Agata Bueno

O terceiro filme da saga Trolls não é só para crianças e nem para quem chegou de paraquedas na relação entre os Bergens e as pequenas criaturas de cabelo colorido. A terceira animação da franquia acerta, mais uma vez, em abordar situações complexas do mundo real a partir do ponto de vista dos seres fãs de abraços. Com trocadilhos bem colocados entre as aventuras dos personagens e um amadurecimento das relações vistas inicialmente, Trolls 3 – Juntos Novamente mescla um humor um tanto mais crescido com cores vibrantes. 

Antissocial e mal-humorado costumavam ser os dois adjetivos principais para caracterizar Tronco. Até a chegada de Poppy. Mesmo após enfrentar gigantes, sobreviver a infinitas horas do abraço e se aventurar entre todos os ritmos da Música, alguns sentimentos não vão embora. Em meio a um casamento que traz consigo doses extras de glitter e nostalgia, descobrimos que a antipatia do troll pessimista vem de sua relação com seus irmãos. Ou melhor, da falta dela: após o fim da BroZone, todos os integrantes seguiram seu próprio caminho e deixaram para trás uma versão menor e mais fofa de Tronco.

Abordar temas tão marcantes quanto o amadurecimento e as diferentes dinâmicas familiares parece fácil quando se adiciona músicas coreografadas e grandes quantidades de purpurina. Diferente de outras franquias, as novas criaturas e mundos que surgem a cada sequência são muito bem recepcionados e encaixados ao longo das narrativas. E não seria diferente com os integrantes da Brozone, os trolls que foram separados na grande fuga e as novas faces vindas de Monte Irado. Embora os Bergens tenham mais destaque do que os fiéis escudeiros de Poppy em Trolls 3, os irmãos perdidos tomam conta dos holofotes.

O encontro de John Dory, Spruce, Floyd e Clay com o irmão mais novo direciona a viagem dos trolls para longe de seu reino. Salvar Floyd das garras de artistas sem talento é apenas o primeiro passo de uma excursão cheia de surpresas. Uma delas é o encontro entre Poppy e Viva, a filha mais velha do rei Peppy perdida após a grande fuga dos Bergens. A descoberta showtástica que, além de realizar o pedido da troll cor de rosa, não rouba a cena de forma alguma e que faz sentido – devido ao histórico do rei. Uma reunião de boyband e as diferentes relações entre irmãos tornam-se o combo perfeito com o toque da alegria troll.

Numa era de filmes nostálgicos, com remakes e live actions, a Dreamworks parece caminhar para um futuro próspero (e esperamos que longe das garras da Disney). O estúdio de animação aposta nas reuniões de bandas que se separaram há muito tempo e agrega tanto conteúdo quanto um público mais velho para dentro das salas de cinema. A reunião do ‘N Sync no palco do VMA 2023 foi apenas um show de abertura para o espetáculo em Trolls 3. O quinteto, que possui Justin Timberlake como integrante e dublador oficial de Tronco, divulgou a primeira canção após 22 anos no trailer oficial da animação. 

No primeiro capítulo da franquia, a música Can’t Stop the Feeling! de Timberlake, criada especialmente para a animação, alcançou o 1º lugar na Billboard Hot 100 e uma nomeação a Melhor Canção Original no Oscar de 2016. Better Place, a nova faixa do ‘N Sync, não fica para trás. A composição traz o grupo de volta aos charts da Billboard pela primeira vez desde 2002, além de mostrar a clara intenção de concorrer novamente ao maior prêmio do Cinema. Infelizmente, o peso da canção não foi o suficiente para encantar os jurados da Academia. 

O que sabemos é que a mistura de cores tem dado certo. Os seres de cabelo para o ar conseguem unir trilhas dançantes com temas profundos e mesmo assim encantar diferentes públicos, prontos para cantar junto. O último filme da saga (até agora), ao embarcar na nostalgia, foi capaz de inserir uma animação no cenário musical atual. Após o desfecho, a saga se encaminha para uma quarta e quinta animações em sequência. 

Ainda há muito o que ver – e muitas canções originais a caminho. As interações entre os antigos conhecidos da Vila Troll e os recém-chegados prometem muitas aventuras, sem contar com um casamento à espreita. Só nos resta esperar a próxima turnê do BroZone e torcer para que, depois de Trolls 3: Juntos Novamente, o ritmo continue. 

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Dante Zapparoli

Uma narrativa a qual ouvimos desde os filmes de velho oeste é a de que lutar contra a Morte é algo impossível. Em Gato de Botas 2: O Último Pedido vemos mais uma faceta de um herói, que era considerado imortal e invencível, cair ao inevitável fim: o medo de sua história acabar.

