Vitória Lopes Gomez

“Essa é uma história real” é a frase que ocupa a tela enquanto Mohamedou Ould Slahi, interpretado por Tahar Rahim, caminha em uma praia no que seriam seus últimos momentos de liberdade por 14 anos. O quarto longa exibido no Festival do Rio 2021, O Mauritano traz à tona a história de Slahi, que, suspeito de recrutar terroristas para o atentado às Torres Gêmeas, foi capturado e enviado à Prisão de Guantánamo, onde permaneceu por anos sem nenhuma prova apresentada contra ele.

Baseado no livro autobiográfico do próprio Mauritano, O Diário de Guantánamo, o filme vai e volta entre os anos para contar os percalços de Mohamedou. Um estudante promissor, que saiu do seu país de origem no noroeste da África para estudar engenharia na Alemanha, Slahi foi mandado à base estadunidense devido a sua associação com membros da Al Qaeda. Por anos, ele foi mantido preso mesmo sem nenhuma evidência do envolvimento ou acusação formal contra ele. Quando o caso chega aos ouvidos da advogada Nancy Hollander, interpretada pela brilhante Jodie Foster, ela passa a trabalhar para garantir a justiça e tirá-lo de lá.

Guantánamo, um complexo penitenciário militar dos Estados Unidos em Cuba, foi usado pelo país para trancafiar supostos terroristas após o atentado de 11 de Setembro. Assim como Slahi, muitos prisioneiros foram torturados e abusados enquanto mantidos lá sem provas ou indiciamentos. Eles foram negados do seu direito a um julgamento, o governo norte-americano sequer chegou a acusá-los formalmente. Como os letreiros no filme lembram, dos 779 encarcerados, somente 8 foram julgados e condenados culpados – e 3 conseguiram recorrer à sentença. 

A Prisão de Guantánamo, que é até hoje conhecida pelas violações aos direitos humanos, é quase um personagem em O Mauritano e representa a ‘guerra ao terror’ travada pelos Estados Unidos após o atentado. Em seu interior, as atrocidades e abusos cometidos pelos oficiais norte-americanos eram justificados somente pelas suspeitas e pelo ‘dever moral’ do combate ao terrorismo, sem a menor consideração aos direitos constitucionais.

Alternando entre o presente do longa e os diversos momentos do passado de Mohamedou, em janelas diferentes e em um ritmo dinâmico, sequências chocantes e indignantes expõem as violações por parte do governo. Para recriar algumas das torturas que Slahi enfrentou na prisão, Tahar Rahim chegou a ficar sem comer por três semanas e usou algemas e correntes nos pés até que sangrassem, em uma performance espetacular que não por menos foi reconhecida com uma indicação ao Globo de Ouro.

Os flashbacks do passado servem no seu propósito de só aprofundar o personagem de Rahim e O Mauritano acerta em não culpar ou inocentar Slahi. A assistente de Nancy, Teri Duncan (Shailene Woodley), quer saber se o cliente cometeu os crimes, ele insiste que não. O militar Stuart Couch (Benedict Cumberbatch) e seus compatriotas não precisam de evidências para afirmarem que sim, o julgamento é meramente um meio para o fim para os oficiais.

É Nancy quem lembra: sem provas concretas, suspeitas são suspeitas e a luta é para que a Constituição seja seguida. O prisioneiro só pode cumprir sua pena após o julgamento, mas Slahi, inocente ou culpado, havia sido sentenciado sem um. Na sua volta à cela, a performance da veterana Jodie Foster a rendeu um Globo de Ouro como Melhor Atriz Coadjuvante. Isso porque os critérios se pautam no tempo de tela: em cena, a Nancy de Foster exala a competência da advogada, misturando confiança e sensibilidade, e se faz o centro das atenções em toda aparição.

Com um elenco famoso e talentoso à disposição, o diretor escocês Kevin Macdonald, de O Último Rei da Escócia, trabalha com seus três protagonistas. Enquanto Slahi é vítima das violências do governo estadunidense, expostas em sequências tristes e chocantes, Hollander deixa de lado qualquer falso moralismo nacionalista e se atém aos princípios que norteiam sua profissão. Do lado oposto, o militar e advogado de acusação Couch, religioso, conservador, próximo às vítimas do atentado, é a perspectiva do americano patriota na narrativa. 

Se a potência da história de Mohamedou acaba diluída nos conflitos morais dos seus companheiros de tela, os diferentes pontos de vista agregam à crítica que O Mauritano tem, por obrigação, de ter. Com uma tradição em filmes de guerra, até as produções americanas mais incisivas não fogem do seu patriotismo velado, mas a escolha de contar a história (ou pelo menos a maior parte dela) pela visão do prisioneiro, um homem muçulmano detido injustamente, foge do maniqueísmo usual. Ainda que eventualmente perca o foco entre tantas datas e lados, The Mauritanian usa das reflexões e dos questionamentos de Couch, de Teri e de outros personagens secundários para ressoar sua importância para além do caso de Mohamedou. 

Não se pode tomar uma adaptação cinematográfica da vida real ou de um livro autobiográfico como a realidade, mas, fato é, O Mauritano traz à tona eventos e discussões importantes. Talvez em um filme que denuncie casos e instituições reais, essencialmente político como é, discutir seus méritos importe menos do que discutir sua relevância.

Conhecer a história de Slahi importa, mas O Mauritano sabe que o buraco ainda é mais embaixo: como o monólogo do protagonista de Rahim atesta, ‘a maior democracia do mundo’ está longe do exemplo de liberdade e justiça que se gaba de ser. Os letreiros finais mostram como só 7 anos após ser absolvido, Mohamedou finalmente deixou Guantánamo e não foi o único a ter uma estadia injusta por lá. Pior ainda, as sequelas da era Bush e da ‘guerra ao terror’ continuam, do preconceito e das ofensivas à população muçulmana, até em seus países, à continuidade das atividades em Guantánamo. Ao final, seja qual for o saldo da experiência cinematográfica, o que fica é o que importa: essa é uma história real.

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Vitória Silva

O caminho das cinebiografias é um tanto arriscado de se explorar. Eleger uma personalidade para ser a peça central de uma narrativa requer pensar em detalhes minuciosos, em um recorte que vá além de sua brilhante carreira em vida. Vemos isso acontecer em títulos mais recentes, como Bohemian Rhapsody, que conduz a história do Queen sob a perspectiva do grandioso Freddie Mercury, e em Rocketman, que se centra na ascensão e vícios de Elton John. Essa escolha precisa é algo que Estados Unidos Vs Billie Holiday não foi capaz de realizar. 

A obra de Lee Daniels, que também dirigiu o tocante Preciosa – Uma História de Esperança, se propõe a narrar o acontecimento em que Billie Holiday (Andra Day) foi investigada pelo FBI. O fato se deu por a cantora de jazz insistir em performar a sua música Strange Fruit, que era um protesto contra o linchamento de pessoas negras no país, algo muito comum e aceito nos estados sulistas na época. Como argumento para silenciar e diminuir a força de Billie na causa racial, o Departamento Federal de Narcóticos passou a tê-la como alvo de uma investigação, já que ela era usuária de heroína. 

Mas apesar do título endossar por completo essa proposta narrativa, o resultado final do filme passa longe dela. A vida de Billie Holiday já era conturbada por si só. Além do conflito com o governo e sua dependência química, a artista carregava uma trajetória de vida acompanhada por episódios de violência sexual desde a infância e uma série de relacionamentos abusivos. Tentar comprimir toda a carga de sua história em um longa-metragem é um desafio e tanto, e Daniels acabou abrindo todas essas portas e distribuindo em uma trama caótica e desconcertada. 

Estados Unidos Vs Billie Holiday tem seu início construído em torno da polêmica canção de Lady Day (como a cantora também era chamada), inclusive mostrando o sucesso dos agentes federais em prendê-la por um ano e um dia. No entanto, sem ter um eixo narrativo definido, a obra se dissolve e se perde pelos vários aspectos e problemas da vida da artista. E, por escolher diferentes histórias para serem trabalhadas, acaba, de fato, não aprofundando nenhuma delas. 

