Vitor Evangelista

RuPaul, por favor, está demais! Sem folga, a máquina Drag Race mastigou e nos entregou mais uma edição de sua infinita coleção de franquias. Dessa vez, é hora de analisar a segunda temporada de Drag Race Holland, uma das primas europeias do show. Setembro de 2021, mês de encerramento desse ciclo, foi histórico para a comunidade trans, que assistiu a duas mulheres serem coroadas como as Próximas Super Estrelas Drags. Kylie bradou vitória na América, enquanto a Holanda foi o lugar do triunfo de Vanessa Van Cartier.

Mãe drag de Envy Peru, a vencedora do ano passado, Vanessa se tornou a terceira mulher trans vencedora de Drag Race, a primeira belga e a primeira mulher a ganhar na Europa. Um amor de pessoa, centrada, boa nos desafios e com visuais impecáveis na passarela, Cartier fez por merecer seu local no hall das grandiosas, por mais que a temporada que a colocou lá sofreu um bocado com sabotagens, roubalheiras e julgamentos nada fundamentados. 

Uma das primeiras mulheres trans a competir no antigo continente, Vanessa abriu o coração durante os oito extensos e intensos capítulos, ocasionalmente tomando os holofotes, por sua história de vida e sua posição quanto ao ódio que recebeu ao longo da transição, e o período das cirurgias. Protagonista nata de Drag Race Holland, no episódio do Makeover (quando as meninas moldam alguém à sua imagem), Vanessa recebeu o parceiro como tela em branco e protagonizou uma das histórias de amor mais lindas captadas pelas câmeras da franquia de RuPaul.

Quem acabou com a medalha de prata foi a sempre polida My Little Puny. Competente e completa, o que acabou lhe tirando o Cetro e o cheque foi a falta de uma narrativa forte dentro da Corrida, o que, nos últimos anos, se mostrou um fator importantíssimo para a finalização do ciclo de Drag Race. O pico de Puny aconteceu na passarela em que homenageou o pai, um famoso cartunista holandês que faleceu por complicações do alcoolismo. Eternizada por uma interpretação carregada de paixão e dor da drag queen, a mensagem de cura e carinho do reality show foi perpassada através da figura paterna da competidora.

O que Puny tinha de merecedora da Final, a terceira integrante do pódio tinha de ladra. A jovem Vivaldi, embora trouxesse um ar de frescor para a arte drag, se mostrou indisciplinada e delinquente ao esconder um celular nas malas e usá-lo ao longo da competição, algo expressamente proibido pelas regras do programa. Quando confrontada pela futura vencedora Vanessa, Vivaldi perdeu o chão e borrou as calças, com medo da represália.

Essa que não veio de modo algum, já que o apresentador Fred Van Leer deu bronca nela no palco, mas, mesmo assim, não lhe disse Sashay Away, mantendo a trambiqueira no páreo. Sem o pulso firme de RuPaul (que anos atrás mandou Willam, uma das candidatas à Coroa, embora depois de burlar as regras), Fred e Drag Race Holland mostraram na prática que estão longe da seriedade de Mama Ru. O que é uma pena, considerando que esse ano na Holanda demonstrou mais controle e noção de como sua Corrida das Loucas deve se moldar.

Menos caótico que o ano inicial, 2021 escalou um elenco muito mais talentoso e carismático que antes, com tanto talento que a favorita ao prêmio teve de ser eliminada antes da Final, tudo para que o caminho de Cartier fosse fácil e brilhante com a trajetória de Dorothy pelas ruas de Oz. Keta Minaj, a vencedora moral de Drag Race Holland, viu seu favoritismo na forma de 3 insígnias ir pela descarga ao ser mandada embora em detrimento da permanência de Vivaldi que, reiterando, havia quebrado as regras de isolamento do programa na semana anterior. 

Eliminada também contra Vivaldi, a Miss Simpatia Tabitha começou a temporada mandando sinais confusos. De primeira, a veterana se mostrou contra a participação de uma mulher trans na Corrida, repetindo o mesmo tipo de comentário que a própria RuPaul destilava um par de anos atrás. Porém, a ilha de edição do show parece ter apagado qualquer traço de preconceito nas filmagens do confessionário da drag, que embora fosse um tanto amarga com o elenco, encontrou o meio-termo entre o elogio e a crítica ácida.

Sua trajetória pode não ter sido a mais polida e consistente no quesito visuais, mas a diversidade artística do elenco da temporada dois fez bonito e não deixou faltar nenhum “arquétipo drag”. Nas passarelas, The Countess inspirava e surpreendia toda semana. Sua falta de habilidade na atuação e na comédia, todavia, acabou naufragando uma jornada mediana. Também empregada de Fred em 2020, a loira foi poupada em uma Dublagem nada inspirada contra Ivy-Elise Monroe, em mais uma das roubadas do apresentador.

Salvando The Countess pelo histórico na competição, Fred mostrou ser mestre em usar dois pesos e duas medidas. Quando uma Keta Minaj, com 3 insígnias pesando no peito, foi eliminada perante uma desrespeitosa e cheia de críticas negativas Vivaldi, o track record não foi fator determinante. Mas, quando a favorecida era uma colega sua, uma drag branca e magra, e a eliminada era uma das únicas competidoras asiáticas da franquia, a resposta foi mandar embora a segunda, dando desculpas esfarrapadas.

Ivy-Elise é da família de Miss Abby OMG, competidora de 2020 e a primeira brasileira participante de Drag Race. Assim como sua parente, Ivy desapontou na performance e, o que Abby tinha de confiança, a irmã esbanjava em medo e temor. Afinal, boas Dublagens não salvam alguém que falha consecutivamente em todas as demais tarefas que o programa repassa. 

A falha também manchou a segurança de Love Masisi, filha drag de Vivacious e primeira haitiana a competir em Drag Race, eliminando-a após uma performance nada cômica de Grace Jones no Snatch Game. Para piorar, na hora de provar que sabia todas as palavras e se livrar da eliminação, Masisi insistiu em manter uma máscara que cobria o rosto, quase impossibilitando os jurados de avaliarem sua sincronia labial. Sem um momento à la Valentina, Fred anunciou, sem surpresas, que Love Masisi partiria da competição.

A jovem Reggy B parecia ter fogo em suas performances energéticas, mas, diferente de The Countess e Vivaldi, a juventude e o estranhamento do ambiente competitivo acabaram eliminando-a logo na segunda semana. O posto de primeira exilada da ilha ficou com Juicy Kutoure, presa na armadilha de um Show de Talentos ruim. A mudança na habitual passarela de apresentação cultural (normalmente um look inspirado em sua cidade natal) deu um choque nas competidoras, forçadas a saírem da zona de conforto logo na estreia.

Como um todo, a segunda temporada de Drag Race Holland soube remendar os erros crassos de 2020. Ciente de seu papel dentro da franquia, o filhote de Fred Van Leer agora empolga pelos motivos certos (visuais de cair o queixo e humor pontual), por mais que a imparcialidade dos jurados acabe tostando a paciência de quem assiste mais uma das zilhões de séries que carregam o legado de RuPaul Charles. 

Entre um elenco que misturou a moçada com as experientes, sai coroada Van Cartier, alguém que, sem dúvidas, tem todas as ferramentas para usar essa plataforma para melhorar e muito o mundo artístico e também o social. Na Dublagem pela Coroa, ao som de This Is My Life de Shirley Bassey, a vida se curvou à poesia do amor. Vestida como uma guerreira Amazona, Vanessa celebrou a mulher que é, libertando-se de todas as violências impostas à ela e, no processo, sendo festejada, exaltada e eternizada.

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Vitor Evangelista

De cara, não tem como mentir: escrever sobre RuPaul’s Drag Race é uma tarefa e tanto. Afinal, são horas e horas de episódios extensos, sem contar o Untucked e seus bastidores, os programas de recapitulação (oficiais e não-oficiais) e, é claro, a internet. As drag queens presentes nas temporadas são pessoas de verdade, tem dramas, conquistas e presença forte no mundo real, sempre expandindo a narrativa do programa para além dos televisores. 2021 se empanturrou da Corrida das Loucas e, depois de viajar da Espanha à Oceania, Mama Ru olha para as segundas chances dentro da América, no sensacional All Stars 6.

Desde a reformulação do formato em 2016 e da exibição da segunda edição do spin-off estadunidense, a ideia da redenção das rainhas perdedoras não se saia tão bem. A receita de 2021 foi escalar um elenco mediano (em termos de histórico na Corrida original), maior que o habitual (13 queens, ao invés das costumeiras 10), sem qualquer grande favorita dos fãs (Gottmik e Gigi Goode, estamos esperando por vocês) e preencher os episódios com espontaneidade e imprevisibilidade.

