Vitória Gomez

12 jurados participam de um julgamento relativamente simples nos Estados Unidos. Um funcionário versus uma empregadora que o acusa de destruir o patrimônio de sua empresa. Por lá, o júri é formado apenas por civis e é dever constitucional de cada um comparecer quando for convocado – então por que não filmar o processo? É assim que Ronald Gladden acaba entre o grupo de 12 pessoas da vez, com a promessa de participar de um documentário sobre esse rito da justiça no país. O que ele não sabe é que ele é o único que está lá com esse propósito: todo o resto, incluindo os outros 11 jurados, os agentes federais, o juiz, a acusadora e até o réu são uma mera armação para emboscá-lo nas situações mais constrangedoras possíveis.

Jury Duty já deixa o público ciente da grande pegadinha acontecendo ali desde o primeiro momento. Apesar de algo realmente estar sendo gravado naquela corte, não é nada parecido com um documentário. No entanto, ao invés de se escorar em um mero programa de chacotas que caçoa do protagonista desavisado, a série cresce justamente por causa da humanidade de Ronald. No estilo mockumentary, a estrela da produção (que sequer sabe que é o centro das atenções) encara o dia a dia do julgamento com a certeza de que tudo está sendo registrado, mas ignorante às reais intenções das câmeras.

Os mockumentaries não são uma novidade no ramo da comédia. O falso documentário já é conhecido de grandes produções, como The Office, Modern Family e What We Do in the Shadows, e mostram como a presença escancarada de uma câmera, a falsa sensação de participação e a dinâmica de depoimentos pode envolver o espectador e fazê-lo adentrar uma realidade. Em um cenário tão rígido como o julgamento de um crime, então, a risada é certa. 

Diferentemente das produções anteriores, que tinham no jogo de montagem e nas sacadas cômicas o seu auge, o trunfo de Na Mira do Júri (na versão traduzida) é seu protagonista. Ronald Gladden viu o anúncio da vaga para o documentário em um site de classificados e aceitou a proposta. Afinal, bastava participar de um julgamento simples e dar seu depoimento do processo. Com um elenco escolhido a dedo para viver personagens assumidamente caricatos, o charme dos episódios vem do contraste entre a naturalidade de Ron e as personalidades escrachadas de seus companheiros de júri, que não deixam dúvidas de que tudo aquilo é roteirizado para se tornar uma grande piada.

Os pés no chão de Gladden é que conquistam. Situações que poderiam rapidamente dar errado e se tornar odiosas de assistir viram um poço de doçura – e ainda mais comédia – graças às reações do jurado. Todd (David Brown), por exemplo, é um nerd obcecado por invenções e insiste em apresentá-las na hora errada, como levar uma cadeira vestível ao tribunal. Apesar dos olhares e risadas desconfortáveis de Ron e do resto da equipe de atores, o protagonista opta por acolhê-lo e incentivá-lo em suas criações sempre que possível.

Sem pesar a mão, o roteiro escrito a múltiplas mãos fabrica situações absurdas, certos de que Gladden fará jus à expectativa. Não por menos, o trabalho foi digno da indicação à categoria de Melhor Roteiro em Série de Comédia no Emmy – nesse caso, especificamente pelo episódio Ineffective Assistance, escrito por Mekki Leeper, que também atua na obra. A condução conta com a bondade, sabendo que Ron não caçoará de Noah (Leeper) quando o jovem entra em negação sobre estar sendo traído e o ajuda a lidar com Jeannie (Edy Modica), uma colega jurada que dá em cima dele; acalma Ken (Ron Song) sobre um dívida de jogo na casa dos milhares; e aconselha Ross (Ross Kimball) sobre seu divórcio. Mesmo que nada disso seja real, o personagem não sabe disso.

Alguns dos melhores momentos dos oitos episódios acontecem entre o protagonista e James Marsden – que, inclusive, foi mencionado na categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Série de Comédia do Oscar da TV ao interpretar ele mesmo. Quando a celebridade entra em cena (a princípio sem ser reconhecido) e é convocado para participar como jurado reserva, apesar das tentativas falhas de usar a fama para livrá-lo do dever, ele se mostra egocêntrico e desesperado por atenção. Desde momentos naturais, como Ron perguntando se ele havia atuado nos filmes de X-Men e lembrando que o live-action de Sonic não foi dos melhores, até os mais roteirizados, como o jurado tendo que levar a culpa por um vaso entupido do ator, as interações mostram dois personagens extremamente opostos e que rendem as reações mais improváveis em todos os capítulos.

