Guilherme Machado Leal

Quando chegou às telonas em 2006, High School Musical iniciava – ao lado de Hannah Montana e Zack & Cody: Gêmeos em Ação, séries de 2005 – uma nova era no Disney Channel. Há 20 anos, o amor entre o capitão do time de basquete da escola East High e a aluna recém chegada na cidade de Salt Lake abriu portas para uma trilogia que abordaria o crescimento da juventude, a busca pelos sonhos e o encontro da sua melhor versão. 

Um mesmo ambiente, inúmeros grupos sociais, aulas das mais variadas matérias, tudo isso compõe o cenário escolar do filme. Assim como na cadeia alimentar, cada aluno foi designado a uma função. Se você gosta de esportes, tem duas opções: ser um(a) líder de torcida ou se juntar aos times do colégio. Caso sua vocação seja qualquer tipo de arte, o grupo de teatro é o ideal. E para aqueles que amam as matérias regulares, entrar em sessões de estudos garante a ida para uma faculdade de nome.

É nesse contexto que se encontram os seis personagens principais do longa-metragem dirigido e coreografado por Kenny Ortega. Troy Bolton (Zac Efron) é o homem mais popular do lugar. Semelhante à relação que fãs possuem com jogadores, naquele território quem manda são os Wildcats – o time de basquete. Enquanto isso, Gabriella Montez (Vanessa Hudgens) é a aluna com um desempenho acadêmico perfeito. No entanto, há um universo que foi aberto tanto para a moça quanto para o rapaz: o da música. O primeiro contato entre eles acontece na noite de Ano novo, quando os dois performam Start of Something New, em uma festa antes mesmo das aulas retornarem. A partir disso, um vínculo que se desenvolverá ao longo da trilogia foi criado dentro dos dois.

O número Stick To The Status Quo exemplifica a máxima da obra. Embora tenha um leque de especialidades para os estudantes, entendemos que o East High é um lugar para os alunos serem quem os pais e os amigos gostariam que eles fossem. “Faça aquilo que você sabe” é uma das traduções do título da canção e, se ancorada ao momento em que Ryan (Lucas Grabeel) e Sharpay Evans (Ashley Tisdale) gritam “Temos que colocar as coisas de volta no lugar delas”, percebemos o padrão levado à risca naquele universo. É como se não existisse espaço para se arriscar, mesmo vivendo em um ambiente próprio para o seu desenvolvimento pessoal e profissional.

Assim como no esporte, o mundo dos talentos artísticos também possui competições. Os irmãos Evans estrelam todos os musicais administrados pela Sra. Darbus (Alyson Reed), mas têm o seu reinado ameaçado com a possível inscrição de Troy e Gabriella para a peça de inverno. Muito antes das adaptações de heróis com uma roupagem que ia à direção oposta do maniqueísmo, os ‘vilões’ de High School Musical já tinham suas camadas dissecadas e eram amados justamente pelas imperfeições.

Há quem considere Sharpay invejosa; há quem a veja como um ícone incompreendido. Na produção, o sexteto adota características e opiniões diferentes dos fãs dependendo do ponto de vista analisado. Aqui, os dilemas, as ações e os sonhos dos personagens estão distantes de serem retratados de maneira banal. Na verdade, o anseio pelo futuro e a forma como eles irão chegar até lá são os combustíveis dessa corrida maluca que é o ensino médio. Chad Danforth (Corbin Bleu) e Taylor McKessie (Monique Coleman), assim como os seus amigos, são de mundos diferentes, porém juntos, tentam separar Troy e Gabriella.

No pensamento do aluno médio do East High, as coisas não se misturam. Ao passo que Chad deseja ser um atleta para além das quadras da escola, Taylor tem o foco de se tornar Presidente dos Estados Unidos. A aliança incomum gera questionamentos sobre o papel da dupla enquanto amigos: “Será que eles são tão diferentes dos Evans?”. A possibilidade de escolher, tentar, cair e levantar, assim como em qualquer outra época da vida, é inegociável ao ser humano. Crescer tem dessas: tentamos aqui, conseguimos ali, finalizamos um capítulo e iniciamos outro. Apesar disso, no final, podemos dizer que vivemos. 

