Vitória Vulcano

Considerados animais místicos, os gatos têm um extenso currículo na arte de assumir arquétipos por telhados do mundo todo. Em dado momento do século XX, a fama transbordou e chegou às telas do Cinema tcheco, no qual garras, bigodes e olhos brilhantes se tornaram símbolos cruciais de uma revolução contra a tirania humana. 60 anos atrás, em uma sede de experimentação artística e desalinhamento político, Um Dia, Um Gato proclamou a lúcidos miados que sua fronte imaginativa só pintava e bordava com a devassidão da realidade.

Um certo gosto de fábula à la Esopo se instala logo nos minutos iniciais do longa, que apresentam Oliva (Jan Werich), o narrador em posse de lupa, suspensório e astúcia responsável por “contar uma história com mais verdade do que fantasia”, segundo ele mesmo. Quebrando a quarta parede para recepcionar o público, o castelão e imigrante grego se vale de zoom granulado e trocadilhos rápidos para descortinar a moral questionável dos habitantes de uma vila nunca nomeada, que poderia facilmente ser de qualquer canto planetário.

Após construir o cotidiano local, listando desde a idosa que pula em janelas para espiar e renovar seu estoque de fofocas até o homem que finge adoecer para não trabalhar, a pegada universalista e irônica do roteiro de Vojtěch Jasný, Jiří Brdečka e Welrich esbarra nas inevitáveis estruturas de poder da sociedade, aqui materializadas nos conflitos entre o diretor escolar Karel (Jiří Sovák), envolto pelo conservadorismo punitivista, e o libertário professor Robert (Vlastimil Brodský), eterno estimulador da criatividade em sala de aula. Ritmada por concepções tão triviais quanto filosóficas, a dinâmica felino-e-rato vira um verdadeiro deleite generalizado com a chegada de um circo itinerante à cidade.

Além do mágico (outra figura vivida por Welrich) e da jovem trapezista Diana (Emília Vášáryová), a trupe também é estrelada pelo gato Mokol, usuário de óculos de sol antes da moda pegar entre os homens. O pulo do bichano, no entanto, reside no poder de revelar a verdadeira natureza das pessoas quando as lentes são retiradas. Um único espetáculo realizado no vilarejo de Až přijde kocour (título original da produção) basta para colorir uma multidão de pecados: a partir de um único olhar felino, o amarelo pinta os falsos, tons vermelhos irradiam dos corpos dos cidadãos apaixonados, o cinza denuncia os ladrões e algumas pinceladas roxas cobrem inteiramente mentirosos e trapaceiros. 

Com o escarcéu instalado, a narrativa faz seus joguetes fantasiosos e uso pioneiro de pinturas em frames se entrelaçarem de vez nas chagas do universo dos anos 1960 – enquanto as crianças do local se encantam pela magia de Mokol, os adultos começam a planejar maneiras de matá-lo para preservar suas reputações. E, se nos dias de hoje pode parecer lógico só assimilar a ficção a lições de moral engenhosas, o nascimento de Um Dia, Um Gato foi um remelexo na caixa de areia e tanto, integrando o banho de água fria que uma geração de artistas se propôs a dar no autoritarismo então vigente. 

Lançado em 1963 – período em que a findada Tchecoslováquia vivia sob invasão e domínio da extinta União Soviética -, o filme surgiu como fruto da Nouvelle Vague Tcheca e filho do meio de uma trilogia criada pelo diretor Vojtěch Jasný. Marcada por nomes como Věra Chytilová (As Pequenas Margaridas) e Miloš Forman (Amadeus), a era de ouro da sétima arte no país manifestava cultura para cutucar o sistema, e, com Až přijde kocour, o cineasta conseguiu encapsular o caos nacional em um conto psicodélico e essencial, ora sátira política, ora crítica social. 

O emprego de diálogos eventualmente improvisados e humor surrealista, somados à participação de amadores e atores profissionais, produz uma atmosfera experimental condenadora da corrupção, opressão e ausência de credibilidade em diversos setores da sociedade ao mesmo tempo que acredita na capacidade humana de recuperar as virtudes mais básicas, como o amor e a tolerância. Seja pela sonoplastia recheada de jazz, que simula passeatas militares em momentos específicos da obra, ou através da coletividade atrevida e transformadora representada pelas crianças (sempre salvando o icônico gato), reconhecemos ferramentas atemporais de resistência e revolução. 

