Davi Marcelgo

Depois de Christopher McQuarrie conceber o melhor filme da franquia, o cineasta trava a impossível missão do novo superar o antecessor. Tarefa que o faz aderir à rebeldia: não por incapacidade, mas por opção. Missão: Impossível – O Acerto Final conclui o embate entre Ethan Hunt (Tom Cruise) e a Entidade, renunciando as convenções da saga e investindo na crença que o público possui no Cinema. Na trama, o agente e sua equipe precisam reunir as forças remanescentes para impedir que a Entidade destrua o mundo ou obrigue as principais nações nucleares a fazê-lo. 

Enquanto o sétimo capítulo é solar, bem-humorado e com muita energia – a montagem de Eddie Hamilton nunca deixa o filme perder ritmo -, o novo filme é o oposto. Com cores frias, número inferior de cenas de ação e muito diálogo sobre geopolítica, o diretor e roteirista fabrica uma realidade comandada por uma Inteligência Artificial e, por isso, há uma injeção de desesperança que assola aquele mundo. Se a IA é quem domina o espaço material da humanidade, o longa também se adequa aos prognósticos da tecnologia. 

As sequências de ação são pontuais e dramáticas, o show de ilusão ou uma perseguição irada de carros pela Europa são castrados e dão lugar a um senso de perigo, perda humana e silêncio. O protagonista está mais violento e a cadeia de acontecimentos que encerra o segundo ato é inibida de trilha sonora, da trivial montagem paralela ou de falas: Ethan Hunt está sozinho em um submarino abandonado. 

Somos guiados pelo rigor da decupagem de McQuarrie, que constrói tensão a partir da ausência de luz e do uso do cenário, seja na claustrofobia de espaços pequenos ou pelo visual, por meio de objetos em cena que estão desorganizados ou soterrados. Se O Acerto Final difere dos episódios da franquia, pelo menos o cineasta consegue tirar proveito da situação e renova os mecanismos para causar emoções no público, se assemelhando mais ao início comandado por Brian De Palma (diretor do original) do que ao próprio tipo de Cinema, megalomaníaco e maximalista. 

Todo movimento dos agentes do IMF é calculado – pelo menos em grande parte da história -, eles possuem um plano e têm de segui-lo. Em distinção da narrativa criada por McQuarrie nos três filmes anteriores a este, há pouco espaço para improviso. Os espiões precisam agir como o arquétipo de máquina: há uma missão e ela precisa ser cumprida; respeitando algoritmos e sequências. Porém, se em O Acerto de Contas, a Entidade e Hunt eram semelhantes pelo caráter rebelde e intrusivo, ocasião em que a edição construía paralelos da imagem do agente com a narração sobre a IA, neste último capítulo, a diferença não poderia ser mais gritante. Ora um é humano, o outro uma máquina.  

O roteiro de McQuarrie prefere usar a humanidade do espião como bússola e, a partir disso, transformá-lo em um Messias. Quando a provação – e momento de virada na trama – de Ethan Hunt termina e ele, literalmente, é ressuscitado, o filme ganha, novamente, o aspecto enérgico comum. Para vencer o instrumento, é preciso “dar um jeito”, frase eternizada nas últimas aventuras da equipe. Porém, mais do que isso, é necessário ter fé. 

Durante os percalços enfrentados e planejados, as personagens precisam contar com um sentimento que jamais um espião deve ter: confiança. As forças armadas precisam confiar em Hunt, pessoas em espiões desconhecidos que batem à porta e os agentes devem acreditar na sorte. Que o acaso vai salvá-los da morte. Mais do que nunca, na franquia, destino e crença, que andam juntos, são uma resposta ao cálculo frio da IA. Ter fé é um ato de rebeldia em um filme controlado. 