Dessa forma, impedir os dois protagonistas de explorarem outras áreas dentro de si mesmos é evidenciar a própria limitação dos personagens ao redor. Em Breaking Free, o dueto do atleta com a estudante, os versos mostram a mudança do casal: agora, eles não têm mais medo. Pelo contrário, batem no peito e entoam no refrão: “Estamos nos libertando!”. Já We’re All in This Together, faixa que encerra o primeiro filme, pontua assertivamente o aprendizado daqueles alunos.

“Eu finalmente entendi (sim, sim)/Que todos os nossos sonhos (uh) não têm limitações” – We’re All in This Together

Após 20 anos, o legado de High School Musical segue memorável e fresco como um vento em um dia quente. As vocações e crises existenciais daqueles seis adolescentes dialogam com aquela geração e com as próximas. Ter obras que te ajudam a ser um jovem em construção é muito especial, mas crescer com as produções dirigidas por Kenny Ortega é melhor ainda. Quem deles seis você é? Não importa! Nessa trilogia, há lugar para todo mundo. Como Troy Bolton, símbolo da intersecção desses dois mundos (o esporte e as artes), disse no discurso de formatura de High School Musical 3: “uma vez um Wildcat, sempre um Wildcat”. Nunca se esqueça, estamos juntos nessa.

O post Há 20 anos, você também queria ser um Wildcat com a estreia de High School Musical apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Flávia Ferracini

Em 2004, a Disney Channel já buscava sua próxima grande aposta para o público adolescente: uma série capaz de unir identificação e fantasia, dois pilares fundamentais da cultura jovem. A proposta parecia simples, mas carregava um potencial narrativo poderoso: contar a história de uma garota que vivia entre dois mundos, equilibrando a vida comum com o estrelato. O piloto foi gravado em 2006, porém a equipe criativa ainda não se sentia completamente convencida. Faltava algo que conectasse verdadeiramente a personagem ao público. Foi nesse momento que o acaso, ou talvez o timing perfeito, entrou em cena.

Miley Cyrus já havia tentado o papel dois anos antes da estreia da obra, enviando fitas de audição quando ainda era considerada jovem demais para o perfil buscado. Em 2006, recebeu um novo chamado, desta vez para um teste presencial. Há algo quase mítico nesse momento: Miley chega vestindo uma camiseta com a frase “eu deveria ter meu próprio programa de TV”. O gesto, que poderia parecer apenas ousadia adolescente, hoje soa como prenúncio. Sua performance não apenas garantiu o papel, como também redefiniu o projeto. A personagem, inicialmente chamada Zoe Stewart, foi renomeada como Miley – um reflexo direto da impossibilidade de separar intérprete e criador.

No dia 24 de março de 2006, estreou Hannah Montana. Mais do que o lançamento de uma nova série, aquele momento marcou o início de um dos maiores fenômenos culturais da televisão infanto juvenil dos anos 2000. A premissa da vida dupla – Miley Stewart, adolescente comum, e Hannah Montana, pop star mundialmente famosa – capturava um desejo coletivo: o de viver simultaneamente o extraordinário e o cotidiano, sem abrir mão de quem se é. A icônica peruca loira não era apenas um elemento de figurino, mas um símbolo visual dessa divisão identitária que, ao longo dos anos, se tornaria ainda mais significativa. 

A lógica da peruca tinha uma força assim como os óculos de Clark Kent, a máscara de Peter Parker ou a dualidade entre Bruce Wayne e seu alter ego.  Essa transformação de Miley em Hannah operava a partir de um código simples, quase ingênuo, mas profundamente simbólico. Bastava um acessório para criar outra versão de si e, com ela, uma nova forma de existir no mundo. No caso de Hannah Montana, essa lógica ganhava ainda mais força por não estar associada a superpoderes, mas a algo mais próximo da realidade.

Dentro da narrativa, o segredo da protagonista era protegido por um círculo restrito, composto por seu pai, interpretado por Billy Ray Cyrus, e seu irmão Jackson, vivido por Jason Earles. Com o tempo, seus melhores amigos, Lily (Emily Osment) e Oliver (Mitchel Musso), descobrem a verdade e passam a compartilhar não apenas o segredo, mas as consequências emocionais de mantê-lo. Essa dinâmica constrói uma rede de apoio que humaniza a narrativa, mostrando que, por trás do glamour, existe sempre uma tentativa constante de pertencimento.