Mergulhando o longa em outras estratégias psíquicas, o estilo teatral da cinematografia de Jaroslav Kučera valoriza aspectos intrínsecos à manufatura tcheca, como suspensões de narrativa exploradas em angústias existenciais e pautas oníricas. O balanço entre luz negra e planos-sequência que associam o retorno da paz ao encontro com a natureza – tanto física quanto espiritual – não poderia despontar em melhor hora.

Ainda que Um Dia, Um Gato tenha levado cerca de um milhão de pessoas aos cinemas durante as fases de lançamento e exibição, seu legado ficou amargamente restrito à memória da época a partir de 1968, quando o regime soviético baniu a obra por avaliá-la como “uma visão inaceitável das deficiências da sociedade comunista”. As sete vidas, contudo, vieram a calhar no século seguinte. O filme, que recebeu o Prêmio do Júri em sua estreia no Festival de Cannes, voltou a ser aclamado na premiação em 2021, após ser digitalmente restaurado pelo Arquivo Nacional Tcheco. 

Os vazios temporais na trajetória do felino impactaram sua identificação nominal ao redor do globo – os títulos When The Cat Comes e The Cassandra Cat, em referência à profetisa grega que tinha suas previsões negadas e ridicularizadas, são outros que apareceram para batizar o longa, que se recusou a cair no esquecimento. Seis décadas distanciam o primeiro miado da era dos streamings, e podemos dizer que o copo de leite envelheceu como vinho em tudo que se refere ao melhor jeito de fazer Arte e escandalizar os vícios da humanidade. Não é exagero dizer que Um Dia, Um Gato mudou a história do Cinema e a nossa também. 

O post Há 60 anos, Um Dia, Um Gato mudou a história do Cinema apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitória Gomez

Reencontrar sentido em seus recomeços. É o que a sinopse de A Sobrevivência da Bondade propõe. Na trama, exibida na seção Perspectiva Internacional da 47ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e vencedora do Prêmio da Crítica do Festival de Berlim, uma mulher negra é abandonada no deserto dentro de uma jaula. Conseguindo milagrosamente escapar depois de dias, ela cruza a paisagem árida em busca de salvação, para encontrar ainda mais barbárie na civilização. 

A sinopse busca por recomeços, mas, a cada novo cenário apresentado, essa ideia parece mais distante. BlackWoman – como a protagonista é chamada nos créditos finais, uma vez que o longa-metragem praticamente não tem diálogos – cruza campos arenosos sem sinal de vida, cidades abandonadas por uma suposta guerra e trilhas em ambientes hostis, com o inimigo caminhando poucos metros à frente. A mulher não tem outro objetivo senão a sobrevivência e, para o espectador, o tom é contemplativo. O que estaria acontecendo ali? E, acima de tudo, o que isso significa?

A Sobrevivência da Bondade dispensa a bondade em questão. Desde o início, no entanto, o diretor Rolf de Heer (que já teve passagens vitoriosas pelo Festival de Veneza e Cannes) explicita uma aura fabulesca e fantasiosa que acompanhará os eventos dali em diante. Abrindo o trabalho com uma cena em que corpos mortos por pessoas mascaradas se revela, na verdade, a decoração de um bolo em algum tipo de comemoração, o desenrolar já anuncia que não será explicativo, mas interpretativo.

A proximidade do real, inclusive, fica a cargo de quem assiste. Enquanto vagueia pela diversa paisagem australiana, fotografada belamente por Maxx Corkindale para enfatizar a solidão e a hostilidade do cenário, BlackWoman se depara com tragédias e sofrimento humano, sem escolha a não ser seguir em frente. Se o retratado ali é uma alegoria para a realidade, a sobrevivência se mostra mais importante.

Ao finalmente se deparar com uma cidade, a personagem troca as ameaças da natureza pela ameaça do homem. Em uma situação em que ela tem de pintar o rosto com tinta para se passar por uma pessoa branca por debaixo da máscara de gás e poder andar pelas ruas sem ser capturada, o refúgio se mostra em duas crianças igualmente excluídas da parcela social considerada aceitável ali. O objetivo deles, novamente, recai em se manter vivos, uma vez que mudar a realidade parece impossível.

