Henrique Marinhos

Ao completar duas décadas em 2025, E Se Fosse Verdade (Just Like Heaven) surge como um artefato nostálgico da era de ouro das romcoms e um testamento de um tempo em que a química entre atores valia mais do que propriedades intelectuais. Antes de o algoritmo da Netflix padronizar as comédias românticas em uma massa cinzenta de iluminação chapada e roteiros tão genéricos que são acusados de serem gerados por IA, existia o ecossistema em Hollywood chamado mid-budget movie. 

Dirigido por Mark Waters – que vinha fresco de Meninas Malvadas (2004) –, o filme adapta o romance de Marc Levy com muita liberdade criativa. A premissa é simples e beira um realismo mágico de liquidação: David (Mark Ruffalo), um arquiteto paisagista viúvo se apaixona pelo espírito de uma médica workaholic em coma, Elizabeth (Reese Witherspoon) que assombra seu novo apartamento. 

Diferente de obras como Ghost (1990), que ancoravam o sobrenatural no thriller e na sensualidade tátil, a obra de Waters aposta em uma screwball comedy – mais como uma comédia maluca ou excêntrica – espiritual. O apartamento em São Francisco é um limiar entre a vida e a morte, desenhado com tijolos expostos e janelas amplas que emolduram a solidão. O roteiro, por Peter Tolan e Leslie Dixon, exige que aceitemos um pacto ficcional frágil, mas a direção conduz a narrativa com uma sinceridade tão desarmada que a lógica cética é deixada na porta.

É impossível dissociar o impacto de E Se Fosse Verdade do momento estelar de seus protagonistas. Reese Witherspoon, pós Legalmente Loira (2001) e prestes a ganhar o Oscar por Johnny & June (2005), empresta à Elizabeth uma neurose controladora que humaniza o arquétipo da mulher de carreira que precisa relaxar. Do outro lado, temos Mark Ruffalo em seu auge de namorado comfort indie que precisa reabrir seu coração.

Vale notar, inclusive, a exigência física do papel de Ruffalo. Grande parte de suas cenas exige que ele atue para o vazio ou reaja a uma presença que ninguém mais vê, evocando uma comédia corporal que remete aos clássicos de Hugh Grant. Em retrospecto, é incrível acompanhar um ator que passaria a década seguinte preso aos trajes de captura de movimento da Marvel, aqui usando apenas seu corpo e rosto para vender a dor do luto.

A direção de arte de Cary White entrega uma São Francisco onírica – quase de conto de fadas – onde os telhados têm jardins secretos e a neblina serve mais ao romance do que ao mistério. Há uma textura na fotografia, uma granulação que perdemos na transição para o digital estéril da década seguinte. Quando a faixa-título do The Cure, Just Like Heaven (na voz de Katie Melua) toca, o filme constrói uma atmosfera de melancolia doce que poucos diretores do gênero ousam explorar hoje.

Essa construção atmosférica é sustentada também pela trilha incidental de Rolfe Kent. Enquanto as romcoms atuais abusam de músicas pop para ditar o sentimento da cena, a partitura de Kent trabalha nas entrelinhas com arranjos orquestrais que reforçam a identidade de fábula urbana, distanciando a obra do realismo e permitindo que o espectador habite aquele universo onde a medicina e a magia coexistem.

Texto Alternativo: Cena do filme E Se Fosse Verdade. Em uma cozinha com armários brancos e iluminação quente, o personagem Darryl (Jon Heder), vestindo um suéter bege texturizado, aponta o dedo para o peito de David (Mark Ruffalo), que o encara de perto. Ao fundo, Elizabeth (Reese Witherspoon) observa a discussão com uma expressão de choque e a boca aberta.

O que torna a revisão da obra tão doce em 2026 é perceber como ela trata o luto. Por trás das piadas com copos flutuantes e exorcismos cômicos (com um Jon Heder recém-saído de Napoleon Dynamite – 2004), existe uma discussão genuína sobre o direito à vida e a dificuldade de seguir em frente. O roteiro equilibra a leveza do sobrenatural com o peso das decisões médicas e éticas, algo impensável para as produções assépticas atuais que fogem de qualquer gravidade real.

