Em um Cinema que simula um realismo, repleto de imagens sem cor e pasteurizadas, com escassez de histórias originais, recheado de remakes e continuações, pouco há espaço para grandes projetos autorais e arriscados. Sobre esse contexto, grandes diretores da história da indústria começaram a se manifestar, em especial, aqueles que ajudaram a consolidar Hollywood na década de 1970, como Martin Scorsese e Steven Spielberg. Nesse sentido, Francis Ford Coppola se juntou a eles e manifestou seus sonhos com relação à sociedade e a Arte em Megalópolis.

Figuras exóticas, brincadeiras com a realidade, muitas cores, vida e paixão. Parece até a descrição de uma obra das irmãs Wachowski, mas esse é o novo longa do Coppola. Todas as similaridades com a filmografia de Lily e Lana não são por acaso, ainda que não seja uma referência assumida, Megalópolis veio para desafiar a indústria e o tempo. O trato da imagem e a condução sonhadora da trama, buscam um novo olhar para o Cinema a partir do digital, que vai na contramão dos blockbusters realistas, ou seja, vai na antítese da indústria. Assim como Matrix (1999) e Speed Racer (2008) já fizeram anteriormente.

Cesar Catalina (Adam Driver) é um sonhador, um idealista. Ele faz de tudo para conseguir construir sua cidade dos sonhos, com tecnologia de ponta, o diálogo entre diferentes culturas e a ociosidade para se dedicar à Arte, à filosofia e à ciência. Em contrapartida, seu rival, Franklyn Cicero (Giancarlo Esposito), é o homem da concretude. “As pessoas não precisam sonhar. Precisam de professores, saneamento, empregos”. Cicero não enxerga materialidade nas ideias de Catalina, mas este, por outro lado, busca mostrar que não é um mero sonhador. Que é possível o ser humano ser mais do que apenas sobreviver. Cesar é como Francis Ford Coppola, que enxerga o Cinema como Arte. Enquanto a maioria dos estúdios vê apenas uma forma de fazer dinheiro, o diretor busca novas formas de se enxergar o fazer cinematográfico.

O aspecto romano não é por acaso. O filme assume que os Estados Unidos se enxergam como a Roma do século XXI, ou seja, o grande Império mundial. No entanto, o longa traz consigo outro aspecto interessante na figura de Cesar, a de uma pessoa que valoriza o tempo para atividades culturais. A exaltação do ócio para a prática da filosofia e ciência era muito comum na sociedade que inspirou o Império Romano: os gregos do período clássico. Ademais, a obra coloca a necessidade de se discutir o futuro do mundo, para que as pessoas busquem melhorar a realidade. Ao somar o tempo para práticas culturais e os debates, é possível encontrar mais um paralelo com a Grécia Antiga.

A obra tem uma questão muito interessante sobre o controle do tempo, que se reverbera nas entrevistas do diretor. Cesar é um homem que quebra as leis da física e consegue congelar o presente, um poder que lhe serve para analisar a realidade atual. Desta forma, ele se torna o homem que pauta o debate sobre o amanhã. Essa ideia não foge muito do que Coppola tem feito com seu filme. Ele analisa o cenário da Hollywood contemporânea e propõe discussões críticas sobre o futuro do Cinema, enxergando Megalópolis como um filme que desafiará o tempo e que será reavaliado criticamente em alguns anos, assim como aconteceu com Apocalypse Now (1979).

O sonho do diretor não se basta apenas no discurso, ele se transforma em imagem. Em contraste com um Cinema que prega uma simulação do realismo, recheado de efeitos práticos e Fotografia acinzentada; a obra é colorida com tons quentes, na intenção de tornar bonito e assumir o estilo farsesco daquele universo. Diferente da grande parte dos blockbusters contemporâneos, Megalópolis tem um artesão do Cinema na direção. A colorização e os efeitos não são feitos apenas em pós-produção. As cenas são previamente pensadas para ter profundidade de campo e iluminação, o que faz com que o resultado seja muito distinto e visualmente mais rico em relação às imagens chapadas de grandes produções como Deadpool e Wolverine (2024).

Entretanto, a estética não é algo bonito e vazio, ele é a externalização da mente de Cesar Catalina. A maneira teatral como alguns personagens se comportam, principalmente os seus rivais, Cicero e Clodio, evidenciam a compostura rígida do primeiro e a vileza do segundo. Francis Ford Coppola encontra, na teatralidade, outra maneira de se comunicar com os tempos de ouro de Roma e Grécia.

É possível enxergar no idealizador, uma busca pelo passado no debate sobre o futuro. Enquanto fala sobre o sonho da sociedade ser mais do que apenas a sobrevivência, ele alude às grandes civilizações antigas. Já ao falar sobre Cinema, ele volta ao período pré-2008, quando era muito explorado as possibilidades do digital. Nesse aspecto, há um diálogo com as obras de George Lucas, pois ele também fazia parte da Nova Hollywood e, quando chegou a década de  2000, também desbravou as novas tecnologias.