Longas-metragens anteriores do holandês naturalizado australiano Rolf de Heer já haviam o consolidado como um diretor autoral e de abordagens experimentais. Em The Survival of Kindness, ele parece propor mais uma reflexão do que uma narrativa fechada e com significados consolidados. Ao passo que BlackWoman caminha e transpassa desafios, ela encontra novos e, cada vez mais, se aproxima de situações sem humanidade e aparentemente sem saída.

Em meio ao racismo, à escravidão moderna e a um vírus contagioso (ao qual somente as pessoas brancas mascaradas têm direito à proteção), de Heer cria situações que podem servir de alegoria à realidade. Sem denotar um recorte temporal ou uma contextualização que ancore o filme no mundo em que vivemos, as violências abordadas ali são paralelas ao que lemos no noticiário. 

Um exemplo disso é a própria BlackWoman. Interpretada pela estreante Mwajemi Hussein, atriz congolesa que escapou de seu país em meio a um conflito civil e passou por um campo de refugiados na Tanzânia até conseguir abrigo na Austrália, a personagem enfrenta as provações em seu caminho como quem não tem escolha a não ser perseverar. A produção não traduz seus poucos diálogos – presentes nos raros momentos em que ela não está sozinha -, mas palavras não são necessárias para mostrar a determinação e a resiliência da caminhada, cheias de emoção a cada gesto ou passo dado.

Ao final, porém, a mensagem se amplifica – ou cai por terra. Sem mudar a mesma realidade que a colocou em uma jaula para morrer no deserto, BlackWoman retorna para o local de onde veio, abandonando os resquícios de luta que passaram pelo seu caminho. Talvez a batalha seja continuar viva ou, ainda, apenas ceder. Talvez a fábula seja conformista, apenas um mero retrato de uma realidade em que não há como vencer.

As possibilidades da trajetória se revelaram piores do que a morte. Não há sentido em lutar se não houver como vencer? A Sobrevivência da Bondade recusa o que seu próprio título propõe e escancara um mundo de violências – e, se houver um significado por trás de todas elas, cabe ao espectador decidir. Ainda que o ritmo não seja arrastado, a sensação final é que uma hora e meia se estendem, em golpes duros de absorver. Porque, se a bondade existe, ela não sobreviveu.

O post A Sobrevivência da Bondade mostra que nem ela está viva apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Gabriel Oliveira F. Arruda

Se eu te pedisse para encontrar uma história que se manteve culturalmente e socialmente relevante ao longo de quase três séculos, seria difícil encontrar uma que permaneceu no imaginário popular tão firmemente quanto A Bela e a Fera. Escrito originalmente em 1740 por Gabrielle-Suzanne Barbot, a narrativa de La Belle et la Bête foi capaz de alcançar uma longevidade singular, sendo constantemente adaptada e reformulada ao longo de sua vida útil para encantar novas gerações de leitores e, eventualmente, telespectadores.

Das dezenas de versões, no entanto, é ainda mais difícil disputar que a mais importante delas seja a animação musical de 1991, dirigida por Gary Trousdale e Kirk Wise e produzida pela Walt Disney Animation Feature. Além da aclamação tanto da crítica quanto do público (e uma bilheteria nada tímida), o longa fez história ao se tornar a primeira animação a ser indicada ao Oscar de Melhor Filme, o prêmio máximo do Cinema. Três décadas depois de sua estreia, vale olhar para o “conto mais antigo que o tempo” e notar as razões da amplitude de seu impacto.

Os temas de A Bela e a Fera não são nem um pouco únicos. É até mesmo possível argumentar que eles são intrínsecos a qualquer história de amor que se preze: a beleza está no interior e é apenas através do amor que somos capazes de nos transformar em pessoas melhores. E de maneira alguma a narrativa do longa de 91 procurava subverter essa expectativa, colocando esses elementos em primeiro plano, preservando o aspecto de conto de fadas da trama que conquistou gerações ao longo dos séculos.