Após 12 anos desde sua primeira produção, o Gato de Botas volta a ativa com mais uma aventura solo para as telas de cinema. A nova obra abre com uma estrela cadente que caiu na Terra e, segundo lendas, realizaria o desejo de quem a encontrasse. A narrativa se torna importante ao decorrer da história, pois é a motivação de sete personagens diferentes: o próprio Gato de Botas, Kitty Pata Mansa, Cachinhos Dourados e os Três Ursos, e João Trombeta.

De forma parecida com os outros filmes que englobam o universo em que Gato de Botas se passa – iniciado com a franquia de Shrek há 22 anos – o humor envolvendo situações mágicas e personagens que saíram direto de contos de fada permanece forte. Isso é perceptível com os enredos que envolvem a Cachinhos Dourado ou a maioria dos itens mágicos colecionados por João Trombeta – os quais incluem o sapatinho da Cinderela, biscoitinhos mágicos providos de Alice no País das Maravilhas e o Grilo, que é a consciência presente nas histórias de Pinóquio. No entanto, Gato de Botas 2: O Último Pedido dá um passo a mais e se aprofunda em questões psicológicas e emocionais que esses personagens tão encantados trazem consigo.

O Gato, personagem que dá nome a obra, começa o filme no que ele considerava sua melhor forma: forte e invicto, segundo a música de abertura da peça. No entanto, após sua morte súbita ao tocar do sino da igreja que foi destruído em sua aventura, ele descobre que, de suas nove vidas de gato, só lhe resta uma. Todas as outras foram gastas de formas irresponsáveis pelo protagonista – fosse caindo, bêbado, de uma prédio alto ou morrendo ao ganhar em um jogo de cartas contra cachorros. 

Essa realização não o incomoda muito, até encontrar com a Morte em pessoa no bar de Del Mar. O personagem se apresenta como um lobo branco, de olhos vermelhos, que anda encapuzado e com duas foices como arma. De início, Gato tenta desafiá-lo a um duelo. Não é surpresa que ele perde e, pela primeira vez em sua vida, sente medo ao perceber que não é inabalável.

A Morte, dublada originalmente por Wagner Moura, tem um papel forte nessa história, já que é a percepção da nossa efemeridade que faz Gato sair de sua jornada de aventuras – e, com o decorrer do filme, retornar para o último ato de conseguir restaurar suas nove vidas e voltar a ser como antes. Durante a trama, podemos acompanhar as dificuldades e os empecilhos que o felino possui ao tentar se esquivar dos avanços do lobo, mostrando a humanidade que Gato parece tentar esconder.

Não é apenas do medo da morte que as motivações dos personagens giram em torno. Gato de Botas 2 apresenta mais três grupos interessados pelo poder que esse item mágico pode oferecê-los: Kitty Pata Mansa,que também fez parte do primeiro filme, Cachinhos Dourados e os Três Ursos, e João Trombeta, sendo este parte de uma canção de ninar estadunidense. Cada qual possui interesses divergentes, mas têm o mesmo objetivo e visão: com a estrela mágica, eles poderão resolver o que os aflige e serem felizes.

Gato de Botas, que passou por um período de aposentadoria entre a quebra de tempo do seu primeiro encontro com a Morte e o anúncio da procura pela estrela cadente, volta para ação de forma conjunta com Perrito, um cachorro que sonha em ser um cão de serviço, e Kitty Pata Mansa, o qual compartilha uma história e um passado complicados. Nessa jornada, ele e a audiência percebem como é difícil superar traumas e confiar em pessoas à sua volta.

Um recurso interessante usado para contribuir com a narrativa é a mudança do mapa até a estrela: toda vez que troca a pessoa que segura o objeto, o mundo ao redor muda junto. Pelo que se pode perceber quanto a essa dinâmica, o guia reflete as dificuldades de chegar até o desejo de quem o segura: o do Gato mostra várias situações voltadas para a morte, como a Caverna das Almas Penadas, o de Kitty, apresenta cenários de abandono e solidão, e o da Cachinhos retrata terras de nostalgia. Todos esses problemas são voltados para o que os personagens sentem e têm dificuldades de externalizar.

Gato de Botas 2: O Último Pedido é uma apresentação interessante do conceito de “show, don’t tell”, já que isso faz com que o espectador possa ter consciência de alguns pontos que a narrativa irá percorrer, antes mesmo deles serem apresentados. Essas complicações e objetivos são o que fazem com que a jornada deixe de ser apenas uma aventura como as outras e se transforme em algo mais catártico. Apenas um dos personagens não possui impedimento de chegar até a estrela, sendo ele Perrito, pois suas metas e ambições não estão focadas em algo que poderia ser resolvido magicamente: ele já sabia o que queria e como tentaria conseguir, diferentemente dos outros personagens em busca de respostas.