Missão Impossível – O Acerto Final inicia sua trama com a presidenta dos Estados Unidos clamando ao personagem principal para se entregar. Não há mais uma missão para ser aceita. E ao final, Ethan Hunt é santificado ao cair do céu enquanto o público testemunha Grace (Hayley Atwell) indagar “Onde está você, Ethan?”, como um fiel desamparado que ora a Deus. A oitava missão impossível faz com que suas personagens sejam como o espectador: crentes. A Ação só funciona se você acreditar que aquela ilusão imagética capturada por uma câmera e manipulada por muitos profissionais é real. É se permitir abdicar da física real e abraçar o Buster Keaton que há em todos nós – do inocente ao radical. 

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Gabrielli Natividade da Silva 

Depois de Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) ter apagado a memória da existência de Peter Parker (Tom Holland), em Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, e Wanda Maximoff (Elizabeth Olsen) ter libertado a cidade de Westview de sua manipulação, em WandaVision, ambos se encontraram para uma batalha intensa que atravessou universos. Em maio de 2022, foi lançado Doutor Estranho no Multiverso da Loucura, um filme com muita ação e adrenalina, como é de se esperar de uma produção Marvel. A obra, porém,  deixa a desejar, quebrando as expectativas de fãs que estavam ansiosos por esse momento. 

Por dar continuidade ao filme e à série que dominaram o público no ano passado, o longa carrega muita responsabilidade e, por todo o hype criado, não foi difícil arrecadar uma boa bilheteria até agora. No entanto, a nova produção não acompanha o ritmo de suas antecessoras. Enquanto os diretores Jon Watts e Matt Shakman foram capazes de mesclar muito bem a ação necessária a uma história de super-heróis e o desenvolvimento interno de seus protagonistas, o mesmo não pode ser dito sobre Sam Raimi. O cineasta escolheu investir tanto em um visual interessante, sombrio e impressionante ao espectador, que quase não sobrou espaço para os personagens serem apreciados, e suas mudanças de tom acabaram se apresentando de forma rasa e apressada. 

Raimi dirigiu a primeira trilogia do Homem-Aranha e também ficou conhecido por trabalhar em filmes de terror, como O Dom da Premonição, Arraste-me para o Inferno e Uma Noite Alucinante. Toda a bagagem no horror pode ser percebida nas sequências de Doutor Estranho, desde a Feiticeira Escarlate se mostrando uma bruxa quase satânica, até Strange ressuscitando uma variante sua dos mortos e lutando com demônios. Esse apoio no gênero ajuda na aplicação de um tom mais macabro, mas não é realmente necessário e se desloca do perfil da Marvel, sempre eletrizante e contagiante, sem deixar os momentos sérios de lado. O CGI (imagens geradas por computador) também deixou a desejar, o que é um tanto incomum para o MCU – Homem-Aranha: Sem Volta para Casa, por exemplo, chegou a ser indicado ao Oscar de Melhores Efeitos Visuais. O longa de 2022 apresentou erros grotescos e amadores, que dificilmente serão esquecidos, com o principal deles sendo o terceiro olho de Strange, sem esforço nenhum para parecer real. 

Talvez o ponto mais empolgante de todo o roteiro escrito por Michael Waldron seja a inserção da personagem America Chavez (Xochitl Gomez) no universo Marvel. Contudo, seu potencial não foi explorado como era esperado. A garota, vinda do Paralelo Utópico, tem o poder de se teletransportar por universos paralelos. Porém, ter sido separada de suas mães causou um trauma tão grande que ela se sente incapaz de controlar seu dom. Doutor Estranho no Multiverso da Loucura é uma pequena jornada de descoberta para ela, mas, novamente, o ritmo é tão frenético que America só demonstrou algum controle aos quarenta e cinco do segundo tempo, e sua presença foi ofuscada pelo embate entre a Feiticeira Escarlate e o Doutor Estranho. Só nos resta esperar Chavez retornar em uma próxima produção e brilhar como merece.  