Mas o delicioso sabor de uma animação da Disney também fica evidente desde a primeira cena, o contagiante número musical em que somos introduzidos à Bela da história (Paige O’Hara). O uso das cores em especial, auxiliado pelo uso do software CAPS (Computer Animation Production System), garantiu que todos os cenários e personagens fossem detalhados, distinguíveis e imersivos. Quando pulamos do alegre vilarejo para o castelo sombrio, o contraste entre os dois ajuda a realçar ainda mais o tema de transformação espiritual da obra.

O uso de CAPS também ajuda na criação de perspectiva e na variedade de cores. Imediatamente diferenciamos Bela do resto do resto dos habitantes pelo seu uso da cor azul clara análoga ao céu, pela fluidez e liberdade de seus movimentos e pela maneira como ela voa pelo vilarejo, mal parando num só lugar, enquanto seus vizinhos, na maioria das vezes estáticos, comentam sobre sua estranheza. Gaston (Richard White), introduzido por meio de um tiro, é marcado por tons vermelhos e dourados que falam sobre sua virilidade e cobiça pela jovem mulher.

Mais tarde, quando conhecemos a Fera (Robby Benson) em seu castelo, a combinação do uso de sombras e da trilha sonora ameaçadora se conectam e criam uma introdução genuinamente assustadora. Mas, depois que a conhecemos, vemos que ela usa uma capa carmesim, se aproximando de Gaston, mas mais escura e intensa, que depois se transforma em um azul forte quando acompanhado do amarelo que Bela traz consigo. Apenas num nível visual, A Bela e a Fera ultrapassa o nível de fábula e se torna pura poesia.

Um dos aspectos mais surpreendentes da história é a urgência de sua protagonista na trama. Quase toda escolha que move a narrativa é feita por ela e revela cada vez mais de sua personagem: ela escolhe se pôr no lugar do pai em cativeiro, escolhe ignorar os avisos da Fera quanto a entrar na Ala Oeste do castelo e escolhe não montar em seu cavalo e salvar seu captor após este ter impedido que ela fosse dilacerada por lobos no caminho para casa. Bela não possui grandes ambições definidas ao início da narrativa, mas conforme suas decisões vão se acumulando, vemos uma jovem maior do que a vida que lhe foi imposta, recusando a seguir qualquer caminho que não seja seu próprio.

Por isso é verdadeiramente decepcionante ver concepções modernas da história que a encaram unicamente como uma vítima de suas circunstâncias, fadada a se apaixonar por seu agressor como forma de algum tipo de “síndrome de Estocolmo” (um termo por si só recheado de misoginia e sexismo). Bela nunca muda quem é pela Fera, e nunca cabe a ela a responsabilidade de “mudá-lo”, muito pelo contrário: é a Fera que precisa mudar a si mesma para se tornar um homem digno do amor da mulher. Refletindo sobre o legado de sua personagem, a atriz Paige O’Hara preza por Bela ter sido uma das primeiras e únicas princesas da Disney com mais de 20 anos, o que lhe conferia uma maturidade singular em comparação com as outras protagonistas do estúdio.

O que mais marca a evolução do relacionamento entre os personagens principais é, como em qualquer boa história de amor, a honestidade com que ambos se encaram. Ao início da fábula, a Fera é um animal arisco e ameaçador, governado por seu temperamento e avesso a qualquer tipo de mudança. De fato, no início vemos até um paralelo entre o seu comportamento e aquele de Gaston, o antagonista da história. Egoístas e possessivos, os dois buscam aprisionar Bela de alguma forma, e parecem se frustrar contra a rebeldia da moça. Entre os traços animalescos da criatura, que combinam várias espécies diferentes, o que mais se destaca talvez sejam seus olhos: os olhos de um homem, ansiando pela liberdade, azuis como o vestido que Bela usa quando a conhecemos. Azuis como os de Gaston. Mas enquanto a Fera odeia a si mesma pelo que se tornou, Gaston é o ápice de um narcisista, obcecado com o ideal de beleza que ele criou para si mesmo.