O que fez a obra conquistar seu público, no entanto, foram as representações quanto à saúde mental. Gato chega a passar por alguns episódios de crises de pânico durante o filme – este sendo causado pelos seus encontros com a Morte e o pensamento de que sua vida efêmera logo acabará pelas mãos do lobo – e, em todas as apresentações dessa situação, nenhuma piada é feita. Isso se difere de representações como Velma (2023) ou Vingadores: Ultimato (2019), ao não os limitarem a movimentos violentos ou sexuais. 

A produção sabe retratar bem questões como lidar com trauma, luto e o sentimento de ser deixado só, enquanto aquece o espectador com seus desfechos que representam lutas difíceis demais de serem enfrentadas sozinhas. Gato de Botas 2: O Último Pedido abre bem o cenário de 2023 e se torna um bom concorrente frente a os outros filmes da categoria de Melhor Animação do Oscar, como Pinóquio, Marcel the Shell with Shoes On, A Fera do Mar e Red: Crescer é uma Fera.

Na categoria em que compete na premiação da Academia, Gato de Botas 2: O Último Pedido tem Shrek, em 2002, como o primeiro vencedor, que no mesmo ano também havia sido indicado para Melhor Roteiro Adaptado. A empresa DreamWorks não ganha um Oscar desde 2005, com o filme Wallace & Gromit – A Batalha dos Vegetais, e não possui indicação desde 2015, com Como Treinar o Seu Dragão 2. Então, a volta para a premiação com a continuação de O Gato de Botas 2, traz uma nova esperança para o estúdio de animação, como um forte candidato.

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Nathan Nunes

Na manhã do dia 15 de Janeiro de 2015, Hollywood ficou em polvorosa com a falta do então favorito Uma Aventura Lego entre os indicados ao Oscar de Melhor Animação. Lembrado, ainda assim, na disputa de Canção Original com Everything is Awesome, o longa de Phil Lord e Christopher Miller (que seriam premiados anos depois por Homem-Aranha no Aranhaverso) foi preterido em razão de dois candidatos menos conhecidos: O Conto da Princesa Kaguya, do cultuado Studio Ghibli, e A Canção do Oceano, da pequena produtora irlandesa Cartoon Saloon. Completavam a lista Como Treinar o Seu Dragão 2, da DreamWorks, Os Boxtrolls, da LAIKA Studios, e o eventual vencedor Operação Big Hero da Disney. Apesar do esnobe, é notável que havia um equilíbrio na disposição dos estúdios por trás dos concorrentes naquele ano, abraçando tanto os gigantes quanto os independentes e estrangeiros. 

Essa harmonia não se vê mais atualmente. Das cinco animações indicadas em 2023, apenas uma se encaixa nesse perfil “pequeno” antes mais reconhecido: Marcel the Shell with Shoes On, falso documentário em stop motion orçado em menos de 7 milhões de dólares e distribuído pelo atual pedigree independente, a A24. O restante pertence aos figurões, sendo duas da Netflix (Pinóquio por Guillermo del Toro e A Fera do Mar), uma da Disney (Red: Crescer é uma Fera) e uma da DreamWorks (Gato de Botas 2: O Último Pedido), além de serem todas superproduções de grande orçamento. Não é à toa que a categoria está novamente dominada pelos grandes estúdios, pois o que se evidencia, na prática, é a constatação de um descaso da indústria com a própria Arte da animação em si. 

O Oscar de Melhor Animação: Uma História

Em 19 de Fevereiro de 1992, assim como na manhã de 2015, Hollywood também pulou da cadeira quando A Bela e a Fera foi anunciado como um dos cinco concorrentes ao Oscar de Melhor Filme, tornando-se a primeira animação a realizar esse feito na história. O reconhecimento potencializou a chamada Era do Renascimento da Disney, marcada por um sucesso quase constante de bilheteria e crítica em suas produções, que, não à toa, cada vez mais adentravam a disputa pela estatueta dourada. 

A conversa sobre uma categoria para reconhecer única e exclusivamente as animações se intensificou à medida que outros estúdios começaram a surgir para disputar espaço com a Casa do Mickey, notoriamente a Pixar de Monstros S.A. e a DreamWorks de Shrek. Em 2002, a concorrência entre ambos esses filmes, juntamente com a presença de outros competidores de peso (Jimmy Neutron foi o terceiro indicado), se mostrou suficiente para inaugurar a modalidade, que fez da comédia do ogro verde o seu primeiro vencedor. 

Ainda assim, na época, não faltaram críticas a como o prêmio poderia ser uma forma de excluir as animações da disputa de Melhor Filme, pois o longa foi esnobado nela, mesmo com menções significativas no BAFTA e no Sindicato dos Produtores. O histórico da Academia também não era favorável, pois a indústria sempre foi tendenciosa com a presença animada na categoria. Esse sentimento, até então, tinha sido mascarado pela entrega de prêmios especiais para três produções específicas ao longo das décadas: Branca de Neve e os Sete Anões, em 1938, Uma Cilada para Roger Rabbit, em 1989, e Toy Story, em 1996.  