Vale lembrar, ainda, que a introdução de America carrega o peso de apresentar uma das primeiras heroínas canonicamente lésbicas do Universo Cinematográfico Marvel. Ela fala abertamente sobre suas duas mães e carrega orgulhosamente um broche com a bandeira LGBTQIA+ durante todo o filme, gerando ataques homofóbicos por parte do público conservador. O filme chegou a ser banido em alguns países, após a Disney ter se recusado a retirar as cenas em que America se abre sobre a sexualidade da família. Apesar da negatividade, Xochitl Gomez não se abalou e segue muito feliz por ser o rosto de uma personagem tão importante. “É muito importante que a America esteja neste filme. É simplesmente enorme. E estou tão feliz que a Marvel se apegou a isso e manteve a cena lá, e é muito louco que eu seja aquela que interpreta a America”, disse a atriz em entrevista para o AsiaOne.

Apesar do longa levar o nome de Strange, quem foi responsável por roubar a cena foi Wanda. Depois de perder seu irmão gêmeo, matar o amor de sua vida e sacrificar sua família, a mulher se perdeu em uma depressão profunda que a transformou. Wanda se tornou a Feiticeira Escarlate, mas entrou em conflito interno entre ser uma super-heroína e uma vilã digna de filme de terror. Ela estava disposta a matar uma variante sua e America, com o auxílio do Darkhold (livro de magia obscura), para se reunir com seus filhos em outro universo, uma consequência de tudo que sofreu. Multiverso da Loucura seguiu a linha de WandaVision e explorou os limites de ética e do maquiavelismo da personagem. Novamente, a Feiticeira abriu mão de suas vontades para fazer o que é certo no último segundo, o que decepcionou quem esperava um desfecho diferente do apresentado na série, mas não deixou de ser interessante de se assistir. O destino de Wanda ainda é um mistério e vale a pena aguardar e ver o que essa figura tão polêmica e complexa vai fazer a seguir. 

Elizabeth Olsen realmente tomou os holofotes para si, mas suas polêmicas envolvendo racismo poderiam ter afundado de vez o projeto. Em entrevistas, a atriz se referiu mais de uma vez à sua personagem como uma “gypsy” (cigana), e o problema está no fato de que o termo racista é utilizado de forma pejorativa para ofender o povo nômade Romani. Vale apontar que Wanda só tem origem Romani nos quadrinhos: o MCU a apresenta como vinda de Sokovia, país fictício no leste europeu. Portanto, não havia motivos concretos para Olsen ter utilizado o termo. Muitos alegam que a artista simplesmente não sabia o peso da palavra quando a usou, porém não foi a única vez que Elizabeth fez discursos preconceituosos na mídia. Após as acusações polêmicas, a atriz excluiu suas redes sociais e declarou que jamais retornaria a usá-las. Com os números de bilheteria do filme, não dá para considerar que o caso foi relevante para boicotar a produção, mas fica o alerta para o tipo de pessoa que a Marvel mantém em seus projetos.  

Infelizmente, a atriz não é o único exemplo desse universo de heróis que apresentou ações problemáticas. Em 2021, Hawkeye se tornou um grande sucesso, mas, além dos fãs indignados, poucos realmente se importaram com o protagonista, Jeremy Renner, retornando ao papel após as acusações de agressão física contra sua ex-esposa. Chris Pratt, estrela de Guardiões da Galáxia, foi outro que se envolveu em polêmicas, a principal delas sendo seu envolvimento com a igreja anti-LGBTQIA+, Hillsong Church, chegando a ser criticado pelo ator Elliot Page. Também estão na lista Letitia Wright, com seu discurso anti-vacina, Paul Bettany, que ameaçou a vida de Amber Heard, Sebastian Stan e seu posicionamento racista e outros. O MCU tem um peso absurdo na indústria dos blockbusters e a maioria (se não todos) os atores introduzidos nas produções se tornam, automaticamente, queridos pelo público. É realmente uma pena que a Marvel continue compactuando com atitudes como essas. 

