Mariana Bezerra 

A Incrível Eleanor, estreia de Scarlett Johansson na direção, foi lançado no início de 2025 no Festival de Cannes. Ainda sem data de lançamento nos cinemas nacionais, a primeira sessão do longa, no Brasil, aconteceu na 49ª Mostra de Cinema de São Paulo, como parte da seção Apresentação Especial. Como já ocorreu com outras atrizes que conquistaram renome na frente das câmeras, Johansson se posicionou, pela primeira vez, por trás delas. Aqui, a estrela de Hollywood concede um respiro às próprias personagens e se aventura em uma função responsável por orquestrar um resultado belíssimo, que surpreende pela delicadeza e pela simplicidade. 

A protagonista que dá nome ao filme é uma senhora de 94 anos interpretada pela talentosíssima June Squibb (Thelma – 2024). Ao lado de Bessy (Rita Zohar) – uma mulher judia e polonesa, sobrevivente do Holocausto – melhor amiga e colega de apartamento de Eleanor, elas formam uma dupla carismática e sem papas na língua. As duas provocam uma onda de gargalhadas contagiante logo nos primeiros cinco minutos de filme. Para além da comicidade, as grandes amigas carregam a beleza de uma relação entre mulheres que já atravessaram muitas fases da vida. Elas perderam seus maridos, estão lidando com a distância dos filhos e com o processo de envelhecimento, mas fazem tudo isso juntas, como se fossem duas adolescentes, até o momento em que Eleanor precisa lidar com a morte de Bessy. O ponto de partida da história, por si só, já aponta para algo que precisa de uma sensibilidade no roteiro, uma direção atenta, além de um elenco extraordinário para funcionar e, Eleanor the Great, no original, definitivamente cumpre todos os requisitos.

Sozinha no apartamento que antes era um lar compartilhado com a sua ‘família escolhida’, a protagonista se vê forçada a sair da Flórida e voltar a Nova Iorque para morar com a sua filha. A grande questão é que o texto, de Tory Kamen, é cirúrgico ao expressar o retrato extremamente comum de uma mãe que se distancia da filha durante a velhice, e de familiares que escolhem delegar a sua relação aos laços sanguíneos. E, quando isso acontece, é a estranheza que se manifesta. Nesse sentido, o ambiente também é um elemento que envolve conexão. Assim, os poucos cenários do longa oscilam entre os íntimos a Eleanor e os estranhos: aqueles que ela não conhecia e com os quais precisa se acostumar de uma hora para outra, uma dinâmica interessante que não passa despercebida.

Enquanto tenta processar o luto, a protagonista, acidentalmente, acaba em um grupo de apoio a sobreviventes do Holocausto. Nesse momento, sem entender o que estava acontecendo, ela se depara com pessoas que querem ouvi-la e isso era tudo o que ela gostaria de saber. Assim, brilhantemente, June Squibb, no auge dos seus 95 anos, põe na tela uma personagem complexa, que carrega a irreverência trazida pela longevidade sem que isso a torne caricata. A atriz, inclusive, comenta, em uma entrevista da NBC News, que um dos aspectos que mais a interessou no roteiro foi a forma como ele “não ri da idade”. 

Diante dessa possibilidade que parece tão tentadora de receber acolhimento, ao ser questionada sobre a sua experiência como sobrevivente, a personagem de Squibb começa a contar sobre a vida de Bessy como se fosse a sua. A protagonista parece, inconscientemente, tentar resgatar a presença da amiga ao materializar as suas lembranças para os colegas do grupo. Antes de migrar para os Estados Unidos, onde conheceu Eleanor, a polonesa foi escravizada, junto com o irmão, em um campo de concentração. Eles conseguiram fugir, mas o menino foi morto a tiros – 14, mais precisamente. As feridas abertas de um dos eventos mais cruéis da história da humanidade são retratadas de forma intensa sem que seja necessário mostrar soldados nazistas, armas e câmaras de gás. A narrativa e a memória são potências suficientes aqui. Esse é um tema que alude à herança familiar de Johansson e com o qual ela já trabalhou anteriormente como atriz, como é o caso do filme Jojo Rabbit (2019), de Taika Waititi.