Depois de sua estreia, o Oscar de Melhor Animação continuou evoluindo. 2003 viu o seu primeiro e único vencedor vindo de fora dos Estados Unidos, A Viagem de Chihiro de Hayao Miyazaki. A presença internacional também foi se expandindo com o passar dos anos, através de nomes como os franceses As Bicicletas de Belleville, em 2004, e Persépolis, em 2008. Isso ocorreu devido ao aumento do número de membros no comitê que selecionava os indicados, composto apenas por profissionais da área. 

Em retrospecto, a década de 2010 pode ter sido o ápice dessa representatividade, tendo em vista o equilíbrio que a seleção de 2015 exalou, por exemplo. Candidatos pequenos de outras nacionalidades que não a americana ou a inglesa como Um Gato em Paris, Ernest e Celestine e A Tartaruga Vermelha, da França, Chico e Rita, do México, e Minha Vida de Abobrinha, da Suíça, foram agraciados com as indicações que antes estariam destinadas a outros campeões dos grandes estúdios, como Universidade Monstros, O Bom Dinossauro e Procurando Dory da Pixar, todos esnobados em seus respectivos anos. 

O golpe

Hollywood, obviamente, não estava feliz com essa situação. O contra-ataque veio na forma de uma mudança nas regras de votação da categoria, sancionada em 2017. Através dela, o comitê foi descontinuado, em razão do fato do voto para indicação ter sido aberto para todo e qualquer membro votante da Academia. O resultado disso nunca ficou tão claro quanto no ano passado. Entre as cinco animações indicadas em 2022, apenas uma (o dinamarquês Flee) era internacional, sendo três (Raya e o Último Dragão, Luca e a vencedora Encanto) das outras quatro pertencentes a um único estúdio, aquele do rato com fome de monopólio. 

Para coroar a situação, a cerimônia do tapa ainda apresentou os concorrentes animados da seguinte forma, nas palavras de Lily James (Cinderella), Naomi Scott (Aladdin) e Halle Bailey (A Pequena Sereia): “experiências formativas para as crianças que assistem elas”. A frase evidenciou a noção da indústria de que a animação é uma coisa de criança, algo que os mesmos Phil Lord e Christopher Miller de Lego, indicados na noite com A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas, criticaram em uma coluna na revista Variety. “Não estamos querendo diminuí-las, mas está na hora de as elevarmos”, defenderam. 

O problema

O caso do último Oscar é emblemático para discutir os dois principais problemas que assolam o prêmio de Melhor Animação. O primeiro deles é o sequestro de sua existência como mais um meio para os grandes estúdios prestigiarem apenas a si mesmos. É notável o posicionamento de James, Scott e Bailey para a entrega da estatueta, pois as três são as novas encarnações das princesas da Disney para a geração atual, implicando que a empresa seria a grande e única guardiã responsável pelo impacto sócio cultural dos filmes animados.  

Já o segundo é o próprio descaso em si da categoria como representante de um “tipo inferior” de Cinema, na visão da Academia. Ao citar o público infantil como o único a ser impactado pela animação, a instituição deixa claro que enxerga as animações dessa forma, e somente reforça isso ano após ano, ao nem sequer considerá-las como dignas de mérito igual – ou, às vezes – maior que seus grandes concorrentes de carne e osso. 

As animações do Oscar 2023: tão boas quanto os Melhores Filmes?

Nos 31 anos que separam a indicação de A Bela e a Fera da atual lista de Melhor Filme, apenas duas outras animações repetiram o feito: Up: Altas Aventuras em 2010 e Toy Story 3 em 2011, nos primeiros anos de expansão do número de nomeados de cinco para dez, cujo um dos motivos foi justamente o esnobe de Wall-E em 2009. Para além do fato de que outras grandes produções animadas mereciam demais o mesmo reconhecimento (em especial Divertida Mente em 2016, Aranhaverso em 2019, e Soul em 2021), 2023 marca um ano em que os concorrentes de Melhor Animação apresentam aspectos tão bons e quiçá até melhores que os indicados da categoria principal.

As sequências marítimas de A Fera do Mar são tão deslumbrantes quanto as de Avatar: O Caminho da Água, enquanto o valor familiar é tão emocionalmente catártico em Marcel como em Os Fabelmans. Gato de Botas 2 é uma história sobre um herói frente a sua obsolescência e a quebra de seu mito, assim como Top Gun: Maverick. Red se utiliza da estilização e da fantasia para explorar as barreiras emocionais no relacionamento entre mãe e filha amarelas, tal qual o favorito Tudo em Todo Lugar Ao Mesmo Tempo. Por fim, o Pinóquio por Guillermo Del Toro fala melhor sobre o valor da humanidade em tempos de guerra do que Nada de Novo no Front, sendo que ambas as produções dividem a mesma distribuidora – a Netflix. 