Há uma subversão interessante da biopolítica do amor no terceiro ato. Sua batalha não é contra um vilão caricato, mas contra a burocracia hospitalar e a frieza dos protocolos de desligamento de aparelhos. Ao transformar o corpo inerte da protagonista em um objeto de disputa e eventual roubo, o filme eleva a aposta romântica para uma questão de vida ou morte literal, fugindo do clímax padrão de corrida até o aeroporto.

No fim, E Se Fosse Verdade sobreviveu ao teste do tempo por sua honestidade emocional. Ele pertence a uma era onde o cinema comercial ainda se permitia ser estranho, romântico e visualmente intencional. Vinte anos depois, Elizabeth Masterson acordou do coma, no entanto o gênero que ela representou parece continuar respirando por aparelhos, esperando que algum executivo de estúdio consiga enxergar o espírito que ainda vive ali.

Just Like Heaven (2005) Theatrical Trailer

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Vitória Mendes

Em uma era em que a performance se impõe como valor central e praticamente obrigatório, muitos artistas se aventuram em terrenos novos que não florescem da maneira que o público espera. A inovação, por mais desejada e desafiadora que seja, não garante profundidade e, muitas vezes, escorrega em contextos vazios. Indo na contramão dessa lógica de tendências momentâneas, em EVERYONE’S A STAR!, 5 Seconds of Summer retorna às próprias origens e reformula a nostalgia do pop rock dos anos 2010, evocando a energia de Sounds Good Feels Good (2015), sua segunda gravação, produzida no auge da era das boybands.

Lançado em 14 de novembro de 2025 pela Republic Records, o álbum une o melhor do pop punk e do rock alternativo ao mesmo tempo que abraça e aprecia o lado mais sombrio do grupo. As inseguranças, os pensamentos destrutivos e as obsessões se tornam o foco nesse novo capítulo, sem desconsiderar cada curva instável que fez parte da jornada. Há deslizes, especialmente na composição lírica, mas a produção versátil e autêntica se mantém constante e se consolida como uma versão madura e confiante de seus primeiros trabalhos, trazendo um olhar diferente e maduro.

Afirmando suas estrelas interiores e esbanjando influências, a banda percorre temas típicos do gênero como fama, sexo, drogas e a linha tênue entre obsessão e amor. Há uma narrativa consciente e reflexiva sobre o potencial consumidor, intenso e distorcido que a fama pode apresentar, além de causar a perda do apelo pelas coisas prazerosas que a vida proporciona. A obra também revisita a própria trajetória, marcada pela necessidade de identificação e utilidade ao público, que, ao longo do tempo, foi reduzida ao papel de entreter. Enquanto lidam com o passado, os artistas apresentam os dois lados de uma mesma moeda e vivenciam o impacto da exposição precoce aos holofotes.

Everyone’s A Star! abre o disco e estabelece o tom das faixas seguintes de forma sólida e instigante. Ao longo da produção, a dualidade de sentimentos aparece de forma constante, acompanhada de referências ao meio musical e ao imaginário das estrelas do rock. A montagem também aprofunda as sensações e, em Ghost, apresenta o medo de encarar o próprio reflexo no espelho e não reconhecer quem se tornou, como se um fantasma familiar estivesse presente em cada gesto. Em meio a isso, surgem os dilemas ao lidar com relacionamentos amorosos, desde a necessidade de superação até o início de um novo amor, evidenciados em Start Over.

Com sua crueza e sinceridade, as faixas operam em diferentes camadas e intensificam a força do conteúdo, alcançando níveis distintos de impacto, dependendo da vivência de quem as escuta. Para sintetizar toda a estética do projeto, Boyband critica abertamente a indústria musical e os padrões e expectativas impostas. Os australianos abordam seus problemas com autoimagem, desordem alimentar e a sensação de serem valorizados apenas no auge da juventude. 