Esse filme é uma raridade, pois é um dos poucos Blockbusters independente da história e faz juz ao Cinema independente, ao usar do dinheiro a favor de uma ideia artística e menos mercadológica; sem esquecer o contexto atual. Coppola não vê problema em gastar, desde que ele consiga financiar todas as suas concepções cinematográficas. Megalópolis, seja o filme ou a cidade, não é a resposta, mas a pergunta. É o início dos questionamentos sobre para onde a humanidade ou o Cinema podem ir. Não é sobre dar soluções, trata-se de pautar o debate sobre o amanhã.

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Em Julho de 2024, MaXXXine estreou nos cinemas brasileiros com o hype e a expectativa lá em cima. Sequência do surpreendente slasher X e de seu prelúdio, o horror psicológico Pearl, ambos de 2022, este tinha a missão de dar continuidade à saga da protagonista interpretada por Mia Goth em um novo cenário. Poucos anos depois dos acontecimentos do primeiro filme, Maxine Minx se tornou uma estrela da indústria pornográfica e agora busca um lugar na Hollywood da década de 1980.

Assim como nos dois primeiros, a produção é da A24 e a direção e o roteiro ficam nas mãos de Ti West. Além de inventivo, as homenagens e referências a clássicos do horror em enquadramentos e montagens de cenas são características do jovem diretor. São notórias as alusões a O Massacre da Serra Elétrica (1974), Psicose (1960) e O Iluminado (1980) em X, e à Mágico de Oz (1939) em Pearl. Em MaXXXine, há técnicas – e até clichês – que rememoram Hitchcock e Brian De Palma. 

De maneira inteligente e sagaz, West resgata a ambientação da época com precisão, tanto por meio de recursos estéticos, como figurino, Fotografia e trilha sonora, como também pelo fetichismo de se tornar uma estrela hollywoodiana ou membro dessa indústria cinematográfica. Logo de início, também é rememorada a dualidade entre uma suposta era promíscua em conflito com o apelo religioso, algo alimentado, inclusive, pelo então presidente Ronald Reagan. Para completar, esse cenário dialoga com abordagens de uma Los Angeles caótica, marcada pela desigualdade social e elevada violência urbana. 

É justamente nesse último ponto que surge o principal nó do filme: o assassino em série Night Stalker está à solta, matando suas vítimas de forma brutal e as autoridades não encontram uma forma de detê-lo. Curiosamente, esses assassinatos passam a ocorrer após Maxine conseguir um papel no filme Puritana 2, envolvendo pessoas próximas à ela. Tem-se aqui, ainda, uma espécie de relação entre gato e rato de Maxine com o assassino, que demonstra saber de acontecimentos passados acerca de sua história, dando a entender que ela está inserida em um “jogo” e logo será pega.

Entre os pontos positivos, está, assim como nos anteriores, a excelente atuação de Mia Goth. Mais uma vez ela dá um show ao reunir elegância, violência e sensualidade na figura de uma protagonista cativante. Especialmente nos monólogos – assim como fez na já clássica cena final de Pearl –, fica evidente a sensibilidade da atriz, transitando da arrogância tóxica ao medo agônico com facilidade.

Neste longa também funcionam bem certas metalinguagens. Ora, assim como Maxine compõe o elenco de um blockbuster do horror hollywoodiano, MaXXXine chega aos cinemas, após o sucesso dos anteriores, como um blockbuster do horror contemporâneo, com alto orçamento em relação aos seus anteriores, que tinham muito mais elementos do Cinema independente. Busca-se, por meio disso, apontar paradigmas e aflições inerentes àqueles indivíduos inseridos na indústria cinematográfica: construção de reputação, medo, arrogância, incerteza, sucesso e, em certo sentido, o potencial da Sétima Arte como forma de expressão de seu tempo.

É uma pena que as qualidades param por aí. Basicamente, metade do segundo e o terceiro ato inteiro são marcados por clichês, um roteiro preguiçoso e o mau desenvolvimento de um enredo, até então, promissor. O elenco de apoio tem Kevin Bacon (X-Men: Primeira Classe; Questão de Honra), Elizabeth Debicki (The Crown; Guardiões da Galáxia), Halsey (Sing 2; Nasce uma Estrela) e Giancarlo Esposito (Breaking Bad; Better Call Saul); ainda que os dois primeiros tenham uma importância maior para a trama, a aparição de ambos parece ser algo à parte do enredo principal, tangenciando-o de maneira superficial, mas nunca sendo algo realmente relevante – o personagem de Esposito, inclusive, beira o caricato.

Parece que ambas encaminham para o pretensioso final, que é brega até a última gota. A temática religiosa volta à cena de maneira espalhafatosa, recorrendo à seita, perseguição policial e cenas de tiroteio, distanciando-se bastante do slasher e do horror psicológico – tão bem realizados pelos seus antecessores. Recorre-se a alegorias baratas, frases de efeito que pouco funcionam e resoluções, ainda assim, abertas.