O último Homem-Aranha lançado foi épico por trazer o encontro entre Tobey Maguire, Andrew Garfield, Tom Holland e seus vilões. O longa foi um acerto no fan service e, sendo assim, não foi inesperado que o segundo Doutor Estranho seguisse a mesma estratégia – mas os resultados não foram tão positivos. As participações especiais ficaram por conta do conselho dos Illuminati, composto por Professor Xavier (Patrick Stewart), Senhor Fantástico (John Krasinski), Capitã Carter (Hayley Atwell), Capitã Marvel (Lashana Lynch), Raio Negro (Anson Mount) e Mordo (Chiwetel Ejiofor), heróis com reputações de ouro e muito queridos.

Infelizmente, a sua presença foi desperdiçada, já que os personagens tiveram pouco tempo de tela antes de serem massacrados a sangue frio pela Feiticeira Escarlate. Foram muitas mortes brutais em sequência e nenhuma delas convence o espectador. É difícil crer que figuras tão emblemáticas cometeriam tantos erros amadores, demonstrando um roteiro preguiçoso e pouco condizente com o que a Marvel trouxe no passado. 

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura entra para a coleção de grandes produções Marvel, com um orçamento extravagante e cenas mais ainda. Apesar de não ser tão aclamado como os anteriores, o longa ainda é interessante para ser assistido numa noite de fim de semana – em junho de 2022, a produção foi adicionada ao catálogo da Disney+. Com alguns acertos e muitos erros, o filme não entra para a história como deveria, então o que resta para os fãs é aguardar que o MCU trabalhe em uma continuação digna e espetacular para realmente levá-los à loucura. 

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Vitória Lopes Gomez

“Tempo, espaço e realidade são mais do que caminhos lineares. São um prisma de possibilidades sem fim, onde uma única escolha pode ramificar-se em realidades infinitas, criando mundos alternativos daquele que você conhece”, narra o Vigia (Jeffrey Wright) ao começo de cada episódio de What If…?. Assim, em sua primeira animação para o streaming, a Marvel revisita mais de 10 anos de produções do estúdio e se arrisca a questionar: “e se momentos cruciais do universo cinematográfico tivessem acontecido só um pouquinho diferente?”. É ponderando a questão e suas implicações que a série antológica explora possibilidades e realidades alternativas, mas só para deixar a pergunta maior sem resposta. E se a Marvel resolvesse mesmo arriscar?

Devidamente introduzidos às inúmeras chances do multiverso desde Loki, que abriu as portas do tal prisma de possibilidades, What If…? usa cada um de seus nove capítulos para distorcer o que já é conhecido. Começando pelo começo, o primeiro episódio imagina o que teria acontecido se Steve Rogers não tivesse se tornado o Capitão América. E se… a Capitã Carter fosse a Primeira Vingadora? coloca a agente Peggy Carter (Hayley Atwell) para tomar o soro do supersoldado, e o grande mocinho dos Vingadores vira coadjuvante para a nova heroína. A temporada já se inicia audaciosa, afinal, os eventos originais que inspiraram a narrativa acontecem em Capitão América: O Primeiro Vingador e a mudança proposta ecoaria em todo o universo da Marvel, já que o surgimento do herói é o pontapé da ordem cronológica dos filmes.

Só que What If…? não vai tão longe: ao longo dos 30 minutos de cada episódio, um arco se inicia e, à princípio, se encerra, sem explorar muito o que vem depois. Nisso, a liberdade que o formato antológico concede favorece as histórias soltas e a série não precisa se preocupar em destrinchar os eventos que seguem. Ainda que estejam inseridos na mesma linha do tempo, os capítulos, aparentemente desconexos um do outro, se desenvolvem em diferentes estilos e agradam gostos diferentes, assim como o estúdio tem feito nos cinemas, e o descontentamento com um não precisa se repetir em outro. No de Peggy, porém, a série já indica o terreno seguro que continuará a seguir. 