Em seu animado número musical, o vilão é exaltado por suas qualidades que o tornam “machão”. O capanga LeFou convoca os habitantes do vilarejo para ressaltar seu tamanho, sua capacidade para a violência, e até mesmo sua quantidade de pelos. Secretamente, Gaston quer ser algo como a Fera: um ser monstruoso, com um castelo só para si e uma legião de serventes menos do que humanos. Embora o romance entre a Bela e a Fera seja o que define a história, é a duplicidade entre o caçador e sua presa que realça o verdadeiro poder de sua transformação. As ações monstruosas do senhor do castelo são contrastadas pela expressividade de sua culpa e o profundo ressentimento com sua condição. Após o acesso de fúria que faz Bela fugir do castelo, ele desaba sob o peso de seus próprios atos, triste e derrotado.

O aspecto mais duradouro de sua fantasia não é de que uma mulher é capaz de mudar um homem violento, mas de que a capacidade de amar é fundamentalmente capaz de nos transformar em pessoas melhores, independente de quanto tempo nos falta ou do quão monstruosos somos. Com o amor, somos capazes de mudar nós mesmos.

Parte do chamado “Renascimento da Disney”, período entre 1989 e 1999 no qual o estúdio reformulou suas práticas e produziu alguns de seus filmes mais aclamados e relembrados, A Bela e a Fera reuniu o compositor Alan Menken com o liricista Howard Ashman, que já haviam provado seu talento com o sucesso de A Pequena Sereia. Foi a terceira tentativa do estúdio de adaptar o famoso conto, passando por um processo turbulento de produção, marcado especialmente pela morte de Ashman oito meses antes que o longa tivesse sua estreia, vítima da epidemia de AIDS que se alastrou pelos Estados Unidos nos anos 80 e 90.

Quase todas as faixas de sua trilha sonora são consideradas icônicas, e não sem motivo: além de todo o charme típico das animações Disney e sua aliança de movimento e textura com a composição musical, há uma beleza melancólica no coração de sua narrativa que ecoa em suas personagens principais. A história de uma criatura presa em seu castelo, acreditando impossível ser amada, morrendo aos poucos em parte por conta de sua solidão, ecoa de maneira trágica através de seu artista, mas que culmina na maior história de amor já contada. Após ganhar postumamente o Oscar pela canção titular do longa, o parceiro de Ashman, Bill Launch, subiu ao palco junto com Menken para prestar homenagem ao amor de sua vida e o que ele havia deixado para trás.

Nesse período de “Renascimento”, a Disney produziu alguns de seus maiores e mais duradouros clássicos, como O Rei Leão e Mulan e, é claro, A Bela e a Fera. Mas se olharmos com cuidado, há também uma curiosa relação entre a renascença italiana e o trabalho do animador Glen Keane ao capturar a transformação da Fera em homem. Com apenas uma semana para animar a passagem final da criatura, ele viajou para ver Os Burgueses de Calais, onde se inspirou nas famosas esculturas de Rodin, que antes havia se inspirado em Michelangelo, escultores que revelavam na pedra imóvel uma alma vibrante. Assim, no clímax do filme é criada uma cena que sobreviveria ao teste do tempo, mostrando uma metamorfose tão profunda que vai além do físico, revelando o espírito de sua personagem.

Como uma rosa desabrochando, vemos finalmente o Príncipe (posteriormente nomeado Adam), e por um momento, a própria Bela não acredita no que acabou de acontecer. É só quando ela olha em seus olhos azuis, antes aprisionados dentro de um corpo que não lhe pertencia, que sua alma lhe é devolvida. A coisa que se manteve em todos os serviçais encantados do castelo, transformados em parte da decoração como forma de isolar e punir ainda mais o Príncipe: os olhos. Em A Bela e a Fera, são eles que revelam a humanidade de todas as criaturas, da mais linda donzela até o mais terrível monstro.

O post 30 anos de A Bela e a Fera: amar nunca fará de você um monstro apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Caroline Campos e Vitor Tenca

Um casal inerte e enlutado é agraciado, milagrosamente, com a bênção de uma filha. A criança enche a casa de alegria e traz a vida de volta para aquele relacionamento decrépito. E eles viveram felizes para sempre. Não, Lamb não é assim – mas quase. Saindo das geladas montanhas islandesas, um dos filmes mais comentados da última edição do Festival de Cannes aterrissa na 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo para destilar toda a sua fantástica estranheza familiar.