A vida de Bessy, contada por Eleanor, chama a atenção de Nina (Erin Kellyman) uma jovem escritora, também de ascendência judia, que está cursando uma disciplina de jornalismo e decide usar o grupo de apoio como tema de um artigo. Muito rapidamente, ela se aproxima da protagonista, que, no início, precisa fingir ser tímida para recusar as tentativas de contato da estudante. Até porque, de tímida, Eleanor não tem nada. E como disse seu neto, Max (Will Price), ela viverá por volta de 100 anos. A impressão que fica é que ela fará isso de forma leve, justamente porque não carrega palavras não ditas dentro de si. No que diz respeito à morte, se ela é inevitável, falar a respeito é crucial para os que ficam.

Enquanto a jovem tateava no escuro tentando encontrar a melhor maneira de lidar com o luto, seu pai escolheu nem sequer admitir a existência dele. Roger (Chiwetel Ejiofor) é um jornalista famoso e renomado, que se afogou na vida profissional após a perda da esposa, o que tornou a sua filha ainda mais solitária e perdida diante da dor. Portanto, o laço de amizade com a personagem principal é algo ainda mais valioso e revolucionário para o processo de adaptação a uma realidade tão difícil de encarar. 

Quando a verdade sobre a vida dupla de Eleanor vem à tona, a narrativa se volta completamente para o sofrimento das envolvidas e quase nada para as consequências da mentira da protagonista. Esse aspecto pode ter sido sim uma drástica conveniência de roteiro, que, diferente da maioria delas, funciona, pelo menos em partes. Em alguns momentos, o texto peca por não aprofundar os conflitos éticos envolvidos, especialmente em se tratando da sensibilidade de uma das vítimas. Por outro lado, a solidão e sofrimento de Nina, a outra vítima dessa situação, são muito bem explorados e esclarecem o porquê a perda da amizade de Eleanor foi muito mais intensa do que a perda da fonte jornalística. 

A narrativa usa o luto como um terreno fértil para explorar sentimentos múltiplos e confusos. Apesar de ela ter se permitido abrandar um pouco demais determinadas situações, isso é justificado com conceitos subjetivos, assim a história consegue emocionar e retratar a beleza que deseja. A direção e o roteiro usam a universalidade para refletir sobre como enxergamos as pessoas e, principalmente, as mulheres idosas ao nosso redor. 

Há uma belíssima relação presente no fato de a própria June estar desafiando padrões e construindo um novo capítulo profissional na casa dos 90 anos. Nesse sentido, o longa ocupa o grande espaço que é a tela do cinema com a mensagem de que seres humanos estão produzindo suas histórias a todo momento, independentemente da idade. Ainda que trate da finitude, A Incrível Eleanor vai além: a vida não acaba quando termina, mas apenas quando a nossa história deixa de ser contada. 

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Quando o Cavaleiro Verde levantou sua própria cabeça decepada, olhou Gawain nos olhos e disse “Daqui a um ano…”, ele poderia estar se referindo tanto ao golpe mortal destinado ao jovem, quanto à espera estendida que teríamos para ver a nova adaptação cinematográfica do poema medieval. Após ter estreado nos cinemas americanos pouco antes de julho acabar, A Lenda do Cavaleiro Verde chegou em VOD na metade de agosto, para delírio daqueles que esperavam desde 2020 pela visão do diretor David Lowery (Sombras da Vida) sobre a clássica fábula escrita por um autor desconhecido.

Uma das mais famosas lendas arturianas, Sir Gawain e o Cavaleiro Verde narra a história do mais novo dos cavaleiros da Távola Redonda e sua jornada para completar uma proposta perigosa, que acaba virando um teste de seu próprio cavalheirismo. Porém, nesta versão, Gawain ainda não é um cavaleiro e sua jornada para além das paredes de Camelot em busca de honra rapidamente se torna uma parábola de reciprocidade que o levará não só até aos confins do mundo, mas também de si mesmo.