Em entrevista, Ti West afirmou que este pode não ser o último da saga. De qualquer forma, MaXXXine não dialoga tão bem com X e Pearl como esses dois dialogam entre si. Ambos, mesmo com menos orçamento, são mais ousados, originais e inteligentes no que propõem. Poderia ser uma trilogia para ficar na história do gênero. No entanto, somente os dois primeiros ficarão.

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Gabriela Bita

Com um começo lento, mas intrigante, e um final explosivo, a terceira temporada de The Mandalorian apresenta força suficiente para, assim como as anteriores, concorrer ao Emmy de 2023. Contando com uma produção visual de tirar o fôlego, os oito novos episódios apresentam um foco diferente — mas muito bem explorado e desenvolvido — do observado anteriormente, o que pode causar um estranhamento inicial para os admiradores da história. Nessa nova fase, continuamos a ser presenteados com a fofura de Grogu e partimos com ele e seu mentor em busca da redenção do Mandaloriano nas minas de seu planeta natal.

Logo nos primeiros minutos, Grogu e Din Djarin (Pedro Pascal) estão juntos em mais uma aventura, o que causa uma leve confusão ao público, já que, no último episódio da segunda temporada, vemos o pequeno ser levado por Luke Skywalker (Mark Hamill) para aprender a ser um Jedi. É nesse ponto que o roteiro começa a pecar fortemente, pois os acontecimentos entre o final do último capítulo de 2020 e o começo do primeiro de 2023 são mostrados apenas na nova série – pouco aclamada pelos fãs – do universo de Star Wars, O Livro de Boba Fett.

Após diversas produções extras do universo intergaláctico, a história de Fett era mais do que aguardada. Afinal, qual padawan não estava ansioso para saber mais sobre o vilão que ajudou no sequestro do querido Han Solo em O Império Contra-Ataca? No entanto, assim como para o Império, a queda veio para a série desenvolvida em recordações. Poucos foram os que deram uma chance e assistiram ao reencontro de Djarin e sua criança — aparentemente os dois episódios, mesmo sendo o ponto alto da narrativa, não foram suficientes para conquistar a audiência.

Sendo assim, é inevitável a sensação de falta de contexto entre os fatos, que não é superada com os meros cinco minutos de flashbacks acrescentados em migalhas para o público durante uma simples lembrança de Grogu. No entanto, apesar do furo no roteiro de Jon Favreau, a trama segue seu rumo com Djarin buscando suas origens e uma forma de voltar a ser um Mandaloriano, enquanto, é claro, auxilia seus velhos amigos em outras questões e problemas que aparecem no meio de sua jornada.

Na aventura da vez, passamos a conhecer mais a fundo a história de Mandalore e, apesar da forte presença dos amados protagonistas, os novos capítulos focam em personagens secundários, como é o caso de Bo-Katan Kryze (Katee Sackhoff), que retorna para ajudar Mando e sua espécie a retomarem seu lar. As questões pessoais de Djarin são colocadas em segundo plano na terceira temporada e dão lugar ao desenvolvimento do próprio povo Mandaloriano. Até mesmo a relação entre o tutor e Grogu — apesar de continuar divertida e carregada de sentimentalismo — está mais voltada para o ensinamento da Doutrina.

Enquanto os Mandalorianos se reúnem, a Nova República atua para manter seu domínio após a queda do Império. No terceiro episódio, O Convertido, que parece não acrescentar em nada para história, passamos por Coruscant, capital da Nova República, na qual vemos um governo regido pela hipocrisia e não menos controlador do que o anterior. Assim, duas narrativas se desenvolvem uma de cada lado do universo, o que pode parecer estranho à primeira vista, mas é muito bem trabalhado por todo o enredo. Ao final, as histórias se colidem em uma grande explosão.

É impossível negar que um dos pontos altos da série é a participação especial da cantora Lizzo e do ator Jack Black nos papéis de Duquesa e Capitão Bombardier. Juntos, a ganhadora do Grammy de 2023 e o astro de Escola de Rock formam uma dupla excêntrica e divertida que atrai toda a atenção para si. Apesar de Black se destacar mais na parte técnica da atuação, a rapper americana não fica para trás e é visível sua paixão por Grogu, tanto enquanto personagem quanto fora das câmeras, o que deixa sua adição ao elenco ainda mais interessante.

Após se banhar nas Águas Vivas, lutar contra piratas e outras criaturas, Din e seu povo partem para Mandalore, onde um velho inimigo os espera para a luta final. Depois do quinto episódio,  intitulado O Pirata, The Mandalorian ganha um ritmo mais dinâmico, no entanto, a aparição de Moff Gideon (Giancarlo Esposito) — depois de todo o suspense produzido —  por pouco não se tornou um tiro no próprio pé. O fato do vilão estar vivo já havia se tornado óbvio e sua grande entrada não foi nem um pouco grandiosa, chegando apenas nos últimos minutos para ter seu final concretizado nas mãos de Bo-Katan.

Se o antagonista não teve a presença que poderia, os protagonistas mostraram o motivo de serem tão aclamados pelo público. Em uma sucessão de cenas intensas e emocionantes, vemos tutor e aprendiz serem separados duas vezes, enquanto do lado de fora, a luta entre stormtroopers e Mandalorianos no planeta-mãe destruídos acontece desenfreadamente. É aqui que toda a criatividade e habilidade de Jon Favreau atingem seu ápice e fica claro as intenções do produtor ao escrever um roteiro no qual a temporada se desenvolve gradualmente.