Exibida entre 2006 e 2011, a série se consolidou como uma das franquias mais bem-sucedidas da história do canal. Com episódios que chegaram a ultrapassar 10 milhões de espectadores nos Estados Unidos, Hannah Montana não apenas dominou a audiência, mas expandiu sua presença para além da televisão, criando um ecossistema de trilhas sonoras, produtos licenciados, turnês internacionais e um longa-metragem. Esse modelo ajudou a redefinir a forma como o entretenimento juvenil era produzido e consumido, borrando as fronteiras entre ficção e realidade e transformando Miley Cyrus em uma estrela global.

O impacto cultural também se manifesta na forma como ela antecipou discussões contemporâneas sobre identidade e performance. A ideia de viver entre duas versões de si mesma ecoa diretamente na lógica atual das redes sociais, onde a construção de persona se tornou parte essencial da experiência digital. Muito antes dos influenciadores e da curadoria de imagem online, a pop star já apresentava, de forma acessível, o conflito entre quem somos e quem mostramos ser.

No campo estético, o legado também é evidente. O closet secreto, as roupas com glitter, os figurinos exagerados e a peruca loira se tornaram símbolos de uma era. Essa estética, muitas vezes associada ao exagero do pop dos anos 2000, retorna hoje como referência nostálgica, influenciando tendências de moda e comportamento. Mais do que isso, representa um momento em que a expressão individual podia ser, ao mesmo tempo, lúdica e aspiracional. Musicalmente, a série também ultrapassou as expectativas de um produto voltado ao público teen. Canções como Nobody’s Perfect, I’ll Always Remember You e Ordinary Girl carregam, sob uma camada pop acessível, temas como crescimento, imperfeição e busca por identidade. Esse equilíbrio entre leveza e profundidade contribuiu para que a trilha sonora da série se mantivesse relevante ao longo dos anos, atravessando gerações.

Assistir a Hannah Montana nunca foi uma experiência passiva. Havia um pacto silencioso entre a personagem e o público. Ao longo dos episódios, sentíamos que também éramos guardiões daquele segredo. Admirávamos a loira, com todo o brilho e reconhecimento que a fama trazia, mas nos víamos em Miley, nas suas inseguranças, nas escolhas difíceis e na tentativa constante de equilibrar expectativas externas e desejos internos.

Essa dualidade se estendia também às relações afetivas da personagem. Ao longo da série, o público acompanhou seus envolvimentos amorosos, especialmente com Jake Ryan (Cody Linley) e Jesse (Drew Roy), criando torcidas que refletiam não apenas preferências românticas, mas interpretações diferentes sobre quem Miley realmente era, ou quem deveria ser. Esses relacionamentos funcionavam como extensões do conflito central da série: qual versão de si mesma deveria prevalecer?

Em 2009, esse conflito ganhou novos contornos com Hannah Montana: O Filme, que leva a personagem de volta às suas raízes e aprofunda a discussão sobre pertencimento e autenticidade. Paralelamente, o fenômeno se consolidava nos palcos como com a Best of Both Worlds Tour, eternizada no filme-concerto Hannah Montana & Miley Cyrus: Best of Both Worlds Concert, que capturou a dimensão global da franquia e a conexão intensa com o público.

Enquanto isso, fora da ficção, Miley Cyrus começava a afirmar sua própria identidade artística. O lançamento de Can’t Be Tamed, em 2010, marcou uma ruptura significativa com a imagem construída ao longo dos anos. A recepção foi polarizada, evidenciando a dificuldade do público e da indústria em aceitar a transição de uma artista que crescia diante das câmeras e buscava redefinir sua narrativa. O encerramento da série, em 2011, cristaliza esse processo. Ao retirar a peruca e revelar sua identidade em rede nacional, Miley Stewart encerra simbolicamente a divisão entre suas duas vidas. A cena, profundamente emotiva, representa não apenas o fim da série, mas o fechamento de um ciclo para milhões de espectadores que cresceram acompanhando essa jornada.

Nos anos seguintes, Miley Cyrus se distanciou da imagem de Hannah Montana, e a própria Disney também buscou reforçar essa separação. Durante um período, parecia necessário romper completamente com o passado para que uma nova identidade pudesse emergir. A artista chegou a revelar que, após deixar o canal, sequer tinha permissão para cantar as músicas da personagem e que, naquele momento, isso já não fazia sentido dentro da identidade que tentava construir. Mais do que rejeitar Hannah, Miley parecia precisar existir fora dela.