Dirigida por Valdimar Jóhannsson, a coprodução entre Islândia, Suécia e Polônia dá pequenas pinceladas pela rotina de um casal de pastores que vive completamente isolado com seu rebanho de ovelhas em uma região montanhosa. Sem muita comunicação em cena, María (Noomi Rapace) e Ingvar (Hilmir Snær Guðnason) sentem o peso de um berçário vazio dentro de casa enquanto manejam os partos de suas criações. Até que tudo muda quando ela chega.

Os primeiros relances da pequena Ada são sutis, reforçando uma exorbitante carga folclórica por trás da produção. Se esperávamos assistir a um monstro híbrido grotesco e violento, o cordeirinho-bebê, desenvolvido pelo supervisor de efeitos visuais Fredrik Nord, que surge na tela com uma coroa de flores amarelas surpreende pela naturalidade com que é possível se acostumar a sua presença. Seus novos pais a aceitam imediatamente, e passamos a presenciar o começo de uma história feliz.

Além disso, Lamb é um filme que suprime questionamentos. Não precisamos saber de onde Ada veio, como seu nascimento foi possível ou se há alguma explicação científica que justifique o que aconteceu naquela fazenda. Conforme a história vai se desenrolando, o clima sombrio e soturno vai sendo substituído por uma aura aconchegante, como se a paz finalmente tivesse resolvido dar as caras naquelas terras islandesas tão remotas. Dessa forma, os poucos conflitos apresentados por Jóhannsson se tornam grandes abalos sísmicos na narrativa bucólica que o diretor constrói.

Ainda assim, a inserção de um forasteiro na fábula rural de Lamb é inevitável para completar o ritmo da história. Quando Pétur (Björn Hlynur Haraldsson) aparece de supetão, a já inexistente tensão do começo do filme volta a estralar nas entrelinhas. É como se o roteiro de Valdimar Jóhannsson e Sjón traçasse uma equação matemática que se autoanula, já que o personagem de Haraldsson surge como uma ameaça calculada, carregando um ceticismo violento até então ausente na trama. No entanto, o inesperado toma forma e o tio de Ada cai nas graças da ovelhinha, desmanchando a maior angústia causada na primeira metade da obra.

Sugerindo pequenos finais felizes ao longo dos três capítulos que dividem Lamb, Valdimar Jóhannsson prepara seu último ato na direção contrária da lógica metafórica e alegre que ele mesmo estabelece. Se escorando quase que inteiramente na capacidade dramática da protagonista Noomi Rapace, o filme se utiliza da sua intensa atmosfera de contos populares para distrair o espectador da percepção de um encerramento tão impressionante quanto o que lhe é apresentado.

Pensado na medida certa, o impacto dos últimos minutos de Dýrið, no idioma de origem, é tão marcante que rendeu à obra um prêmio por originalidade na seção Un Certain Regard, em Cannes, e a honraria de representar a Islândia na corrida por uma vaga no Oscar 2022. Depois de estrear nos cinemas brasileiros sob o selo da Mostra de SP, a nova produção da A24 só volta ao Brasil em fevereiro do ano que vem, com distribuição garantida pela MUBI.

Se comunicando, na maioria de seus 106 minutos, através do silêncio e misturando subgêneros do Horror até alcançar algo totalmente novo, os balidos de Lamb são difíceis de serem ignorados. A fábula doce e aterrorizante ultrapassa, com muito divertimento próprio, os limites definidos pela natureza, e encontra em seus únicos quatro personagens o equilíbrio perfeito entre o amor e a insanidade. Afinal, quem, em sã consciência, questionaria um presente divino? E quem seria louco o bastante para aceitá-lo?

O post A estranha fábula de Lamb apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitor Evangelista

Adaptando a história clássica do início do século XX, o filme explora a relação de um Christopher Robin (Ewan McGregor) já adulto para com sua família, vida profissional e os fantasmas em sua infância simplória na região de Sussex, na Inglaterra. Logo de cara, o filme pinta em tons pastéis as aventuras e enrascadas que Christopher viveu com os companheiros animais quando criança. Tudo do clássico desenho está ali. A mesa de chá, o pote de mel, os pulos de Tigrão.