Ao conhecer um pouco mais da história dos Mandalorianos e acompanhar Djarin ensinando ao garoto O Caminho, ver o mais velho e sua criança lutando lado a lado gera arrepios por todo o corpo. Quando Grogu, agora mais habilidoso com a Força, e Din salvam um ao outro, temos um pai fazendo de tudo para não perder seu filho e este encarando seus medos para salvar seu pai. Apesar de não contextualizar o reencontro de ambos e não se aprofundar em suas questões pessoais, a terceira temporada de The Mandalorian finaliza o arco da história dos personagens com êxito, oficializando a relação paternal entre os dois e nos deixando esperançosos para o que as próximas aventuras irão trazer.

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Leticia Stradiotto

Cidade de Albuquerque, Novo México. To’hajiilee, uma reserva indigena em Navajo. Um trailer parado no meio do deserto. Um homem de meia idade vestindo apenas uma cueca branca, uma camisa verde e uma máscara de gás. Assim, há 15 anos, Breaking Bad nos apresentou ao primeiro laboratório de metanfetamina de Walter White, o falido professor de química do Ensino Médio, que acabou de ser diagnosticado com câncer terminal.

A droga que marca a produção era utilizada desde a Segunda Guerra Mundial. Ela era dada aos soldados para melhorar o desempenho e performance em campo. Sob efeito da substância, eles tinham o raciocínio acelerado e experimentavam uma intensa sensação de poder e de confiança. Por mais que Walt cozinhasse a metanfetamina com 92% de pureza, o protagonista interpretado por Bryan Cranston, jamais provou do seu produto – seu poder e confiança eram alimentados pela natureza da ambição em si mesmo.

No sul dos Estados Unidos existe uma expressão que significa o desvio dEl camino certo para o mau: Breaking Bad. Algo que pode ser apenas por um dia, ou pela vida inteira. Quando a mesmice dos dias cansa e jogar tudo pro alto lhe convém muito mais do que seguir a rotina. A transformação de um típico e comum cidadão americano no maior, mais assassino e ganancioso dono de um império no tráfico de cristal. 

15 anos atrás, Breaking Bad estreou na TV sob direção de Vince Gilligan como um drama cômico, e respondeu a pergunta que homens de meia idade com certeza fizeram durante sua vida: o que aconteceria se eu largasse meu emprego chato e começasse uma carreira de lucro ilegal? A solução envolvia drogas, explosões, gangues do tráfico, mortes impactantes e um pouco de frango frito.

A série foi um grande marco na história das produções televisivas, sendo responsável pela criação e mudança de um conceito cinematográfico. Seu papel foi tão grandioso que, durante suas cinco temporadas, colheu 230 indicações e um total de 118 prêmios em diferentes categorias. Em 2014, no Emmys Awards, a produção varreu as estatuetas, ganhando praticamente todas as indicações nomeadas- entre elas a de Melhor Série Dramática e também os prêmios individuais para o trio Aaron Paul, Anna Gunn e Cranston.

O impacto no modo de produção envolveu diversas características, desde a abordagem do roteiro até as técnicas de fotografia e ambientação do espaço. O cenário principal da história contempla paisagens áridas e desoladas do deserto de Albuquerque no Novo México, com tomadas amplas e panorâmicas que transmitem a vastidão e a impotência dos indivíduos em relação ao ambiente, contrastando diretamente com a vida suburbana de classe média do protagonista. A cidade se torna um personagem, com sentimentos de isolamento e opressão que atingem os conflitos internos dos próprios sujeitos envolvidos.

A equipe de direção de fotografia utiliza uma paleta de cores distinta para cada temporada, com um arco visual que acompanha a evolução do enredo. As cores saturadas e quentes dos primeiros episódios evocam a normalidade antes de tudo mudar para White, enquanto a paleta fria das últimas temporadas reflete uma crescente escuridão do declínio de Heisenberg.

Tecnicamente, a química é o estudo da matéria. Mas, prefiro encarar como o estudo da transformação. Pensem uma coisa. Elétrons, eles mudam seus níveis de energia. Moléculas, alteram suas ligações. Elementos, eles se combinam e se transformam em compostos. Isso faz parte da vida, certo? É uma constante, é um ciclo, é solução, dissolução, infinitamente. É crescimento, declínio e transformação.

Walter White

Além do mais, a escrita impressiona pela capacidade de transformação dos personagens durante a trama e o maior exemplo disso é Jesse Pinkman (Aaron Paul). O jovem era o contraponto de Walter White e sua trajetória dentro de Breaking Bad foi uma das mais emocionantes. No início, ele é visto como um usuário de drogas em busca de dinheiro fácil, porém, com o desenvolvimento da série, a personalidade de Pinkman se expande e revela uma vulnerabilidade extremamente emotiva. Jesse – independente de todos os erros e atrocidades cometidas – segue em busca de sua essência, que foi corrompida milhares de vezes. 