O diretor seleciona momentos aleatórios e desconexos da vida de Billie, e tenta ao máximo remendá-los de alguma forma. Com isso, elege como um dos fios condutores o suposto romance da cantora com Jimmy Fletcher (Trevante Rhodes), o agente designado para se infiltrar em seu círculo social e conseguir incriminá-la, mas que acaba se apaixonando por ela. Um belo desperdício de escolha, como se a vida de Holiday não tivesse material interessante o suficiente para ser desenvolvido. 

Na coleção de possibilidades desperdiçadas se somam várias: a cena quase cômica do funeral do cachorro de Billie, a breve performance de Natasha Lyonne como Tallulah Bankhead, e por aí vai. As milhares de discussões que poderiam ser trabalhadas em torno da questão racial e da guerra às drogas são jogadas ao vento, sendo aspectos mínimos em cenas carregadas de doses dramáticas. Lee Daniels luta a todo custo para abraçar a trajetória de vida completa da cantora, e se esquece de explorar as nuances da própria personagem e dos outros que estão ao seu redor. 

Entre as decisões não feitas, o filme também não possui nenhum recorte temporal definido, e se estende por anos da vida de Lady Day, até o seu falecimento. A narrativa dá diversos saltos temporais, rodopia e vai e volta para o mesmo lugar, com uma linha do tempo definida apenas na cabeça de quem a escreveu. A entrevista que dá o pontapé inicial em Estados Unidos Vs Billie Holiday é retomada várias vezes como uma espécie de gancho narrativo, mas sem ser localizada num espaço de tempo e fazer sentido algum na trama. Tudo é cansativo e arrastado, durante os seus longos e infinitos 130 minutos de duração.

Mas, no fim do túnel, há uma luz, e ela se chama Andra Day. Em seu papel de estreia nas telonas, a já conhecida cantora carrega o protagonismo com facilidade. Sua performance se sintoniza por completo com a potente personalidade de Billie Holiday, desde a rouquidão na voz até a sua presença e atitude nos palcos. Mesmo com profundidade e motivações pouco trabalhadas, sua entrega é o que nos mantém atraídos até a última cena. 

E todo o seu talento demonstrado já foi devidamente reconhecido, com sua vitória por Melhor Atriz em Filme Dramático no Globo de Ouro, e por também ter sido indicada ao Oscar 2021. Mas a corrida entre as atrizes para o prêmio mais importante do cinema não poderia estar mais disputada. Além da grandiosidade dos nomes concorrentes, a temporada de premiações tem distribuído suas estatuetas: Viola Davis levou o SAG, Carey Mulligan se consagrou no Critics Choice, e Frances McDormand no BAFTA. O mistério sobre quem irá atravessar a linha de chegada falta pouco para ser revelado. 

Em uma edição tão reconhecida pela diversidade em suas indicações, especialmente com filmes com fortes temáticas raciais, como Judas e o Messias Negro e Uma Noite em Miami…, não seria mais que especial coroar Andra em uma das categorias principais da noite. Não só para fazer reconhecer seu trabalho em carregar todo o peso de uma obra nas costas, mas também para rememorar uma história apagada, de uma das maiores cantoras de jazz dos Estados Unidos, e que foi uma figura importante na luta pelos direitos civis da comunidade negra. 

Estados Unidos Vs Billie Holiday é um filme que se constrói pela força de sua protagonista, trajetória semelhante a de Renée Zellweger em Judy: Muito Além do Arco-Íris, que, inclusive, a destinou ao Oscar de Melhor Atriz no ano passado. A obra de Lee Daniels é um tanto corajosa, por seguir caminhos arriscados e até experimentais, mas que, infelizmente, não funcionam. A sua beleza se dá mesmo na grandiosidade de Andra Day. Que sua trajetória no Cinema esteja apenas começando. 

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Ma Ferreira

“Um distintivo assusta mais que uma arma”. Na Chicago de 1968, conhecemos um futuro Messias que, se apoiando em ombros de gigantes, sabe bem qual seu real inimigo e como atingi-lo. Enquanto esse Messias organiza seu rebanho, ele cresce como alvo principal do FBI, que angaria um ladrão de carros para ser seu delator e algoz. Essa é a premissa de Judas e o Messias Negro, longa que expõe problemáticas raciais da sociedade norte-americana, e que é protagonizado por Daniel Kaluuya e Lakeith Stanfield com a direção de Shaka King.

O roteiro é baseado em uma história real de traição. William (Bill) O’Neal serviu como um agente infiltrado dentro dos Panteras Negras para delação dos passos de Fred Hampton, culminando no assassinato deste. O filme é uma excelente proposta de reflexão sobre a moral, preconceito racial e estruturas de poder, sendo tanto um verdadeiro guia de militância, quanto de análise das posturas, atitudes e investimentos realizados por Hampton. Não à toa, Judas e o Messias Negro já rendeu algumas indicações e prêmiosa Daniel Kaluuya como Melhor Ator Codjuvante (vencedor do Globo de Ouro e do Critics Choice Awards e indicado ao Oscar 2021).

A direção de Shaka King acerta ao mesclar imagens reais junto às dramatizadas, conseguindo que o espectador se envolva, entendendo o quão dolorosa é a luta e trajetória de Hampton. Os recortes das imagens da entrevista de Bill, as mudanças nas posturas de Fred que afetam as atuações do Panteras, e os momentos de conflitos internos dos protagonistas sempre são precedidos por um estridente som musical que os demarca, como se fossem capítulos na evolução da narrativa e se tornando mais fortes perto do desfecho da mesma. 

“Eu sou a revolução!”. Um dos presentes na vida de Hampton é a sua camarada Deborah Johnson, interpretada por Dominique Fishback (atriz de Project Power, da Netflix). É com a personagem que Hampton repensa seu discurso de mais radical para algo mais acolhedor. Deborah trás leveza, emoção, uma visão mais humana da narrativa. Sua gravidez também nos faz questionar o quanto os corpos são políticos, eles são armas, mas também são, em essência, pessoas. Ela carrega em si a esperança de outros dias de luta, não só por gestar o filho do Messias, mas por continuar engajada nos Panteras Negras mesmo depois do assassinato de seu companheiro.

Kaluuya cresce com este personagem. Ele é intenso, doloroso, revoltado, de fato um revolucionário, de fato uma ameaça ao FBI quando consegue unir gangues, até mesmo de extremistas brancos sulistas, contra as repressões policiais. O ator que se consagrou com Corra! e fez o mais recente soco no estômago Queen & Slim, tem o ápice de suas atuações neste papel, merecendo destaque suas cenas pós-prisão, onde a vontade de lutar, as características de pertencimento e de crença nas pessoas se fazem maiores do que qualquer medo de repressão/opressão policial e sistêmica. 

Lakeith Stanfield também brilha em seu papel, ele traz um alívio cômico às situações que se coloca, mas ao mesmo tempo é um personagem que se vê em constante conflito. Seu papel tinha tudo para transformar o filme em mais um longa de agente infiltrado envolto em questões raciais, como Infiltrado na Klan, mas foge disso ao ser questionador em suas conversas com o agente Roy Mitchell (Jesse Plemons) e sofrer com suas próprias atitudes. 

“Está virando um Pantera”. Bill, o selvagem, infelizmente é corrompido por um sistema e é usado apenas como mais um peão para aniquilar o Rei. A todo momento vemos o personagem de Lakeith, um dos principais atores da série de Atlanta, oscilar. O conflito vem da sensação de pertencimento que encontra nos Panteras e seus discursos e o seguimento dos planos do FBI. Destacam-se aqui as cenas de reconstituição da sede dos Panteras, o questionamento de Bill a Roy quanto a necessidade da morte de Hampton e a última bebida que Judas oferece ao Messias. 