Desde o início da carreira, em 2011, o rótulo de boyband soava como uma prisão para os artistas. Diferente de One Direction e The Vamps, grupos ativos na mesma época, 5 Seconds of Summer evitava a classificação por suas implicações em gêneros, comportamentos e discursos pré-estabelecidos pela indústria. Em EVERYONE’S A STAR! o termo, utilizado para desmerecer o grupo no passado, é audaciosamente ressignificado e tomado para si com orgulho, ao se intitularem como “sua boyband favorita”. Isso não impede as críticas presentes na obra, apenas fortalece os argumentos com propriedade.

Após o lançamento do 5SOS5 (2022), os australianos exploraram suas carreiras solo sem desfazer a banda. Essa liberdade criativa permitiu experimentar novas ideias, experiências e perspectivas, sendo crucial para a maturidade e segurança de cada membro em novos projetos. As quatro faixas extras da edição deluxe, inicialmente disponíveis em CDs individuais para cada membro, expandem o diálogo com as carreiras solos e carregam nuances pessoais e subjetivas sem comprometer o conjunto do trabalho. A familiaridade estética é significativa, e cada uma poderia ser inserida nos respectivos álbuns individuais. Star Over, por exemplo, conversa diretamente com When Facing the Things We Turn Away From, de Luke Hemmings, e assim por diante. 

A construção instrumental é um dos pontos mais sólidos e destacados na obra. Baixo, bateria e guitarra, além de dialogarem na temática, trazem a batida envolvente e viva em cada canção. A escolha do ritmo para abordar temas diversos e intensos criam um contraste visível, ambicioso e que sintetiza o pop rock. No campo vocal, a produção é agradavelmente exploratória. Luke Hemmings, vocalista principal, explora seu alcance e projeção, enquanto Ashton Irwin, Michael Clifford e Calum Hood no apoio contribuem para a harmonia e equilíbrio da produção. É evidente o domínio e extensão de cada membro e o uso consciente de cada tom e técnica, até mesmo nos interlúdios.

Contudo, na composição lírica, o álbum hesita. O conteúdo se mantém coerente com o estilo visual proposto, repleto de trocadilhos, metáforas e referências, mas não alcança o refinamento e profundidade técnica das produções anteriores. A partir das faixas finais, há uma queda na densidade das letras, deixando claro a decisão de priorizar a mudança estética do que a escrita. Apesar de não afetar grandemente a construção final, impede que algumas músicas tenham maior alcance.

Ainda assim, o disco se consolida como um trabalho versátil e maduro. A identidade foi amplamente explorada na divulgação e nos clipes, enquanto as músicas exalam a essência do grupo, além de dialogar com outras fases e as reconhecerem como igualmente válidas e únicas. 5 Seconds of Summer assume a era com orgulho, reafirmando sua identidade com equilíbrio, confiança e paixão. EVERYONE’S A STAR! é o reflexo de artistas que se mantêm fiéis às suas origens e, ainda assim, reinventam e desafiam as expectativas da indústria com propósito e audácia.

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Nathalia Tetzner

Segundo a ciência, o arco-íris é explicado pela refração, dispersão e reflexão da luz solar por gotículas de água presentes na atmosfera. Já para os supersticiosos, o arco luminoso pode significar prosperidade e abundância, tal qual a história clássica do duende e o pote de ouro. Porém, nos versos de Katy Perry, a magia está no Double Rainbow, algo que você somente seria capaz de testemunhar uma vez na vida. 

Mas, afinal, se a misticidade determina que a duplicidade do fenômeno físico pode ocorrer uma única vez ao longo da trajetória de uma pessoa, quantas vezes é possível se alcançar o topo do mundo? Contrariando as estatísticas de discos que são amaldiçoados pelo sucesso estrondoso do anterior, PRISM (2013) refratou todas as cores de Perry ao colocá-la no caminho certo para encontrar a recompensa dourada novamente em sua carreira.