O resultado foi o melhor All Stars desde a saga de Alaska. A coroação de Kylie Sonique Love, uma drag originalmente da 2ª temporada, apenas atesta o verdadeiro efeito benéfico da competição paralela e seu poder imensurável de redenção, conquista e entrega. Ao vencer a Coroa, o Cetro e os cem mil dólares, Kylie se tornou a segunda mulher trans vitoriosa de Drag Race, e a primeira a ser coroada pela própria RuPaul. Um feito e tanto para quem, anos atrás, debochava de pessoas trans e declarou que nunca autorizaria a entrada delas na competição.

Mas se engana quem pensa que Mama Ru realmente mudou seu pensamento arcaico e preconceituoso. Ela só aprendeu a domá-lo. No ano em que Drag Race abriu ainda mais as portas ao mundo, fazendo ponte aérea da América do Norte à Oceania, RuPaul Charles entendeu que pessoas queer, sempre presentes na cena drag do mundo real, deveriam enfim ser bem-vindas à cena drag de seu reality show. 

Por isso, grandes nomes de 2021, como Gottmik, Inti, Vanessa Van Cartier, Bimini Bon-Boulash e a própria Kylie Sonique se tornaram grandes estrelas na competição e na mídia. Já era hora de pessoas trans ou não-binárias receberem seus holofotes de direito. A vencedora pode não ter tido a Corrida mais impecável em termos de vitórias, mas o triunfo de Kylie mostra a visão cada vez mais clara que o All Stars diz muito mais respeito ao passado (ou a um acerto de contas), do que uma condecoração atual. Se fossemos julgar a trajetória de agora, Ra’Jah O’Hara estaria cem mil dólares mais rica, sem dúvida alguma. 

Ano passado, o All Stars 5 introduziu novos conceitos na produção, mas a escalação de um elenco mela-cueca acabou com qualquer chance de êxito. Dessa vez, a equipe de produção cavou bem na mitologia de Drag Race e trouxe de volta 13 rainhas de renome (ou quase). Kylie Sonique Love foi eliminada no quarto episódio de uma temporada exibida em 2009. Lá, ela se revelou uma mulher trans no Reunited e, desde então, mudou de nome e construiu sua carreira como um ícone na comunidade e alguém que abraçou o holofote da competição, colhendo frutos que foram além de sua péssima performance no Snatch Game original e seu ótimo Lip Sync de Two of Hearts.

A única vitória dela no AS6 aconteceu no episódio seis (quebrando a tradição da vencedora sempre ser Top nos cinco primeiros desafios), num momento inédito em quase quinze anos de programa. No desafio de atuação que parodiava as obras de Ryan Murphy (RuMerican Horror Story: Coven Girls!), Kylie ficou com o papel da Suprema Jessica Lange e, presa em sua própria cabeça, foi ajudada por Michelle Visage. 

A jurada se levantou da cadeira de direção e mostrou na prática o que Sonique deveria fazer e como fazê-lo. É claro que sua trajetória foi além da mãozinha que recebeu de Visage no único episódio em que ganhou, fato é que Kylie já chegou no All Stars 6 com pinta de vencedora. Ao entrar no Ateliê, vestida de vermelho látex e com a peruca loira característica, ela ousou: “Ooh garota… Chegou uma mulher!” (Ooh girl, you got female). 

A frase foi uma alusão direta ao chamado das queens no começo da série original, recepcionadas por um “Girl, you got she-mail”, antes de Ru passar a tarefa do dia. She-mail, em inglês um trocadilho para o e-mail (correio eletrônico), também usava a sonoridade para fazer graça do termo shemale, que é pejorativo às pessoas trans. Ao retornar para a competição exorcizando esse demônio, Sonique virou a página de um passado transfóbico de RuPaul. À partir da sétima temporada, o “She-mail” foi substituído, depois de várias pessoas trans repudiarem o termo usado no programa de TV. 

Quando o assunto é uma boa segunda impressão, Ra’Jah O’Hara deve estar presente na conversa. A drag queen, originalmente parte do elenco da 11ª temporada, passou de vilã para favorita dos fãs. Seu histórico passado era de uma pessoa raivosa, cheia de opiniões e nem um pouco solícita a ouvir aqueles em seu redor. A volta por cima veio, com ela vencendo 2 desafios, entregando visuais de cair o queixo e assumindo o posto de narradora da season.

O carisma de Ra’Jah alavancou sua persona, que tinha tudo para vencer a Coroa se não fosse o imediatismo (e o atraso) da franquia em colocar uma mulher trans no panteão das drags vitoriosas. Porém, como os anos de Drag Race provaram à exaustão, não é preciso um Cetro no braço para que alguém colha os louros de uma passagem magnânima pela TV (ou nesse caso, streaming, já que o All Stars 6 foi exibido pelo novíssimo Paramount+).

A redenção de Ra’Jah é a maior na história do programa, que tem o histórico de continuar odiando suas vilãs (como Jaremi e Gia Gunn), ou relegá-las ao ostracismo de uma corrida ruim (Roxxxy Andrews). A doce competidora que adotou o roxo como sua cor de assinatura confeccionou todas as roupas que levou, foi o maior destaque do Show de Variedades no número do vestido feito em 1 minuto e venceu 2 desafios de costura (com os visuais excelentes do Baile Azul e a fantasia burlesca do Drag Tots). 

Além de seguir à risca os conselhos de Ru, em principal no Snatch Game na pele de LaToya Jackson e no Pink Table Talk, Ra’Jah abriu o coração e falou sobre temas sensíveis envolvendo a infância e a relação com a mãe. Ela é a figura mais brilhante do All Stars 6 simplesmente por cumprir a tabela do que uma temporada de Grandes Estrelas significa. Chegando com fama de maldita, surpreendeu episódio atrás de episódio, mostrando que momentos ruins não nos definem.

Quem experienciou um diferente tipo de redenção foi Ginger Minj. Retornando para sua terceira tentativa de vencer o prêmio, a Sapa Fashion se tornou a primeira drag queen a participar de duas temporadas diferentes do All Stars já nesse formato definitivo de eliminações por batons. Depois de quase ser coroada no lugar de Violet Chachki, Minj competiu no AS2, onde saiu pela porta dos fundos. Nessa volta triunfal ao Ateliê, ela revelou que, em 2016, não estava pronta para competir novamente, e se sentiu obrigada a fazê-lo. Agora, cinco anos mais tarde, ela brilhou.

Vencendo o Snatch Game imitando Phyllis Diller e o Desafio de Leitura, Minj ainda impressionou com o Lip Sync de Phone, da Lizzo, e acabou enriquecendo muito depois de vencer as Batalhas de Dublagem. Pelas 2 que ganhou, faturou 50 mil dólares, metade do valor do prêmio da temporada. Porém, na 3ª tentativa de ganhar a Coroa, Ginger Minj não se mostrou muito diferente do que foi no passado: uma drag engraçadíssima, com olhar certeiro para o humor e um gosto engessado na Moda. No All Stars 6, ela vestiu roupas elegantes e inesperadas, mas nada que justificasse sua vitória. Depois de Shangela, Manila, Latrice e Jujubee, Ginger provou que a terceira vez não dá certo para ninguém.

A derrota em dose tripla também foi sentida por Eureka! Com ponto de exclamação e tudo, a drag tirou o O’Hara do nome, mas continuou sendo a Rainha Elefante de sempre. Espalhafatosa, falastrona e extremamente amável e carismática, a agora estrela da HBO tentou a todo custo impressionar RuPaul e os jurados, mas a falta de vitórias acabou manchando qualquer chance de sentir o peso da Coroa na cabeça. Sua surpreendente eliminação na semifinal foi um dos momentos de maior tensão da temporada, mas o escape do “joguinho” trouxe alívio para alguns, e frustração para tantos outros.

Anunciada logo no trailer do All Stars, a nova dinâmica da competição aparecia em todo final de capítulo, com a drag eliminada da semana sendo tentada com a possibilidade de retornar à competição. Acontece que, nove semanas à dentro, “o jogo dentro do jogo” demorou tempo demais para tomar parte na narrativa. Baseado em nada mais, nada menos, na famosa Ruvenge (quando uma queen retorna à competição e outra sai), o game within a game se mostrou uma injustiça descabida. Por muitos fatores.

O Rudemption Lip-Sync Smackdown, como foi carinhosamente batizado, aconteceu no décimo episódio, e constituía-se de uma Batalha, ao melhor estilo Mortal Kombat. Ao contrário dos Fatalities do jogo original, em Drag Race as competidoras eliminadas iam se enfrentando, duas de cada vez, pelo prêmio de voltar à Corrida. As dublagens, diferente do que rolou no LaLaRaRuZa do All Stars 4, aconteceram durante a temporada, às escondidas. Então, semana seguida de semana, depois que o episódio normal “acabava”, rolava um Lip Sync.