A direção de Marc Foster, embora um tanto indecisa, acerta o tom da nostalgia, cria um vínculo já existente entre o espectador e as personagens, e faz uso da memória afetiva como principal alicerce no progresso da narrativa. Saindo do conforto da floresta, o longa também é certeiro e incisivo na adequação a seu novo cenário: a esfumaçada Londres do século passado. Uma sucessão de recortes da vida de Robin contam pequenos detalhes de sua vida, como conheceu a esposa, sua ida à Guerra, a ausência no nascimento da filha. Sempre ágil, o filme constrói sua base logo nos primeiros minutos, sem deixar espaço para dúvidas sobre a chegada do ponto A ao B.

No entanto, Christopher Robin não é bem resolvido quanto a que tipo de história quer contar. O longa pode ser dividido em três blocos. No limiar entre a fábula, o genérico dilema família x trabalho e uma estória de superação, o filme acaba não abraçando nenhuma dessas pontas e se torna enfadonho na busca de uma linha que progrida a história. Iremos por partes.

A fábula é o que há de melhor na produção. Tudo que diz respeito ao Bosque dos 100 Acres funciona num uníssono harmônico. A criação de mundo, a escolha de tons acinzentados para a pintura das personagens, a inocência dos animais, tudo redondo e fluído. A textura dos bichos também merece destaque, no meio termo da realidade e do caricato, o filme encontra leveza para contar a história dos habitantes da floresta.

O Ursinho Pooh (voz de Jim Cummings) representa todo o ideal da infância perfeita. Desajeitado, sossegado e sempre faminto, o urso tranquiliza a personagem-título e conduz a linha narrativa, funcionando como a amálgama do mundo real com o Bosque. Todas as cenas de interação de Pooh com Robin são potentes e emocionam.

Ió, ou Bisonho (voz de Brad Garett), é a alma do filme. Melancólico, pessimista e até suicida, o burrinho chama a atenção e rouba em cena em todas as tiradas passivo-agressivas que compõe seu roteiro. Tigrão (também dublado por Cummings) desempenha um papel unidimensional e, dentre os bichinhos, é o que mais se caracteriza num papel de coadjuvante.

Os demais animais da floresta, Leitão, Corujão, Can, Guru e Abel, são bem derivativos, apresentam cenas interessantes, mas não recebem destaque. Um desfavorecimento nesse sentido é a falta de uma conversa entre Christopher e Can, por exemplo, sobre o valor da família. Assunto esse que reverbera Robin durante as quase duas horas de filme.

Partindo para o núcleo humano, o longa não tem nem vergonha de desenhar a família de Robin da forma mais genérica e previsível possível. Hayley Atwell interpreta Evelyn, esposa do protagonista, e é extremamente mal aproveitada. Uma atriz desse calibre ser subutilizada numa trama batida, sem qualquer emoção ou vulnerabilidade realmente abaixa o nível de grandiosidade da produção.

O mesmo vale para a participação de Bronte Carmichael como Madeline, a filha do casal. Sem sal, com um arco mal desenvolvido e tardio que envolve tanto um descaso por parte do pai quanto a saudade que a pequena sente dessa figura em sua vida.

Nem mesmo a persona magnética de Ewan McGregor consegue dar uma luz aos humanos da produção. O ator trabalha bem a dualidade da personagem, a confusão que sente ao não conseguir dar o melhor de si em tudo que desempenha. Há aqui um homem perdido emocionalmente, que começa a encontrar o norte quando Pooh retorna a seu convívio, colocando-o de volta nos trilhos, meio abruptamente, mas isso se pode relevar

A terceira parte do longa, a mistura imperfeita entre os blocos anteriores, amarga a boca. Por um lado é mágico ver todo o crescimento de Robin depois de encontrar os velhos amigos, porém, a contrapartida disso é a questionável decisão de uniformizar a aparição dos bichos. Aqui, todo e qualquer indivíduo pode ver os habitantes do Bosque, tirando assim toda a mágica que os permeava em antigas adaptações.

No fim, conseguindo aludir às fábulas de A. A. Milne (o criador de Pooh), Christopher Robin: Um Reencontro Inesquecível aquece corações e relembra os espectadores adultos das doces experiências e aventuras da infância, mas é falho na tentativa de conectar seu público com qualquer elemento que não seja peludo ou dotado de uma inocência pueril e viva numa floresta encantada.

O post A ingenuidade harmoniosa de Christopher Robin apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.