Conclusão

O que se tenta dizer com essas comparações não é um desmerecimento dos outros candidatos, mas sim um exemplo de que essas animações possuem tanto valor quanto eles. Onde estão os filmes animados nas disputas de roteiro, atuação, montagem, fotografia, efeitos, design de produção e outras? Sabemos que eles têm qualidade suficiente para figurarem nesses mesmos espaços, e só não o fazem por concepções arcaicas, vazias e preconceituosas da própria indústria cinematográfica. Concepções essas de que seu público-alvo é apenas o infantil, ou de que seu valor está apenas ligado ao nome de grandes corporações. Nas palavras do diretor Guillermo del Toro: 

“Animação é um meio. Animação é filme. Animação é Arte e pode contar histórias que são lindas e complexas, e que são feitas à mão por humanos para humanos”  

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Gabriel Gomes Santana

Há duas décadas, o mundo foi contemplado com o lançamento de uma das animações que mais revolucionaram o Cinema: Shrek. Essa prestigiada obra-prima reuniu o que há de melhor sobre piadas de duplo sentido, referências icônicas, paródias e lições de vida sobre autoaceitação e felicidade. Dentre todas essas qualidades, que tal relembrarmos com detalhes a grandeza desse gigante cinematográfico?

Não poderia começar de outro jeito esse texto, sem falar do forte vínculo entre Shrek e sua trilha sonora chiclete. Desconheço uma viva alma que escute All Star, da banda Smash Mouth, e não consiga relacionar instintivamente a canção do grupo americano ao longa Shrek. Eu mesmo quando era criança (não faz tanto tempo assim), me recordo que só fui associar o nome desta música e sua respectiva banda, em um momento de curiosidade epifânica, após ter assistido o filme.

Segundo fontes envolvendo os bastidores, a escolha da DreamWorks pela Smash Mouth aconteceu por conta dos dois primeiros versos do hit I’m A Believer: “Eu pensava que o amor só acontecia em contos de fada, significativo para alguns mas não para mim”. Pois bem, diversas bandas fizeram os testes de audiência de trilha, mas somente esses dois versos conquistaram o coração dos produtores. O curioso é que All Star fez ainda mais sucesso e se tornou trilha de abertura da animação, assim como a canção mais famosa da banda californiana.

Apesar da fama proporcionada pela produtora de Steven Spielberg, se engana quem crê que Shrek seja uma narrativa original da DreamWorks. Apesar da  genialidade, seu roteiro é inspirado na obra homônima de William Steig. No livro, Shrek também foi desenvolvido para o público infantil, no entanto foi graças à perspicácia dos roteiristas, Terry Rossio e Joe Stillman, que a animação foi vencedora do BAFTA em 2002, na categoria de Melhor Roteiro Adaptado.

Além da premiação do BAFTA, a brilhante direção de Andrew Adamson e Vicky Jenson desafiaram dois gigantes concorrentes, Monstros S.A. (Pixar) e Jimmy Neutron (Paramount), candidatos à primeira categoria de Animação do Oscar. Shrek levou o título e ainda concorreu na categoria de Roteiro Adaptado. Mas seu sucesso não se reduz a tais feitos, estas são apenas as consequências do merecido reconhecimento desta animação 3D (método de gravação também utilizado em CGI). As falas e a ousadia de criação dos produtores são a essência cativante desta relíquia animada.

Em um primeiro momento, os diretores Adamson e Jenson teriam entrado em contato com o icônico Chris Farley para a interpretação vocal do protagonista. O comediante dublou quase todas as falas, cerca de 90% das cenas, porém veio a falecer antes que completasse o roteiro da personagem. 

Com isso, as vozes de Shrek, Fiona, Burro e Lord Farquad se imortalizaram nas dublagens originais de Mike Myers, Cameron Diaz, Eddie Murphy e John Lithgow. Aqui no Brasil, Shrek ganhou ainda mais notoriedade devido sua dublagem em português, na qual a presença do querido Bussunda como intérprete do ogro verde é inesquecível!

Shrek é perfeito devido suas imperfeições. Apesar de ser uma frase contraditória, ela resume bem a tônica deste quase-conto de fadas. Digo “quase”, pois esta é uma trama não convencional, ainda que seu encerramento o seja. O enredo nos apresenta contradições nunca antes percebidas ou criticadas pela indústria de animações. Ele explora a temática contrastante entre aparência e essência, nos obrigando a refletir: “como um ogro poderia ter chance com uma princesa?”

Em uma época onde as redes sociais sequer sonhavam em existir, a DreamWorks já estava bolando um plano para conscientizar seu público acerca de temas tão contemporâneos e urgentes. Até os espectadores menos atentos conseguiram perceber que o filme é recheado de mensagens subliminares, conceitos e lições morais (característica típica de qualquer conto de fadas). Se analisarmos os quatro personagens do núcleo principal, cada um deles simboliza os defeitos que comumente presenciamos nas relações humanas. 