É também no aprofundamento das relações de Gladden com o restante do elenco de atores que ele deixa de ser unilateral. Não é surpresa que reality shows se formam na base da colagem de filmagens, recortando momentos indesejados e priorizando os que servem ao propósito do produto final. Mesmo que a desconfiança não deixe de existir em Jury Duty – o que não foi mostrado? Ron realmente não sabia que tudo era armado? -, a série se dedica aos momentos em que a estrela da produção quebra expectativas, revela seus reais pensamentos acerca dos colegas (inclusive Marsden) e admite fraqueza diante da posição de liderança na qual foi colocado. Unidos, as peças que compõem o tabuleiro de Na Mira do Júri foram reconhecidos na indicação como Melhor Elenco em Série de Comédia no Emmys.

E para não deixar dúvidas acerca dos seus méritos e sanar a curiosidade daqueles que duvidam da veracidade das pegadinhas, o episódio final, The Veredict, mostra como Na Mira do Júri confeccionou o que vemos em cena. O posicionamento de câmeras milimetricamente ensaiado, as improvisações do elenco e as reações dos próprios atores quando algo dá errado provam que a comédia vem justamente da imprevisibilidade das situações cotidianas. Repetidamente, a série prova desse inusitado.

Se a ganância dos streamings pode tirar a essência da produção com uma continuação, a primeira temporada de Jury Duty surge como um respiro de originalidade. A série também foi reconhecida no Emmy na categoria de Melhor Série de Comédia, uma das mais notáveis da TV, e deve rezar por um milagre se quiser levar a melhor. Ainda assim, entre os oito nomes da modalidade este ano, o mockumentary conquista pelo inusitado e pela singularidade de seu protagonista, mostra que, se os realities shows não passam de uma grande mentira, essa é a mais engraçada delas.

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Guilherme Machado Leal

Estrelas de Hollywood e o incrível percurso de uma montanha-russa são o combo perfeito para se estudar a trajetória da carreira de um ator. Todos, sem exceção alguma, possuem seus altos e baixos, períodos em que são muito requisitados e tempos sombrios nos quais são esquecidos. Tal caminho, inerente à fama, também encontrou a atriz Jennifer Lawrence (Jogos Vorazes). A nossa eterna Katniss Everdeen, que já foi o talento mais bem pago por dois anos seguidos, se afastou dos holofotes para se concentrar na maternidade. No entanto, após ler o roteiro de um certo filme, a ganhadora do Oscar decidiu retornar ao mundo da atuação. Afinal, o que em Que Horas Eu Te Pego? a colocaria de volta às telonas? 

Dirigido por Gene Stupnitsky (Good Boys), No Hard Feelings conta a história de Maddie Barker (Lawrence), uma mulher de 32 anos com múltiplos trabalhos que, vivendo em uma situação de desespero, opta por aceitar um emprego inusitado. Ela precisa namorar Percy Becker (Andrew Barth Feldman), um garoto de 19 anos, introvertido e socialmente desajeitado. À primeira vista, é de se pensar que a trama é só mais uma comédia de dois protagonistas com vivências antagônicas e, por um lado, é. Entretanto, atores de alto escalão não se aventuram mais no gênero. Aquele longa, estrelado por um nome conhecido da indústria, com uma sinopse básica e uma história previsível, não é feito mais hoje em dia. Talvez seja por isso – e outros bons motivos – que o projeto reacendeu a chama da veterana.

Vivendo na zona de conforto e envolvido pela bolha social criada pelos seus pais, o jovem – recém aceito em Princeton – nunca passou pelas seguintes experiências: ser convidado para uma festa, ter um amplo grupo de amigos e, o “mais importante” nessa época da vida, beijar. Todos esses fatos sobre Percy fazem com que o trabalho de Maddie seja ainda mais desafiador, pois ela precisa transformá-lo em alguém descolado em um curto período de tempo. É importante lembrar que a tarefa foi encaminhada pelos pais do garoto, o que deixa a trama ainda mais cômica.

No melhor estilo do clássico “I’m a virgin who can’t drive”, Andrew Barth, em seu primeiro papel como protagonista, nos entrega um nerd carinhoso – um dos arquétipos mais conhecidos do ambiente escolar. Aqui, mesmo com apenas a ponta do pé na vida adulta, ele, diferente dos jovens de sua idade, é responsável com os sentimentos daqueles que o cercam e prefere ter conexões no lugar do sexo casual. O prodígio da família Becker se importa com os outros e, junto ao carisma do ator que o interpreta, fica fácil se apaixonar pelo personagem nos minutos iniciais.