Elas mostram de maneira sensível, crítica e fulminante os conflitos internos de um personagem extremamente intrigante no histórico interno dos Panteras Negras. As imagens inseridas no longa, de uma entrevista real com William O’Neal mostram o quanto a atuação de Lakeith é grandiosa por se aproximar das posturas de uma personalidade verdadeira. Judas and the Black Messiah também mostra como o ator é versátil ao ser muitas vezes lembrado por produções em que ataca o racismo de forma ácida, irônica e até debochada, mas que neste longa apresenta uma face, na maior parte das vezes, séria e dramática.

O filme com toda a certeza merece as nomeações e prêmios que vem recebendo, incluindo as do Oscar como Melhor Filme, Ator Coadjuvante (indicação dupla para Daniel Kaluuya e Lakeith Stanfield), Roteiro Original, dos irmãos Kenny Lucas e Keith Lucas junto a Shaka King e Will Berson, e a Fotografia, de Sean Bobbit, vencedor do Spirit Awards por seu trabalho em 12 Anos de Escravidão. 

É um dos concorrentes que já atende às propostas de acolhimento à diversidade nas produções para que estas possam concorrer à premiação. Sua produção é essencialmente composta de pessoas negras (Ryan Coogler, diretor de Pantera Negra, Charles D. King, de Sorry to Bother You e Shaka King) e o seu elenco é repleto de atores engajados em produções que mostram da melhor e mais pungente forma as opressões e os absurdos do racismo. 

Mesmo que ele não leve nenhuma estatueta, Judas e o Messias Negro já é uma ótima indicação de longa que retrata de forma densa e bem colocada as questões raciais e de direitos humanos, bem como expõe as atuais problemáticas do racismo no país. É de fato um filme sobre um agente infiltrado, que desenvolve em real complexidade os processos pelos quais Hampton e O’Neal passam para serem quem são e demonstra de maneira formidável o seu principal personagem e vilão, o racismo estrutural.

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Ana Júlia Trevisan

Sophia Loren. Apenas o nome dela basta para iniciar a crítica. Uma das principais atrizes do mundo, e talvez a mais renomada da Itália, estava há mais de uma década longe dos grandes holofotes, após atuar ao lado de Daniel Day-Lewis e Penélope Cruz no filme Nine, dirigido por Rob Marshall, fazendo apenas breves aparições nas telas desde então. Mas como a aposentadoria nem sempre é a escolha mais fácil para quem respirou Cinema durante toda vida, como Sophia, ela retorna ao audiovisual sob a direção de ninguém menos que seu filho Edoardo Ponti, e mostra que ainda tem força e talento de sobra para atuar.

La Vita Davanti a Sé é o título original da produção que marca a volta de Sophia Loren. Mundialmente conhecido como The Life Ahead, o filme recebeu o nome de Rosa e Momo no Brasil. Se engana quem acha que a tradução feita não tem nada a ver com a história, Rosa e Momo são os protagonistas da trama. Rosa é uma ex-prostituda que, ao chegar na velhice, passou a cuidar dos filhos das colegas de profissão, e Momo é um órfão senegalês que, após perder a mãe, ficou aos cuidados do Dr. Coen. Todas as mudanças na vida do garoto acabam levando-o para o mundo do tráfico e do roubo.

Distribuído pela Netflix, o roteiro é uma adaptação do livro A Vida Pela Frente de Romain Gary, que já havia ganhado outra filmagem em 1977, dois anos depois de seu lançamento. Madame Rosa não é muito conhecido na terra das palmeiras, mas recebeu a estatueta do Oscar de Melhor Filme Estrangeiro e do César de Melhor Atriz para Simone Signoret. Diferente da produção de 1977, que é francesa, Rosa e Momo se ambienta na Itália, trazendo mais conforto à atriz veterana.

Para quem é acostumado com a turbulenta cenografia estadunidense, o visual de Rosa e Momo chega a ser aconchegante, com a calorosa iluminação das ruas italianas muito bem aproveitadas. O visual da casa, e principalmente suas cores, é tão bem trabalhado que você se pega pensando que é óbvio Rosa morar naquele local. 

Assim como Breaking Bad é marcado pela teoria das cores, que se reflete na vestimenta das personagens, a direção de Rosa e Momo também acerta em cheio ao utilizar a técnica de modificar a paleta de cores das roupas dos protagonistas conforme eles carinhosamente se aproximam. Isso ajuda a criar o apelo emotivo que é corroborado para os sentimentos que pairam no ar do telespectador quando o filme acaba. 

Rosa e Momo começa por aquilo que é seu final, não entendemos direito toda afobação da primeira cena até que há o corte para o real início da história. Tendo em vista que a trama é construída cena após cena, conforme são revelados os traumas das personagens principais, e que não há grande plot twist na produção, pois o intuito é ser um melodrama simples e emocionante, não havia necessidade do início e do fim serem o mesmo.

A vida deles se cruza quando Momo rouba no meio da rua a bolsa de castiçais de Rosa, mas eles verdadeiramente começam o enredo a partir do momento em que o Dr. Coen não pode mais cuidar do menino de 12 anos e, humildemente, vai até Rosa pedir para que fique com o garoto. Até então, ela é apenas uma mulher que cuida de filhos de prostitutas, as incógnitas sobre sua vida surgem conforme há evolução na personagem, e é nessa construção onde todo brilhantismo de Sophia Loren é depositado.

Temos duas pessoas vivendo traumas pessoais. A comunicação corporal do ator mirim, Ibrahima Gueye, foi excepcional. Sua solidão e suas explosões de raiva nos fazem esquecer que tudo aquilo não passa de encenação. O ator mostra ser promissor ao encarnar com tanta verdade o personagem pré-adolescente de psicológico complexo. O envolvimento comercial com um traficante e a ânsia de querer ser o melhor representam de maneira cirúrgica que comportamentos problemáticos são reflexos de dores e grandes perdas. É um prazer assistir a atuação de Ibrahima Gueye durante uma hora e meia.

Rosa é sobrevivente do holocausto, carregando em si a tatuagem de identificação de Auschwitz. Em uma tocante cena, Momo pergunta à ela o que é a marca em seu braço e não entende o significado de campos de concentração. Nesse momento entendemos o traço de personalidade mais isolado de Rosa, que toda noite procura refúgio em um quarto separado de sua casa. Ela opta por manter a inocência de Momo em relação a Auschwitz do que contar todas barbaridades cometidas por nazistas. Em uma temporada de premiações onde não vemos tantos filmes de guerra como de costume, a sensibilidade em que o assunto é tratado em La Vita Davanti a Sé é um respiro em meio a canhões.

O passado das personagens não cobram um grande enredo para a produção do presente filme. Esse fato, junto a incessante preocupação em construir laços afetivos entre os papéis interpretados por Ibrahima Gueye e Sophia Loren, torna as tramas secundárias completamente esquecíveis. Lola, interpretada pela roteirista de Vis a Vis, Abril Zamora, se encarrega apenas pelo papel de amiga de Rosa e mãe de uma das crianças, não tendo nenhuma linha do tempo própria que a faça caminhar sozinha.

Ao mesmo tempo que o filme conta o passado, ele constrói o presente, com as atitudes das personagens sendo justificadas pelos traumas. A história sobre cuidado mútuo mostra Rosa aceitando cuidar de Momo contra sua vontade, mas quando a personagem começa apresentar os sinais do trágico Alzheimer, é o garoto privado de cuidados durante a segunda infância que se mostra leal a ela.

A confiança também é peça fundamental para o quebra-cabeça de emoções. O pedido de Rosa nos momentos de lucidez, refletido de seu medo durante a Segunda Guerra, é acatado pelo menino de maneira fiel. Toda defesa que ele constrói em relação àquela figura que o cuidou por um curto período reforça o apelo emocional que é o foco.