Com a nova Primeira Vingadora assumindo o escudo, as consequências poderiam ser incontáveis, mas os resultados finais não são tão ousados quanto prometem. Steve (Josh Keaton) é quem assume a armadura rústica do Homem de Ferro, Bucky (Sebastian Stan) não morre e, consequentemente, não vira o Soldado Invernal, tampouco assassina Howard Stark (Dominic Cooper). A longo prazo, a Guerra Civil que dividiu os Vingadores não aconteceria. Antes disso, talvez nem o Homem de Ferro de Tony Stark existisse, Visão não seria criado e Wanda não chegaria ao ponto de ajudar a abrir o multiverso, o que possibilitou What If…? em primeiro lugar. A série provoca e suscita a imaginação quanto ao futuro só para, já na primeira temporada, minar muitas das possibilidades que cria, usando do discurso repetido de “todos os caminhos levam ao mesmo final”, que o Doutor Estranho comprovou.

Apesar de influenciar o gigantesco universo em comum da Marvel, a série criada por Ashley C. Bradley não corre o risco de arriscar o que a empresa já construiu até aqui e, mesmo assim, segue pelo caminho cauteloso. A temporada aproveita da (aparente) liberdade de não ter uma grande responsabilidade em mãos para, amparada pelas infinitas possibilidades do multiverso, divagar em divertidas aleatoriedades. No segundo episódio, por exemplo, a produção se pergunta o que teria acontecido se Yondu (Michael Rooker) tivesse capturado T’Challa (Chadwick Boseman), e o Príncipe de Wakanda se tornasse o Senhor das Estrelas, ao invés de Peter Quill (Brian T. Delaney). 

Se, por um lado, a linha do tempo é alternativa o suficiente para não arruinar 10 anos de trabalhos cinematográficos, por outro, a série traça paralelos claros com o MCU. What If…? referencia os filmes, recria situações, refaz cenas e diálogos para se encaixarem no novo contexto, e até provoca para uma possível continuação de cada capítulo, como a Marvel sabe bem fazer. No segundo, a sequência do Senhor das Estrelas passeando pelo espaço com o toca fitas em mãos é idêntica a de Guardiões da Galáxia, mas é T’Challa quem a protagoniza. Para não deixar pontas soltas, Quill também faz sua aparição, alheio ao que poderia ter se tornado enquanto trabalha em uma lanchonete.

Como viajar pelo multiverso não é tão simples assim, o desenho animado foi essencial para garantir que os cenários improváveis saiam do papel. Assim como o roteiro da série, porém, o estilo das animações não é chamativo e nada marcante, quando tudo ao nível do estúdio promete ser. Segundo o chefe de desenvolvimento visual da Marvel Studios, Ryan Meinerding, a escolha pela técnica 3D do cel shading foi empregada para refletir os filmes e se inspirar em ilustradores americanos clássicos, em uma homenagem aos quadrinhos. Mais uma vez, a tentativa de se associar aos live-actions do MCU e de não fazer de What If…? algo completamente original e fora da caixa, como a proposta permitiria, desperdiça o potencial da série.

A dublagem também não é novidade e faz o máximo para manter a produção na zona de conforto: com exceção de alguns personagens, como o Homem de Ferro (Mick Wingert), a Capitã Marvel (Alexandra Daniels), a Viúva Negra (Lake Bell), o Homem-Aranha (Hudson Thames) e o Capitão América, os atores dos longas reprisam seus papéis e dão voz às suas versões animadas. Só que poucos deles têm a chance de trabalharem com algo diferente do que fazem à frente das câmeras, já que os heróis mantêm suas personalidades, jeitos e maneirismos até na realidade alternativa. T’Challa e o Vigia são alguns dos únicos que ganham novas facetas.

Participando de dois episódios da temporada, Chadwick Boseman, o intérprete do Pantera Negra falecido em 2020, conseguiu dar uma cara diferente para seu personagem em um deles, quando assume o posto de Senhor das Estrelas. Apesar de manter a essência nobre do vigilante de Wakanda, o ator pode brincar e sair do molde dos filmes, no que foi sua última participação na Marvel. Já o Vigia, dublado por Jeffrey Wright, estreia no universo do estúdio como o narrador onipresente de What If…? e é a única novidade real da série. Assim como nos quadrinhos, ele assiste os acontecimentos sem poder interferir e nos guia através dos desdobramentos do multiverso. Na dublagem brasileira, a maioria dos intérpretes originais também retornam com a versão animada de seus personagens.

