“Eu sou Groot” – Groot

Júlia Caroline Fonte

A última década foi bem polêmica para a indústria cinematográfica, o boom dos filmes de heróis gerou vários conflitos entre os cinéfilos mais conservadores e os amantes da cultura pop. Os super-heróis foram os responsáveis por lotar as salas de cinema no mundo todo, principalmente devido às grandes mudanças nos Estúdios Marvel. Foi nessa década que heroínas e personagens não convencionais conquistaram seu lugar, como aconteceu com o grupo de deslocados conhecidos como Guardiões da Galáxia, que completa 5 anos de seu segundo filme.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 apresenta uma nova fase da equipe formada pelos ex-criminosos mais perigosos – ou atrapalhados – da galáxia: Peter Quill (Chris Pratt), Gamora (Zoë Saldaña), Drax (Dave Bautista), Rocket (Bradley Cooper) e o então bebê Groot (Vin Diesel). Após derrotar Ronan, salvar Xandar e recuperar a Joia do Poder, o grupo se dedica a proteger a galáxia – e roubá-la também. Porém agora, a narrativa se volta para uma velha incógnita: o pai de Peter Quill.

Em meio a diversos conflitos e desentendimentos dentro dessa nova família formada pelo grupo, eles seguem concluindo diversas missões pelo espaço. Até que por um descuido de Rocket, se envolvem em uma grande confusão com os Soberanos e, durante uma perseguição, se encontram com Ego (Kurt Russell), um homem misterioso que diz ser o pai de Peter. É a partir daqui que o grupo se divide, Rocket e Groot ficam no planeta em que caíram para consertar a nave e manter Nebulosa (Karen Gillan) prisioneira, porém são capturados por Yondu (Michael Rooker) e os saqueadores. Enquanto isso, Peter, Gamora e Drax seguem com Ego para seu planeta, junto de Mantis (Pom Klementieff) uma extraterrestre com poderes empatas que ajudam seu mestre.

O filme traz a identidade única da série, só que agora de forma mais marcante. O que de início parecia ter sido um teste de um novo estilo de história de herói é assumido em seu segundo volume; que investe sem medo ao explorar o visual colorido e marcante, bem como o humor característico dessa narrativa que cativou o público. Tal abordagem tornou-se uma questão controversa para muitos fãs, que alegam que a obra ficou “infantil” devido a maior quantidade e frequência de piadas. No entanto, e assim como no primeiro filme, essa perspectiva cômica ocorreu na medida certa, de forma que fizesse sentido com seus personagens e com a narrativa como um todo.

A explosão de cores ganha destaque nessa obra, tanto em seus cenários quanto na caracterização das personagens. A mistura entre atual, antigo e futurista é muito bem desenvolvida em seu visual, acrescido a uma trilha sonora ideal, algo que já se tornou clássico para os Guardiões da Galáxia. Suas músicas contribuem para a construção do tempo e espaço da narrativa, além do tom proposto por ela, como também estão presentes na realidade dos personagens, com o tão amado walkman do Senhor das Estrelas, responsável por tocar os melhores clássicos das décadas de 70 e 80. 

Mas, com certeza, o destaque de Guardians of the Galaxy Vol. 2 fica para o arco das personagens que, após a apresentação no primeiro volume, são muito mais aprofundadas, e aqueles que antes estavam de passagem ganham destaque: é o caso de Nebulosa e Yondu. Os conflitos encontram seu ápice nessa inusitada família de heróis, e questões delicadas e complexas são trazidas à tona. A começar por Peter Quill, com a vida assombrada pela difícil morte da mãe e pelo fantasma do pai. Forçado a lidar com o repentino aparecimento de uma figura paterna, ele prefere fechar os olhos para sua volta – e os ouvidos para Gamora, cuja desconfiança de Ego prova-se correta – criando assim uma complicada crise em seu relacionamento com ela e os demais membros do grupo.