Sem intenção de ser grandioso, a simplicidade do filme e o retorno de Sophia Loren são os principais fragmentos de sucesso da produção cinematográfica que vem dando o nome em premiações como o Globo de Ouro e o Critics Choice Awards,  concorrendo em ambas na categoria de Melhor Filme em Língua Estrangeira. Ibrahima Gueye que, dirigido com maestria, se fez notável ao lado da gigante Loren, recebeu a também indicação no Critics Choice Awards na categoria de Melhor Ator/Atriz Jovem.

Com apenas essa indicação à Canção Original ao Oscar 2021 fica o questionamento se veremos Sophia Loren, primeira atriz a ganhar o prêmio com um filme não falado em inglês e outro pelo conjunto de sua obra, e seu filho correndo em produções futuras pela campanha para o prêmio de Melhor Atriz, da mesma forma que tentou emplacar o curta de La voce umana de Edoardo Ponti, apresentado no Festival de Cannes em 2014. E foi pré-selecionada, mas não chegou à lista final da premiação com O que Sophia Loren Faria?, curta em documentário lançado pela Netflix esse ano.

Mas o verdadeiro destaque e que já conseguiu faturar um prêmio televisionado pra conta, além de uma indicação ao Oscar, é Io sí. A canção original de Rosa e Momo é assinada por Diane Warren – mulher com maior número de indicações ao prêmio da Academia sem nunca ter ganho – e magicamente interpretada pela inconfundível voz de Laura Pausini, que instiga o telespectador a assistir aos créditos para continuar apreciando a canção. Parte desse encanto talvez seja porque a trilha sonora deixa a desejar, à exceção de Malandro, cantada por Elza Soares, que rendeu a cena de Loren dançando, por momentos as faixas tocadas destoam da premissa inscrita no roteiro. 

Rosa e Momo encarna um roteiro forte com suas sutilezas que nos faz pensar horas a fio mesmo depois de seu término. O sacrifício de histórias secundárias permite que a produção atinja seu objetivo central, o de emocionar. O filme em sua totalidade pode não ser um primor, mas a direção sabe onde quer chegar e consegue elaborar um trabalho sequencial que não se perde durante a caminhada. A Canção Original foi a cereja no topo do bolo, dando melodia pra dança da trama. Ibrahim Gueye inicia sua jornada com potencial de abrilhantar muitos produtos culturais e Sophia Loren retorna completa e dona de si.

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Andreza Santos

“Você é um leão ou um cordeiro?” Essa é uma das perguntas feitas à Marla Grayson, protagonista do novo filme da Netflix intitulado Eu Me Importo, interpretada pela brilhante e muito competente Rosamund Pike (de Garota Exemplar), o que lhe rendeu uma indicação – vitoriosa – ao Globo de Ouro de Melhor Atriz em Filme de Comédia ou Musical. Todos os elogios são válidos para a protagonista, mas o longa infelizmente deixa a desejar.

A trama conta a história da cuidadora de idosos Marla, que ganha dinheiro em cima de velhinhos por meio de determinações judiciais, não podem mais ser responsáveis por si mesmos. E é justamente assim que o filme começa, ela em um tribunal argumentando contra liberar uma das idosas que vive na sua clínica e ganhando o caso facilmente, pela sua influência no ramo de cuidadoras. 

Grayson e Fran (Eiza González) têm a relação mais aprofundada do filme, além de aplicarem golpes juntas, elas também são namoradas, um relacionamento invejável e muito carinhoso. Fran é o braço direito da clínica, ela investiga os pacientes antes da companheira entrar com a ação judicial e tem contatos suficientes para revirar a vida de qualquer um.

Eis que surge uma idosa “cereja” – assim apelidada por elas. Jennifer Peterson (Dianne Wiest) é aposentada, mora sozinha, nunca se casou, sem filhos, e com uma conta bancária bem recheada, se tornando tudo o que elas querem. Atentamente observada pela dupla, ela é retirada de sua casa após sentença judicial movida pela médica Dra. Amos (Alicia Witt) – também envolvida no esquema – é levada a uma clínica de repouso.

Mas após a idosa ser instalada no asilo, ela começa a ser procurada por amigos próximos, que infernizam a vida de Marla a fim de resgatá-la. É nesta parte, que descobrimos que a senhorinha indefesa, na verdade, faz parte da máfia russa.

Eu Me Importo tem uma boa jogada de cenas rápidas mesmo no início, quando vemos diversos cuidadores de asilos com a narração da protagonista, já se entregando como uma vilã ambiciosa de forma bem sincera. A direção de arte utiliza muito dos tons claros no primeiro ato. Já no segundo, há algo bem mais sombrio nas cenas, até a chegada do último ato, que finaliza a história deixando tudo equilibrado em cena, como se o mundo voltasse aos eixos. 

Um fato interessante sobre a trama é que não há mocinhas a serem resgatadas, todos ali são passíveis de culpa ou já fizeram algo de ruim. Até mesmo no embate entre a vilã, Marla, com Roman Lunyov – interpretado pelo genial Peter Dinklage (de Game of Thrones) – ela se torna implacável e debochada, o que traz um carisma muito cretino para a personagem. Não há para quem torcer, os dois competidores são cruéis, entretanto o charme de Rosamund nos leva a inconscientemente desejar a vitória dela.

As viradas do roteiro após as confusões na vida da protagonista a tornam tão imbatível, como se de repente ela ganhasse superpoderes, é inacreditável tudo o que essa mulher faz por dinheiro. Como ela mesmo disse “Sou uma leoa, cacete!”. Essa forma de se safar das coisas tem um quê de Good Girls, porque, assim como as protagonistas da série, ela está acima de qualquer suspeita e passa completamente despercebida pelas autoridades.

Eu Me Importo não é excelente porém cumpre um papel diferente no meio cinematográfico, traz o capitalismo abertamente com sarcasmo, zombando do tal sonho americano que os estadunidenses buscam ser. A forma como o diretor J Blakeson (de A 5ª Onda) guia o filme, provoca mudanças e dúvidas de até onde ele pretende ir, ou do quanto ele quer crescer mais a história. Não há clareza no gênero principal do filme já que ele permeia entre tantos e não se prende propriamente a nenhum.

I Care a Lot é um boa pedida para assistir no fim de semana, mas peca em tentar agradar a todos com sua trama indecisa e, às vezes, mirabolante. Apesar disso, trazer dois vilões disputando poder e influência sobre idosos foi um ponto cego bem trabalhado. Desde Garota Exemplar (do magnífico diretor David Fincher), Rosamund Pike não havia conseguido outro hit em sua carreira.

Ela teve sim outras protagonistas mas nenhuma conseguiu chamar tanta atenção até ela ser agraciada com essa vilã caloteira de pouco caráter mas muita presença, roubando a cena como ninguém. Pike é especialista em fazer o público odiá-la, mas também se apaixonar por seus papéis. Confesso, estou agoniada pelo enorme cliffhanger deixado por J Blakeson, mas não posso afirmar que uma sequência seria bem-vinda e, até o momento, nada foi confirmado pela Netflix.

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Vitor Evangelista

O ano era 2018. A elite de Hollywood se reunia no Dolby Theatre para a maior cerimônia do ano. Vestidos glamourosos, poses para fotos e estatuetas douradas, aquela noite era só sobre isso. Então, sobe ao palco Frances McDormand. Esbaforida, enérgica, com a cabeça à mil, ela agradece solenemente ao amor do marido e do filho, agradece o trabalho do diretor. Ela coloca seu prêmio no chão e pede para todas as mulheres indicadas se levantarem e faz um discurso atemporal sobre oportunidades no mercado de trabalho, ela cita o termo ‘inclusion rider’, que estourou em buscas poucas horas depois. 3 anos mais tarde, Nomadland chega para provar que Frances não brinca em serviço.

À época de sua vitória por Três Anúncios para um Crime, a atriz já estava com os direitos de adaptação de Nomadland comprados. O cerne da história veio pelas palavras da jornalista Jessica Bruder, que usou o gênero da não-ficção para explorar esse estilo de vida e seus personagens reais. Ela passou um período habitando as comunidades, se locomovendo numa van e conheceu as entranhas e a sensibilidade daqueles indivíduos. Frances se interessou por contar aquela memória recente das feridas estadunidenses, mas ainda buscava a visão adequada para tal.