E no All Stars 6, Lip Sync é sinônimo de Silky Nutmeg Ganache. A drag da season 11 passou por muito apuro desde sua temporada original, ganhando fama de mal educada, nada trabalhadora e difícil de conviver. Na volta ao Ateliê, a Doctor Reverend se mostrava acuada, quietinha e nada parecida com a personalidade falastrona que colocou Miley Cyrus nas costas brincando de cavalinho segundos depois de reconhecer o disfarce da cantora.

Refém de como o público a receberia dessa vez, Ganache foi eliminada logo na terceira semana, em um dos momentos mais chocantes da temporada. Não que sua performance até então tivesse sido digna de permanecer na competição, mas a saída prematura de um ícone (por bem ou mal) de Drag Race como Silky mostrou que o All Stars 6 não estava para brincadeira. E seu retorno na Batalha de Lip Syncs criou um universo inédito na franquia até então.

Claro que o formato, por si só, já era novíssimo, mas a trajetória de Silky no episódio foi o bastante para quebrar a internet. Adversária atrás de adversária, ela ia derrotando todo mundo. Silky mandou Jiggly, Yara, A’keria, Scarlet, Jan e Pandora para casa, totalizando seis Dublagens vencidas na sequência. O número de Barbie Girl, onde batalhou sozinha visto a desistência de Davenport, se concretiza como um dos mais memoráveis da mitologia de RuPaul. 

De forma geral, o capítulo do Rudemption Lip-Sync Smackdown foi um balde de entusiasmo na temporada (e em Drag Race como um todo), além de ser o episódio mais legal em anos da repetitiva franquia de RuPaul Charles. Quem diria que Silky Nutmeg Ganache, que recebeu um “Meh” da apresentadora depois de desapontar ao som de No Scrubs, se tornaria uma lenda das dublagens em 2021? Quando sua maré de sorte acabou, um gosto agridoce ficou na boca, mas Silky dificilmente continuaria até a Final como Eureka! o fez, fechando sua jornada de retorno à Corrida em uma nota alta e de louvor, mesmo com a derrota ao som de Since U Been Gone. 

Depois do retorno nada surpreendente de Eureka! à competição, quem caiu na armadilha da eliminação foi Trinity K. Bonet. Original da 6ª temporada e uma das queens mais amadas do público, TKB encarou o All Stars com respeito, tanto pela grandiosidade da competição, quanto por si mesma, entendendo seus limites, forças e fraquezas. O que acarretou em um histórico colorido, com 2 importantes vitórias e 4 aparições nas Piores da Semana. Esse último fator acabou sendo decisivo no momento de sua injusta, dolorida e criminosa saída do Ateliê.

Muitos anos depois de ganhar o título de Assassina de Dublagens, TKB encontrou espaço para colocar a pauta da HIV na tela do maior programa LGBTQIA+ do mundo, educando a audiência e mostrando na prática como é viver com o vírus. Em adição aos temas que discutiu, a drag de Atlanta surpreendeu com visuais arrojados (a reedição do visual da promo da season 6), performances avassaladoras (a Beyoncé no Rusical) e o melhor Lip Sync da temporada, contra Laganja Estranja ao som de Physical de Dua Lipa.

Quem não brilhou em nada, porém, foi Pandora Boxx, outra das drags do clube da 3ª vez competindo. A primeira rainha de comédia da franquia retornou apática e não conseguiu vencer um único desafio, sendo eliminada no episódio que a santificou lá em 2009, o Snatch Game. Fosse essa qualquer outra temporada, Pandora receberia a bota logo de cara, mas a produção manteve-a no páreo, dando deixas importantes para que a veterana performasse suas qualidades mais notáveis (em especial a personificação de Carol Channing no Rusical e a atuação carregada como Myrtle Snow em RuMerican Horror Story).

No grupo das sabotadas, não tem ninguém mais injustiçada que a coitada da Jan. Recém-expelida da 12ª temporada, ela voltou com sede ao pote mas pecou na primeira regra do All Stars: sem tempo de se assistir na TV em 2020 e, consequentemente, aprender com os erros, Jan pisou no Ateliê para cair nas mesmas iscas que a fez perder contra Gigi Goode e Jaida Essence Hall no ano passado. Finalmente quebrando seu ciclo vicioso de derrotas e saindo como a Top das Tops no Rusical do Super Bowl, Jan assistiu sua “narrativa” dentro do AS acabar antes mesmo da metade, o que nunca é bom sinal.

Sinal esse captado por A’keria C. Davenport, que falhou em uma porção de desafios e, quando ofertada com a possibilidade de retornar, decidiu pela recusa. Parte de vencer e obter sucesso em Drag Race repousa na saúde mental de quem compete (como Veronica Green bem provou em sua participação relâmpago no UK 3). A escolha de Davenport demonstra a ciência de queen de suas próprias limitações, o que não a impediu de entregar passarelas de outro mundo, nunca decepcionando neste quesito. 

Se A’keria conseguiu chegar à Final da 11ª temporada para não passar da metade aqui, Scarlet Envy mal cruzou a linha de chegada em suas duas participações no show. Ocasionalmente feita de tonta, a drag de NY foi julgada como salva semanas seguidas só para ter seu batom escolhido em um desafio onde não merecia ser mandada embora. Ao lado de Jan, Envy provou que RuPaul tem suas favoritas e suas desprezadas. O que é uma pena, considerando seu ponto de vista artístico e os visuais que apresentou no All Stars 6.

Yara Sofia retornou, ajudando a apagar da memória do público o pavoroso All Stars 1, mas não tinha muito a fazer. Assim como Jiggly Caliente, a segunda mulher trans a integrar o elenco de 2021, um recorde para a franquia. Refém de sua péssima habilidade como costureira, ela foi mandada embora logo na estreia, no segundo capítulo da premiere dupla. O posto de primeira a sair, porém, ficou com a Mãe Peruca, Serena ChaCha. 

Proveniente da 5ª temporada (e também humilhada lá), a drag queen retornou como saco de pancadas mais uma vez. Sem qualquer chance de triunfar em Drag Race, sua performance confusa no Show de Variedades apenas esclareceu para os desavisados o quão complicada a Corrida é: em um único deslize, percepções antigas de sua Corrida original podem ser um fator decisivo na hora de escolher o batom eliminatório. Além, é claro, de protagonizar uma polêmica fora das telas com A’keria. 

A melhor edição de Grandes Estrelas desde 2016 não consegue este posto por acaso. Para além de um Show de Variedades (note como o nome não tem mais “Talento”), e de eliminações injustas (Scarlet, Jan e Trinity), o All Stars 6 soube entregar o que falta há muito em Drag Race: imprevisibilidade. Seja na brilhante corrida de Symone, no carisma monstruoso de Lawrence Chaney, nos crimes das finalistas de Down Under e no fogo de Carmen Farala, a franquia tem pecado em construir tensão e dúvida no percurso de coroar uma de suas participantes. 

Com a vitória de Kylie, em adição ao marco para a comunidade trans e a recompensa à uma das figuras mais antigas do show, a equipe de produção mostra que o All Stars pode e deve ser concorrido, maluco, delicioso de acompanhar e um bocado emblemático. O elenco esticado e o número inchado de capítulos pode ter causado um cansaço desnecessário, mas a concretização de uma Final com direito à música country, entrevistas emocionantes e um escorregão transformado em cambalhota fez tudo valer a pena.

A escalação de um elenco sem grandes favoritas foi um acerto; o maior senso de justiça possível na hora das liberações foi um acerto; mas a performance incrível e redentora de Ra’Jah O’Hara foi O acerto. O All Stars conseguiu abençoar até as Lip Sync Assassins, estendendo sua aura de cura e recomeço frente aos fãs para drags como Laganja Estranja, Coco Montrese, Brooke Lynn Hytes, Jessica Wild e até Mayhem Miller. 

Para o futuro, que RuPaul saiba escolher suas rainhas, que RuPaul não force narrativas ou fabrique vencedoras e que RuPaul mande o Snath Game of Love para o Inferno. Com uma possível promessa da aguardada temporada que reúne apenas antigas vencedoras, um Grandes Estrelas Internacional e mais uma porrada de spin-offs estrangeiros em produção, RuPaul’s Drag Race vai muito bem, obrigado, e o All Stars vai melhor ainda. 

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Mariana Chagas

Se hoje já não é fácil ser negro, latino e parte da comunidade LGBTQIA+, era muito pior nas ruas dos Estados Unidos nos anos 80. Desrespeitados e segregados, a solidão atormentava o dia a dia desses grupos. Então, de forma política, mas ao mesmo tempo divertida, foi no peito dolorido de um povo tentando transformar sua exclusão em união que surgiu a cultura do ballroom.