Simultaneamente, a guerreira mais feroz da galáxia precisa lidar com outro obstáculo intenso: a obsessão da irmã por uma vingança mal direcionada. Cansada de brigar, Gamora tenta de uma vez por todas se resolver com a irmã, que revela pela primeira vez que o pai é o motivo de seu rancor, evidenciando algo que ambas têm em comum. É nesse momento que descobrem um problema maior, e se unem para salvar os amigos, e toda a galáxia dos planos de Ego. Tal necessidade promove um princípio de mudança na relação de Nebulosa com sua irmã adotiva, e consequentemente, com toda equipe. 

Drax por outro lado, não tem um desenvolvimento tão marcante quanto no primeiro filme, que já trouxe muito a respeito da vida do ex-criminoso. Fazendo-se presente mais como um alívio cômico, não deixa de criar um vínculo com Mantis, construindo uma divertida e sincera relação (às vezes sincera até demais). Baby Groot também não ganha um aprofundamento maior nessa narrativa, uma vez que seu momento não traz muito espaço para isso, estando ali para protagonizar os momentos mais fofos e engraçadinhos do filme, o que muda na cena pós-créditos quando entra na assustadora fase adolescente.

A teia de conflitos é cada vez mais emaranhada quando paramos para pensar em Rocket Raccon: perdido em si mesmo, ele tenta a todo custo se provar para outros, principalmente o Senhor das Estrelas, escondendo-se atrás de uma máscara, que logo é descoberta por Yondu, com o qual passa a se identificar. Esse último, antes não muito querido pelos fãs, passa a arrancar lágrimas do público em situações de vulnerabilidade e sentimentalismo, como quando declara sua paternidade para Peter. Porém, nada se compara ao emocionante e colorido funeral que ele recebe após salvar o filho e se tornar um Guardião da Galáxia; uma poética redenção para a personagem.

A confusão sempre é grande quando se trata dos Guardiões da Galáxia, e sempre sobra mais espaço para outras brigas. Irritar os Soberanos não foi das melhores ideias de Rocket, e desde o início da narrativa, eles são inseridos de modo sutil e sem o foco da trama inicial, porém, de forma a não comprometer os outros conflitos da narrativa. Cria-se assim provável gancho para o terceiro e último filme, uma vez que Ayesha (Elizabeth Debicki) introduz a criação de Adam, personagem já conhecido das HQ’s da Marvel; deixando assim o mistério da aparência e papel desse personagem no universo.

Porém, sabemos que o multiverso da Marvel é extremamente extenso, e as histórias dos heróis passaram a se cruzar nos últimos anos, principalmente com os dois últimos filmes da série Vingadores. É neles que os Guardiões passam a fazer parte de algo maior – sofrendo perdas no caminho – e ganham notoriedade entre outros personagens, mesclando sua jornada com Thor e levando a história do grupo através de outros caminhos. Um presente para os fãs ansiosos por vê-los na batalha contra Thanos.

O que pode preocupar seu público é como a história será trilhada no novo volume da série. Essa mistura com outras narrativas e o suposto envolvimento dos Soberanos e Adam Warlock na continuação faz questionar quais rumos serão tomados no cinema, bem como a forma como os personagens lidarão com a ausência de Gamora, a transformação de Nebulosa após a perda da irmã e do pai, a influência da passagem de Thor e a nova fase de Groot. Guardiões da Galáxia Vol. 3 está previsto para chegar nos cinemas em 2023, mas já está gerando muitas especulações e ansiedade entre os fãs, bem como um clima de despedida.

Porém, a futura sequência passou por uma situação polêmica envolvendo seu diretor e roteirista, James Gunn. Tweets antigos contendo conteúdos ofensivos, foram revividos, incluindo piadas relacionadas principalmente à estupro e pedofilia. Resultando assim na demissão de Gunn da produção do terceiro filme, o qual já estava escrevendo. Contudo, tanto os atores do longa quanto a imprensa se posicionaram fortemente em defesa do diretor, resultando em sua recontratação um dia após entrar para a equipe de Esquadrão Suicida, dos estúdios da DC.