No Festival de Toronto, em 2017, Frances topou com a exibição de The Rider, um drama indie de uma diretora chinesa usando performances de atores não treinados. Essa proeminente cineasta era Chloé Zhao. Sua destreza e carinho pela arte de contar histórias foram chamarizes para McDormand, que não demorou a oferecer Nomadland para Zhao imprimir sua visão. O casamento deu tão certo que a diretora assumiu também o roteiro, a montagem e assinou como produtora executiva, ao lado da própria Frances, a protagonista da história. 

O livro base de Nomadland segue Linda May, uma nômade que vive de empregos temporários depois de perder suas economias na crise de 2008. Na hora da adaptação, Chloé Zhao inseriu Fern, papel da vida de Frances McDormand, entre pessoas reais. Então, tanto Linda May, quanto Swankie e Bob Wells (um guru desse lifestyle do YouTube), interpretam a si mesmos no longa. Assistir Nomadland é quase como acompanhar uma atriz estudando para seu futuro papel. A Fern de McDormand é calma, terna, resiliente e uma exímia ouvinte. A câmera a observa com ternura, seus olhos cansados mas nunca desesperançosos, suas microrreações e o lema de vida que em momento algum soa rancoroso.

Assistimos duas protagonistas tomarem conta das duas horas de exibição. A primeira delas é de carne e osso, tem sessenta anos e mora numa van super equipada. Ela trabalha na Amazon, empacota encomendas, monta hambúrgueres em um restaurante fast food e também lava banheiro de rodoviárias. Tudo isso numa América do Norte que, anos antes, estampava com virilidade as propagandas do sonho americano. Nos Estados Unidos, você pode tudo! Então, como diabos, uma idosa precisa sobreviver no ecossistema terroso das montanhas do país?

A segunda protagonista do filme é invisível, uma fantasma no meio das elegantes paisagens capturadas por Joshua James Richards, esposo de Zhao. A visão de mundo da diretora, que acaba tomando total controle de Nomadland, é companheira de Fern. A maneira como Zhao escreve, como escalou seu elenco sem grandes nomes da indústria, e os respiros solenes que emprega na montagem de Nomadland gritam silenciosamente todo seu talento quando o assunto é a sutileza no brutal. 

Chloé Zhao saiu da China para ampliar seus horizontes e trabalhar com mais liberdade: isso quer dizer que o sonho americano funcionou para ela? Nomadland não nos responde, agride ou culpabiliza. A produção da Searchlight (descanse em paz, Fox), sob o comando da Disney, é quase camuflada. Vilanizar uma enorme companhia monstruosa como a Amazon é mais palpável que culpar o sistema capitalista ou as escolhas políticas que engoliram toda uma classe social na crise econômica e não se preocupou em remendar qualquer rombo. 

Chloé Zhao foge de fazer um filme previsível. Ela denota um pragmatismo ético de não emocionar a memória. Fern recusa adotar um cãozinho e Nomadland nos mostra logo de cara que não é esse tipo de filme. De fato, a obra tem um tato inimaginável, ainda mais para uma diretora em seu terceiro longa, de não dizer, e sim mostrar. O texto adaptado da obra jornalística constrói e nos encaminha a situações muito mundanas da rotina daquele grupo de pessoas, e são os pequenos gestos e posicionamentos que explicitam ao público a índole de quem estamos assistindo.

E, considerando que, com duas exceções, o elenco todo é formado por atores não-treinados interpretando a eles mesmos, a diretora extrai ouro, diamante e vibranium do material a que tem acesso. O efeito desse tour-de-force veio na aclamação do filme em todos os campos imagináveis. Chloé Zhao se tornou a pessoa mais premiada numa temporada, sendo reconhecida como produtora, diretora, montadora e roteirista. Nomadland se tornou o primeiro filme na história a ganhar o Leão de Ouro em Veneza e o Prêmio do Público em Toronto.

O burburinho resultou num favoritismo de Nomadland na corrida da temporada de premiações. Chloé Zhao tem feito história nos primeiros meses de 2021, e a tendência é que o efeito não pare por agora. O filme é unanimidade em listas de indicados a troféus dourados. No Oscar 2021, foram 6 nomeações. Zhao concorre em quatro delas: Melhor Filme, Direção, Roteiro Adaptado e Montagem.

McDormand está no páreo por sua encarnação messiânica de Fern em Melhor Atriz, além de ser uma das produtoras do filme. A última indicação (Melhor Fotografia) ficou ainda na residência Zhao, com seu marido e diretor de fotografia, Joshua James Richards, reconhecido pelo olho ávido na hora de enquadrar a solidão das montanhas, casada aos sentimentos conflituosos de Fern. McDormand canaliza inspirações reais e se transforma numa amálgama não clichê nem pejorativa dos personagens que a cercam.

Nenhuma dessas menções é gratuita. Nomadland abraça o Cinema e usa todas suas especificidades para contar essa crônica de dor e afeto. É um cavalo de pau no hall hollywoodiano. Chloé Zhao não filma ou dirige da maneira que o faz para ostentar a própria figura. Ela não recria sets quarentistas ou grava sequências emocionalmente covardes em tribunais. O trabalho da artista, ultrapassando as barreiras de ser apenas diretora, produtora, roteirista ou montadora, constrói um filme porque sente que ele é necessário, reconhecendo seu trabalho de reflexão e não de adulação.

“A memória aliena o passado”, é o que diz Bob Wells sobre as lamentações de Fern, perto do desfecho de Nomadland. Por mais livre, ou solitária, que seja, a mulher ainda se prende ao passado e às escolhas que deixou de fazer. Chloé Zhao é enfática quando conclui sua obra-prima sem uma ‘necessária’ conclusão. “Nos vemos na estrada”, repetem os nômades um para o outro. Nada é permanente demais ou passageiro de menos. Nomadland sabe encontrar o meio do caminho entre dois: é memorável o suficiente para permanecer conosco, mas não toma espaço de outras lembranças. É o filme certo para o momento certo, e Zhao tem total ciência disso, dedicando a obra àqueles que já se foram. 

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Vitória Lopes Gomez

Nunca esteve tão claro que filmes de animação não são sinônimos de infantilidade. Soul talvez seja o exemplo mais popular e atual disso: o visual é apenas a técnica escolhida para um filme que explora o metafísico e desperta o existencial. Um pouco mais fantasioso, um pouco menos alegórico (ou vice-versa), da Pixar aos Estúdios Ghibli às irreverentes séries americanas, os ‘desenhos’ comportam uma multiplicidade que alcança diferentes faixas etárias. E é em meio a diversidade de narrativas e a crescente predileção por computações gráficas que chega Wolfwalkers, que se destaca pelo visual 2D cada vez mais raro e, desde o seu lançamento no Festival de Cinema de Toronto, aproveita a atenção para encantar todos os públicos.

Na trama, que se passa em 1650, a jovem Robyn Goodfellowe (dublada por Honor Kneafsey) e seu pai Bill (dublado por Sean Bean, o Ned Stark) são recém-chegados na cidade irlandesa Kilkenny. Contratado para extinguir os lobos que vivem na floresta, o pai da menina passa o dia caçando e ela, contrariando as ordens de não entrar na mata, resolve ajudá-lo a completar a tarefa para que os dois possam voltar logo à Inglaterra. Em uma de suas fugas, Robyn se depara com uma matilha e, quando sua líder se transforma em Mebh (dublada por Eva Whitaker), descobre a existência dos wolfwalkers, uma lenda local.