Foram nos subúrbios nova-iorquinos que, pela primeira vez, pessoas trans, pretas, latinas e homossexuais tiveram sua existência celebrada em forma de dança. Aos poucos foi se estabelecendo um cenário constituído por regras, estilos e características tão ricas e próprias que até hoje fazem parte desses bailes.

Conhecer a cultura do ballroom é ser apresentado às Casas, formadas por grupos tão unidos quanto uma família de sangue pode ser. É conhecer o voguing, popularizado por Madonna em 1990 quando lançou Vogue, o catwalk, as categorias, as gírias e tudo que constrói esse universo gigante. 

Gerações se passaram e o ballroom resistiu. Celebrando a livre expressão e ainda servindo como grande acolhimento, por todo o mundo, Casas ainda disputam entre si por dinheiro, reconhecimento e, é claro, muita diversão. Então, para os que querem se exibir aos olhos de milhares de pessoas e jurados especialistas, Legendary nasceu.

Recém-chegada no Brasil, a plataforma do HBO Max trouxe em seu catálogo as duas primeiras temporadas do reality apresentado pelo cativante Dashaun Wesley. Gravado no mundo pré-pandemia, os primeiros episódios contam com um público tão carismático que formava um personagem por si só. Mas, por conta das medidas de segurança e saúde tomadas, a segunda temporada de Legendary veio mais sozinha. 

Quem não abandonou o show foram os – quase sempre –  queridinhos jurados. Jameela Jamil, atriz da famosa sitcom The Good Place, e Megan Thee Stallion, cantora colecionadora de Grammys, se juntam ao grupo mais caloroso. Ambas não desperdiçam suas plaquinhas de nota 10 para enaltecer as casas.

Por outro lado, Leiomy Maldonado, grande nome no Vogue, e Law Roach, estilista de artistas como Zendaya e Ariana Grande, são mais difíceis de agradar. Os dois não escondem o descontentamento quando uma apresentação não os agrada. E, sinceramente, receber uma nota máxima do Law é tão difícil quanto as provas de Física do ITA.

Além dos rostos de sempre, cada programa conta também com a participação de diferentes celebridades que são convidadas para assistir e julgar as apresentações. Normani, Demi Lovato e outros famosos se juntaram ao cast e trouxeram ainda mais avaliações técnicas, além de muita risada, para a temporada dois.

Diferente da temporada inicial, a segunda volta mais organizada. O método de avaliação agora é baseado na soma das notas que as Casas recebem. Com uma apresentação em grupo e outras que são feitas individualmente, em dupla ou trio, as notas mais altas definem que Casas serão salvas, e quais vão precisar batalhar uma última vez para permanecer na corrida pelo prêmio de 100 mil dólares.

Outro ponto a ser analisado sobre os jurados são as maquiagens e vestimentas usadas. Seguindo a proposta da semana, os looks usados são de tirar o fôlego. As ideias devem partir das Casas, e serem construídas com a equipe liderada pelo figurinista Johnny Wujek,  talentosíssimo artista que já trabalhou com grandes figuras como Katy Perry e Mariah Carey.

Todo esforço por trás do vestuário dos participantes rendeu duas indicações ao Emmy 2021. A HBO (com auxílio do catálogo do HBO Max) se tornou a plataforma com o maior número de indicações do ano, ultrapassando a recordista Netflix. Na sua longa lista de categorias estão Melhor Penteado Contemporâneo em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção e Melhor Maquiagem Contemporânea em Reality ou Programa de Variedades ou Programa de Não-Ficção (Não-Prostética), onde Legendary concorre pelo episódio Pop Tart.

Nos dois episódios iniciais, foram apresentadas as 10 Casas que entraram na competição: Miyake-Mugler, Balenciaga, Comme des Garçon, Oricci, Icon, Milan, Luxe, Prodigy e Chanel. Cada uma com suas singularidades, o palco era onde precisavam conquistar os jurados – e nos fazer se apaixonar por cada integrante.

Os primeiros a deixar a competição foram Chanel e Prodigy que, tadinhos, mal tiveram tempo de mostrar para o que vieram. Se tinham ou não potencial para chegar em uma possível final, é algo que nunca saberemos. Logo foram seguidos pela House of Milan que, na semana onde precisaram se apresentar como um dos Sete Pecados Capitais, foram expulsos do Céu como Adão e Eva.

O destaque da primeira metade da temporada não poderia ser outro além dela: Tisci. A Casa que foi uma das mais talentosas a passar pelo programa constantemente era favorita, graças ao esforço inesgotável da Mother Gia Tisci e seus filhos. Ao serem os primeiros a receberem 10 de todos os jurados, era impossível negar seu dom. É uma pena que a eliminação do grupo tenha sido tão dramática, graças a um bate-boca de um membro da casa e, sem surpresas, Law. Ai, ai, esse Law. 

Com a saída dos icônicos, sobrou para o resto dividir os momentos de brilhar. Comme des Garçon realmente serviram muito bem, deixando os telespectadores bem alimentados. Mas como ninguém escapa das batalhas, se despediram na reta final. No episódio onde tiveram que apresentar três dos elementos do Vogue (hair whips, spins and dips, e floor performance), perderam para a Balenciaga, ficando em terceiro lugar. A derrota foi triste, mas quando Honey está do outro lado, tem como não esperar que ela vença? 

A grande final foi composta, além da Casa que se salvou no penúltimo programa, pela House of Miyake-Mugler. A equipe que iniciou o programa tão mal, teve a maior das evoluções. Passando pela quase-eliminação, os membros tiveram a força que precisavam para dar a volta por cima e se tornarem lendários. Ganhando os últimos Bailes, foi com um prêmio de 100 mil dólares que a Casa finalizou a competição, além da felicidade contagiante.   

A produção ficou na mão de David Collins, Rob Eric e Michael Williams. O trio também responsável por Queer Eye já ganhou o Emmy pelo programa da plataforma vizinha, a Netflix. Juntos construíram Legendary de forma tão convidativa que dá para se perder nos capítulos e fingir, por um tempo, que estamos dentro dos calorosos balls.

Entre todas as reviravoltas, discussões e muita dança, o que continua mais marcando cada episódio são as mensagens transmitidas nas performances. Na disputa de corpos, quando todos os tamanhos são valorizados e apreciados, o que ganha é a confiança. Nas batalhas, após o duelo os oponentes se abraçam, o que se destaca é o respeito. Antes de adversários, cada membro de cada grupo é parte de algo maior.

No meio dos treinos e apresentações, muitas histórias de vida são compartilhadas. Prostituição, racismo, transfobia, abandono, e tantos tipos de violência são traumas coletivos pela comunidade em um todo. Fazer parte do ballroom, então, é escapar da triste realidade de onde muitos vem. 

Em sua última performance, a Casa Balenciaga encantou ao subir no palco cobertos de rosa e dourado para falarem sobre amor. Love is the message, comenta Mother Shannon no seu discurso final. E ao acabar de assistir o décimo episódio, Ballroom 5000, ficamos com o resto do amor derramado pelas Casas em nossos corações. 

Já renovada para uma terceira temporada, o seriado ainda promete continuar trazendo a cena do ballroom para dentro de nossas casas. Te fazendo rir com os shades trocados pelas Casas, te fazendo chorar com os emocionantes relatos dos participantes, te fazendo ter raiva ocasionalmente dos jurados e te deixando com muita, mas muita vontade de sair dançando por aí, a segunda temporada de Legendary fez o que precisava ser feito.

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Vitor Evangelista

No ano em que a franquia Drag Race não tira nem uma mísera semana de folga, o número exorbitante de temporadas pode enfraquecer a marca, ou simplesmente levá-la à exaustão do público. Entre as corridas “mais importantes” (a americana e o All Stars), estreou Drag Race España, a primeira leva de capítulos em espanhol de DR. No fim das contas, o que a season teve de baixo orçamento, ela compensou no fator divertimento.

Era uma patifaria atrás da outra, cada perrengue causava mais riso que o anterior e na contramão de coroar uma vencedora paspalhona, España deu o título de Super Estrela Drag Espanhola para a contundente Carmen Farala, uma das drag queens mais completas a se montar no Ateliê (e que, sem dúvidas, colocaria uma porrada de competidora estadunidense para comer poeira).

Como virou costume das temporadas internacionais, 10 rainhas entraram na competição rosa-choque e azul-bebê na Espanha, prontas para ganhar, além do título, da Coroa e do Cetro, um cheque de 30 mil euros. Explorando sem dificuldades o carisma das drags, a produção desse spin-off não esbanjou nem de longe o orçamento avantajado que suas irmãs europeias, como o UK e o Holland o fizeram no passado. A saída foi abraçar o precário e não se estressar muito com isso.