Enquanto o garoto se martirizava por ser um vilão, o maior traficante Heisenberg não olhava para si como um mau caráter. A ausência de reconhecimento e empatia corroeu cada vez mais a sua persona, e ao mesmo tempo, aumentou o tempo de seu legado como Rei das Drogas. 

Mr. White não media esforços para acabar com qualquer um que ameaçasse sua carreira no tráfico, independente se isso significasse enfrentar os mais psicóticos traficantes ou o seu próprio cunhado agente do DEA (Drug Enforcement Administration). Todos que ameaçam seu desenvolvimento são inimigos em potencial, e todos acabam com o mesmo fim – tiroteios, explosões, tentativas de envenenamento e overdoses.

Tuco Salamanca (Raymond Cruz): líder de uma gangue criminosa do sudoeste americano e um dos primeiros chefões do tráfico na série. Esse inimigo é caracterizado por sua personalidade imprevisível, explosiva e violenta. Uma das cenas mais famosas do personagem é quando ele tem uma reação extremamente intensa ao experimentar a metanfetamina azul de Walter. A reação de excitação frenética ganhou adaptações na internet. Com certeza ele é um, dos tantos, inimigos icônicos de Breaking Bad. 

Gus Fring (Giancarlo Esposito) foi de longe o antagonista com mais destaque da trama. Ele é dono de uma rede de fast food de frango frito, chamada Los Pollos Hermanos, que na realidade é local do seu império no tráfico de drogas. O personagem é calmo e controlado e, ao contrário de Tuco, é extremamente cuidadoso com a sua aparência pública de empresário bem sucedido. 

Em suas cenas finais, Gus é atraído para um encontro com seu antigo rival, Hector Salamanca (Mark Margolis), velho tio de Tuco. A morte de Fring foi uma das mais memoráveis: com ajuda dos maquiadores e especialistas em efeitos especiais de The Walking Dead, a produção investiu forte nos destroços do personagem, e sem dúvidas fez com que os espectadores ficassem boquiabertos.

Não só de mortes se constrói a série, pelo menos não por enquanto. Outra emblemática – e talvez uma das favoritas relações entre os personagens – é o romance conturbado de Jesse Pinkman e Jane Margolis (Krysten Ritter). Os jovens se conhecem quando a garota se torna sua vizinha e locatária, tendo o namoro marcado por altos e baixos, com momentos de pura paixão e profundo desespero. 

Jane é uma artista viciada em drogas, que está tentando se manter limpa. Ambos compartilham uma conexão quase imediata, uma vez que possuem histórias de vida difíceis e buscam sair dessa para encontrar um caminho melhor. Apesar do vício, ela é uma influência positiva em Jesse e o encoraja a lutar contra seus demônios. 

O curto relacionamento é um momento de alívio e felicidade para os dois, pois encontram conforto um no outro para lidar com a caótica realidade. A chegada da personagem na série foi importante para o desenvolvimento de temas complexos, como a dependência química. A história do casal tange momentos marcantes e contribui completamente para o rumo da trajetória de Jesse Pinkman.

Outros casais importantes são compostos por Walter White e Skyler (Anna Gunn), que juntos têm uma família com dois filhos, Walter Jr., um jovem com paralisia cerebral, e Holly, a filha mais nova e recém nascida. À medida que Walter mergulha no mundo das drogas e da violência, sua família se torna cada vez mais distante e ameaçada, mesmo que essa seja sua principal razão para lucrar com a produção de cristal. Skyler, inicialmente, é uma personagem secundária na trama e muitas vezes odiada pelos fãs, mas ela começa a ganhar um espaço significativo quando descobre sobre as atividades ilegais do marido.

A série construiu personagens tão intrínsecos e envolventes, como substâncias constituintes de uma reação, que apenas as cinco temporadas por si só não bastaram. Ganhando duas continuações no audiovisual, o filme El Camino e a série derivada Better Call Saul. Outro ponto que estimula o sucesso da produção, é a gigantesca possibilidade do espaço para outros personagens e não apenas os protagonistas. Por exemplo, El Camino trata da vida de Jesse Pinkman após Breaking Bad, enquanto Better Caul Saul conta a história do advogado da dupla responsável pelo toque de humor e sarcasmo na série debutante, Saul Goodman. 

Por mais que o fim da série tenha sido polarizador, entre os que amaram e os que odiaram, Breaking Bad tem a química. A história é um conto épico de apogeu e queda que, mesmo após seus 15 anos de lançamento, ainda instiga os telespectadores. Nos encontramos imersos nas substâncias constituintes, sendo elas simples ou compostas: a mistura ácida da obra resulta em uma explosão química inevitável. Assim como a metafísica, são realidades que transcendem a experiência sensível.

A trama nada mais é do que uma série de reações. E cada uma dessas reações provocam a mudança. Crescimento, declínio e transformação. Breaking Bad encerra ressignificando o ciclo infinito do estudo da transformação na química. A dissolução de Walter White acontece exatamente onde ele começou: em um laboratório de metanfetamina.