Mais do que um jovem querendo se provar, o Gawain de Dev Patel é um homem profundamente dividido, por suas tentações e sua honra, sua bravura e seu medo, suas tradições pagãs e a ascensão do cristianismo (em uma das principais alterações do texto original, ele é filho da temível Fada Morgana, interpretada por Sarita Choudhury, única outra pessoa indiana do elenco). Patel incorpora tanto a sensualidade romântica da figura mítica quanto as nuances mais modernas estabelecidas pelo roteiro de Lowery, representando não só o cerne das figuras arturianas, mas também um intruso à elas, que busca se assimilar aos seus pares por meio de um grande feito.

Mesmo que a etnia do ator não tenha sido considerada em seu casting, de acordo com o diretor, sua presença na Távola Redonda é inerentemente política, e ajuda a delinear o arco moral de sua personagem e de várias passagens da história, como apontado por Angeline Rodriguez em uma análise de A Lenda do Cavaleiro Verde para o site Polygon:

“O status deles como estrangeiros adiciona a familiar tensão de assimilação para a necessidade palpável de Gawain de se provar para seu rei-tio branco e seus companheiros através de um ato apropriado de grandeza – isto é, violência. Ele precisa provar para eles e para uma audiência contemporânea que ele é menos deslocado do que aparenta ser. Quando o Cavaleiro Verde chega, uma presença ainda mais estrangeira e colorida do que ele mesmo, Gawain agarra a chance de poder lhe dar o golpe mortal com o desespero de um homem que sabe que não pode pertencer a menos que mate o que pertence ainda menos do que ele.”

Apesar do tema de reciprocidade ecoar ao longo dos diversos encontros que o protagonista tem à caminho da Capela Verde, talvez sua violência seja sua linguagem mais afiada: os termos estabelecidos pelo Cavaleiro Verde no início do jogo não estipulam que o golpe deveria matá-lo, apenas que ele pudesse devolvê-lo um ano depois. É por escolha de Gawain, sem dúvidas influenciado pelas expectativas de seu tio, que o golpe da famosa Excalibur decepou a cabeça da figura monstruosa. Portanto, é dever dele partir para completar o círculo, carregando o machado do Cavaleiro como um símbolo de sua missão.

Até mesmo quando o jovem parece não querer tê-lo por perto, o machado parece achar seu caminho até ele, um prenúncio sobrenatural e incômodo de seu destino e o que ele precisará fazer. Dev Patel traz uma humanidade curiosa e familiar à figura lendária de Gawain em A Lenda do Cavaleiro Verde, imbuindo-o com dúvida e medo, mas mesmo assim fazendo com que a audiência ansie por seu bem estar, para que ele ache algum jeito de sobreviver ao encontro. O truque verdadeiramente brilhante que David Lowery faz com essa simpatia é colocar o próprio conceito de honra em dúvida, confundindo não só seus personagens, mas também as noções que o público tem sobre eles.

Afinal, Gawain não deveria receber o mesmo golpe que desferiu? E mesmo se ele obtivesse uma maneira de evitá-lo, que honra possivelmente haveria nisso? Se ele esperava matar o Cavaleiro Verde com seu golpe, por que seria errado esperar que o mesmo aconteça com ele? Através de seus encontros nessa jornada, sua fé nas noções cavaleirescas vai sendo testada, e suas dúvidas começam a tomar formas assustadoramente tangíveis.

Conforme avança para além das terras que conhece, uma de suas primeiras aventuras o leva até um campo de batalha sendo pilhado por um Salteador (Barry Keoghan), que lhe conta sobre a batalha que ocorreu ali, na qual o Rei matou sozinho quase mil soldados. Seria esse o mesmo Arthur que Gawain que conhece, interpretado de forma calorosa e febril por Sean Harris, que mal conseguia brandir sua famosa espada? Quanto da grandiosidade de Camelot foi paga com o sangue dessas batalhas? E quantas das lendas contadas sobre elas são verdadeiras?