Supremme de Luxe, uma drag conceituada no país, assumiu o posto de apresentadora, mas sua falta de preparo transpareceu nas muitas vezes que olhava para a câmera, aguardando direções dos produtores nos bastidores. A Mother desta edição conduziu sua Corrida das Loucas da melhor maneira que pôde, brincando e se emocionando pelo caminho. Entre os momentos marcantes de Supremme, vale a menção do embate com Inti no Ateliê e o chororô no episódio final, quando as competidoras agradeceram seu tato e cuidado sensível.

Além disso, a tradução das milhares de frases de efeito do programa de RuPaul tornaram a experiência de acompanhar Drag Race España um verdadeiro deleite. Era hora de desligar o cérebro e gargalhar com o “don’t fuck it up” transformado em “no la cagueis”, e com o afeto final de RuPaul sobre amor próprio se transmutar em um breve poema, gritado com emoção pelas queens restantes no episódio. Entre safras de temporadas mais potentes, como a de Symone e o All Stars 6, os nove episódios do España limparam o paladar de quem acompanha Drag Race desde o primeiro dia do ano.

A zona começou com a chegada das drags e a eliminação de The Macarena, uma das quatro participantes que se identificam com o não-binarismo. A queen era carismática, mas não impressionou o suficiente, perdendo a Dublagem para Dovima Nurmi, uma chata de galocha, que, infelizmente, durou muito. Drag Vulcano, natural das Ilhas Canárias, foi a segunda a dar adeus. No fim, nos lembraremos dela por seu salto plataforma, que transformava sua silhueta em um andaime de peruca. Além de mostrar a vibe local, os capítulos iniciais revelaram ao mundo que a Espanha preza muito mais por uma drag de ilusão feminina do que por uma assinatura artística.

Por essa razão, fica fácil entender o motivo da saída prematura de Inti, drag boliviana e residente da Bélgica, não-binária e super avançada em seus conceitos. Fosse essa qualquer outra temporada de Drag Race, Inti seria finalista e provavelmente coroada, mas as incessantes críticas injustas dos jurados (em especial da rata Ana Locking) fizeram-na desistir logo no episódio 3. Adendo a isso, a represália que a latina recebeu pelo visual de sua terra natal retorna a franquia à questão de racismo e do preconceito à qualquer manifestação fora do padrão europeu.

Além do didatismo pragmático na hora de julgar a arte drag, a precariedade da produção do show ficava clara de diversas maneiras. Supremme vira e mexe ajudava as competidoras em trabalhos técnicos, a trilha musical oscilava na edição e elementos novos eram inseridos ao longo da temporada (como gags sonoros), sem qualquer padronização na hora da montagem. Ademais, as Dublagens se estendiam pela canção completa, dando uma canseira do diabo nas queens e no espectador, obrigado a assistir mais de 1 hora semanal de episódio. 

A brilhante Arantxa Castilla-La Mancha foi a quarta eliminada, deixando o Ateliê mais triste e menos barulhento. A autodenominada Hannah Montana espanhola patinou na competição, mas seu carisma valeu mais que qualquer vitória nos desafios. O look usado na Final, em referência a Pânico, apenas reafirmou a mente avançada de Arantxa, umas das pérolas de Drag Race em 2021. Depois dela, o roubo do século mandou Hugáceo Crujiente embora.

Hugáceo, a drag queen com assinatura mais valorosa e destemida do ano, construiu uma narrativa de cansaço ao redor de sua jornada na Corrida. Depois de vencer o primeiro desafio (e esquecer desse fato, em uma cena digna da NBC), a artista foi tropeçando nas injustas avaliações dos jurados, pouco interessados em louvar um estilo drag que se localizava muito mais no campo da Arte abstrata do que na seção de lingerie da C&A. Hugáceo saiu exausta, mas sabendo que sua impressão, a là Sasha Velour, ficará por um bom tempo na cabeça de quem torrou o saco assistindo Sagittaria aparecer igual toda semana na passarela sem ouvir um ‘a’ à respeito.

Outro elemento que encheu o pacová do espectador foi a aspereza de Dovima Nurmi. Nada engraçada ou carismática, ela se recusava a sorrir e entrar na bobeira que foi o España. Seus visuais sustentavam um senso estético interessante, mas com uma personalidade daquela, era mais interessante colocar vestido em um manequim e assisti-lo desfilar. Dovima marcou a competição ao Dublar sozinha após a desistência de Inti, e, mais tarde, se recusar a Dublar contra sua amiga e ex-colega de casa, Sagittaria, em uma trama sem conclusão que os produtores aparentemente esqueceram de narrativizar. 

A última eliminada antes da final foi uma das maiores estrelas que a franquia Drag Race, começada lá em 2009, já apreciou: Pupi Poisson. Carismática, doida da cabeça, incapaz de segurar o riso e uma mocatriz completa. Pupi navegou semanas sendo elogiada e elevada, mas teimou em conseguir sua primeira e merecidíssima vitória. Infelizmente, a partir daí, a espanhola passou a desapontar com vestidos mal acabados, um rombo criativo em sua personalidade estática e apaixonante.

Pupi Poisson representou uma drag distinta da que o público domesticado com as acrobacias e as cinturas milimétricas dos EUA está acostumado. Palhaça de tudo, Pupi era o equivalente a um “tio de perucas”, primorosa em entreter, nem que para isso fizesse papel de tonta. Na verdade, ela adorava desempenhá-lo, fosse derrubando uma escova de cabelo diante de um momento tenso pré-Snatch Game, fosse afinando a voz no Jogo das Imitações ou pisando em uvas ao lado de Carmen no Mini-Desafio mais legal da história do programa.

Sua despedida, na semifinal, foi a mais dolorosa da temporada. Dublando contra Sagittaria e Killer Queen, o histórico positivo pouco importou, mandando Pupi embora, tristonha mas realizada. Sua narrativa só findou, entretanto, no reencontro das queens, quando recebeu o título e a faixa de Miss Simpatia. Afinal de contas, Pupi não poderia sair de Drag Race España sem algo único para chamar de seu.

Quem chegou à Final, ao lado de Carmen, foram duas drag queens competentes e estilosas. Killer Queen começou a temporada tímida e só brilhou para valer no Snatch Game, imitando uma política local que a levou ao pódio da semana e sacramentou sua vaga na finaleira. Em Drag Race España, o Jogo de Imitações, de maneira surpreendente, não foi um completo desastre.

Performances bem incorporadas e visuais certeiros fizeram do desafio um destaque morno da temporada. O grande problema para esse apagamento do Snatch foi justamente a distribuição logística da season, que, pela primeira vez na franquia, abriu um capítulo com o Desafio de Leitura, prosseguiu com o Jogo dos Pontinhos e finalizou com um Ball, mas sem o fator de construção das vestimentas. 

Sem narrativa, trama de superação ou qualquer êxito que a catapultasse para o olho do furação, Sagittaria passou semanas repetindo peruca loira e olhão preto, desinteressada em diversificar. Além disso, o fato de Carmen levantar a questão da falta de vulnerabilidade da colega, às vésperas do Desafio Final, acabou com qualquer hipotética chance de triunfar naquele cômodo lotado de 2 personalidades maiores e 2 tramas mais apetitosas do que a garota espanhola que se inspirou em Aquaria e parecia emular cada respirada da vencedora estadunidense.

Em uma temporada aparentemente aberta, Carmen Farala engrenou em uma subida invejável, acumulando 3 vitórias, além de ter exibido dotes na comédia, na atuação e na costura (quando deixou a convidada Envy Peru de queixo no chão). Sinto que, para sempre, serei acompanhado pela figura de Farala meio-zumbi comendo banana com cara de nojo (e digo isso de maneira positiva). Ela também se deliciou nas passarelas temáticas, com destaque para a homenagem à Veneno, a Noite de 1000 Rosalías e o Makeover de Sherlock Holmes. A parte mais engraçada dessa avalanche de talento? Carmen Farala revelou que nunca assistiu à Drag Race antes de ser escalada para o elenco do España.

Entre Desafios mal bolados, julgamentos idiotas (a imparcial e nada profissional Ana Locking merecia a represália sofrida por Jeffrey Bowyer-Chapman, e até pior), um elenco que babava carisma e uma vencedora inigualável, Drag Race España apresentou o mundo para uma fração da arte europeia ainda não explorada na franquia de RuPaul, além de nos matar de rir toda semana, no melhor estilo programa da Rede TV!. Obrigado Pupi, Hugáceo e Inti, obrigado Carmen, obrigado a todos.

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Vitor Evangelista

Os meios podem até justificar os fins, mas a primeira temporada de RuPaul’s Drag Race Down Under demorou a sedimentar sua narrativa. O spin-off do show americano foi filmado na Nova Zelândia durante a pandemia, colocando australianas e kiwis na Corrida pelo título de Super Estrela Drag e por trinta mil dólares. O custo foram oito enfadonhos e alongados capítulos, um elenco nada cativante e uma porção de polêmicas racistas, tanto dentro do Ateliê quanto fora dele.