Guardiões da Galáxia Vol. 2 consegue ser uma sequência perfeita para uma série do gênero, deixando uma grande marca no Cinema na última década, de modo que evidenciou uma mudança bem-sucedida da imagem que tínhamos dos super-heróis, e mostrando que esse universo tem espaço para todo tipo de personagem – que podem espelhar muito de nós mesmos. O filme conseguiu fascinar seu público e trabalhar bem com toda a complexidade trazida por cada membro da equipe de ex-criminosos, assim como sua desafiadora jornada, que pode ser mais difícil e dolorosa do que qualquer batalha espacial. 

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Ernesto Rangel

A mais nova adaptação da obra-prima Duna, escrita por Frank Herbert, chegou aos cinemas com uma grande responsabilidade em suas mãos: agradar aos fãs do livro, de 1965; corrigir os erros da primeira adaptação cinematográfica, de 1984; e ainda conquistar um novo público que nunca ouviu falar da saga em 2021, apesar de sua contribuição massiva para a ficção científica. Uma avaliação do filme deve se estender por esses três aspectos, nos quais o longa se apresenta: como adaptação de uma obra literária renomada; como remake de um filme falho; e como uma nova produção, lutando por espaço na cultura atual. É necessário ainda dedicar algumas passagens às qualidades necessárias para todo bom longa-metragem.

Quando se trata de transportar para a telona a trama de livros renomados, os desafios são muitos. Primeiramente existem os fãs que, em suas leituras, idealizam os cenários e as personagens dentro de suas perspectivas pessoais, fazendo com que seja quase impossível agradar a mais do que uma pequena quantidade deles simultaneamente. Existe ainda a questão da arte: o diretor, como artista, deve priorizar a fidelidade com a obra original ou a sua originalidade própria? Além disso, não podemos esquecer da tecnologia da época, que pode ser insuficiente (e era, na primeira adaptação oficial para as telonas) para apresentar a realidade retratada em um livro (veículo que se limita apenas pela imaginação).

Até mesmo títulos que conseguiram se tornar referência no quesito, como O Senhor dos Anéis, de Tolkien, ainda apresentam derivados (O Hobbit) que deixam a desejar. Além disso, existem uma gama de exemplos desastrosos disponíveis para a apreciação de todos aqueles dispostos, como as aventuras na telona de Percy Jackson, de Rick Riordan, ou ainda a tragédia em vinte e quatro quadros que foi a saga de A Torre Negra, de Stephen King, nas telas de cinema.

Os fãs podem respirar aliviados, pois por ser ele mesmo um deles, Denis Villeneuve foi extremamente fiel à obra original. É discutível se a materialização feita por ele foi aquela que agrada ao maior número de espectadores. As bilheterias foram soberbas (mesmo com o lançamento simultâneo nos cinemas e nos serviços de streaming do HBO Max, que canibaliza os números angariados) e, juntamente com o feedback que podemos encontrar nas redes sociais, é possível inferir que Duna atingiu uma grande aceitação entre o grande público, inclusive os fãs.

Para essa adaptação em específico o diretor, com certeza, precisou evitar produzir um filme que parecesse uma cópia dos títulos de Guerra nas Estrelas, que hoje são referência no gênero da ficção científica. Duna, de fato, compartilha a temática com essas produções, porém, é ancestral delas. George Lucas é um fiel discípulo de Frank Herbert e se inspirou profundamente no livro de Duna para a criação de seus longas, e podemos citar muitos paralelos entre as obras, como: Arrakis, o planeta que dá o nome a Duna e Tatooine, o planeta natal de Anakin, são ambos desérticos; Paul Atreides e Luke Skywalker, são superficialmente ambos os escolhidos; O Imperium, de Duna, e o Império Galáctico, de Star Wars; entre muitos outros. Por sorte, ou mérito do diretor, Duna escapa de parecer uma cópia, mas as comparações serão inevitáveis.

A trama gira em torno do, já mencionado, Paul Atreides. Herdeiro de sua casa, ele acompanha a mudança da sede de seu reino (original do planeta Caladan, um paraíso tropical) para Arrakis, um planeta onde a água é tão escassa que seus habitantes desenvolveram costumes associados à mais otimizada preservação de água. A falta da substância essencial à vida humana é compensada pela abundância em mélange, também conhecido como “especiaria” (spice), uma substância psicoativa, coletada exclusivamente na superfície do planeta deserto, e que serve como combustível das diferentes organizações que controlam e exercem sua atividade através do universo. 