Após o encontro inesperado e passado o estranhamento inicial, as duas rapidamente viram amigas. A curiosa Robyn, excluída e caçoada por ser inglesa em uma vila irlandesa, passa a conviver com a agitada Mebh, que vive isolada na floresta, e as meninas formam uma dupla divertida, principalmente por serem tão diferentes. É com Mebh que Robyn aprende sobre os wolfwalkers: as criaturas, adaptadas do folclore irlandês, são seres humanos comuns, mas, quando dormem, têm sua alma desprendida do corpo físico e assumem a forma de lobos.

A mitologia celta que inspirou e torna o filme tão único é tema recorrente nos trabalhos de Tomm Moore, co-fundador do Cartoon Saloon e diretor ao lado de Ross Stewart. Em suas outras produções, como as indicadas ao Oscar Uma Viagem ao Mundo das Fábulas (O Segredo de Kells, em tradução literal) e A Canção do Oceano, do mesmo estúdio e consideradas parte da trilogia que termina com Wolfwalkers, os seres folclóricos da região, principalmente da Irlanda e da Escócia, são o carro-chefe. 

Porém, apesar de a lenda ser uma encantadora abordagem da cultura local e servir como base para a história, a fantasia não é necessariamente o ponto central da narrativa, que passeia por assuntos e aprofunda o ambiente e os personagens. Sem se perder entre as camadas que constrói, o longa cria espaço para tratar do equilíbrio entre o homem e a natureza, a relação com a autoridade e o papel da mulher na sociedade da época, além de contextualizar o cenário da Irlanda no século 17. Sem dúvidas, Wolfwalkers é mais do que só um filme de fantasia para crianças.

Discretamente, mas não tanto, Moore e Will Collins, os responsáveis pelo roteiro, incluíram até referências políticas e históricas reais, para os mais atentos. Na época em que se passa o longa, o país vivia um período de invasão pelos ingleses, liderados por Oliver Cromwell, que expulsaram habitantes locais de suas terras e tomaram o controle. O vilão Lorde Protetor Cromwell, comandante da vila, é uma clara menção ao militar e sua postura também é semelhante: ele associa a “maldade” aos “pagãos”, ao folclore e aos lobos que ele pretende expurgar, um episódio que também aconteceu. 

Nenhum dos tópicos ou alusões é destrinchado ou explorado a fundo, mas eles são trazidos como intrínsecos à narrativa, de forma a complementá-la e desenvolver as protagonistas, suas crenças e motivações. Apesar do risco das histórias secundárias, em nenhum momento os desdobramentos parecem superficiais ou corridos: pelo contrário, casam com a obra e formam o todo, sem destoarem ou esquecerem da fantasia que o filme propôs entregar. Afinal, apesar de não ser exclusividade do público mais jovem, a produção foi lançada na categoria infantil do streaming da Apple.

Enquanto na cidade o Lorde Protetor Cromwell prega que os animais são feras perigosas e devem ser dizimados, a amizade com Mebh, que contagia com sua animação e sotaque irlandês viciantes, prova a Robyn que os humanos e a natureza podem viver em harmonia. A nova visão de mundo da inglesa torna-se inevitável quando, durante a noite, ela percebe que foi mordida acidentalmente pela amiga e se transforma em lobo. Se antes ela queria caçar os animais, agora é uma wolfwalker e tem de fugir até do próprio pai. 

Quando Robyn, que sequer teve tempo de assimilar seus novos poderes, é perseguida pelos intolerantes habitantes da cidade e acaba se escondendo no castelo de Cromwell, a situação piora: ela descobre que a mãe perdida de Mebh, a líder da matilha, foi capturada e aprisionada pelo Lorde. Aqui, as ilustrações animadas à mão, que podem parecer incomuns para o olho acostumado à computação gráfica das grandes empresas, escancaram seu poder em passar as sensações em Wolfwalkers.

Provando ser mais do que só um grande atrativo, o visual e a estética do filme, frutos da colaboração entre os diretores e outros artistas do estúdio, são fundamentais na construção da narrativa e da mensagem. A cidade e seus habitantes, geométricos e pintados em cores sóbrias, são hostis e opressores, reprimindo Robyn. Já a floresta, onde a menina pode ser ela mesma em todos os sentidos e formas, é desenhada em linhas arredondadas e abstratas, com muitos detalhes e pintada em cores vivas, que tornam o ambiente acolhedor. 

Apesar do arco principal tomar um rumo previsível a partir da descoberta, o acontecimento impulsiona o clímax e amplifica o dilema das personagens e das relações. Mebh precisa resgatar a mãe, Robyn tem de enfrentar o pai de uma vez por todas e Bill tem de decidir entre seguir a autoridade repressora ou acolher e ajudar a filha. O caminho sentimental é inescapável – e essencial para parte do público do gênero -, mas não falha e nem cai só no clichê: as escolhas feitas no ápice do conflito, suas consequências e o desfecho do filme verdadeiramente emocionam.

O espectador que não sabia o que esperar pode até escolher com o que prefere se comover ou qual mensagem tirar da obra. As várias camadas interessantes na já interessante premissa de Wolfwalkers, somadas a um visual deslumbrante e uma trilha sonora incrível, tornam a produção um verdadeiro espetáculo, seja para o público infantil, seja para o adulto, que não precisa disfarçar a admiração.

Não por menos, o filme já é o melhor do ano, se considerada a opinião dos críticos: após honrarias de importantes organizações como as Associações de Críticos de Cinema de Los Angeles, Nova Iorque e Boston, a produção é a mais homenageada da temporada. Acumulando reconhecimentos, o longa disputa o Oscar de Melhor Animação, concorrendo com produções de estúdios mandachuva, além de ter sido indicado em outras importantes premiações do cinema, como o Globo de Ouro e o Critics Choice Super Awards. Wolfwalkers não levou os dois últimos, mas que a competição acirrada da Academia faça justiça.

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Vinícius Siqueira

Uma das muitas coisas que alguém busca ao ler um livro, escutar uma música, olhar pela janela, ler os jornais ou, no caso, assistir um filme é simplesmente ganhar para si uma boa história. Uma história não necessariamente com finais felizes ou tristes, amargos ou cruéis, simples ou complexos. Mas, simplesmente, uma história bem contada e que segure sua atenção por alguns momentos, lhe fazendo esquecer do que se passa ao seu entorno. O que o espectador, muitas vezes, não se dá conta é do poder inerente à uma história bem contada. E é esse tipo de influência que tece a trama primorosa de Relatos do Mundo (News of the World, no original).

Lançado no ano de 2020 nos cinemas americanos, mas chegando ao Brasil (e ao resto do mundo) apenas em 2021 após ser comprado pela Netflix e passar a ser exibido no mundo pelo streaming, a obra é dirigida por Paul Greengrass. E ela lida com alguns clichês relacionados ao gênero de western (faroeste), pinceladas políticas e pontadas de realismo já características do diretor. 

A trama em si é bem redigida e traz uma ambientação e personagens que relembram os clássicos da categoria, ao passo que também apresenta um ponto de vista diferente do cenário clássico do Velho Oeste. A obra é inspirada no romance homônimo escrito por Paulette Jiles em 2016, e é protagonizado por Tom Hanks e pela estrela em ascensão Helena Zengel. Paul Greengrass faz bom uso de sua herança como documentarista ao trazer um certo realismo ao filme e abordar temáticas como racismo e preconceito no Velho Oeste americano.

Diferentemente do que se esperaria de um filme pertencente ao gênero de western, Relatos do Mundo não é uma narrativa de ação, e sim um drama que visa desconstruir levemente a imagem do público de um protagonista de faroeste e demonstrar o valor de uma história em um cenário abalado. O enredo se passa em 1870 no Texas, logo após a Guerra Civil Americana, uma época e um meio ainda extremamente abalados pelo confronto entre o Norte e o Sul dos Estados Unidos e também pelas resoluções desse. 

A obra tem seu início com uma das cenas que marcam a sua essência: Capitão Jefferson Kyle Kidd (Tom Hanks) se preparando para ler as notícias para as pessoas no condado de Wichita Falls, uma região de herança confederada antes de ser anexada pela União. Ele é um veterano confederado que perdeu tudo na Guerra Civil – trabalho, negócio, esposa, fé e propósito – e que passou a ganhar a vida viajando de cidade em cidade para realizar essa leitura. 