Ainda assim, mesmo no auge desse distanciamento, a relação nunca foi completamente rompida. Em 2021, no aniversário de 15 anos da série, Miley publica uma carta aberta diretamente para Hannah Montana, e o tom já não é de rejeição, mas de confronto e reconhecimento. Ao escrever que, embora Hannah fosse vista como um alter ego, houve um tempo em que ela “tinha mais identidade em sua luva” do que a própria Miley, a artista explicita o desequilíbrio entre persona e indivíduo. A metáfora se aprofunda quando descreve essa relação como uma troca: Hannah ofereceu fama, enquanto ela cedia anonimato. E talvez o trecho mais simbólico venha na imagem do foguete, uma força que a impulsionou até a lua, mas nunca a trouxe completamente de volta, revelando o impacto irreversível dessa personagem em sua trajetória.

Com o tempo, essa relação passou por um processo de ressignificação. O que antes era afastamento se transformou em reconhecimento. Em 2024, aos 31 anos, Miley Cyrus se tornou a artista mais jovem a receber o título de “Lenda da Disney”. Em seu discurso, reconheceu publicamente a importância de Hannah Montana em sua trajetória e afirmou que continua orgulhosa de ter sido a personagem, não mais como algo a ser superado e sim como parte essencial de quem se tornou. O momento simbolizou uma reconciliação e um reencontro entre passado e presente.

Esse movimento se projeta diretamente no presente. Ao comentar sobre a celebração dos 20 anos da série, Miley expressa o desejo de que os fãs “se sintam vistos”, como se, ao olhar para Hannah Montana, cada pessoa pudesse reconhecer uma parte de si: ser visto é existir plenamente, o reencontro com essa história deixa de ser apenas nostalgia e se transforma em validação, não só da personagem, mas de toda uma geração que cresceu entre versões de si mesma.

Duas décadas após sua estreia, Hannah Montana permanece como um marco cultural, não apenas pelo sucesso que alcançou, porém pelo impacto duradouro que deixou. E, como toda história que se recusa a terminar, esse ciclo encontra agora uma nova continuidade com o especial de 20 anos que será lançado no Disney+, no dia 24 de março de 2026, revisitando memórias, personagens e significados que atravessaram o tempo.

Talvez esse seja o verdadeiro legado de Hannah Montana: nos ensinar, ainda muito jovens, que não precisamos escolher entre versões de nós mesmos. Que é possível existir nas contradições, nos excessos e nas transformações. E que, no fim, o melhor dos dois mundos sempre foi, e continua sendo, simplesmente ser quem somos. E talvez isso vá além da ficção: a própria Miley Cyrus, não a personagem, mas a artista, também passou por esse processo diante do público, se reinventando, rompendo expectativas e construindo uma identidade única e muito forte. No fim, Hannah ensinou, mas Miley viveu e isso torna esse legado ainda mais real e potente.

O post 20 anos de Hannah Montana: o segredo que uma geração inteira guardou apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Nathalia Tetzner

Vestindo a carapuça, ou melhor, o manto dourado que encobre as divas do pop traídas, Miley Cyrus começou 2023 colocando o pé na porta da casa em que o ex-marido a traiu com 14 mulheres e com a passagem comprada para uma férias de verão sem fim. Acontece que ambos se provaram uma ilusão: as estatísticas foram inventadas pelos fãs, devotados em trazer Cyrus de volta ao topo, e a tão sonhada celebração de uma das vozes mais potentes da geração com o disco Endless Summer Vacation chegou ao fim antes mesmo de começar, se tornando apenas uma daquelas noites quentes em que o frio parece dominar o psicológico.

Se, em 2016, Beyoncé perdoou Jay-Z somente depois de humilhá-lo publicamente com o aclamado Lemonade, hoje, as paradas musicais voltam a dar voz ao despertar feminino. Ao lado de Shakira com BZRP Music Sessions #53, a eterna Hannah Montana tomou o controle da narrativa com Flowers, composição que utiliza dos acordes de When I Was Your Man, sucesso do Bruno Mars, para contrapor a perspectiva masculina de um relacionamento. Dessa vez, as artistas não estão nem um pouco interessadas em segundas chances, afinal, “Uma loba como eu não é para novatos” e “Eu posso me amar melhor do que você pode”.