A breve descrição do enredo acima deixa de fora uma série de elementos cruciais ao universo de Duna, como os gigantes Vermes de Areia, as Bene Gesserit, a Guilda Espacial, os Harkonnen, os Sardaukar, entre muitos outros. A primeira adaptação, dirigida por David Lynch nos anos 80, assumiu a responsabilidade de adaptar todo o primeiro livro em um só filme, o que foi desastroso: um roteiro confuso e mal estruturado (sendo justo, cortes na duração e no orçamento foram os culpados por esse resultado), o que reforçou o senso de que a obra de Herbert estava além da possibilidade para adaptação. 

No novo filme, pela felicidade dos fãs, os roteiristas Jon Spaihts, Denis Villeneuve e Eric Roth não cometeram o mesmo erro e adaptaram para as telonas apenas por volta da metade inicial do primeiro livro. Frank Herbert escreveu e publicou duas trilogias e um conto sobre o universo de Duna, o que já é muito, mesmo não considerando os outros nove livros e quatro contos escritos por seu filho após a morte do pai em 1986. Essa decisão foi acertada e permite um desenvolvimento mais cuidadoso da trama. Mesmo assim, uma crítica muito comum a essa nova produção é como ela deixa o espectador sem entender muito bem o que está acontecendo. Isso é natural e esperado, pois (e aqueles que leram o livro sabem) até mesmo a obra escrita apresenta essa barreira de entrada.

Oscar Isaac como Duque Leto Atreides é uma das melhores atuações de todo o longa. A postura que o ator evoca ao vestir a pele do duque mais respeitado do Landsraad (o corpo formado pelas grandes casas) deixa os que assistem arrepiados em diversos momentos do filme. Rebecca Ferguson e Timothée Chalamet também merecem seu destaque. Através da tremenda atuação de Ferguson temos a sensação de ver Lady Jéssica se personificar das páginas do livro para a tela. Coroando essa demonstração das belas artes, temos Chalamet no papel de Paul, uma das escolhas mais acertadas do elenco. O próprio diretor não poupa elogios em entrevistas para a atuação do ator protagonista.

Na direção a semelhança é ainda maior, ambos os filmes são contemplativos, o que pode ser um ponto negativo para aqueles que vão ao cinema esperando por mais uma dose de ação, como foi normalizado pela popularização dos filmes de super-herói. O foco de Duna não são as cenas de ação (apesar de conter algumas de altíssima qualidade), mas sim a apresentação do extenso universo e dos acontecimentos que se passam com Paul Atreides, que levantam questões extremamente relevantes, como religião e ecologia.

Com o auxílio do cinematógrafo Greig Fraser (responsável pela fotografia de títulos semelhantes, como Star Wars: Rogue One, e alguns episódios da série The Mandalorian), o diretor optou pelas cenas que não economizam na hora de impressionar. Com lindos visuais e a medida certa de cenas com enquadramentos afastados que dão ao espectador a noção da grandeza dos elementos de Duna, o diretor nos fascina: as massivas naves utilizadas em viagens interestelares e os gigantes vermes de areia que aterrorizam o deserto são visões para nos deixar de boca aberta.

A obra ainda é coroada pela trilha sonora de Hans Zimmer, que já emplacou uma série de grandes obras musicais em ótimos filmes, como Interstellar, Gladiador, e muitos outros. O músico, desta vez, nos presenteia novamente com suas trilhas que destacam e ampliam muito bem o sentimento evocado pelas cenas, com músicas sutis e intensas, sempre quando necessário. Além disso, as sinfonias servem muito bem à temática, visto que tiram, assim como a obra original (e o filme por consequência), inspiração das culturas do Oriente Médio.