Outra vantagem do desenho, que tenta corrigir a falta de personalidade da técnica empregada, são os diferentes gêneros e estilos escolhidos para cada episódio. Enquanto E se… o Doutor Estranho Perdesse o Coração e não as Mãos?, em que Stephen Strange (Benedict Cumberbatch) perde sua amada ao invés do controle das mãos, entrega uma aura sombria e tensa, em E se… Zumbis?, assistimos aos acontecimentos de Vingadores: Guerra Infinita e Homem Formiga e a Vespa se desdobrarem em um apocalipse zumbi. O capítulo reúne novamente os heróis do MCU, desde o Homem-Aranha até Gamora (Cynthia McWilliams) e Okoye (Danai Gurira), para enfrentarem a ameaça juntos, no que é um dos episódios mais divertidos da temporada. Já em E se…  O Mundo Perdesse Seus Heróis Mais Corajosos?, presenciamos Nick Fury (Samuel L. Jackson) falhar em formar os Vingadores, ao longo de 30 minutos cheios de ação e espionagem.

Durante 8 episódios, What If…? levanta as perguntas certas e seu maior erro é justamente respondê-las. Ao final do oitavo e penúltimo capítulo, Ultron (Ross Marquand) vence a disputa pelo corpo do Visão, conquista as seis Joias do Infinito e ameaça a paz através do multiverso, como Aquele Que Permanece (Jonathan Majors, em Loki) havia avisado. A partir daí, tudo o que aconteceu até ali na temporada é retomado exatamente da onde parou: nem o Vigia conseguiu derrotar a Inteligência Artificial e, quebrando sua regra número 1 de não interferir, recruta os protagonistas de cada episódio no momento seguinte ao que cada um se encerrou. Juntos, eles formam os Guardiões do Multiverso e partem para a batalha. 

Já What If…?, a partir do momento que revela que os episódios antológicos estão, na verdade, conectados entre si e construíram juntos o caminho para o grand finale da temporada, esvazia sua própria proposta. A série certamente não foi feita para as salas de cinema, mas não passa do medíocre e joga fora as oportunidades de sua premissa. Ao final, a sinopse sonha mais alto do que a empresa permite e a produção se contenta em apenas reforçar e reaplicar a fórmula Marvel ao longo da temporada. 

Se isso acontecesse só nos episódios, porém, até seria perdoável, já que cada um deles têm começo, meio e fim e funciona de forma independente, com espaço para imaginar dentro de sua própria meia hora de duração. Só que não o fazem o suficiente e, até em uma realidade alternativa, a conclusão é a mesma: após o recrutamento dos Maiores Heróis do Universo, o grupo ruma a batalha, perde, se reúne novamente e, depois de um confronto final, triunfa. Nada de novo através do multiverso da Marvel. 

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Vitor Evangelista

Adaptando a história clássica do início do século XX, o filme explora a relação de um Christopher Robin (Ewan McGregor) já adulto para com sua família, vida profissional e os fantasmas em sua infância simplória na região de Sussex, na Inglaterra. Logo de cara, o filme pinta em tons pastéis as aventuras e enrascadas que Christopher viveu com os companheiros animais quando criança. Tudo do clássico desenho está ali. A mesa de chá, o pote de mel, os pulos de Tigrão.

A direção de Marc Foster, embora um tanto indecisa, acerta o tom da nostalgia, cria um vínculo já existente entre o espectador e as personagens, e faz uso da memória afetiva como principal alicerce no progresso da narrativa. Saindo do conforto da floresta, o longa também é certeiro e incisivo na adequação a seu novo cenário: a esfumaçada Londres do século passado. Uma sucessão de recortes da vida de Robin contam pequenos detalhes de sua vida, como conheceu a esposa, sua ida à Guerra, a ausência no nascimento da filha. Sempre ágil, o filme constrói sua base logo nos primeiros minutos, sem deixar espaço para dúvidas sobre a chegada do ponto A ao B.