O conceito e a estética do prisma dispersivo da óptica não é novidade na Música. Em 1973, Pink Floyd simbolizou a transformação da sua sonoridade com a capa icônica de The Dark Side of the Moon. 40 anos depois, a garota californiana chegou para demonstrar como se cria luz em meio a escuridão. Inspirada pelo namorado da época, o também cantor John Mayer, ela traz à tona uma versão mais madura e pessoal, no entanto, não menos colorida.

Depois de se deliciar com as nuvens de algodão-doce em Teenage Dream (2010), Katy Perry une o pop perfection característico com a melancolia das suas primeiras composições para construir o cenário multifacetado de PRISM. Inicialmente tida como uma era dark, repleta de teasers em que enterra o figurino estilizado com doces e queima a peruca “Baby Blue”, Perry surge com o hino motivacional Roar dentro de uma floresta cartunesca.

Virada de costas para a câmera, mostrando a figura do tigre estampado na jaqueta azul, a cantora deu os primeiros passos da nova fase com a determinação de quem já sabia que quebraria ainda mais recordes. Além do trabalho de divulgação extraordinário da Capitol Records, Katheryn Elizabeth Hudson soube mesclar o inédito e a nostalgia, com o rugido sendo o sucessor natural de Firework, atingindo tanta glória quanto em seus tempos de chantilly.

Entretanto, na contramão dos lançamentos anteriores, o contexto do terceiro álbum de estúdio é de amplo conhecimento do público. Agora, a artista tinha uma base de fãs e um frenesi da mídia em torno de sua vida particular forte como nunca. Por isso, era de se esperar que o divórcio traumatizante com o humorista menos engraçado do Reino Unido, Russell Brand, fosse respingar nas produções mais cruas do projeto.

Com o vocal ríspido como quando assinava sob o nome de Katy Hudson, By The Grace Of God traz uma redenção gospel sobre um assunto delicado, principalmente pela perspectiva das instituições religiosas, o suicídio. A faixa é uma das canções mais vulneráveis de toda a discografia de Katy Perry, transportando o ouvinte para os momentos mais críticos da intérprete: deitada no chão do banheiro, descobrindo ser o suficiente pela primeira vez, “não ia deixar o amor me levar desse jeito”.

Diante da proposta do PRISM de retratar essa metamorfose de sentimentos, o disco deixa o tom obscuro para trás em grande parte dos seus minutos através de um dance-pop à la Madonna. Transcendente e eufórica, Walking On Air sofreu a mesma injustiça que a apoteótica Legendary Lovers – ambas as canções foram deixadas no limbo sem se tornarem singles, mesmo com o potencial e a devoção dos ‘katycats’, uma verdadeira lástima. 

Se o que nos resta é imaginar como as ‘esquecidas no churrasco’ se sairiam nos charts, o smash hit Dark Horse largou na frente antes mesmo de ser enviado às rádios. A parceria com o rapper Juicy J tem tudo do melhor e do pior, desde um flow invejável, passando por uma menção insensível ao serial killer Jeffrey Dahmer até a apropriação cultural do videoclipe. O trabalho também foi alvo de um processo de plágio vergonhoso, criticado por especialistas devido a fragilidade da acusação.

Passados dez anos desde o lançamento, a segunda parte do disco permanece sendo um tesouro a ser encontrado, mas que, no fundo, quem ama talvez prefira que continue assim, quase um laço único com a artista. Composta por faixas bônus da versão deluxe e as demais não trabalhadas como singles, essa dualidade da era é representada pela vulnerável It Takes Two, que se deixa levar pelas reflexões taoístas que contornam o conceito yin-yang e o próprio PRISM.

Assinando a produção, os colaboradores de longa data Max Martin, Dr. Luke, Stargate, Benny Blanco, Cirkut e Greg Wells retornam como o verdadeiro ‘dream team do pop’. Entre ritmos potentes e baladinhas românticas, a equipe realizou uma força tarefa com o intuito de unir a visão de Perry para o álbum com o refinamento dos compositores SIA, Bonnie McKee, Henry Walter e John Mayer, objeto das dedicatórias sobre aprender a se amar para ser amada.