Por esses e outros motivos Duna de 2021 merece ser assistido múltiplas vezes. Um filme sensacional para quem é fã do livro ou até mesmo do diretor. Uma produção refrescante para quem se decepcionou com o primeiro filme, e ainda uma ótima maneira para se gastar algumas horas, se o espectador quiser apenas o entretenimento de um filme casual. Resta agora ficar na espera da segunda parte, programada para iniciar sua produção em 2022 e chegar às telonas em outubro de 2023, e nos certificarmos se toda a nova franquia vai ter o mérito da boa adaptação ou vai acompanhar, ao hall dos infames, os desastres de franquias como Divergente e Os Instrumentos Mortais.

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Vitória Lopes Gomez

Talvez seja muito cedo para dizer que o ano é dele, mas o fato é: Zack Snyder virou um fenômeno. Em seus 15 anos dedicados à DC, o diretor, roteirista e produtor tem seu nome creditado em obras memoráveis, como Watchmen, Homem de Aço, Esquadrão Suicida, Batman vs. Superman, Aquaman… A lista é longa e ficou difícil não associá-lo às adaptações de quadrinhos. Ainda, com os pedidos de fãs pela sua versão de Liga da Justiça e a chegada do tão esperado Snyder Cut, o multitarefa consagrou sua visão na DC, que ele tanto lutara para construir e estabelecer, e sua influência no gênero. Em seu segundo lançamento em dois meses, Snyder deixa os heróis de lado e retorna às suas origens com Army of the Dead: Invasão em Las Vegas.

Na história, original do cineasta e roteirizada por ele, ao lado de Shay Hatten e Joby Harold, após um zumbi escapar e infectar pessoas em Las Vegas, a cidade é isolada e vira uma zona de quarentena. Quando o governo dos Estados Unidos decide bombardear a região e eliminar os mortos-vivos presos lá, um grupo de mercenários aceita cruzar os limites da cidade e entrar na zona zumbi para recuperarem – ou melhor, assaltarem – uma fortuna milionária trancafiada em um cassino.

Logo na introdução, Snyder estabelece o tom do filme. Após o comboio que transporta um experimento da Área 51 ser atingido e um zumbi escapar, o inevitável acontece e o monstrengo transforma cidadãos a torto e a direito. Felizmente, a resposta rápida do exército isola a horda de mortos-vivos e impede que a narrativa siga pelo caminho batido das causas do desastre ou da sobrevivência no apocalipse. Rápido e sem ladainhas, em menos de 15 minutos, recheados de ação, cores, câmeras lentas e duas versões de Viva Las Vegas, somos inseridos no contexto e na atmosfera frenética, divertida e orgulhosamente ridícula de Army of the Dead.

Acentuando o absurdo que começou com o acidente em primeiro lugar, após tudo voltar ao novo normal, a vida pacata do ex-soldado e agora cozinheiro Scott Ward (Dave Bautista) é interrompida quando o mercenário Tanaka entra em sua lanchonete e oferece 200 milhões para que ele, e quem mais ele escolher, entrem na zona de quarentena. A missão da equipe é recuperar a fortuna guardada no cofre de um cassino abandonado antes que a bomba nuclear atinja Las Vegas e destrua o local. Já que ele não estava fazendo nada, Ward aceita.

Scott, então, passa a recrutar os membros da sua futura equipe. Os escolhidos são figurões que se encaixam bem em grupo, ora divertidos, ora caricatos demais, mas de quem pouco sabemos. Diferente de Madrugada dos Mortos, longa de estreia de Zack Snyder e que também trabalha o subgênero zumbi, Army of the Dead não se preocupa em desenvolver seus personagens ou as relações entre eles. Mercenários, aparentemente só interessados no dinheiro, não soam convincentes em toparem a missão suicida e o roteiro começa a pecar já aí.

A narrativa chega a tentar se aprofundar em alguns dos membros da equipe, mas não faz o suficiente para despertar empatia – ou sequer interesse. A relação conturbada de Ward e sua filha (Ella Purnell), que insiste em acompanhar na missão por seus próprios motivos, ganha um destaque especial, mas é previsível e, assim como a amizade de longa data do protagonista com Maria (Ana de la Reguera) e Vanderhoe (Omar Hardwick) e a palhinha de romance, são superficiais demais para nos fazer ligar para eles.