A trama em si tem início após o personagem de Hanks levar um golpe do acaso em uma de suas viagens: ele se depara com Johanna Leonberger (Helena Zengel, indicada ao Globo de Ouro e ao SAG Awards com apenas doze anos de idade), uma criança de uma família alemã que foi tirada de casa por nativos Kiowa, crescendo entre os mesmo e adotando seus costumes antes de ser “resgatada” por soldados da União. E esse encontro força ambos a buscar um propósito para suas respectivas histórias. Kidd quer encontrar um motivo para continuar a sua própria narrativa, e a garota quer uma maneira de lidar com a perda de sua família biológica e sua adotiva.

Relatos do Mundo segue a mesma linha de realismo fino já característico da direção de Paul Greengrass, e é a segunda obra que o diretor e Tom Hanks trabalham juntos – sendo a primeira o filme Capitão Phillips (2013) -, e a estreia do ator no gênero de faroeste. No entanto, apesar do peso do nome de Hanks, e do mesmo apresentar o auge de uma atuação paternal, o seu protagonismo é colocado em cheque pela atriz mirim com quem contracena.

Ainda, a produção arrecadou cerca de 11,4 milhões de dólares em bilheteria nos Estados Unidos antes de ser lançada na plataforma de streaming. Apesar de possuir vários clichês, a narrativa nos presenteou com uma história bem consistente e até emocionante; com Tom Hanks demonstrando um bom relacionamento com o gênero de western e Helena Zengel como uma artista talentosa e em crescimento no mundo do cinema.

A construção da narrativa de Relatos do Mundo segue um ritmo razoavelmente lento, dando tempo para o espectador absorver a gama de sentimentos e reflexões implícitas e explícitas no roteiro adaptado por Paul Greengrass e Luke Davies. O ponto alto do enredo, e a base para todos os acontecimentos, é o desenvolvimento da consciência do Capitão em relação à Johanna e sobre suas atitudes com a mesma, que está em um estado quase de anomia diante da sociedade. No fim, ele encontra em seu relacionamento uma oportunidade para dar um sentido à sua própria trajetória e às histórias que conta de cidade em cidade.

Um dos possíveis erros cometidos pelo espectador ao assistir Relatos do Mundo é a comparação do mesmo com o filme dos Irmãos Coen, Bravura Indômita (2010), pelo fato de ambas as produções se fundamentarem no desenvolvimento de uma relação paternal entre um homem martirizado pelo tempo e uma jovem perdida no mundo – no caso da obra de Ethan e Joel Coen, Mattie Ross e Rooster Cogburn. No entanto, enquanto o personagem de Jeff Bridges buscava um fim para a sua história e a personagem de Hailee Steinfeld dava sentido para a sua na busca por vingança, Kyle Kidd quer encontrar um motivo para continuar sua própria história e Johanna procura um porto seguro para se apoiar em frente à um mundo cruel.

Alguns outros aspectos da obra valem ser mencionados, criticados e elogiados, por exemplo, a própria presença dos clichês –  especialmente aqueles relacionados à construção do personagem de Tom Hanks como um homem marcado pelo tempo e por memórias terríveis mas que ainda possui um forte sentimento paternal em si –  que enriquecem a narrativa somente até certo momento, antes de se tornarem uma simples falta de inovação. Outro ponto que merece ser citado é a Trilha Sonora Original que, apesar de incorporar o enredo de forma extremamente natural e adicionar um elemento que dá riqueza à paisagem, poderia estar mais presente durante algumas cenas.

Ela é assinada por James Newton Howard, que já compôs as trilhas de filmes como O Sexto Sentido (1999) e Batman: O Cavaleiro das Trevas (2008). E, finalmente, a composição da paisagem e do cenário como um todo, que, apesar de não ser tão vivo quanto em obras como A Balada de Buster Scruggs (2018), ainda se vale de pequenos detalhes oferecidos em pequenas medidas para o espectador, mas que ajudam a construir a tensão e o drama da época. 

Relatos do Mundo teve boas avaliações nas críticas mundiais e nas bilheterias, com nomes de peso na direção, produção e no elenco, além de ter apontado os holofotes para uma das mais jovens e promissoras atrizes no mundo do cinema: Helena Zengel. O filme, ao todo, acumulou sete indicações ao Critics Choice Awards, duas ao Globo de Ouro, mais duas no SAG Awards e quatro para o Satellite Awards. Por causa de sua quantidade de nominações, valor de bilheteria e composição de elenco, Relatos do Mundo se mostra como um nome forte para a temporada do Oscar 2021.

Enfim, apesar de seus pequenos deslizes, Relatos do Mundo visa mostrar o valor de uma história bem contada e sobre como esse tipo de atividade afeta até os corações assombrados por memórias horrendas. Não sendo um filme de ação ou suspense, mas sim um drama muito bem construído e trabalhado por meio da soma de elementos como elenco, enredo, música, paisagem, uma boa história e bons ouvintes. Uma amálgama de alguns clichês que resultam em um enredo emocionante de um veterano de guerra e uma garota sozinha no mundo que tem de enfrentar os perigos do Texas e dos homens para darem motivo às suas vidas.

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Gabriel Fonseca

O Som do Silêncio, da Amazon Prime Video, prega uma inteligência emocional que todos gostaríamos de ter. O longa independente conta a história de um baterista de heavy metal que descobre no meio de uma turnê, que está ficando surdo. Esta premissa já nos faz esperar por um clichê de superação da deficiência, ou de obsessão artística, como em Cisne Negro. Mas, o que torna as coisas interessantes é a oposição do protagonista à própria adaptação.

O co-criador e diretor de primeira viagem (no cinema), Darius Marder, escolheu Riz Ahmed para dar vida ao protagonista Ruben Stone. Depois do boom na carreira com O Abutre e Rogue One, Riz sujou a carteira de trabalho com Venom, e agora é um dos produtores do longa que coleciona elogios da crítica sobre as atuações e a narrativa simples, mas funcional. Imagine o trabalhão em preparar o protagonista para tocar bateria, aprender a língua dos sinais e fazer o tipo esquentado, que não se enquadra.

O esforço do elenco rendeu indicações importantes a Sound of Metal. A performance de Riz foi indicada ao Globo de Ouro, ao SAG, Gotham Awards e ao Film Independent Spirit Awards, que também indicou Paul Raci para a categoria de Melhor Ator Coadjuvante. A dupla está aquecendo para – provavelmente – dar as caras no BAFTA e no Oscar 2021, desde o lançamento do filme no Prime Video, em dezembro. 

De cara, vemos um show de Ruben e Louise, interpretada por Olivia Cooke – com um ar mais adulto do que em Jogador Nº 1. Os dois tocam em uma boate escura, com gente curtindo a barulheira, até vermos a outra parte de suas vidas. Eles namoram e vivem juntos em um trailer, que não é descolado mas tem organização, é um cantinho só deles. O diretor Darius Marder é objetivo, numa hora estamos no show, depois no trailer, vemos a rotina do casal, marcas de corte nos pulsos de Louise, nos perguntamos se ela está bem, depois voltamos à turnê.

Antes de começar o show, Ruben fica parcialmente surdo. Sem explicações, somos sugestionados a acreditar que a exposição ao barulho da música é a causa, mas o filme não liga muito para isso. A mixagem de som aparece aí, ou nós percebemos a sua função, porque começamos a variar entre os sons dentro e fora da cabeça do baterista. Quando Ruben perde oitenta por cento de sua audição, nós perdemos com ele, ouvimos sons abafados e as batidas secas dos objetos ao redor. Mesmo com a perda parcial do sentido, ele toma a decisão de começar o show, mas, depois abandona o palco por causa da experiência assustadora. 