Extremamente sentimental, Unconditionally é a irmã mais nova de Thinking Of You e The One That Got Away, responsável por herdar as lágrimas de felicidade ou tristeza que caem quando os vocais atingem notas esplêndidas. Entregando as chaves do coração através da aceitação, a canção se tornou um clássico tanto para cerimônias de casamento quanto para quem está sozinho no quarto, se perdendo em devaneios com os fones de ouvido.

Atingindo os fãs como uma experiência de encontro com o sobrenatural, em que a mente parece se desprender do corpo, Ghost e Spiritual fazem jus aos títulos, se dedicando a ecoar os ressentimentos de um término nada amigável e gritar para o mundo sobre o achado de um amor. O importante é que, frente a todas essas questões duplas que atravessam a situação da cantora durante esse tempo, ela aprende, ao final, como escolher as batalhas para vencer essa guerra interna.

Embora vivendo nas trincheiras, se tem algo que o tempo prova é que Katy Perry não se leva a sério. É impossível pensar em um projeto da diva pop sem o teor ‘brincalhão’ que sempre dá as caras. No caso do PRISM, a trinca Birthday, This Is How We Do e International Smile proporcionam calafrios no lugar da alegria intensa que os versos tentam passar. Perdidas na tracklist, dessa vez, não há visuais impressionantes que reprisem os melhores momentos de Perry na ‘Candyfornia’.

Na missão de espalhar a palavra do disco para o maior número de pessoas possível, a artista embarcou em uma sequência de performances que incluiu lutar em um ringue debaixo da ponte do Brooklyn no VMA’s, abalar a estrutura do Saturday Night Live e atear fogo vestida de bruxa no palco do Grammy. Em turnê, levou a Prismatic World Tour para 38 países, incluindo o Brasil, com direito a encerrar a sexta edição do Rock in Rio.

O sucesso do seu terceiro álbum de estúdio também rendeu o convite para estrelar o show do intervalo do Super Bowl em 2015. Com uma carreira recheada de hits, Katy Perry fez história com o recorde de audiência televisiva do halftime, 118,5 milhões de visualizações. Dividindo o palco com Lenny Kravitz e Missy Elliott, os 15 minutos de apresentação renderam memes já eternizados e, provavelmente, o momento mais importante da trajetória artística de Perry.

Celebrando uma década de refração das cores de Katheryn Elizabeth Hudson como um duplo arco-íris, PRISM nasceu com a ambição de encontrar o pote de ouro no final mais uma vez e, contra todas as superstições, conseguiu se tornar um marco na história da Música pop. Se nem mesmo a ciência poderia explicar o tamanho do fenômeno que foi essa era, pelo menos Katy Perry um dia soube a fórmula secreta para “brilhar mais que a aurora boreal”.

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Guilherme Veiga

Nos mais de 120 anos do Cinema, é natural que, uma hora ou outra, ideias se esgotem, seja pela saturação ou pelas fórmulas estabelecidas. É a partir daí que os gêneros nascem, com o intuito de guardar em caixas histórias que têm algo em comum. Filmes de ação, geralmente, são construídos sob a sombra dos brucutus com armas nas mãos, contra tudo e contra todos; romances, em sua maioria, são melodramáticos; biografias, quase sempre, endeusam os biografados; aventuras abusam da jornada do herói, e por aí vai. Em uma Arte tão vasta, o difícil é sair da homogeneidade.

Talvez o gênero que encontre mais dificuldade para escapar do ‘mais do mesmo’ seja o de sci-fi com extraterrestres. Muito porque, antes mesmo dele chegar de vez no Cinema, o tema já estava amplamente estabelecido na cultura popular, principalmente a norte-americana. Quando chegou às telas, o subgênero já vinha como um ponto fora da curva, a exemplo de Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1977), Marte Ataca! (1996), Alien: O Oitavo Passageiro (1979), E.T. O Extraterrestre (1982), Sinais (2002) ou, até mesmo, o recente Distrito 9 (2009). Essa seara que, graças a originalidade, criou seu próprio conceito, merecia ser retrabalhada por uma das mentes mais originais da atualidade, e é isso que Jordan Peele busca com Nope, ou, aqui no Brasil, Não! Não Olhe!.

