bey como recordista do Grammy. É verdade que a maioria de suas estatuetas estão nas categorias secundárias, mas essa é uma pequena vitória digna de celebração. – V.E.

Melhor Álbum de Country: Miranda Lambert – Wildcard

Para dizer o mínimo, podemos classificar as indicações de Best Country Album no ano de 2021 como sendo revolucionárias. Pela primeira vez na história da premiação, apenas mulheres concorreram pela categoria deste gênero, que é majoritariamente masculino e machista. A favorita da noite era, sem dúvida, Miranda Lambert e sua obra Wildcard. Ela, que acumula 5 indicações no Grammy, já venceu a categoria em 2015 por seu álbum Platinum, entretanto, nesse ano ela concorreu com nomes mais poderosos e emergentes.

Apesar de não poderem ser chamadas exatamente de novatas no ramo Country, Ingrid Andress com Lady Like e Brandy Clark com Your Life Is Like a Record chamaram a atenção pela excelência que apresentam mesmo com pouco tempo de carreira, nos dando esperanças de em breve vê-las novamente na premiação. Mas entre todas, se pudéssemos entregar o gramofone da noite a quem realmente merecia, Ashley McBryde e sua obra Never Will seriam a escolha perfeita. A cantora que concorreu pela segunda vez na categoria continua a construir álbuns coesos e poderosos. Entretanto, a vitória ficou mesmo com Lambert, que com certeza entregou uma das melhores produções do ano, mas não a melhor ou a mais completa. – A.L.F.

Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop: Bad Bunny – YHLQMDLG

Apesar da criação do Grammy Latino em 2000, para premiar as produções de destaque da indústria fonográfica da América Latina, o Grammy Awards não descartou o reconhecimento de trabalho da região em sua premiação, ou melhor, o reggaeton que se inspira na música latina, caribenha e europeia, influenciada pelo hip hop, pela salsa e pelo eletrônico. Sendo Melhor Álbum Latino Urbano ou de Pop a única televisionada desta seção. Entre os indicados deste ano – Bad Bunny, Ricky Martin, Camilo, Kany García e Debi Nova – apenas Martin tem histórico glorioso na categoria, levando duas vezes o gramofone pra casa (1999 e 2016).

Esse ano, quem levou o prêmio foi um dos maiores nomes da América Latina da atualidade, o porto-riquenho Bad Bunny por seu álbum YHLQMDLG. O Grammy foi mais que merecido para o artista que já havia se destacado no Grammy Latino e o que mais acumulou streams globais em 2020. Momentos antes de receber seu gramofone, ele se apresentou de maneira grandiosa ao lado de Jhay Cortez com o hit DÁKITI. Para encerrar com chave de ouro a vitoriosa noite, Bad Bunny acertou em discursar em espanhol, fazendo jus a sua categoria de Best Latin Pop or Urban Album. – A.J.T.

Melhor Álbum de Música Global: Burna Boy – Twice As Tall

Melhor Álbum de Música Global é uma categoria recém-criada do Grammy que busca “celebrar a diversidade musical e inclusão cultural”, derivando-se da extinta Melhor Álbum de Música do Mundo. Segundo a Academia, essa modificação visa uma maior inclusão de gêneros menos recorrentes na premiação, e para marcar a inauguração de Best Global Music Album, os escolhidos foram Fu Chronicles, do grupo nova-iorquino de afro-beat Antibalas, Love Letters, da britânica-indiana Anoushka Shankar, e o blues africano profundo de Amadjar, da banda Tinariwen.

A música brasileira também foi lembrada e muito bem representada por Agora, de Bebel Gilberto. O condecorado da nova categoria foi Twice As Tall, a mistura deliciosa de afro-beat, pop, dancehall e hip-hop do nigeriano Burna Boy. Novos ares parecem estar mudando as concepções da Academia e o Grammy não tem mais como fugir das demandas por diversidade e inclusão. Veremos como isso seguirá. – R.D.