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Vitor Tenca

Convergir o que há muito tempo está fragmentado nunca seria uma tarefa fácil. Saul Goodman embarca em um capítulo de desafios contra vilões-heróis já consolidados para provar que uma mente do crime e da justiça pode precisar de uma mesma qualidade: saber cortar caminhos. Na sexta temporada de Better Call Saul, olhamos para os detalhes finais que constroem a narrativa ressentida e desenfreada da vida de um ex-advogado. 

A série da AMC distribuída pela Netflix foi encaixada nos novos moldes destinados aos seriados da plataforma de streaming – separados em dois “blocos”, os primeiros nove episódios foram lançados semanalmente e, após pausa de um mês, os últimos quatro foram ao ar da mesma maneira. O método acabou por ajudar o diretor Vince Gilligan e o produtor Peter Gould com a proposta sequel-prequel do seriado, em que o telespectador se deparou com dois ambientes completamente distintos nessas duas etapas da produção.

Os 50 episódios previstos nas outras cinco temporadas são amarrados de maneira magistral, sem deixar nenhuma ponta solta ao longo dos últimos treze. De fato, parece que Vince e Peter já tinham em mente um plano geral para a série, de modo que nenhuma decisão fora tomada em vão (um personagem, uma narrativa, um ângulo de câmera, uma transição, um cenário). Os dois passam a impressão de que houve uma grande evolução das mentes [já] brilhantes do diretor e produtor, inovando continuamente com o passar do tempo das produções. 

Sem James McGill não há um Heisenberg, sem Better Call Saul não existe Breaking Bad. Saul não exagera em puxar sua sardinha em pleno tribunal para provar, uma última vez, que o advogado se sobrepõe à função de coadjuvante estabelecida previamente por Jesse e, principalmente, Walter. É inclusive aqui que é indagada a grande questão: o que diferencia as duas séries? A resposta é simples e inusitada – a culpa é o atributo inserido no universo com a função de tornar os personagens mais dignos de afeiçoamento e salvação em meio às sequências de trapaças, golpes e vigarices. No fim das contas, esse pequeno detalhe torna a trajetória de BCS ainda mais densa e realista do que a de BrBa. 

Os treze últimos episódios conseguem envolver o telespectador com ainda mais fervor se comparados com as temporadas anteriores. Torna-se cada vez mais difícil nos separar das angústias que atormentam cada personagem. E esses fatores são potencializados em passagens específicas, como nas cenas finais de Nacho Varga (Michael Mando), nas paranóias inusitadas de Gustavo Fring (Giancarlo Esposito), nas aparições eletrizantes de Lalo (Tony Dalton) e nos momentos sóbrios e duros de Mike (Jonathan Banks).

Jimmy McGill, Saul Goodman e Gene Takavic são além de simples pseudônimos de um homem sem lei – são realidades distintas que nos aproximam ou nos repelem do protagonista que foi destinado a ser interpretado por Bob Odenkirk. Saul ultrapassa a grandiosidade de um Heisenberg, pois acompanhamos o movimento pendular entre um oportunista e uma boa pessoa que, no fim das contas, merece a “salvação” das maçãs podres ao seu redor. E, no fim, o mais interessante é descobrir qual personalidade prevalece. 

Enquanto isso, Rhea Seehorn transita de maneira brilhante em seu papel como Kim Wexler, vivendo uma montanha-russa de desejos, emoções, traumas e decisões. Dividida em uma Kim pré-Hamlin e pós-Hamlin, a personagem caracteristicamente justa e dedicada dá mais espaço ao seu lado Slipping Kim para se entreter na vingança contra “pessoas superiores”. Em seguida, somos surpreendidos com uma Wexler totalmente entregue ao remorso, vivendo em um mundo sem cor, sem vida, sem personalidade.

Indicada ao Emmy 2022 em 7 categorias, incluindo a de Melhor Série de Drama e a de Melhor Roteiro em Drama, para Thomas Schnauz pelo episódio Plano e execução, Better Call Saul tem em sua sexta temporada a chance de tirar dos ombros o peso das constantes esnobadas da premiação. Bob Odenkirk e Rhea Seehorn, que na edição passada se contentaram apenas com lamentações por não serem sequer nomeados, concorrem neste ano como Melhor Ator em Série de Drama e Melhor Atriz Coadjuvante em Série de Drama, buscando levar para casa as tão sonhadas e merecidas estatuetas.

A ponte que liga Better Call Saula Breaking Bad é a mesma que aparenta fechar as portas do mundo da metanfetamina – pelo menos por enquanto. Tanto Vince Gilligan como o próprio presidente da AMC já se mostraram abertos a um possível retorno de novos spin-offs num futuro próximo. Isso se dá em função do ótimo trabalho de BCS em instigar os fãs a conhecer ainda mais das trajetórias e peculiaridades de diferentes versões de “protagonistas”.