Começando por Shrek, nosso ogro favorito. De imediato somos apresentados por um ser carismático, que vive bem consigo mesmo, ainda que sua aparência seja considerada grotesca e ameaçadora pelos outros integrantes do reino. Apesar de ser constantemente hostilizado, sendo alvo de pré-julgamentos, nosso anti-herói demonstra resistência, fingindo não se deixar levar pelas críticas negativas daqueles que não o conhecem, quando internamente é visível o quanto estas questões o incomodam. O Burro por sua vez é uma figura que sofre pelo medo da rejeição. Sua carência e busca por aceitação são insaciáveis. 

Ao passo que Fiona lida com questões de insegurança e abandono. Talvez o fato de ter sido trancafiada em uma torre, à espera de seu salvador, fez dela uma pessoa ansiosa e incapaz de ser honesta consigo mesma. Por fim, e menos importante, Lord Farquaad representa todos os vícios e defeitos de um ditador. Autocrata, vaidoso, demagogo, mentiroso e egoísta, Farquaad sonha em se tornar rei somente pelo título máximo de nobreza, que o legitimaria ainda mais suas práticas absolutas de poder. Qualquer semelhança com a realidade não é mera coincidência.

Afinal, podemos tirar proveito da maneira suave como Shrek lida com pressões emocionais, sobretudo com questões relacionadas à aceitação e pertencimento. Apesar de estar distante de uma análise acadêmica ou um manual de conduta escrito por coachs de auto-ajuda, a jornada deste anti-herói nos revela a beleza do convívio em suas mais diversas formas. A convivência é o grande dilema na vida de todos os personagens. Shrek aparentemente vive bem consigo mesmo, mas demonstra obstáculos de relacionamento. Burro e Fiona são incapazes de enfrentar a solidão e Farquaad se torna refém da validação mútua (ainda que forçada) de seus súditos.

Como todo conto de fadas, os protagonistas conseguem viver felizes para sempre, no entanto eles não deixam de apresentar problemas, muito menos se tornam “perfeitos para sempre”. O casal Shrek e Fiona é a prova disso. Ambos se complementam e constroem um vínculo recíproco de confiança, algo que os torna verdadeiros e livres para continuar apresentando falhas, mas sem deixar de lado a perseverança que o amor exige sem precisar cobrar. O trocadilho presente na última frase “e viveram feios para sempre” diz muito sobre o que podemos extrair como aprendizado.

Ele nos questiona qual é o modelo de amor que a indústria cultural tenta nos vender. Vai mais além e nos obriga a refletir se o amor perfeito realmente existe. Não à toa, seu enredo satiriza diversas obras hollywoodianas de sucesso que exploram a temática de uma maneira assustadoramente clichê. Shrek não é nenhum príncipe encantado, branco, sensível e respeitado. Assim como Fiona igualmente não é uma donzela à espera de um robô sem defeitos. Apesar de tudo, eles conseguem construir a própria história de amor verdadeiro passando por cima de todos os julgamentos de seres que igualmente são imperfeitos.

Por essas e outras razões, a paixão de Shrek e Fiona traz à tona ainda mais luz à insegurança de quem teme ser real. Há muito tempo, nós (humanidade) tememos ser transparentes e com isso, produzimos, vendemos e consumimos padrões de beleza, paixões e amor que são mentirosos. Nos moldamos pelo desejo, abrindo mão daquilo que nos torna realmente felizes.

Por isso, Shrek é antes de tudo uma obra revolucionária. 20 anos atrás, ele se tornou o ogro que ousou ter um final feliz e as pessoas não apenas entenderam o seu propósito como também o abraçaram: fazer piadas da vida como também fazer piadas do ideal que as pessoas criam sobre a vida.

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Geovana Arruda

Sabe aquele sonho de todo fã: conhecer seu ídolo, se tornar amigo dele, ficar horas e horas imaginando os momentos que viveriam juntos? O panda mais cativante do cinema fecha a trilogia de filmes sendo a demonstração fiel de um verdadeiro fã. Mesmo após 5 anos, Kung Fu Panda 3 consegue representar tão bem o sentimento que temos quando algo bom acontece, e nos sabotamos pensando “eu? um mero mortal?”.

O terceiro filme da animação ,apresenta nosso querido panda e protagonista Po (Jack Black), mais uma vez na sua essência de eterno aprendiz, tendo que enfrentar não somente um vilão, mas a si mesmo. A batalha da vez é contra Kai (J.K. Simmons), um guerreiro antigo que derrota o Mestre Oogway (Randall Duk Kim) e volta do mundo espiritual para apossar-se de uma espécie de substância vital, o Chi ou Qi, de todos os mestres do kung fu. Mas, não para por ai, Po finalmente conhece seu pai biológico e, guiado por ele, vai em busca da vila dos pandas, a fim de se redescobrir e conquistar seu Chi.