Mais a frente, quando se encontra com um espírito vagante (Erin Kellyman) que pede sua ajuda para recuperar sua cabeça, depositada no fundo de um lago, Gawain pergunta o que ela lhe daria em troca de tal serviço. Com perfeita incredulidade, ela retruca: “Por que me pergunta isso? Por que me perguntaria isso?”. Envergonhado, o jovem mergulha no lago, onde recupera a cabeça da mulher em uma sequência surreal na qual as profundezas se tornam vermelhas e Gawain é obrigado a nadar para cima ao invés de para baixo.

Mesmo que o longa de Lowery não faça parte do gênero de terror, é difícil negar o quão bem algumas de suas sequências se enquadram em sua estética sombria e opressiva. O bizarro e inexplicável são ocorrências comuns em suas andanças e, mesmo quando os personagens reconhecem-nas como tal, isso só agrega ao clima de hostilidade que parece infectar seu protagonista antes mesmo que ele parta em sua aventura.

Em sua fotografia, A Lenda do Cavaleiro Verde carrega seus temas tão bem quanto em sua narrativa, colocando cores em oposição ou sintonia, oferecendo um diálogo silencioso entre seus temas e personagens que dura do início ao fim da obra. Num dos momentos mais hipnotizantes do filme, a Senhora interpretada por Alicia Vikander (que também interpreta sua namorada camponesa em Camelot, Essel) explica a Gawain porque, exatamente, o Cavaleiro é verde:

“Enquanto procuramos pelo vermelho, o verde está vindo. Vermelho é a cor da luxúria, mas o verde é o que a luxúria deixou para trás, no coração, no ventre. Verde é o que fica quando o fogo se esvai, quando a paixão morre, quando morremos, também. Quando se for, suas pegadas se preencherão com grama. O musgo cobrirá sua lápide e, quando o Sol nascer, o verde estará por toda parte, em todas as suas tonalidades e matizes.”

O Cavaleiro Verde é, por sua vez, uma figura que se destaca imediatamente contra a santidade fria e pétrea da corte de Arthur. O ator Ralph Ineson, com seu vozeirão particular e algumas camadas de maquiagem e efeitos práticos, se apresenta quase como uma invocação da própria terra, elevado até lá através das maquinações de Morgana (que é bem mais proeminente nesta versão do que na original), levando a decomposição consigo – assim como nova vida. Essa dualidade é o cerne da personagem, e está presente em boa parte do longa, que trata a dicotomia entre vida e morte como algo inevitável e até trágico, mas nem por isso negativo.

Seguindo essa deixa, boa parte da trama de A Lenda do Cavaleiro Verde se apresenta em forma cíclica, seja pela maneira com que Gawain perde suas posses e as reencontra ao longo da missão, ou em como a câmera do diretor de fotografia Andrew Droz Palermo se move ao redor do próprio eixo, marcando a passagem de tempo para frente e para trás. O simbolismo dos ciclos influencia boa parte da interpretação poética do diretor sobre o texto original, permitindo que a história se transfigure organicamente conforme seu jovem herói trilha seu caminho à procura de honra e, ao final dele, essa própria honra seja redefinida.

Parte do que faz o longa de Lowery ser uma experiência tão densa e comprometida é o quão deliberado cada aspecto dela parece ser. Cada frame vem carregado de emoção, simbologia e subversão impossivelmente detalhados ao longo de suas duas horas de duração, mas que são sempre ancorados pelo roteiro em motivações familiares e envolventes. Seja na reinterpretação de suas personagens ou na reinvenção de seu clímax, o épico arturiano encontra aqui uma de suas versões mais sintáticas e impactantes, em uma trajetória que completa o arco moral de seu protagonista de maneira absolutamente arrebatadora.