No entanto, Christopher Robin não é bem resolvido quanto a que tipo de história quer contar. O longa pode ser dividido em três blocos. No limiar entre a fábula, o genérico dilema família x trabalho e uma estória de superação, o filme acaba não abraçando nenhuma dessas pontas e se torna enfadonho na busca de uma linha que progrida a história. Iremos por partes.

A fábula é o que há de melhor na produção. Tudo que diz respeito ao Bosque dos 100 Acres funciona num uníssono harmônico. A criação de mundo, a escolha de tons acinzentados para a pintura das personagens, a inocência dos animais, tudo redondo e fluído. A textura dos bichos também merece destaque, no meio termo da realidade e do caricato, o filme encontra leveza para contar a história dos habitantes da floresta.

O Ursinho Pooh (voz de Jim Cummings) representa todo o ideal da infância perfeita. Desajeitado, sossegado e sempre faminto, o urso tranquiliza a personagem-título e conduz a linha narrativa, funcionando como a amálgama do mundo real com o Bosque. Todas as cenas de interação de Pooh com Robin são potentes e emocionam.

Ió, ou Bisonho (voz de Brad Garett), é a alma do filme. Melancólico, pessimista e até suicida, o burrinho chama a atenção e rouba em cena em todas as tiradas passivo-agressivas que compõe seu roteiro. Tigrão (também dublado por Cummings) desempenha um papel unidimensional e, dentre os bichinhos, é o que mais se caracteriza num papel de coadjuvante.

Os demais animais da floresta, Leitão, Corujão, Can, Guru e Abel, são bem derivativos, apresentam cenas interessantes, mas não recebem destaque. Um desfavorecimento nesse sentido é a falta de uma conversa entre Christopher e Can, por exemplo, sobre o valor da família. Assunto esse que reverbera Robin durante as quase duas horas de filme.

Partindo para o núcleo humano, o longa não tem nem vergonha de desenhar a família de Robin da forma mais genérica e previsível possível. Hayley Atwell interpreta Evelyn, esposa do protagonista, e é extremamente mal aproveitada. Uma atriz desse calibre ser subutilizada numa trama batida, sem qualquer emoção ou vulnerabilidade realmente abaixa o nível de grandiosidade da produção.

O mesmo vale para a participação de Bronte Carmichael como Madeline, a filha do casal. Sem sal, com um arco mal desenvolvido e tardio que envolve tanto um descaso por parte do pai quanto a saudade que a pequena sente dessa figura em sua vida.

Nem mesmo a persona magnética de Ewan McGregor consegue dar uma luz aos humanos da produção. O ator trabalha bem a dualidade da personagem, a confusão que sente ao não conseguir dar o melhor de si em tudo que desempenha. Há aqui um homem perdido emocionalmente, que começa a encontrar o norte quando Pooh retorna a seu convívio, colocando-o de volta nos trilhos, meio abruptamente, mas isso se pode relevar

A terceira parte do longa, a mistura imperfeita entre os blocos anteriores, amarga a boca. Por um lado é mágico ver todo o crescimento de Robin depois de encontrar os velhos amigos, porém, a contrapartida disso é a questionável decisão de uniformizar a aparição dos bichos. Aqui, todo e qualquer indivíduo pode ver os habitantes do Bosque, tirando assim toda a mágica que os permeava em antigas adaptações.

No fim, conseguindo aludir às fábulas de A. A. Milne (o criador de Pooh), Christopher Robin: Um Reencontro Inesquecível aquece corações e relembra os espectadores adultos das doces experiências e aventuras da infância, mas é falho na tentativa de conectar seu público com qualquer elemento que não seja peludo ou dotado de uma inocência pueril e viva numa floresta encantada.

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