O problema é que a primeira faixa liberada de Endless Summer Vacation tocou o suficiente na rádio para grudar na cabeça feito chiclete até a exaustão e levantar falsas esperanças nos fãs de Miley Cyrus, os ‘smilers’. Afinal, a estética atraente do videoclipe, o cabelo descolorido pela metade e a postura confiante da cantora não deixavam sinais de que a era seria marcada pelo descaso dela e de sua nova gravadora, a Columbia Records. Ao compilar as sonoridades exploradas ao longo da carreira de Cyrus, o disco caiu na mesma premissa arriscada do Midnights de Taylor Swift: no fim, o sentimento que fica é de que nem tudo é realmente novo.

Para o mundo, acostumado com as mudanças bruscas do modo como a intérprete de Wrecking Ball canta e age, o projeto de verão não construiu uma identidade visual acompanhada de uma nova persona e muito menos trouxe a experiência calorenta da estação para além da capa fotografada por Brianna Capozzi, uma arte extasiante por representar o que deveria ser a fase de transformação da camaleoa. Talvez, essa elaboração de uma Miley Cyrus pela metade explique porque os veículos especializados tradicionais, antes intensamente críticos, tenham finalmente comprado uma ideia dela por completo.

Então, quais são as melodias que caracterizam o que seria a proposta ideal de Endless Summer Vacation? Em meio a quarenta minutos, o ápice é atingido quando um sabor adocicado toma conta da boca ao passo em que Cyrus enuncia o título do álbum em Rose Colored Lenses, composição que esbanja uma luxúria sem culpa. Para fazer companhia à sensação de desejo, o teor refrescante de Handstand teleporta o público para uma dimensão sensual e futurística. No entanto, a viagem percorre rumos inesperados com a lábia e o duplo-sentido da diva do pop em River, canção que convida todos para uma dança eletrizante na chuva. 

A decepção logo volta a tocar com as faixas que soam como descartes dos demais itens da discografia de Miley Cyrus. O principal responsável por tal atrocidade é Kid Harpoon, produtor musical acostumado a trabalhar com Harry Styles e Shawn Mendes. Aparentemente, nem ele, a gravadora ou, até mesmo, a cantora, entenderam o que ela quis dizer ao anunciar o disco como “uma carta de amor a Los Angeles”. Provas disso são Wildcard, Wonder Woman e Thousand Miles, acordes e letras que, apesar de conquistarem, parecem terem saído direto da tracklist de Younger Now (2017).

Seguindo nessa onda de músicas desatualizadas, You aparece como uma assombração e totalmente fora de contexto por já ter sido apresentada aos fãs durante a era de Plastic Hearts (2020). No mesmo tom de ‘reviver é viver’, a parceria aguardada com Sia, Muddy Feet, é experimental o suficiente para integrar o Bangerz (2013). Por outro lado, mesmo no caos, existem salvações: Violet Chemistry atinge em cheio a nostalgia à la Dua Lipa; Island resgata a brisa e paixão de Madonna em La Isla Bonita; e Jaded apresenta um rock depreciativo com notas efervescentes de guitarra.

De um total de 12 músicas, Endless Summer Vacation é devidamente representado em apenas metade delas. Salvo o grande sucesso comercial de Flowers, a era foi marcada por descasos que variam desde a divisão nada convincente dos atos em AM (dia) e PM (noite), até a falta de divulgação com as raras performances, entre elas, o especial disponibilizado no streaming Disney+. Persistente, Miley Cyrus deve lançar um segundo volume do álbum, mas, por enquanto, o que nos resta é esperar que, dessa vez, as férias de verão sem fim da cantora não sejam somente um pedaço de sol em uma manhã de inverno ou terminem cedo demais.

O post As férias de verão sem fim de Miley Cyrus terminaram cedo demais apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Jho Brunhara

Lorde é imprevisível. Após o Pure Heroine, era difícil imaginar que ela cantaria sobre festas e um coração partido, mas contrariou as expectativas e fez nascer o precioso Melodrama. Quatro anos depois, um casulo na maritimidade da Nova Zelândia e uma viagem para a Antártida, Solar Power está entre nós. Vamos ser sinceros: Ella Yelich-O’Connor se colocou numa posição difícil. Como superar o antecessor? Como manter o posto de voz da geração? A resposta vem através de um álbum que não quer ser nada disso. “Se você está procurando por uma salvadora, bom, não sou eu”.