Em seu coração, A Lenda do Cavaleiro Verde narra a luta de um homem contra a inevitabilidade do resultado de suas ações, assim como o significado por trás delas. Através da batalha interna de Gawain, o longa de David Lowery nos pergunta como seremos capazes de lidar com as consequências dos atos que cometemos por arrogância, covardia ou crueldade e, através de uma resposta tão rígida e imutável quanto seu antagonista, termina sua fábula mítica com uma das sequências cinematográficas mais poderosas do ano.

Em um mundo que, às vezes, parece decidido a encarar seu fim de braços cruzados, em que a impotência nos tenta a agir com indiferença, histórias como a de Sir Gawain e o Cavaleiro Verde continuam a ser relevantes. Nela, a importância de saber dar e receber não está apenas na violência da espada e do machado, mas na compaixão de um toque tenro em um momento difícil, e como somos os únicos capazes de determinar nossa própria honra.

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Caroline Campos

Depois de WandaVision arriscar uma visão mais ousada e menos linear para a primeira experiência televisiva dos estúdios Marvel, as expectativas em cima de Falcão e o Soldado Invernal borbulhavam pelas cabecinhas conspiratórias dos fãs do Universo Cinematográfico iniciado em 2008. Ao longo de seis episódios lançados semanalmente pela Disney+, a série comandada por Malcolm Spellman dos dois maiores parceiros de Steve Rogers retrata as consequências humanitárias de um mundo pós-blip, despreparado para lidar com o reaparecimento de metade da população depois dos eventos de Vingadores: Ultimato, mas não foge da fórmula ação-comédia já conhecida das telonas.

Apesar do título indicar o protagonismo de Sam e Bucky, o já aposentado Capitão América de Chris Evans poderia facilmente integrar a equipe. O fantasma de Steve Rogers dita o tom de cada arco em Falcão e o Soldado Invernal, ressaltando o rombo emocional que a perda do queridinho dos EUA desencadeou no país e nos Vingadores que lá restaram. Não é à toa que o pontapé inicial do primeiro episódio foi dado por ele – o escudo. Nada poderia simbolizar mais o nacionalismo estadunidense do que o disco de vibranium azul e vermelho que Rogers empossou para derrotar de Caveira Vermelha até Thanos e que, agora, estava sem dono.

Sem dono em partes, claro. Mesmo que o Capitão tenha confiado seu legado nas mãos de Sam Wilson, o Falcão optou por entregá-lo ao governo por desacreditar na própria capacidade de empunhar o escudo, inaugurando a série com os dois pés no peito de quem esperava o herói repaginado de cara. O personagem de Anthony Mackie foi uma das bilhões de pessoas que viraram poeira com o estalo do titã e retornaram cinco anos depois em um mundo completamente reorganizado através de novas fronteiras e organizações mundiais. 

Enquanto na série da Feiticeira Escarlate a crise populacional ficou de escanteio em decorrência do Hex, Falcão e o Soldado Invernal a utiliza como motor da narrativa e força-criadora de seus vilões. Qual o suporte que o governo forneceu às pessoas que voltaram? E às que ficaram? Ambas as respostas são ilustradas por conflitos com agentes da lei incapazes de lidar com as demandas recentes da nova configuração populacional. Da necessidade de impedir o governo de realocar e deportar pessoas, surge o grupo revolucionário encarado como terrorista pelos EUA e como vilão, até certo ponto, pela série dos heróis.

Os Apátridas, na verdade, nasceram do antagonista meia-boca do Capitão América nos quadrinhos – que possui o mesmo nome, mas no singular. De um único homem para um ideal revolucionário, a organização encabeçada por Karli Morgenthau e seus super-soldados foi tratada com a ambiguidade ética necessária para compreender as faces do movimento e suas consequências, mesmo que suas bandeiras fiquem bagunçadas por tempo suficiente para que compremos essa ideia de vilania do discurso estadunidense.

Com o mote de um mundo, um povo, o grupo monta seu exército de apoiadores pelo meio virtual e suscita discussões a respeito da crise de refugiados provocada pelos atos truculentos do Conselho Global de Repatriação, que enxota todos os que cruzaram as fronteiras durante o blip. A resposta do governo americano foi, como sempre, convocar a força-tarefa de seus heróis para lidar diretamente com Karli e sufocar sua revolução de apoio global. E como aparentemente Scott Lang estava tirando um cochilo e Bruce Banner curtia umas férias, a bola da vez ficou com Sam Wilson e Bucky Barnes. 