A história gira em torno de um rancho que cria cavalos para serem usados na indústria do entretenimento, seja em filmes, clipes ou peças publicitárias. Após a morte do patriarca da família, depois de ser atingido por uma moeda que, misteriosamente, é arremessada do céu, seus filhos descobrem que aquele entorno do deserto rural californiano é habitado por um OVNI. Trata-se de uma premissa bem blockbuster spielbergiana, quase que um encontro entre Peele e Steven Spielberg, e de fato esse talvez seja o filme mais comercialmente aclamado da curta filmografia do diretor. Porém, com o cineasta sendo um dos mais famosos expoentes do simbolismo e da crítica social, Nope é muito mais do que isso.

Carregado de símbolos, Não! Não Olhe! é uma crítica à indústria, estando ele inserido nela. O diretor e roteirista abusa da sociedade do espetáculo para além daquela base teórica, pois aqui, de certa forma, quebra a quarta parede para analisá-la dos dois lados, e mesmo indo para o lado dos blockbusters, também rompe com eles. Esse tipo de narrativa (mal) acostumou o espectador a ter todas as respostas, mas o filme não está nem um pouco preocupado em ser explicativo. Isso faz com que a obra seja a mais divisiva de Peele, visto que funciona de forma muito coesa como conjunto de simbolismos, mas não consegue os amarrar à trama, algo que Corra! (2017) conseguiu. Dessa forma, a experiência, para ser melhor aproveitada, precisa sair das telas, numa espécie de paranoia conspiratória típica da temática.

É em Nope que, nesse extenso amálgama de conceitos, Jordan Peele mais brinca e está livre, ao destrinchar essas interpretações em várias vertentes. Isso é um prato cheio para o mercado de finais explicados do YouTube e faz com que o debate seja tão vasto como o universo inexplorado. Por essa razão, cada um que assiste o longa pode tirar suas próprias conclusões, em um cenário de diálogo cada vez mais escasso em uma Hollywood enlatada, fazendo com que tal conjuntura seja extremamente benéfica para o próprio Cinema.

Contudo, as várias interpretações apontam para um mesmo céu: o entretenimento é a nova forma de opressão de minorias, o que faz com que essa violência vire um produto da sociedade capitalista, mas Peele não deixa de inserir a crítica racial na trama. Assim como Us (Nós, 2019), a obra também se inicia com uma passagem bíblica; dessa vez, Naum 3:6: “Eu jogarei imundice sobre você, a tratarei com desprezo e te tornarei um espetáculo”. Impossível não notar que a frase é essencialmente um resumo de Hollywood e da indústria do entretenimento – basta lembrar a relação de Britney Spears com os paparazzis, ou como os magnatas do Cinema trataram Brendan Fraser -, além de ser, basicamente, todo o plot da obra.

Na cena do massacre do chimpanzé Gordy, toda a situação é esquecida pelo jovem ator do seriado noventista a partir do momento em que, sobrenaturalmente, o sapato para em pé, evidenciando como ficamos cegos para a barbárie que é a sociedade quando estamos comandados pelo instinto da curiosidade. Negamos o quão brutal foi uma tragédia a partir do momento que procuramos imagens dela. As próprias aparências do ‘OVNI’ retornam a essas formas de repressão. Primeiramente, ele lembra um chapéu de cowboy, que oprimiu o povo nativo daquela região e, em seguida, seu aparelho digestivo remete justamente a uma câmera de cinema.