A pressão constante de ser uma celebridade-deusa desde os 16 anos, aqui, persevera na mente da neozelandesa. Lorde revisita temas que já tinha refletido no Pure Heroine, mas, dessa vez, sendo parte central da realeza. E, no melhor jeito Hannah Montana de ser, implora pela chance de poder conciliar sua vida como artista mundialmente famosa e apenas uma garota comum, que quer aproveitar sua vida mundana e familiar em praias paradisíacas do Pacífico. 

O que chega primeiro aos ouvidos é a produção de Jack Antonoff. O vocalista de Bleachers é um gênio, vide Melodrama, mas, aqui, não parece alcançar o máximo de seu potencial. Ou será que estamos saturados dos dedinhos mágicos de Antonoff? Desde 2019, já ouvimos suas guitarras acústicas em Lover, e em Norman Fucking Rockwell!, e em folklore, e em evermore, e em Chemtrails Over The Country Club, e em Daddy’s Home, e em Sling, e em Take the Sadness Out of Saturday Night, e, agora, em Solar Power.

É inconcebível imaginar que, depois de ser jogado como peteca de um disco para outro nos últimos três anos, o produtor não ia misturar as bolas aqui e ali, repetir epifanias e não ser capaz de estabelecer fronteiras. Até a pessoa mais criativa do mundo tem seus limites. Apesar da insolação, a instrumentação ainda funciona, e homenageia o folk psicodélico e pop dos anos 2000 embalado por violões.

Se enjoamos de ler e ouvir sobre o ex-membro do fun., o caso de Lorde é o completo oposto. Ativamente longe de qualquer rede social desde a metade de 2018, todo o contato com o mundo exterior passou a ser através de raros e longos e-mails aos inscritos de sua newsletter, hoje, batizada de Boletim do Instituto Solar Power. Aproveitando do privilégio de se manter offline – sonho de todos aqueles que não aguentam mais o mundo digital mas não podem se dar ao luxo de se desconectar totalmente –, teve a oportunidade de ficar imersa em seu pequeno paraíso oceânico. 

Protegida por uma natureza exuberante, ruas seguras e um país que controlou rapidamente e de forma eficaz a pandemia do covid-19, Lorde pôde florescer debaixo do sol. Até a sua passadinha na Antártida deixou claro para ela que realmente odeia o inverno e não suporta o frio. O álbum se divide entre momentos triviais, como pegar uma praia com os amigos e amar seu cachorro, até a apreensão com o planeta pelas mudanças climáticas e dúvidas sobre seu próprio futuro.

Quando a inspiração se enche de questionamentos do que fazer e de quem ser, Ella não parece se importar muito em ter a resposta. Ainda que os comentários sociais sejam inevitáveis nas suas canetadas – Mood Ring é uma sátira à la The Fear sobre a cultura good vibes gratiluz –, a pretensiosidade de ter a última palavra, aqui, dá lugar para alguém que cresceu e aprendeu a apenas viver. O poder dos elementos naturais também deixou sua poesia mais sóbria e introspectiva, e humilde para admitir suas agonias internas mais vulneráveis. “Eu achei que era uma gênia, mas […] está começando a parecer que tudo que eu sei fazer é colocar uma roupa e subir num palco”.

Por mais que Lorde não queira o peso nos ombros de ser a salvadora de seu culto, ela parece não conseguir se desvencilhar totalmente da própria maldição. A faixa-título deixa escapar que, mesmo ainda tentando se encontrar, ela tem ideia de onde quer estar e nos convida para acompanhá-la. No fundo, Ella sempre vai precisar conviver com seu poder influenciador. Ela brinca sobre ser um “Jesus mais bonito”, mas, sinceramente, a iconoclastia nunca esteve tão fora de moda, e as celebridades são os santos do século 21. 

Enquanto Pure Heroine se apresentou como revelador e Melodrama visceral, Solar Power abre espaço para ser descontraído e menos mágico. Ainda assim, bom. Porém, em momentos soando brando demais, algo que faz sentido em seu universo de um dia preguiçoso de verão, mas que contrasta com a intensidade que já vimos Lorde alcançar, mesmo em canções sutis. 