A dupla que se conheceu em Capitão América 2: O Soldado Invernal e rendeu breves, porém hilárias interações em Capitão América: Guerra Civil ganhou a chance de aprofundamento que todos os coadjuvantes da Saga do Infinito disputam a socos. E, pela escolha dos personagens, a dose de coragem que a Marvel vem assumindo nas suas produções televisivas caiu como uma luva para inserir abertamente o debate racial e questionar o verdadeiro simbolismo ao redor da figura do Primeiro Vingador.

Como o país que assassina pessoas negras diariamente lidaria com um Capitão América negro? Se Steve Rogers não parou para refletir sobre o assunto, Sam Wilson definitivamente o fez. Ser um super-herói reconhecido mundialmente não evitou que o Falcão fosse parado pela polícia e visse sua família afundada em dívidas pela falta de um suporte financeiro que o resto dos Vingadores parecia ter. Apesar do título da série dividir os créditos, o carro-chefe de Falcão e o Soldado Invernal é Anthony Mackie, que finalmente sai da sombra de coadjuvante de filme do Capitão e passa a ter o devido protagonismo em uma narrativa própria.

A relação de Sam com o escudo põe em xeque a figura do ícone americano da Segunda Guerra Mundial, apresentando ao público o super-soldado Isaiah Bradley que foi apagado da história mesmo após uma série de vitórias na Guerra da Coreia e transformado em cobaia pela sua relação com o soro. As revelações do veterano negro interpretado por Carl Lumbly são a virada de chave para Sam assumir o manto azul e vermelho e subverter todas as versões da história por trás do título de Capitão, moldando a sua forma o novo herói.

Já para Bucky, a redenção veio aos poucos. Perdoado pelos crimes do Soldado Invernal, o sargento de 106 anos ainda procura se adaptar ao mundo moderno enquanto tenta acertar as contas com todos os atingidos pela sua versão nazista. Sebastian Stan, com um pouco mais de tempo de tela, encontra o tom de seu personagem na oscilação da personalidade tragicômica de Bucky, que se obriga a confrontar o próprio passado e o buraco que os experimentos da Hydra abriram na sua trajetória – tudo isso dentro da sala de uma terapeuta. 

Ao trazer o Barão Zemo de Daniel Brühl de volta às telas, a Marvel não só se gaba de um dos seus melhores vilões como também revira a autoconfiança de Bucky quanto a sua regeneração. Saudade, enferrujado, dezessete, amanhecer, forno, nove, benigno, retorno, um, vagão de carga – as palavras podem não surtir mais o efeito ativador, mas ainda carregam o peso das ações do Soldado Invernal que tanto assombram o Lobo Branco, alcunha que recebeu no período em Wakanda que ficou de fora dos longas. Como em Guerra Infinita apenas vislumbramos seu retiro sabático no país, a série dedica um pouco de seus episódios para destrinchar o processo de reabilitação do sargento com a ajuda das Dora Milaje, lideradas por Ayo (Florence Kasumba).

Não demorou muito para Brühl roubar a cena e garantir o carisma de Zemo. Retomando os eventos de Vingadores: Era de Ultron, o personagem cutuca o rastro de destruição dos super-heróis durante suas tentativas de salvar o mundo e questiona se, no meio disso tudo, sobra algum respeito por cidades arrasadas como Sokovia e suas vítimas. O Barão ainda é responsável por fazer a ponte que apresenta Madripoor e retoma o papel de Emily VanCamp como Sharon Carter, foragida depois de resgatar o escudo de Steve em Guerra Civil.