Começando pela chamada das queens, pela primeira vez não submetendo suas próprias fitas de inscrição, e sendo escaladas à dedo. O resultado demonstrou a falta de preocupação da produção, que colocou na competição apenas 2 artistas não-brancas, nenhuma maori e outras 2 com histórico de racismo e blackface na carreira. Jojo Zaho, drag de ascendência aborígene, foi a primeira eliminada, depois de ouvir críticas ao senso estético da passarela inaugural, representada por sua origem e terra natal.

A merda fedeu mais quando Art Simone, franca favorita ao título, levou a bota no pior Snatch Game da história, mas foi trazida de volta dois capítulos depois, sem mais nem menos. O histórico de RuPaul com queens que retornam não é bom, mas o status de Art com a produtora World of Wonder pareceu pesar na decisão, visto que ela já era contratada da casa e se manteve até a Final. 

A outra drag não-branca era Coco Jumbo, também parte da leva inicial de eliminadas mas, diferente de Art Simone, Jumbo e Zaho não foram nem consideradas para receber o ato de redenção e a chance de competir mais um pouco em Down Under. Quando outras favoritas estrangeiras foram mal, como Asttina Mandela no Reino Unido e Tynomi Banks no Canadá, não houveram botes salva-vidas, segundas chances, ou algo do tipo. É de suma importância relembrar que tanto Mandela quanto Banks são negras, ao contrário de Art Simone, mas que, no fim das contas, não teve culpa nenhuma da supérflua decisão de RuPaul.

De fato, as deliberações de Mama Ru na Oceania foram para lá de questionáveis. Scarlet Adams acumulou 3 vitórias, mas foi chamada atenção na passarela do quinto episódio, a respeito dos casos de black e brownface, em shows onde a drag pintou o rosto para satirizar outras raças e lucrar em cima disso. A dona do império foi enfática no discurso de condenação aos atos de Adams, mas pareceu insegura do que fazer a respeito do assunto, reiterando que não era seu o papel de ‘cancelar’ alguém.

Os sinais mistos se mantiveram ao longo dos outros episódios. O pior Snatch Game da história viu em Anita Wig’lit sua vencedora inquestionável, em uma imitação caricata mas eficaz e segura da Rainha Elizabeth II. Pela primeira vez em mais de dez anos, RuPaul enfatizou a vantagem de Anita sob suas competidoras (“você é, sem dúvidas, a vencedora dessa semana”) para, dois episódios depois, mandá-la embora em uma Batalha contra Karen From Finance (outra queen envolvida em casos de racismo, mas ignorados pelo programa). Onde é que faz o mínimo sentido a “hands down, winner” do Snatch sequer chegar ao top 5 da temporada?

Karen permaneceu na competição depois de vencer a estreia e navegar em mares seguros, sem apresentar visuais interessantes ou uma performance digna das 4 melhores do ano. Além disso, Karen se escondeu e não abriu a boca ao ver o racismo de Scarlet ser cobrado, provando sua covardia suprema. A Final de RuPaul’s Drag Race Down Under não é a pior do programa apenas por reunir duas artistas desinteressantes e indignas de tal posição, mas principalmente por ter racistas na briga pela Coroa. Se Adams seria cobrada por seu passado, por que então dar a ela 3 vitórias em uma temporada com apenas 7 desafios? Se Karen performou tão aquém do esperado para o histórico recente da série, por que então mantê-la em uma Dublagem quádrupla pelo prêmio?

A resposta, assim como sua justificativa, é simples: RuPaul não tinha saída. A escalação ciente do racismo de Adams e Karen eliminou-as da real disputa, mas impossibilitar a drag com o melhor histórico de Dublar seria um vexame e um chute no saco do próprio reality, que preza pela excelência semanal das competidoras. Deixar de fora a menina da firma, Art Simone, mesmo após seu calculado retorno, ofuscado pela ausência de uma mísera vitória, também não seria a saída mais acertada. Coube a Kita Mean não poupar o humor na hora de interpretar a Physical original, caminhando sem percalços até o título máximo de Drag Race na Oceania.

Kita Mean se junta ao ótimo escalão de winners estrangeiras (The Vivienne e Envy Peru), e também se coloca ao lado das formidáveis queens que triunfaram em 2021 (Lawrence Chaney e Symone). A melhor amiga de Anita Wig’lit vingou o legado neozelandês das competidoras, colocando no bolso uma porção de australianas convencidas, e o fez com humor, visuais camp renovados e muita honestidade nos confessionários. Seus desabafos sobre a perda de peso e a relação com o pai rechearam Down Under com drama e amor, lágrimas e suficiente material para que o público vibrasse com sua coroação.

É óbvio que Kita pode não ter sido a favorita de cara, mas considerando as opções que RuPaul selecionou para a Final, a queen foi a única boa escolha, encontrando a luz no fim do tenebroso túnel que a temporada se tornou. Mas nem tudo começou perdido, por mais que a falta de um ensaio promocional tenha sinalizado um atenção em letras garrafais para a qualidade do que estaríamos próximos de acompanhar. Na contramão das seasons regulares e seus conceitos de apresentação (como o pastel que rondou o ano 13, o arco-íris do UK e o laranja celofane do All Stars 6), Down Under reaproveitou os visuais de entradas no pôster de anúncio, que também usou um vestido repetido de RuPaul. Na Oceania, aparentemente, não há senso de originalidade por parte da produção.

A montagem do programa pareceu insegura do formato que gostaria de seguir, abusando de cortes rápidos e cenas emboladas, tornando a experiência de acompanhar Down Under um teste para cardíacos. Os jurados convidados foram poucos, dando espaço para convidados especiais, como Taika Waititi e Kylie Minogue, em aparições relâmpagos pelo Zoom, só para bater ponto na inauguração de Drag Race por lá. Rhys Nicholson assumiu a terceira cabeça fixa da bancada, mas o charme do comediante se dissipou antes da temporada chegar à metade, considerando que todo seu humor era baseado em pobres trocadilhos sexuais.

Os desafios e as passarelas não impressionaram, combinando com o arsenal de drags escaladas para competir. Jojo Zaho saiu rápido demais para deixar qualquer impressão. Art Simone trollou, mas o ar ranzinza acabou diluído e revelou uma persona resiliente e grata ao papel que a arte drag prestou à ela, e não é por acaso que Art leva o título de drag mais proeminente da cena da Oceania. Coco Jumbo não ouviu o conselho passado de queen para queen e inventou de imitar uma cantora pop no Snatch Game. O resultado foi uma Lizzo nada engraçada, que acarretou em duas Dublagens seguidas, e uma merecida eliminação.

A prematura saída de Anita Wig’lit ainda dói no coração, e não há qualquer justificativa para tal ação, senão o favorecimento descarado de Karen From Finance. Anita era uma clara candidata à Coroa, era destemida e maluca, exibia em seu olhar o grau correto de vulnerabilidade e talento para não apenas destruir a competição, mas ganhar o público, ansioso para torcer por alguém do bem e sem passado racista. Sua eliminação no quarto episódio denota o papel gigantesco que ela desempenhou na Corrida, deixando um vácuo de carisma e singularidade, não preenchido por qualquer uma das finalistas.

Chegando com a promessa da juventude, Etcetera Etcetera viu a falta de preparo tomar conta de seu lado artista. Em uma temporada inaugural e cheia de cães treinados na arte drag, Etcetera ousou em uma polêmica imitação de Linda Chamberlaim no Snatch Game mas depois murchou, se apequenou, e foi embora na virada da season, em uma inspirada Dublagem contra Maxi Shield, essa que sacou um microfone de dentro da roupa e, pela segunda vez na franquia, fez uso dele como apetrecho do Lip Sync.

Etcetera ainda discutiu os papéis de gênero no mundo das queens, denunciou preconceitos que sofreu quanto a sua identidade (desmontada, ela usa pronomes neutros, se considerando uma pessoa não-binária), reafirmando o caráter educacional que, à essa altura do campeonato, Drag Race carrega. No mesmo ano em que Bimini e Gottmik arrasaram tanto nas passarelas quanto em se tornarem ícones para a comunidade trans, o papel de Etcetera na Oceania é de grande impacto; também sentido em Drag Race España, nos ombros de queens como Inti e Hugaceo Crujiente. 

Chega a ser terrivelmente cômico que uma temporada recheada de discussões sociais tenha caído na defesa do racismo e na fuga de qualquer punição por tal crime. Karen From Finance teve seu passado revirado nas redes sociais, com fotos e declarações asquerosas, além de uma grotesca fascinação por bonecos Golliwog, representação pejorativa e preconceituosa do povo negro. Karen mantinha uma coleção deles, chegando até a marcar na pele essa ‘paixão’, em uma tatuagem atualmente coberta. Fato é que a produção de Down Under, ciente dos acontecimentos, manteve tanto Adams quanto Karen na competição até o último momento possível. 