É nesse ponto, aliás, que se dá a dinâmica entre Percy e Maddie, já que, para obterem o que precisam, ambos devem criar um vínculo. Ela foi paga para torná-lo um homem atraente e popular na faculdade, enquanto o CDF se pergunta constantemente o que aquele mulherão quer com um simples calouro. A casa da solteirona, em Montauk – cidade do estado de Nova York, marcada pelas belas praias e um bom refúgio da caótica rotina nova iorquina -, está para ser leiloada e as suas contas estão vencidas há tempos, fazendo com que o projeto ‘Percy Garanhão’ seja a sua última chance.

O uso da música Maneater (devoradora de homens, no bom português), de Daryl Hall e John Oates, serve não só como uma caracterização da personagem de Lawrence, mas também possui o papel de recurso narrativo do filme. Nos versos “Oh, lá vem ela” e “Cuidado, garoto, ela vai te mastigar”, o objetivo está mais claro do que nunca: ela fará de tudo para realizá-lo sexualmente. Mas, encantador como é, Que Horas Eu Te Pego? subverte o tom da canção, em uma das cenas mais carinhosas da trama. A inesperada camada que Maddie acessa ao longo dos 103 minutos assistidos só pode ser entendida a partir da análise da letra e os diferentes subtextos que ela adquire. 

Não é à toa que o roteiro, assinado pelo diretor e John Philips (Dirty Grandpa), foi o principal fator para o retorno de Jennifer Lawrence. Como dito anteriormente, o longa é recheado de clichês do universo besteirol, porém a sua escrita o torna um sorvete delicioso em meio às altas temperaturas de Montauk. Isso só reflete a importância dos roteiristas no processo de criação de uma obra cinematográfica, pois é nos diálogos, feito por pessoas (e não inteligências artificiais!), que se tem a síntese do que os envolvidos naquela produção querem mostrar ao público. 

Voltando para Percy e Maddie, há uma identificação entre os dois personagens: o sentimento de estagnação. Ele está parado no tempo quanto às convenções sociais praticadas pela sua geração, já ela, no sentido físico da palavra. Ambos, com o amadurecimento de seu vínculo, sustentados pelo elevado tom de comédia, aos poucos se despedem dos seus antigos ‘eus’ e crescem juntos em tela. Nesse sentido, a divertida relação dos atores na vida real apenas ressalta a química de seus respectivos papéis. 

Seria um erro falar sobre No Hard Feelings sem dar o crédito à ela, que já fez de tudo no mundo hollywoodiano: Jennifer Lawrence. Vencedora do prêmio Oscar aos 22 anos, por O Lado Bom da Vida, a exploradora dos mais variados gêneros do cinema – a exemplo do drama Passagem e o suspense psicológico Mãe! – obtém na comédia um de seus maiores feitos. A atriz, naturalmente engraçada e “queridinha da Academia”, realiza aqui um obstáculo trabalhoso: fazer o público rir. O gênero dramático tem a facilidade – se comparado ao humor – de arrancar o choro do espectador, mas é na comicidade que um bom ator mostra a que veio. 

Piadas são subjetivas, pois necessitam de um conhecimento de mundo prévio daquele que assiste. Todavia, por conta de um excelente texto, Lawrence se destaca – algo redundante, mais uma vez – por nunca ter sido protagonista em uma comédia. É válido reconhecer que estamos falando de uma obra puramente engraçada, pois ela já fez uma sátira política, mas o seu último filme é leal ao que se propõe: tratar de assuntos pesados – como o bullying e o sexo – de maneira exclusivamente cômica. 

No geral, é sempre bom ver um excelente ator se divertindo genuinamente em um longa-metragem. Aqui não é diferente: com dois talentos afiadíssimos em seus papéis, a forma estadunidense de se ver o humor ganha mais uma pedra preciosa. Ao lado de Missão Madrinha de Casamento e Gente Grande, apenas dois de um compilado de obras icônicas marcadas pelo riso, a história comandada por Stupnitsky deixa o espectador mais alegre no final da sua experiência do que quando entrou.

Que Horas Eu Te Pego? possui a desafiadora tarefa de, ao mesmo tempo, evidenciar o talento indiscutível de Jennifer Lawrence e apresentar Andrew Barth Feldman ao estrelato. Os objetivos, no final das contas, são atingidos e dão um gostinho de quero mais. Respondendo ao título do filme, não há como saber – ou pelo menos não pode ser contado. Apesar disso, a hora de pegar um tempo para se entreter assistindo uma das tramas mais engraçadas do ano é agora. Desliguem os seus celulares e tenham uma ótima sessão.  

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