Que a Marvel não sabe o que fazer com suas personagens femininas, isso nós já sabemos – Viúva Negra não tem paz nem depois de morta. Agora, cair novamente na simplicidade de vilã duas-caras que envolve toda a trama da ex-agente 13 com o Mercador do Poder foi de sair berrando pelado na rua. Apesar da participação de Carter ter sido tediosa como um todo, a conclusão rasa de seu arco e as dúvidas acerca do futuro da personagem não causaram nada além de uma grande revirada de olhos. Madripoor ainda vai render muito plot para o estúdio.

Se nomes já conhecidos do universo retornaram, novas caras também foram apresentadas em Falcão e o Soldado Invernal – e nenhuma rendeu mais burburinho e especulações do que John Walker. Quando o governo estadunidense se deu conta de que o mundo não conseguiria sobreviver sem a esperança ufanista do Capitão América, foi correndo procurar outro militar branco para assumir o escudo que Sam tinha doado como parte do memorial de Steve. Walker, de cara, já causou a repulsa das viúvas que não haviam superado a saída de Chris Evans do papel, mas o novo Capitão conseguiu superar todas as expectativas de quem esperava um desastre.

Dono da melhor atuação da série, Wyatt Russell entregou tudo e mais um pouco com John Walker, o militar condecorado que transita pelo desequilíbrio total com respingos de psicopatia na tentativa de fazer jus a seu antecessor. Abandonando de vez o maniqueísmo em seus vilões, o estúdio encontrou em Walker um homem traumatizado pela guerra e incapaz de lidar com a responsabilidade que assumiu. Se Steve Rogers representava a idealização dos EUA, John Walker é a verdadeira face do país – agressivo, impulsivo e autocentrado. 

E a prova está no quarto episódio da série, intitulado O Mundo Está Vendo. Pela primeira vez na história da Marvel, uma cena verdadeiramente violenta chocou os olhos dos seguidores do estúdio tão desacostumados com sangue e momentos de fúria extrema. Infelizmente, utilizaram a morte do promissor Lemar Hoskins como ponto de partida para a loucura de seu parceiro, abandonando o potencial do Estrela Negra antes mesmo de começar a desenvolvê-lo. Com um escudo manchado de sangue inocente, John Walker, muito comparado com o Capitão Pátria da série vizinha, parece gritar “não há mais Steve Rogers por aqui”. 

Mesmo que estejamos lidando com uma trama de mocinhos, a relação de Falcão e o Soldado Invernal com seus vilões – com exceção da babaquice que fizeram com Sharon –  é coerente de acordo com os ideais de Sam e Bucky. Não há espaço na série para tratar Karli e John como monstros irredutíveis, e o Falcão é essencial nesse diálogo. Sam Wilson é o sucessor natural de quem ele sempre admirou, revitalizando a figura batida do Capitão com suas lutas aéreas e seu novíssimo uniforme vindo direto das terras do Pantera Negra.

Anthony Mackie assumindo o manto e ganhando um filme solo com seu novo título é o gás que a Marvel precisava para se adaptar aos novos tempos. O que a gente conhece ainda está lá – as cenas de luta perfeitamente coreografadas, o humor besta e divertido, a ação herói versus vilão. Mas nem mesmo o maior Universo Cinematográfico do cinema pode parar no tempo e cometer os mesmos erros do passado; os mesmos erros que cometeram com Isaiah Bradley. Se Elizabeth Olsen e Paul Bettany encabeçaram essa nova era para o mundo de Kevin Feige, Mackie e Stan reciclaram a fórmula mágica adotando uma roupagem política e certeira para os heróis mais poderosos da Terra.

Para quem está com saudades da cota anual de super-heróis nos cinemas, Capitão América e o Soldado Invernal não decepciona. Agradando desde os fãs mais cri-cris até os de mente aberta doidinhos por um filme de gênero, a química hilária da dupla de atores mostra que o título de protagonistas finalmente veio, e veio por merecer. Apesar do escorregão na reta final (um discurso, sério?), os seis episódios da nova empreitada televisiva do estúdio tem gostinho de tela gigante, pipoca com manteiga e daquele escuro com mais outras cem pessoas ao seu redor.

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