Mantendo a coesão da série original sem ter medo de aprofundar-se em suas próprias individualidades, Better Call Saul se concretiza como um sucesso absoluto. No que diz respeito aos novos personagens preferidos de muitos fãs, podemos perceber a realidade que prevalece após um final abrupto, seco, amargo e necessariamente direto: não há mais nenhum Saul Goodman em cena, apenas um McGill, sem extravagâncias, sem demais truques, sem cortes de caminho, sem escorregões.

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Vitória Lopes Gomez

Menos de duas semanas antes do fim da segunda temporada de The Mandalorian, a Disney+ anunciou 10 novas séries originais do universo Star Wars. O furor com as novas produções, com os nomes inéditos e antigos sendo divulgados, teasers e teorias agitaram as redes sociais por dias, o que poderia distrair a excitação para a finale da pioneira dos live-action. Felizmente, a série prova, mais uma vez, que é grandiosa e se consolida como uma das melhores produções da franquia bilionária criada por George Lucas.

Na temporada de estreia, Mando (Pedro Pascal), um solitário caçador de recompensas, se afeiçoa pela Criança, uma criaturinha da mesma espécie do Mestre Yoda, e desiste de sua missão para resgatá-la das forças imperiais que a capturaram. Após passar por poucas e boas para protegê-la e, no processo, criar uma relação de pai e filho, o mandaloriano é oficialmente encarregado de encontrar outros da espécie e que possam acolhê-lo. No segundo ano da série, continuamos viajando a galáxia a bordo da Razor Crest, acompanhando Din Djarin (o nome real do Mando) e o Bebê Yoda em busca de alguém apto para treinar o pequeno, que precisa aprender a controlar seus poderes.

Com uma primeira temporada aclamada, inclusive indicada ao prêmio de Melhor Série Dramática no Emmys 2020, o desafio para a continuação é, não só manter a alta qualidade, mas superá-la Na nova leva de episódios, mantendo a proposta de explorar personagens e cantos marginalizados do universo Star Wars, o showrunner e roteirista Jon Favreau dá sequência ao arco principal e ao uso do estilo road movie, para abrir caminhos e introduzir novos rostos e arcos secundários, que aprofundam os personagens e a narrativa de The Mandalorian.

O estilo adotado confere dinamismo à série e cai bem com o faroeste espacial. Logo no primeiro episódio, O Xerife, por exemplo, Din Djarin viaja a Tatooine em busca de outros de seu clã. Lá, ele se depara com o xerife Cobb Vanth (Timothy Olyphant), que veste uma armadura mandaloriana para proteger a população, o que é proibido pela doutrina e causa tensão entre ele e Mando. A luta, porém, é interrompida pelo dragão que assola o local e, após negociarem, os dois se unem e unem tribos inimigas para derrotarem o monstro, reinstaurando a paz. Em troca, o viajante e a Criança, que tenta ajudar com seus poderes (mas ainda não sabe controlá-los), deixam o planeta com a armadura, sem terem encontrado a ajuda que precisavam.

Vivendo ‘na estrada’ e trocando favores por informações, Mando faz inimigos e aliados no caminho. Em uma de suas paradas, ele recebe ajuda de outros mandalorianos, liderados por Bo-Katan (Katee Sackhoff), para salvar o Bebê de uma ameaça local, mas também entra em conflito com o reforço: diferentemente dele, os personagens tiram o capacete da armadura, contrariando tudo que aprendemos sobre os guerreiros até então. O encontro, além de indicar um novo rumo para a jornada, mostra mais das diferentes vertentes da doutrina, que não foram exploradas na primeira temporada, e revela crenças e posicionamentos de Mando. Assim, conhecemos cada vez mais do protagonista, que agora até fala mais, e do que o move, além da sua devoção à missão e à Criança.

Com a ausência dos grandes embates maniqueístas típicos da space opera dos filmes, The Mandalorian se encontra no momento pós guerra, cenário que a primeira temporada conseguiu explorar tão bem. Sem espaço para coincidências em uma galáxia tão grande, seja pela afeição de Favreau ao universo Star Wars, seja pela linha do tempo em que se passa, a série passa cada vez mais a trazer elementos já conhecidos da franquia. A armadura de Boba Fett e o xerife Cobb Vanth no primeiro episódio, e a aparição de Bo-Katan são só um pouco do que o restante da temporada reintroduz.

Depois de ter reencontrado Cara Dune (Gina Carano) e Greef Karga (Carl Weathers) e o trio descobrir os planos de Moff Gideon (Giancarlo Esposito) para a Criança, em, O Cerco, episódio que revigorou a dinâmica entre os veteranos, a urgência da missão de Mando aumenta. E é pela sugestão da mandaloriana líder das Corujas Noturnas que Djarin ruma a Corvus para procurar a Jedi Ahsoka Tano (Rosario Dawson). Por lá, ele a ajuda a destituir uma magistrada tirana que domina a cidade e como espólio, leva uma lança de puro Beskar, um raro e poderoso metal. 