A franquia da DreamWorks, que chegou em 2008 para substituir o tão querido Shrek, foi um sucesso, visto que o último filme do ogro, Shrek para sempre (2010), não é tão bem humorada quanto os outros, Kung Fu Panda conquistou públicos de todas as idades e superou outras animações do estúdio, como Madagascar. O sucesso foi tanto que o filme ganhou 3 curtas, O Segredo dos Cinco Furiosos (2008), Especial de Natal Kung Fu Panda (2010) e Kung Fu Panda: O Segredo dos Mestres (2011), e uma série de televisão para o canal a cabo Nickelodeon: Kung Fu Panda: Lendas do Dragão Guerreiro (2011).

Desde o primeiro filme acompanhamos a evolução de Po, que passou de fã dos 5 Furiosos para parte importante deles, porém, o que torna o personagem tão interessante e engraçado, é justamente a sensação de estar sempre, de certa forma, deslocado em relação aos seus colegas de luta. Gordo, comilão, desajeitado e tagarela não são as características que se esperava de “um escolhido” por providências divinas para salvar a todos no fim do dia, mas Po não somente honrou suas características inigualáveis, como se tornou um herói querido dentro e fora do filme. 

Além de toda a ação presente na arte do kung fu, uma característica da animação nunca é deixada de lado, a relação com o espiritualismo e a cultura milenar chinesa. Guiado pelo Mestre Shifu (Dustin Hoffman), que desde o princípio acreditou em Po, o panda segue em mais uma jornada de aprendizado e autoconhecimento em busca do Chi que, na história chinesa, acredita-se ser um fluxo de energia vital que habita em todos os seres vivos. Já no filme, o mesmo conceito é mantido porém com o bônus de que, para se tornar um mestre completo, Po precisa ter domínio de seu Chi, podendo assim derrotar o vilão.

A produção visual do filme é bem trabalhada, tendo como plano de fundo a China, desde o cenário até a trilha sonora, fazendo jus a grandeza do país e de sua cultura. Os detalhes das roupas, dos personagens e das cores transformam Kung Fu Panda 3 em uma animação imersiva e bonita de se ver, no qual viajamos pelo mundo das artes marciais chinesas, com cenas de ação e combate, mas também entendemos mais sobre o valor e a conexão com os antepassados. Além disso, a mesclagem do esoterismo oriental com questões ocidentais mais uma vez é presente nas referências do personagem principal, que possui objetos colecionáveis de seus grandes ídolos.

Pode-se dizer que neste terceiro momento da saga de Po com as artes marciais, Kung Fu Panda 3 foca menos na luta em si, apesar de haver sequências de ação que a sustentam, mas sim na sua relação consigo e com suas origens. A partir do momento em que ele conhece seu pai biológico Li (Bryan Craston), há um conflito interno na forma como se sentia sendo tão diferente de seu pai adotivo Mr. Ping (James Hong). Também, os conflitos familiares se fortalecem mais ainda com o ciúmes de Mr. Ping quando Po decide conhecer sua verdadeira essência na vila dos pandas, deixando um pouco de lado toda a ameaça que o vilão apresentava para focar nas descobertas pessoais do panda.

Um ponto chave da construção do protagonista, além de sua simpatia, é sua evolução desde o primeiro filme, por mais que ele ainda tenha um pouco da síndrome do impostor, pois não acredita muito em si, o panda evolui em todos os sentidos, na luta e na sua personalidade sem perder a sua essência. A coroação do fim da trilogia acontece justamente pois, em tese, Po alcança o maior título que poderia conquistar na sua jornada, o de Mestre. Ademais, os processos de aprendizagem da animação nos ensinam muito, pois assim como Mestre Shifu soube que deveria ensinar kung fu (no primeiro filme) de forma que Po compreendesse, desta forma o eterno aprendiz o faz ensinando para os seus na vila dos pandas, do seu jeitinho. 

Kung Fu Panda 3 é leve, divertido e reforça mais uma vez que todos somos capazes de fazer algo que temos medo ou insegurança, pois no fim nossos maiores ídolos são tão falhos como nós mesmos. Basta acreditar no progresso e não perder sua essência.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

Seria difícil imaginar, em 2010, o que a franquia aptamente denominada Como Treinar o Seu Dragão se tornaria. Baseado vagamente na série de livros homônima de Cressida Cowell, o primeiro filme conta a história da amizade improvável entre um viking e um dragão, capaz de dar fim a gerações de violência. Mas mais do que isso, o filme contou uma história de amadurecimento pautada em subversões de conceitos de masculinidade e de heroísmo prevalentes na grande maioria de histórias de fantasia, oferecendo uma nova perspectiva para a jornada do herói e dos passos que a acompanham.