Se agora sair de casa e aproveitar a vida ainda parece uma sugestão desconcertante, ao caminho que a pandemia perder força e finalmente a normalidade se aproximar – sendo otimista em relação às variantes –, o álbum tenderá a fazer mais sentido no pensamento coletivo. No momento, pode ser um pouco difícil aceitar a felicidade alheia das regalias de se ter tempo livre, um governo bom ou uma população vacinada, e não parece justo culpar aqueles que acharem a mensagem do disco gratuita demais ou no timing errado. Afinal, experiências individuais naturalmente afetam a percepção subjetiva da arte, ainda mais em um momento histórico como esse, de desigualdade acentuada. 

Solar Power é um longo dia de verão, e transita entre a brisa amena da manhã, raios a pino do meio-dia, a melancolia do pôr do sol e o mormaço do anoitecer. Lorde usa o Astro como musa para contar uma história tão antiga quanto o tempo, e, principalmente, se permitir crescer para longe de seus traumas e refletir sobre seus anseios, enquanto aceita a felicidade das coisas simples, mesmo que custe o orgulho de seu passado como gênia irrevogável. Esse é um álbum que é menos sobre o transcendental e mais sobre o ordinário, como uma flor qualquer que desabrocha no mato à beira da praia, singela quando comparada à espécies raras e deslumbrantes, mas, ainda assim, uma flor.

O post Solar Power: Lorde não se importa mais em estar certa apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vinícius Santos

Here we go everybody! Quem nunca se divertiu cantando a música de abertura e se imaginando vivendo o melhor dos dois mundos? Não é novidade que Hannah Montana foi um sucesso fenomenal. A franquia, que completa 15 anos em 2021, foi criada por Michael Poryes, Rich Correll e Barry O’Brien e conseguiu render ao canal de TV Disney Channel onze DVDs, dezessete discos, dois filmes, vinte e quatro livros e seis jogos eletrônicos oficiais, além de ser indicada a 4 prêmios Emmy. 

A série foi lançada no dia 24 de março de 2006 e se baseia em uma história ficcional sobre uma garota comum que, em segredo, vive uma vida dupla como super estrela do pop. Como qualquer outro sitcom da emissora, Hannah Montana se constrói através da vida cômica da protagonista, amigos e família e envolve uma situação-problema para cada episódio – mesmo assim, há uma narrativa prolongada que permeia toda a série, construindo um arco com começo, meio e fim. 

É exatamente essa trama principal que consegue prender o público e justifica o sucesso extraordinário que a protagonista Miley Stewart, interpretada por Miley Cyrus, conseguiu conquistar pelos 4 anos de exibição. Os personagens são cativantes e te prendem a uma atenção inexplicável, sem contar as músicas que não saem da nossa cabeça, como a faixa de abertura, The Best Of Both Worlds, e, quando o fazem, vão e tocam direto o nosso coração, a exemplo de Wherever I Go ou I Will Always Remember You.

Na série, Miley, com apenas 13 anos na época, vive com seu irmão, Jackson Stewart e seu pai, Robby Ray Stewart, interpretados por Jason Earles e Billy Ray Cyrus, respectivamente – inclusive Billy também é o pai de Miley na vida real. Já na trama, a jovem é uma estudante comum, com problemas comuns, relacionamentos que não funcionam, que tem que lidar com as notas da escola e enfrenta problemas básicos dos adolescentes estadunidenses, junto de seus melhores amigos Lilly (Emily Osment) e Oliver (Mitchel Musso). Ao mesmo tempo, Miley também precisa lidar com um grande segredo: ser uma estrela do pop com o codinome de Hannah Montana.

O enredo consegue usar e abusar de todo o crescimento e mudança da vida de Miley e em como ela começa aprender a conciliar e equilibrar seu dia a dia dividido. Entretanto, é importante ressaltar o salto de maturidade que a série sofreu entre as três primeiras e a quarta temporada, intitulada Hannah Montana Forever. Enquanto nos três primeiros anos o foco é mostrar o desenvolvimento da personagem durante sua vida dupla através de situações diferentes e engraçadas como Miley e Hannah a cada episódio, no último a coisa é um pouco diferente. 