Mesmo com mais uma aparição familiar , menções ao passado da Jedi e lutas com sabre de luz, o ponto alto do episódio é o Bebê Yoda. Ahsoka, que consegue se comunicar com o pequeno, conta a Mando sobre o passado de Grogu, o verdadeiro nome da Criança. Após ser treinado por muitos mestres, a criaturinha foi salva antes do massacre dos Jedi pelas mãos de Anakin Skywalker, e, por isso, não aprendeu a dominar os seus poderes corretamente. Ela, porém, se recusa a ensiná-lo, por temer que a ligação de Grogu com Mando possa interferir no treinamento e levá-lo por um caminho sombrio.

Depois de mais de uma temporada nos apaixonando pelo Bebê Yoda, Favreau e Filoni finalmente revelam mais sobre ele, que virou uma verdadeira sensação na internet e tornou o momento ainda mais esperado. Agora, Mando tem de ir a Thyton para Grogu se reconectar com a força e achar um Jedi para treiná-lo. Mesmo que a temporada inteira tenha girado em torno desse objetivo, quando a conclusão da missão e a despedida se aproximam, cada momento dos dois juntos se torna ainda mais especial, ainda que doa no coração.

Como nada é tão simples e a série requer um vilão a altura, Moff Gideon estava se preparando para recuperar seu objeto de estudo. Em A Tragédia, um episódio frenético que encaminha um ritmo ainda mais acelerado para o restante da temporada, temos o retorno de Fennec Shand (Ming Na-Wen) e de Boba Fett (Temuera Morrison), que lutam com Mando. Fett foi uma das aparições mais comemoradas pelos fãs. O brilho que a volta do caçador de recompensas rouba do protagonista só é deixado de lado quando tropas imperiais de Gideon chegam para capturar Grogu. Fett e sua parceira, em troca da armadura que estava em posse do mandaloriano, ajudam-no a proteger a Criança, que, mesmo assim, é levada.

Din Djarin, que não era de muitos amigos e preferia agir sozinho, agora tem de recorrer a seus aliados para salvar o pequeno. A profundidade que o personagem ganha se torna clara e, por ser desenvolvida aos poucos e discretamente, mostra como Mando evoluiu em seu tempo com a Criança, a ponto de questionar suas próprias crenças e tomar atitudes extremas para salvá-lo. No penúltimo episódio da temporada, O Que Acredita, escrito e dirigido por Rick Famuyiwa, o mandaloriano aceita a ajuda de inimigos e inclusive tira o capacete, o que escancara ainda mais a urgência da situação.

Em um confronto final em que tudo está em jogo, a conclusão da temporada é de tirar o fôlego, grandiosa como a série pede. Na missão de resgate a bordo da nave imperial, Mando, finalmente, fica cara a cara com Moff Gideon e tem de recuperar Grogu e o Sabre Sombrio, que havia prometido a Bo-Katan em troca de sua ajuda. Claramente desesperado, ele aceita levar só o pequeno, mas o vilão parte para a luta, rendendo um dos combates mais tensos e memoráveis de The Mandalorian. O mandaloriano, que saiu vencedor, resolve poupar a vida de Gideon, mas o que restou das forças imperiais encurrala o protagonista e seus aliados e aparentemente, não há escapatória.

Quando tudo parece dar errado, uma nova esperança surge. Usando de um fanservice mais do que justificado, R2D2 e Luke Skywalker, com seu potencial de Jedi atingido, chegam para o resgate do grupo e de Grogu, que finalmente acha alguém para treiná-lo. Com a missão cumprida, Mando e a Criança se despedem em (mais) um momento de partir o coração, finalizando excepcionalmente o arco principal da série. Porém, enquanto os próximos passos de Grogu estão garantidos e os de Djarin e The Mandalorian parecem incertos, revela-se que o Sabre, que Bo-Katan deseja empunhar para reivindicar Mandalore, está em posse de Mando, que o conquistou em batalha e, portanto, tem direito ao trono do planeta.

Não só o CGI do rosto de Mark Hamill, que reviveu seu personagem mais marcante, mas os efeitos visuais continuam um show por si só. Desde as paisagens e diferentes habitantes da galáxia, às lutas e cenas de ação, embaladas pela trilha sonora fenomenal do veterano Ludwig Goransson, que agora usa menos toques eletrônicos e mais orquestras, a parte técnica de The Mandalorian mostra porquê levou tantos prêmios no Creative Emmys 2020. A direção, que segue na proposta de diversificar nomes, entrega tons diferentes que condizem com as mudanças de atmosfera e ritmo dos episódios e tornam cada capítulo ainda mais único e indispensável.

Após um segundo ano que aprofundou personagens e a relação entre eles e conectou a série com o universo da franquia, a terceira temporada tem muitos possíveis caminhos pelo qual seguir, podendo explorar ainda mais da doutrina mandaloriana e dos conflitos por poder em Mandalore, além de introduzir personagens novos. A torcida é para que a série mantenha a sua autenticidade e atenha-se a proposta de inovar e dar espaço aos habitantes da galáxia não explorados no cinema, sem recorrer às aparições por fanservice ou se perder ao servir como outdoor para introduzir e promover spin-offs. Afinal, não falta território a ser explorado em The Mandalorian, que já cansou de provar que é uma das melhores produções Star Wars.

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