Em Como Treinar o Seu Dragão 2, acompanhamos a construção do protagonista como um líder, capaz de tomar responsabilidade para proteger aqueles que ama, se reconectando a uma importante figura feminina que o ensina a lidar com os dois lados de sua personalidade e a aceitá-los de maneiras distintas, culminando em um final que o força a tomar ação e a ter fé no seu dragão.

Agora, no último capítulo da saga, Soluço (Jay Baruchel) precisa confrontar novas questões como novo chefe de Berk, tendo que lidar com um novo tipo de inimigo capaz de acabar com tudo que ele lutou tanto para construir. Mas é no constante desenvolvimento da amizade entre Soluço e Banguela, o seu dragão Fúria da Noite, que Como Treinar o Seu Dragão 3 encontra sua alma e seu coração, entregando um final emocionalmente satisfatório e realizador – mesmo que a jornada até ele seja imperfeita.

Após os eventos do segundo filme, Soluço luta para manter a paz entre humanos e dragões não só em Berk, mas ao longo de todos os lugares pelos quais passam. Suas ações, no entanto, acabam transformando a ilha de Berk em um alvo para aqueles interessados em acabar de vez com a raça dos dragões ou a usarem em prol de seus próprios objetivos. É aí que entra Grimmel (F. Murray Abraham), um caçador de dragões que mais tarde se revela o responsável pela extinção dos Fúrias da Noite – ou assim ele imaginava, até descobrir que o último desses dragões se encontra sob a proteção do chefe de Berk. É aí que Grimmel jura terminar o que começou e ir atrás de Banguela e Soluço, destruindo o que vier pelo caminho.

Em Berk, Soluço precisa lidar com as pressões e expectativas da vida adulta, onde se vê obrigado a tomar decisões tanto pelos humanos quanto pelos dragões, e o crescente sentimento de solidão que sente, mesmo contando com o apoio de Astrid (America Ferrera) e Valka (Cate Blanchett) e do resto da turma que o acompanhou ao longo de sua jornada: Bocão (Craig Fergusson), Eret (Kit Harington), Perna-de-Peixe (Christopher Mintz-Plasse), Melequento (Jonah Hill), Cabeçaquente (Kristen Wiig) e Cabeçadura (Justin Rupple).

Como sempre, o mundo de Como Treinar o Seu Dragão vibra com cor e personalidade em cada canto. Até mesmo as mudanças não vistas de um filme para outro são perceptíveis e impactantes, em um nível de atenção a detalhes que vai desde o design dos dragões, expressivos e marcantes, até a refração da luz após atravessar um meio translúcido. A animação do capítulo final da história é um testamento da evolução da série como um todo, e do talento e dedicação dos animadores da DreamWorks.

Assim como seus antecessores, Como Treinar o Seu Dragão 3 não tenta entregar arcos complexos para todos os personagens do longa, focando apenas em Soluço e naqueles mais próximos dele, mas fornecendo caracterização mais do que suficiente para os outros de modo que seja divertido ver eles interagindo em cena justamente por causa da interpretação selvagem que os atores e atrizes dão.

Grimmel é introduzido quase como uma antítese de Soluço, alguém que cresceu de maneira similar e que teve algumas das mesmas oportunidades, mas que acabou seguindo por um caminho completamente diferente. Ele é metódico, calculista e toma prazer em perseguir ele e Banguela. Fica claro a cada novo embate entre os dois que Grimmel está sempre um passo na frente de Soluço. O embate intelectual entre eles, em que um tenta passar a perna do outro forma algumas das melhores cenas do longa, mesmo que falte uma presença maior do personagem para caracterizá-lo como o melhor (e último) vilão da saga.

O ritmo do filme também sofre ao tentar equilibrar o peso de concluir o arco principal de Banguela e Soluço junto com a ameaça imediata de Grimmel, mas o diretor e roteirista Dean DeBlois (responsável pelos outros dois filmes) faz um bom trabalho orquestrando essas duas medidas para que, ao final da aventura, as duas tenham a mesma conclusão. A trilha sonora, mais uma vez composta por John Powell, articula perfeitamente novos e antigos temas da franquia, usando-os com deliberação e escolhendo muito bem a hora de encaixar as faixas mais poderosas nos momentos finais do longa.

Como Treinar o Seu Dragão 3 encerra a franquia de maneira excepcional, tomando cuidado ao não abocanhar mais do que consegue mastigar e fornecendo um final satisfatório à jornada de Soluço e Banguela que certamente irá ressoar tanto com fãs de longa data da história quanto recém-chegados. O epílogo do filme consiste de uma das sequências mais emocionalmente catárticas dos últimos anos, reunindo todos os temas até ali apresentados e nos dando um último momento com esses personagens que passamos quase 10 anos conhecendo e acompanhando.

O último filme da série não é só uma carta de amor aos fãs, mas uma carta de amor à histórias bem contadas e que não tem medo de acabar, porque sabem que viverão na memória do público para sempre.

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