No quarto ano do seriado, nós já podemos ver uma Miley mais focada na nova fase de sua vida, se formando na escola e iniciando um novo relacionamento. Esse, inclusive, passa a arriscar a identidade dupla da personagem, e acaba fazendo com que ela comece a repensar e se desprender um pouco de sua segunda face, resultando, enfim, na revelação de seu segredo. A história, porém, não acaba por aí, porque nos últimos episódios da série o enredo gira em torno da dificuldade da protagonista em levar sua vida depois da convergência de ambas suas personalidades.

A série durou entre os anos de 2006 a 2010, e assim como na vida real, a história era contemporânea à realidade. Com isso, nós podemos notar ao longo do enredo a introdução de elementos da modernidade à medida que o tempo passa, além de algumas mudanças nos visuais das personagens, como, por exemplo, os aparelhos telefônicos e os cabelos e roupas marcantes de Hannah.

E a Disney soube bem se aproveitar disso. O universo criado pelo canal começou a sair da televisão e procurar outros novos meios de se expandir. A primeira grande jogada foi o lançamento das trilhas sonoras da série. Isso fez com que Hannah Montana se tornasse uma artista real, como todas as outras, com álbuns e músicas consolidadas. O feito ajudou a aumentar o apreço dos telespectadores. Agora as crianças não a viam mais como um sonho inalcançável e tentavam ter a vida que ela tinha, e os produtos lhes ajudavam a saciar essa vontade.

Logo depois, a carinha de Miley Cyrus com peruca não saia das nossas cabeças. Qualquer empresa que se prezasse lançava linhas da marca de Hannah Montana, fazendo com que a estrela se transformasse em umas das produções transmidiáticas de maior influência entre as crianças e adolescentes do mundo. 

Falando sobre as expansões de conteúdo da série, temos aqui, talvez o que mais fez sucesso e foi o mais conhecido pelo público: Hannah Montana: O Filme. A obra traz novos rumos à história de Miley e mostra suas raízes, que, inclusive, já haviam sido citadas na série, mas nunca aprofundadas. 

No longa,  dirigido por Peter Chelsom e escrito por Dan Berendsen, a protagonista volta para o estado em que nasceu, Tennessee, e encontra novas dificuldades para manter sua identidade como superestrela em sigilo. Aqui podemos nos aproximar mais das origens dos Stewart e da relação de Miley com seus familiares, mostrando como sua vida dupla pode afetar diretamente seus comportamentos e costumes. O filme resultou em uma das músicas mais populares e emocionantes da franquia, The Climb.  

No final, a identidade de Hannah Montana acaba sendo revelada em meio a todos os moradores da cidadezinha, mas, em uma reviravolta surpreendente, todos ali – isso mesmo, TODOS – decidem manter isso em segredo. Entretanto, parece que os telespectadores não se incomodaram muito com esse show de irrealidade, porque o sucesso do filme foi tão grande que o CD com a trilha sonora alcançou o primeiro lugar na Billboard 200.

Antes disso, a “carreira” de Hannah já estava nas alturas. O primeiro disco com músicas da série totalizou 281 mil cópias vendidas na semana de estreia. O álbum se tornou o primeiro proveniente da TV a alcançar o topo das listas de tendências dos EUA. Em junho de 2007, o segundo CD chegou ao primeiro lugar da Billboard 200 e ganhou o certificado Platinum pela RIAA após 3 milhões de cópias vendidas.

Depois, foi a vez da turnê Best of Both Worlds. Considerada um marco, talvez a transmidiação que a gravadora mais investiu, a turnê contou com uma apresentação de Miley sozinha e uma de Miley e Hannah Montana juntas, tudo isso com o uso de projeções no palco. Os ingressos se esgotaram em minutos e mais shows tiveram de ser agendados. Finalmente a Disney conseguiu o que tanto queria: a turnê acabava de lançar, oficialmente, a atriz como cantora pop e influência entre os jovens. 

Não é por menos que Hannah Montana conquistou a todos e todas e se tornou o sucesso que foi. Os gêneros de comédia, musical e drama acentuaram ainda mais a narrativa e logo influenciaram muitas séries infanto-juvenis que viriam depois dela, como Austin e Ally, por exemplo. O interessante é que, mesmo depois de 15 anos, Hannah Montana ainda é uma referência do pop e um grande marco para a história dos sitcoms. Mas só mesmo Miley Stewart soube como viver o melhor dos dois mundos!

O post 15 anos do melhor dos dois mundos de Hannah Montana apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.