Mas não pense que Jordan Peele é hipócrita em sua crítica. Pelo contrário: ele usa a obra como um todo para fazer um mea culpa do filme. Nope é dividido em cinco capítulos: Ghost, Clover, Gordy, Lucky e Jean Jacket. Três deles são os nomes dos cavalos oferecidos à ameaça, seguido pelo nome do chimpanzé morto após o surto; o último é o apelido que os personagens dão ao monstro, ou seja, cinco produtos que foram comidos e cuspidos por algum predador, seja ele literal ou metafórico. A questão é que todas essas cinco divisões são feitas nos mesmos moldes que o letreiro inicial do longa, colocando ele mesmo como esse primeiro produto.

Porém, a obra é muito mais que suas discussões, considerando que ela não viria tão forte se não fosse bem estruturada. O grande chamariz é o roteiro de Jordan Peele. Além de ambientar o subtexto de forma muito coesa, ele é certeiro ao subverter o gênero. O plot twist – que gira em torno da nave espacial não ter nenhum alien, mas, ela sim, ser o próprio alien –, além de ser inteligente por quebrar a expectativa apontando para um ponto micro e desconhecido quando, na verdade, ela já está no macro e não a percebemos (pois fomos condicionados a pensar do jeito que o filme quer que pensemos), coloca a obra em um pedestal único quando se fala nessa seara de histórias. O mais surpreendente é que todos esses pontos são tocados através de um roteiro simples, mas extremamente bem pensado.

Tal escrita só poderia ser regida da forma certa com uma boa direção. Aqui, a decisão de Peele de só ter em sua filmografia filmes nos quais ele também escreve se prova, apesar de conservadora, extremamente acertada. Ele sabe conduzir cenas de suspense como ninguém e, na ambientação, até o marasmo do céu se torna assustador nas mãos dele, cujos aspectos técnicos convergem na criação de mundo. O design de som de Johnnie Burn é impecável e consegue amplificar a ameaça do monstro sem abusar de rugidos, somente com o silêncio e o som do vento. Já a fotografia de Hoyte van Hoytema, aliada com o design de produção de Ruth De Jong e o figurino de Alex Bovaird, criam uma atmosfera única e colorida, que às vezes parece até fantástica para o monocromático deserto.

O elenco também faz jus ao texto. Ele foi tão bem desenvolvido que apenas cinco personagens conseguem carregar as duas horas do longa sem cansar. Daniel Kaluuya e Steven Yeun repetem a parceria com Peele, o primeiro pelo excelente Corra! (2017) e o segundo pelo remake de Além da Imaginação (2019). Kaluuya mais uma vez entrega uma atuação primorosa, que vai crescendo com o passar do filme, e Yeun entende que seu papel é bagunçar a trama e faz isso de forma muito consciente. Mas quem rouba a cena é Keke Palmer (Lightyear) com a expansiva e comunicativa Emerald, que chama todos os holofotes para si e dá conta do recado. São adicionados a eles, também, Brandon Perea (The OA), que funciona como um alívio cômico muito pontual, e Michael Wincott (O Escafandro e a Borboleta), com sua presença em cena inconfundível.

Extremamente bem pensado, inteligente, audacioso e subversivo, Não! Não Olhe! é a empreitada mais original do Terror, no ano em que o gênero se provou com muita originalidade. A obra sabe trabalhar com o desconhecido no momento em que ela evidencia que tal desconhecido vai muito além do que conhecemos. Jordan Peele entende o papel do Cinema ao fazer com que a experiência cinematográfica ultrapasse as telas, sem a presunção e pedância de um ‘filme para refletir’, pois coloca o espectador para pensar – e essa talvez seja a parte mais empolgante da jornada – sem abrir mão da diversão que é assistir ao longa. 

Talvez Nope não seja tão grandioso quanto os projetos anteriores de seu idealizador e isso também vale discussões, mas não por seus deméritos, e sim pelo diretor ser um viciado em acertar. Num futuro, ele pode cair na própria crítica e ser consumido e cuspido pela indústria, mas esquecido? Jamais. Pois essa pequena e significativa constelação da qual Peele construiu sua história nas telas sempre irá brilhar no Cinema.

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