Mais tarde, Ruben descobre que sua audição só vai diminuir até a surdez completa, e que, a única maneira de voltar a ouvir é fazer uma cirurgia caríssima para colocar próteses. O seu primeiro plano é juntar dinheiro com a turnê para fazer a tal cirurgia, mas Louise rejeita a ideia por completo. Então as coisas ficam assim: ela parte para a casa do pai, mesmo com os problemas familiares, enquanto ele vai a contragosto para uma comunidade de surdos. A química entre Riz e Olivia é interessante, o relacionamento deles é real, ótimo e péssimo, ao mesmo tempo. Talvez por causa da dependência dele. 

No meio – e podemos dividir Sound of Metal em três atos tranquilamente -, Rubem tenta se adaptar à vida como surdo. Aos poucos ele se relaciona com as pessoas dentro da comunidade e se aproxima de Joe, o mentor interpretado por Paul Raci. O obstáculo para o jovem baterista é a própria aceitação, ele passa os dias preso ao seu passado e parece não aprender a lição essencial de Joe: “não precisa consertar nada aqui”. O veterano tenta ensinar que a surdez não é um problema, e que as pessoas da comunidade precisam ser lembradas constantemente disto. Por isso, quando vende o trailer e a bateria para fazer a cirurgia, Ruben é mandado embora.

É neste momento, quando é vendida, que nos lembramos da bateria. Não era para este ser um Whiplash com um protagonista surdo? A importância da carreira musical não desaparece, mas é deixada de lado, quase substituída pela relação entre ele e sua namorada, o que não é um problema pois O Som do Silêncio toma um rumo interessante a partir daí, começando pela visibilidade da cultura de pessoas surdas, a adaptação de quem não nasce surdo e a problemática da visão capacitista. A obsessão de Rubem em retornar à sua vida com Louise só revela o quanto ele está se enganando.

Por fim, Rubem cai na real, depois de visitar Louise na casa do pai ricaço. A namorada já está em outra fase de sua vida e as próteses não funcionam como o esperado, são ruidosas, não há beleza na música e a direção de Darius Marder nos passa a percepção de desarmonia ao redor do personagem. Então, terminamos a história de O Som do Silêncio com a impressão de que algo pode ser aprendido, sem os clichês de superação da deficiência, mas com a ideia de auto aceitação e até a visibilidade de uma comunidade que o cinema quase não ouve. 

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Ana Laura Ferreira

Ser uma amante de musicais é um caminho perigoso que proporciona altos estratosféricos e quedas dolorosas. Não é todo dia que temos a oportunidade de aproveitar um Mamma Mia (2008) e por vezes nos deparamos com alguns Cats (2019) pela frente. E por mais que A Festa de Formatura (The Prom) tivesse absolutamente tudo para entregar uma história recheada de carisma, atos de dança deslumbrantes e atuações dignas de Oscar, o filme se torna apenas mais um entre as inúmeras produções de Ryan Murphy. Nem a pior, nem a melhor, apenas a mais esquecível.

O longa foi inspirado em uma peça de teatro musical de mesmo nome que conta a história de Emma, uma estudante do Ensino Médio que deseja ir ao baile de formatura com sua namorada, mas é impedida pelo conselho escolar. Indignados com a proibição e buscando por uma manchete que possa trazer seus nomes de volta ao estrelato, quatro atores da Broadway rumam em direção a Indiana para ajudar a mudar os pensamentos conservadores. E é através dessa narrativa que todo o glitter e purpurina teatral é acrescentado ao longa.

Esse parece um pontapé inicial digno de uma obra a ser aclamada pela crítica e conquistar a unanimidade do público, mas The Prom não chega nem próximo a isso. Seguindo por caminhos tortuosos e por vezes megalomaníacos demais, nem mesmo seu cast repleto de estrelas consegue resgatar esse navio que naufraga aos poucos. Meryl Streep, Nicole Kidman e Kerry Washington são apenas alguns dos grandes nomes que vemos correr pela tela, mas ainda com todo seu talento e buscando fazer magia com nada, o roteiro e a direção diluem seus dons e não usufrui o quanto poderia de suas oportunidades.

Esse chamariz de nomes conhecidos funciona como uma forma de encobrir o limite da linha tênue entre a sátira e o mal gosto pela qual Ryan Murphy, que assina a direção e produção de A Festa de Formatura, caminha. O criador de Glee e Hollywood tem uma marca e isso é inegável. A facilidade que temos em enxergar toda sua personalidade logo nos primeiros minutos de filme é impressionante, mas o problema aqui é que The Prom se resume a ser Murphy demais. Chamativo, forçado, bagunçado, com muitas histórias, personagens, desperdícios e tentativas demais de nos empurrar um carisma exagerado e difícil de comprar, haja visto algumas atuações. 

É claro que em sua maioria os atores entregam performances impecáveis dentro do possível do roteiro, como é o caso de Meryl e Nicole, mas por outro lado James Corden nos faz pensar o porquê dele ter sido escalado. O comediante e apresentador do The Late Late Show é engraçado e carismático, e isso é inegável, mas como ator o buraco é mais embaixo. Mesmo apresentando uma performance mil vezes melhor do que seu personagem em Cats, Corden se prende em maneirismos que funcionam bem na programação da TV, mas que no cinema o tornam caricato e sem expressão própria.

Ainda assim, o filme traz um produção técnica primorosa, com jogos de luz inspirados nos grandes palcos da Broadway e que trazem um ar teatral ao longa. Assim como os figurinos, fotografia e cenografia, pensados com um cuidado tão grande que vemos todo o esforço que foi dedicado aos detalhes, buscando torná-los parte integral da narrativa e nos fazer crer que apesar dos spots de luz colorida que surgem do nada, A Festa de Formatura poderia unir o crível ao fantasioso. Essa estratégia parte até para o roteiro que por vezes deixa de lado o fictício para abordar assuntos sérios e que merecem discussão, o que dói são esses momentos serem ofuscados por todo o exagero da narrativa.

O que mais pesa em The Prom é ele ser o tipo de filme que nós gostaríamos de amar e panfletar para o mundo, mostrando como musicais podem ser divertidos, deslumbrantes e ainda trazerem uma história completa. Infelizmente, aqui a trama é só mais uma desculpa para produzir grandes números musicais em sequência. E isso porque Murphy não soube aproveitar as pedras preciosas que tinha em mãos. Talvez o maior exemplo de desperdício que podemos encontrar é a personagem de Nicole Kidman, que é descartável e não interfere na trama, usando o nome da atriz apenas como uma forma de chamar atenção do público. 

Entretanto, nos poucos momentos que são dados, Nicole brilha tão intensamente que sentimos vontade de ver uma produção totalmente dedicada a ela. E enquanto alguns são desperdiçados, outros são usados de forma desgastante, como é o caso das personagens Emma e Alyssa. As supostas protagonistas do longa se perdem em meio ao seu romance água com açúcar que não tem sequer uma pitada de química, tornando o plot das atrizes irrelevante e sem emoção.

A estrutura episódica de A Festa de Formatura também não contribui para a narrativa que se torna quebrada e segmentada. Essa fórmula funciona perfeitamente em séries de TV e no teatro, com atos bem demarcados que nos dão uma amostra a cada nova parte. Mas quando pensamos em cinema é essencial ter uma história bem amarrada e que se construa de forma sólida, sem deixar pontas soltas, porque não precisamos de uma nova narrativa a cada cinco minutos se já tivermos comprado a principal.

É tudo exagerado, Ryan Murphy e cintilante demais, na conotação ruim das palavras. A Festa de Formatura é uma diamante que não soube ser lapidado e se perdeu em meio às tentativas megalomaníacas de seu diretor. Talvez em outras mãos, como a de Adam Shankman de HairSpray (2007) e Rock of Ages (2012), pudéssemos ter uma versão de The Prom tão magnífica quanto a sua peça de inspiração, mas por enquanto nos contentamos em fingir que suas longas dua horas de duração não serão rapidamente esquecidas. 

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