No decorrer do filme, fica claro que o foco é o assalto. Com o rumo que segue, o Oito Homens e Um Segredo zumbi de Snyder consegue se fazer diferente de outros filmes dos subgêneros que trabalha, inclusive do seu próprio Madrugada dos Mortos, e, logicamente, a ação é o ponto alto. Se por um lado os diálogos são toscos e a tentativa de comédia, de dar vergonha alheia, as sequências de ação são eufóricas e tensas e redimem o longa onde ele mais se destaca.

Mesmo com diálogos expositivos demais, que ficam por conta da intrigante Lilly (Nora Arnezeder), acostumada a entrar na zona de quarentena e consultora do grupo no assunto zumbi, entendemos que a ameaça é maior do que monstros lerdos e doidos por cérebro. Eles são espertos, rápidos e organizados. Liderados pelo primeiro infectado, Zeus (Richard Cetrone), que não mais mata às cegas, mas aumenta sua horda de seguidores aos poucos, os desmortos aceitam até sacrifícios (humanos, óbvio) em troca do ingresso de entrada em seu território.

Inexplicavelmente (ainda bem), os mortos-vivos conseguem até procriar entre si. Se na estreia de Snyder uma das personagens, que já estava grávida antes de ser infectada, dá a luz a um zumbizinho, em Army of the Dead eles podem se reproduzir depois de transformados. Ainda, um tigre-zumbi, um deleite de efeitos especiais, ronda a zona de quarentena e mostra que animais também podem voltar à vida. Um novo leque de possibilidades é aberto com essas divertidas bizarrices, como quanto a uma hierarquia ou formas de organização em sociedade, mas a narrativa não se estende mais do que necessário e ainda não explora os zumbis em si. 

De mãos dadas com a ação e não se limitando ao espetacular mascote zumbi, os efeitos especiais também não falham. Sequências de lutas e tiros, acrobacias, golpes sangrentos e mortes marcantes, que não temem em recorrer aos esguichos de sangue e cair no trash dos filmes de terror, são garantidos com a computação gráfica da produção. Não só intensificando as cenas e toda a agitação da obra, o trabalho dos artistas visuais também foi responsável por uma das personagens mais importantes da história, a piloto de helicóptero Marianne.

A personagem vivida pela comediante Tig Notaro foi uma adaptação do papel anteriormente interpretado por Chris D´Elia, que, após acusações e investigações por assédio sexual e pedofilia, foi demitido da produção. Não é a primeira vez que escândalos e as decisões cabíveis, ainda que não duradouras, acontecem em Hollywood (apesar de serem a minoria dos casos): acusado e tendo admitido casos de pedofilia, assédio e agressão sexual, o ator Kevin Spacey foi substituído de última hora por Christopher Plummer em Todo o Dinheiro do Mundo, que o rendeu uma indicação ao Oscar de 2018 como Melhor Ator Coadjuvante. Também tendo entrado para o elenco após o final das gravações, Notaro atuou sozinha em frente a telas verdes e foi inserida no filme através do CGI, imperceptível para os desavisados e mais um dos feitos da equipe de efeitos especiais.

Em conjunto com o ritmo em que a narrativa é conduzida, que toma tempo demais, mas não chega a enjoar, o visual de Army of the Dead intensifica a atmosfera despretensiosa e divertida do longa. A ambientação também distrai de alguns diálogos intragáveis e furos na narrativa, e torna a experiência completa envolvente justamente pela mistureba que faz, ora com o uso de elementos realísticos e câmeras desfocadas, ora com o digital abusando das cores e do lúdico. Afinal, entrar em uma zona de quarentena para invadir um cassino e roubar milhões de um cofre impenetrável é um verdadeiro cenário de jogo.

Com interações e personagens descartáveis, como a própria trama não hesita em provar, mas com sequências de ação dignas do gênero e uma premissa despretensiosamente bem executada, Army of the Dead: Invasão em Las Vegas é divertido justamente por reconhecer e abraçar seus absurdos. E, às vezes, um filme só precisa ser divertido e nada mais do que isso.

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