Depois de Etcetera deixar o Ateliê, foi a vez de Maxi Shield dar seu adeus. A drag gorda e peituda entrou muda e saiu calada, aparentemente deslumbrada e até um pouco assustada para com o ecossistema de Drag Race. Seu visual final no Desafio do Makeover (quando as queens recriam alguém à sua imagem) pareceu uma desculpa esfarrapada, feito sem esmero ou qualquer dedicação. O episódio, todavia, teve como protagonistas um time gay de rugby do continente, rendendo bons momentos sobre a homofobia no esporte e como esses homens se portam diante dos demais. 

Uma das protagonistas de Down Under sequer chegou à Final, mas Elektra Shock merece todos os louros possíveis. A construção da narrativa da ‘excluída’ foi evidente quando ela se viu acuada em um Ateliê cheio de piranhas famintas por sangue fresco. Seu status de subordinação, por trabalhar no clube comandado por Kita e Anita, pareceu ter gritado mais alto que o talento da artista, por mais que os visuais e as maquiagens apresentados não vivessem à altura de sua entrega emocional e de carisma.

A imitação cartunesca de Catherine O’Hara no Snatch Game colocou Elektra injustamente numa posição baixa, mas a volta por cima, dada depois de Dublar 2 vezes em 3 episódios e ser feita de gato e sapato por Scarlet e cia, vingou em uma vitória merecida no Desafio dos Comerciais. Os olhos gentis de Shock assistiram queens racistas chegarem mais longe que ela, e também queens piores chegarem à Final. Quando, enfim, ouviu seu Sashay, Away, ela previu o futuro e a Coroa de Kita, dentre todas, a única que conseguiria eliminá-la depois de um Show de Talentos digno das noites do SBT.

RuPaul’s Drag Race Down Under não funciona como boa narrativa televisiva, tampouco se sustenta como um derivado decente da grande franquia norte-americana. Down Under também se afoga nas decisões ruins e ignora o bom senso e a moralidade na hora de julgar e ranquear suas competidoras. Vale a pena passar por 8 estafantes capítulos de uma hora de duração? Eu seria louco se dissesse que sim. 

Kita Mean ganhou o Cetro, a Coroa e o cheque, mas deve querer colocar para trás a experiência do público com sua temporada vitoriosa. A esperança é que Elektra, Anita, Art, Coco, Jojo, Maxi e Etcetera voltem em um hipotético All Stars International, e que RuPaul dê o ultimato na Oceania, relegando-a ao ostracismo e ao esquecimento, assim como deveria ter feito com as duas racistas que competiram na Corrida. 

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Jho Brunhara

Dizem as línguas que o entretenimento é uma subcategoria da cultura. Que reality show é a maior porcaria que a TV pode transmitir. Será mesmo? Em anos como 2020 e 2021, que fomos forçados a ficar trancados em casa, assistir um bando de subcelebridades, famosos e desconhecidos conviverem com todas as glórias e percalços da índole humana preencheu nosso tempo ocioso e nos devolveu um pouco do sentido de viver.

E é disso que se alimentam os realities: ninguém assiste mais pelos corpos sarados e os casais claramente calculados, muito menos esperando mentes brilhantes e evolução espiritual. Guillermo del Toro já disse sobre os monstros, eles são fascinantes e identificáveis pois não tem a obrigação de serem perfeitos. E é por esse mesmo motivo que assistimos os BBBs e Fazendas da vida, porque podemos transformar humanos reais em nossas próprias personagens. 

Aqui, ninguém é realmente bom ou ruim. Não existe um roteiro que atribui as qualidades de forma indireta e o espectador só as consome. Claro que a edição pode ser tendenciosa, mas na era do pay-per-view e da internet, se tornou muito mais difícil manipular o público. Nesse ambiente as atitudes são sempre relativas, os vilões dependentes do ponto de vista de quem assiste e a justiça nunca realmente é justa para todos. 

Por exemplo, a eliminação de Felipe Prior, que na época ainda era apenas um participante de reality e o país não tinha conhecimento das denúncias de abuso, é a maior prova disso. Enquanto metade do território brasileiro literalmente gritava para fora das janelas como se fosse a Copa do Mundo ou o resultado de uma eleição para presidente, a outra enxergava Manu Gavassi como um alguém que não merecia ter permanecido na casa mais vigiada do Brasil. Quem estava certo? A resposta não existe. Prior é sim alguém condenável aqui fora, mas naquela bolha do BBB estar do lado dele era puramente um movimento de torcida.

E se tem algo que decide o jogo, são elas: o que faz alguém ganhar o Big Brother brasileiro não é a narrativa, nem as provas, nem os VTs, nem a quantidade de paredões, fama ou boa convivência. Quem faz um participante vencer são as torcidas. Se pessoas suficientes escolhem te apoiar e votar para te proteger, não importa qual personagem você seja, mocinho, vilão, injustiçado ou perseguido, apenas isso trará sua vitória. 

E isso não é um problema, muito pelo contrário, é a alma de um reality show movido a votos populares. Os jogadores são escolhidos a dedo pela produção para serem identificáveis pelo público, de forma que a conexão seja rápida e genuína, e você escolha, por livre e espontânea vontade (ou marketing, para ser sincero), defender aquele indivíduo até o fim. Os melhores vencedores foram premiados assim, pois representavam algo muito maior para sua torcida, que estava determinada em levá-los ao pódio. 

Chegamos ao Big Brother Brasil 21. A vigésima primeira edição, apesar do ódio em efeito cascata, também foi marcada por torcidas monstruosas. A diferença para outros anos é, que, por razões muito específicas, os brasileiros decidiram se unir pela primeira vez em muito tempo por um propósito em comum: defender e vingar os oprimidos. Nem cálculos quânticos poderiam prever que quando Kerline, a primeira eliminada, disse para Lucas Penteado a fatídica frase “e se eu quiser ficar com o cupido?” na Festa Réveillon, ela estaria gerando uma das mais densas narrativas da história do programa. 

O conflito gerado pela frase ambígua de Kerline fez com que Lucas brigasse com quase todos os participantes e se queimasse com os espectadores. Penteado chegou até mesmo a comparar a cearense com Stalin e Hitler, em uma conversa bizarríssima.  Novos conflitos aconteceram na festa seguinte, Herança Africana, e a casa toda passou a destratar Penteado, de forma que rapidamente o público passou a querer protegê-lo. Afinal, a narrativa de perseguido ou excluído é uma das mais eficazes para conquistar quem está assistindo ao programa. Curiosamente, foi mais ou menos por aí que Juliette também passou a ser humilhada pelos outros participantes, como Karol Conká, por ter defendido que deveriam tentar entender Lucas. 

Gilberto e Sarah também foram excluídos pela casa, e os quatro, Lucas, Ju, Gil e Sarah, se juntaram no icônico G4. Infelizmente, o grupo logo se tornou G3, após a triste e arrasadora desistência de Lucas. Em uma das madrugadas mais movimentadas que o BBB já teve, Penteado e Gilberto protagonizaram o primeiro beijo entre dois homens no programa, mas a desconfiança e bifobia dos outros participantes, como Lumena, esgotaram as forças de um Lucas já fragilizado. Naquele momento, Gilberto, Juliette e Sarah se tornaram os integrantes da resistência, e o Brasil jurou se vingar pelo que os outros da casa tinham causado à Penteado. 

Então, começaram os paredões históricos. Nego Di, um dos redutos de podridão do BBB21, foi o primeiro dos grandes nomes. O humorista, carinhosamente apelidado de Inimigo do Riso, já colecionava polêmicas desde antes da casa mais vigiada do Brasil. Lá dentro, insinuou que se masturbaria perto de Carla Diaz, se referiu aos estudantes secundaristas do movimento que ocupou escolas em 2015 como vagabundos, e perseguiu e humilhou Lucas, que, nem tão coincidentemente assim, foi um dos líderes do movimento de ocupações. O porto-alegrense também reproduziu comentários racistas, ao dizer que Gilberto não era negro, e sim “sujinho”. Ele foi eliminado com a segunda maior rejeição da história do programa, 98,76%. 

Karol Conká, que nesse momento já passava 24 horas por dia com as orelhas ardendo de tanto que estava sendo odiada de forma unânime pelos brasileiros, finalmente chegou ao paredão na quarta semana. Depois de escapar de uma prova Bate e Volta que colocou seu ficante, Arcrebiano, na berlinda, vencer a Prova do Líder da Coca-Cola e enfurecer o Brasil com sua sorte (sorte no jogo interno, apenas), a Mamacita não conseguiu escapar da eliminação. Nessa altura, Conká já estava perdendo o apoio interno, e assistia de forma agonizante seu jogo com prazo de validade de um leite deixado fora da geladeira, estragar. 