Melhor Trilha Sonora Compilada para Mídia Visual: Taika Waititi – Jojo Rabbit

A categoria de Best Compilation Soundtrack for Visual Media abarca os formatos de Cinema e TV mas, como veremos a seguir, a maioria dos indicados vieram de filmes. Vencido em 2020 pela dupla dinâmica Bradley Cooper e Lady Gaga por Nasce Uma Estrela, dessa vez a sátira Jojo Rabbit e seu diretor Taika Waititi foram agraciados com o gramofone.

Por conta da janela maluca de elegibilidade, longas que participaram da temporada passada só aparecem no Grammy um ano depois. Jojo Rabbit, que já havia vencido o Oscar de Melhor Roteiro Adaptado, bateu filmes de 2020 como Frozen II e Um Lindo Dia na Vizinhança, bem como obras que figuram na temporada atual, caso de Eurovision e Bill & Ted 3. Diretamente do set do novo Thor, o diretor neozelandês apareceu para agradecer o Grammy e declarou que fica feliz com o máximo de prêmios que consegue ganhar com a história de Jojo e seu amigo imaginário Hitler. – V.E.

Melhor Trilha Sonora para Mídia Visual: Hildur Guðnadóttir – Coringa

Novamente sem reconhecimento para TV, a categoria de Best Score Soundtrack for Visual Media repetiu a vencedora do ano anterior. A magnânima Hildur Guðnadóttir, que fez história sendo a primeira mulher a ganhar esse gramofone sozinha, não contente com um recorde, foi lá e venceu mais uma vez. Em 2020, o prêmio veio por Chernobyl, série pela qual a islandesa também ganhou o Emmy. Dessa vez, a Academia reconheceu a Trilha de Coringa, que já havia lhe rendido um Oscar.

Diferente da categoria anterior, que premia músicas vocais, esse prêmio é dado para os compositores do instrumental. Hildur usou sua força musical para ilustrar de maneira límpida e crua a evolução e a queda do personagem que deu o Oscar à Joaquin Phoenix. Falta apenas um Tony para a mulher virar EGOT e, pelo seu aclamado currículo recente, isso não vai demorar para acontecer.

No Grammy 2021, ela venceu o recordista de prêmios e indicações da categoria John Williams, desta vez representado por Star Wars IX: A Ascensão Skywalker. Fora ele, Hildur bateu Thomas Newman, indicado ao Oscar por 1917 ao lado dela, Max Richter por Ad Astra e Kamasi Washington, responsável por Becoming. Daqui para a frente, nunca aposte contra Hildur Guðnadóttir. – V.E.  

Melhor Canção Escrita para Mídia Visual: Billie Eilish & Finneas – No Time To Die

A Academia do Grammy adora premiar os desenhos da Disney aqui, mas em 2021 o furacão Billie Eilish conseguiu vencer por um filme que sequer foi lançado. No Time To Die, canção original do próximo 007, perseverou numa categoria dividida entre obras da temporada passada e da atual e fez história. O prêmio foi recebido com surpresa e felicidade por Billie e seu irmão Finneas O’Connel, parceiro da jovem cantora. Bom lembrar que 2020 foi o ano deles na premiação, onde ganharam tudo que puderam e mais um pouco.

Sem Tempo Para Morrer ainda não saiu por conta da pandemia mas a canção foi agraciada com o prêmio que Lady Gaga havia ganhado duas vezes nos últimos dois anos, primeiro por Shallow e depois por I’ll Never Love Again, do hit Nasce Uma Estrela. É provável que Eilish siga os passos de Gaga e chegue até o Oscar com sua música, mas isso só poderá acontecer em 2022, quando, e se, o filme do James Bond estiver elegível. 

Ainda competiam pelo Grammy de Best Song Written for Visual Media: Taylor Swift por Beautiful Ghosts, de Cats; a composição original de Dois Irmãos; e duas das indicadas ao careca dourado em 2020: Stand Up, que faz parte de Harriet, e Into the Unknown, carro-chefe de Frozen II. Billie não tinha muita competição aqui, visto que a maioria das canções não eram destaques dos filmes, além do lobby ao redor da marca Billie Eilish ser gigantesco e a Academia claramente adorar ela. – V.E.

Produtor do Ano, Não-Clássico: Andrew Watt

O que Break My Heart (Dua Lipa), Midnight Sky (Miley Cyrus), Ordinary Man (Ozzy Osbourne & Elton John) e Take What You Want (Post Malone, Ozzy Osbourne & Travis Scott) tem em comum? Todas têm pelo menos algum dedo da produção de Andrew Watt, que costuma assinar como watt. O estadunidense ganhou o gramofone de Producer Of The Year, Non-Classical pela qualidade de suas produções, criatividade e pela campanha realizada. 

Outro favorito que saiu sem prêmio foi Jack Antonoff, que estava indicado por august, mirrorball e this is me trying (Taylor Swift); Gaslighter (The Chicks) e holy terrain (FKA twigs & Future). Aliás, horas depois Jack subiu no palco da premiação principal para receber sua estatueta como produtor do Álbum do Ano, após Swift vencer com folklore. Quem sabe ano que vem o queridinho das cantoras pop finalmente recebe o gramofone que merece? – J.B.

Melhor Vídeo Musical: Beyoncé, Blue Ivy e WizKid – BROWN SKIN GIRL

Na categoria em que a sétima arte encontra a música, os indicados do ano buscaram trazer inovação e espiritualidade para suas produções. E entre tantas obras de alta qualidade, a vencedora foi aquela que uniu o sentimento de pureza ao melhor que a música pode oferecer. Beyoncé, levou o prêmio de Best Music Video com BROWN SKIN GIRL, recebendo o seu segundo gramofone dourado nessa categoria, a qual já havia vencido em 2017 com Formation.

Apaixonante, poderosa e delicada, a obra da cantora se destacou em meio aos nomes masculinos que concorriam com ela. Entre eles Future e Drake com Life Is Good, e Woodkid com Goliath. Para a alegria de todos, a controversa premiação decidiu agraciar merecidamente o curta-metragem que explora o poder materno e deu a Blue Ivy o título de segunda pessoa mais jovem a vencer o Grammy, atrás apenas de Leah Peasall que conseguiu o feito com 7 anos de idade. Vale ressaltar ainda que o produtor Nathan Scherrer venceu ao lado da cantora, mas concorria por outros dois clipes na categoria, sendo eles Adore You de Harry Styles e Lockdown de Anderson .Paak. – A.L.F.

Melhor Filme Musical: Linda Ronstadt: The Sound of My Voice

Decepcionada, mas não surpresa. Como a Beyoncé não ganhou essa categoria com Black is King eu também não sei, mas conhecendo o Grammy e em especial a forma como ele trata a recordista Beyoncé, não é de se surpreender. A Academia até tentou se inteirar dos debates sociais e melhorar sua representatividade, mas perdeu feio uma das melhores oportunidades de premiar um trabalho grandioso em significado, beleza e relevância. 

A obra-prima que exalta o continente africano enquanto berço da humanidade, recaindo sobre um dos assuntos de maior relevância na atualidade e coordenado pela artista que também é uma das de maior impacto perdeu para o documentário sobre a vida de Linda Ronstadt, grande nome do rock, country, blues e folk estadunidense que se aposentou em 2011. Concorriam também ZZ Top: That Little Ol’ Band From Texas, contando a história da banda de blues-rock ZZ Top, Beastie Boys Story, documentário dirigido por Spike Jonze que se debruça sobre memória do Beastie Boys, e We Are Freestyle Love Supreme, musical que relembra a origem do grupo de hip-hop fundado por Lin-Manuel Miranda.

Não quero discutir os méritos de The Sound of My Voice nem de qualquer outro indicado em Best Music Film porque cada um carrega sua importância e singularidade dentro de seu nicho. Prefiro usar o espaço para reforçar a importância de se apreciar Black is King, que carrega uma riqueza inestimável em cada canto da produção e transcende qualquer barreira de espaço, tempo, língua, gênero e cultura. – R.D.

Você pode acessar a lista completa com os vencedores das 83 categorias clicando aqui.

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