O ódio que a rapper curitibana recebeu naquele momento não era gratuito: Conká teve falas transfóbicas, racistas (ela estava junto à Nego Di e Lumena no episódio do colorismo), xenofóbicas, bifóbicas e, até mesmo, machistas. Fora esse festival de preconceitos, proferidos de forma consciente ou não, Karol foi duramente criticada pelo seu relacionamento de ciúme abusivo com Arcrebiano e por seus ataques à Lucas e Carla. O resultado não podia ser outro, e a vilã da vida real foi eliminada com 99,17% dos votos, uma rejeição quase impossível de ser superada em qualquer futuro.

A situação de Conká é um pouco mais complexa. É inegável as dores que a participante causou em Lucas, Juliette e tantas outras pessoas país afora. Porém, em meio aos que buscavam justiça pelos atos da cantora, muitos se aproveitaram da oportunidade para transparecer o racismo. Na sua noite de eliminação, era possível ouvir pessoas gritando “macaca” de suas janelas. Nas redes, até mesmo o filho de Karol foi perseguido, e as proporções do ódio nacional pareceram triplicar por sua cor de pele. As violências sofridas por Conká não invalidam seus atos problemáticos, mas nos fazem questionar: se fosse branca, será que as reações teriam sido as mesmas? 

O cancelamento também levanta discussões sobre o que fazer no depois do depois. Auxiliada pela Rede Globo no seu processo de limpeza de imagem (nada mais justo, afinal, parte dos mais de 500 milhões de reais em lucro da emissora durante o BBB aconteceram graças à ela), Mamacita teve a oportunidade de passar a limpo os acontecimentos na série documental A Vida Depois do Tombo. 

Feito às pressas, para aproveitar o hype e quase como uma justificativa para incluir Conká na final do programa e no episódio 101, a produção só convence quem já estava perdoando a artista. Karol um dia será capaz de limpar completamente sua imagem? Provavelmente não. Mas o que devemos fazer? Marginalizar para sempre uma cantora negra enquanto Rodolffo, que ainda tenta justificar seu racismo, alcança o topo das paradas musicais? Essa também não parece ser a resposta, e a solução mais humana, e realmente justa, ainda é permitir que Conká possa se reconstruir, respeitando o próprio tempo. 

Lumena Aleluia não durou muito depois que sua parceira de polêmicas foi embora. Tão odiada pelo Brasil quanto Conká, nem sua proximidade com Gil foi suficiente para amenizar os efeitos da raiva coletiva. A bahiana lésbica protagonizou um dos momentos mais importantes da edição, logo na primeira semana, ao explicar a problemática dos homens da casa estarem ‘imitando’ os trejeitos de homossexuais afeminados e pessoas trans. Infelizmente, seu conhecimento sobre o movimento LGBTQ+ não foi suficiente para desconstruir sua bifobia com Lucas. 

Com uma porcentagem mais baixa que seus companheiros do Gabinete do Ódio, Lumena foi eliminada com 61,31%, apenas por ter dividido paredão com Projota. O muleque de vila começou como um dos favoritos e elogiado por seu jogo, mas ao perseguir e humilhar Lucas, que era seu fã, sua rejeição disparou. A dimensão do ódio era tão extensa, que todo programa que o rapper tinha algum destaque na edição, o termo “probosta” aparecia nos trending topics do Twitter, e até sua mulher foi ameaçada nas redes sociais. Projócolis foi o último eliminado do ‘G4 do mal’, com 91,89%. 

Antes de encerrarmos a ‘primeira temporada’ do BBB21, faltam duas pendências: Arcrebiano e Carla Diaz. Bil foi eliminado cedo demais, na segunda semana, em um paredão dolorido contra Juliette e Gilberto. O capixaba de nome difícil foi acolhido pelo Brasil por ter sofrido nas garras de Karol Conká, além da manipulação psicológica que fez com que ele acreditasse estar cancelado aqui fora por suas atitudes no ‘relacionamento’ com Mamacita. Merecidamente, o modelo garantiu uma vaga no retorno do programa No Limite, e já estamos ansiosos para revê-lo.

Eu não sou Chiquititas! Ah, Carla Diaz… Uma das maiores promessas da edição, considerada lock no top 5 por muitos, a cantora de Coração com Buraquinhos sabonetou tudo que pôde com sua política de boa vizinhança, ótima para a vida real, péssima para o BBB. Talvez por ter iniciado sua carreira de atriz extremamente cedo, aos 2 anos de idade, Carla virou uma personagem de si mesma e foi vista pelo público como forçada. Seu posicionamento frouxo na política do jogo e seu romance embananado com Arthur foram catastróficos, e nem o Paredão Falso salvou a loirinha.

Aliás, que retorno anticlimático, hein? Sua ideia de incorporar um dummy nervoso foi genial, mas só durou poucos minutos após retirar a máscara. No momento em que ajoelhou para pedir Arthur em namoro no jogo, e recebeu como resposta um ‘partiu’, Diaz se atirou de um precipício sem volta. Em duas semanas (depois da saída de Projota, que encerrou a ‘segunda temporada’), ela estaria eliminada, dessa vez em um paredão verdadeiro apertadíssimo (e injusto) contra Rodolffo. 

Com o fim da temporada um, demos início a mais uma reviravolta. Sarah, antes a espiã favorita e integrante do G3, se uniu a Bancada Ruralista (Caio e Rodolffo), declarou que ainda gostava de Bolsonaro, zombou da gravidade da pandemia e se transformou na Miss Cloroquina. Na formação de paredão, o centrão do agronegócio do BBB imitou a vida real e apunhalou Sarah pelas costas, na icônica votação aberta em que os Bastiões votaram na marketeira do Trump. Não deu outra: a loira foi chutada da casa direto para o amaldiçoado quintal da GKAY para gravar TikToks de dancinhas. Perdeu tudo!

Na semana seguinte, foi a vez de Rodolffo finalmente ir embora do BBB21. Depois de declarações homofóbicas sobre o vestido de Fiuk, e comentários extremamente racistas sobre o cabelo de João Luiz (os quais ele tentou, de forma absurda, justificar), o cantor de sertanejo pegou sua ignorância seletiva e voltou para sua casa de barro no interior de Goiás, ouvir o programa através de um rádio velho. Infelizmente, na verdade ele assistiu sua música Batom de Cereja alcançar o topo do Spotify, em sua mansão, provando que o cancelamento escolhe a dedo quem deve sofrer as consequências.

A essa altura, já era claro quais torcidas mandavam no jogo: os cactos, de Juliette e os vigorentos, de Gilberto, os últimos sobreviventes do finado G4 original. A saída de Sarah renovou a imagem de Gil no game, que até tirou a barba, e sua popularidade decolou novamente. Thaís, sem dúvidas a maior planta dessa edição, decidiu se tornar carnívora no pior momento possível, e comprou uma briga com a dona da maior torcida do BBB21. Os cactos não deixaram barato, e vingaram Juliette, eliminando a cirurgiã-dentista com mais de 80%. 

Caio, que todos acreditavam que ia agonizar sem Rodolffo, até que aguentou bem, mas seu passado no jogo de sabonetagem e falsidade o eliminaram no 12º paredão. O projeto de Cezar Lima não aguentou o confinamento e em várias oportunidades tentou desistir do jogo, na maior parte das vezes, por saudades da família e medo do cancelamento externo. O parceiro de Rodolffo pelo menos rendeu momentos divertidos, como quando os brothers assistiram o documentário Framing Britney Spears e Caio se tornou um britfã honorário. #FreeBritney

A eliminação de João Luiz foi difícil de engolir. O professor de geografia, que protagonizou um momento histórico ao explanar para todo o Brasil uma fala racista de Rodolffo, saiu sob os critérios de ter sido planta, e claro, por backlash de um país de muitos Rodolffos, que não aceitam que possam estar errados. João foi gigante, e é sempre necessário lembrar que a reação de uma pessoa que sofreu uma violência nunca deve ser diminuída. Não é obrigação do oprimido explicar para o opressor o motivo dele estar errado de uma forma ‘carinhosa’, que coloque quem cometeu a violência como vítima. 

Assim como Camilla falou no dia em que Tiago Leifert discursou sobre a importância do cabelo para pessoas negras, “se vocês estão cansados de ouvir falar disso, eu estou cansada de viver [isso]”. Rodolffo foi covarde ao tentar justificar seu comentário racista com base na sua suposta desinformação. O cantor está há muitos anos no meio artístico, mora em área urbana, e tem acesso integral à internet, onde se pode aprender sobre qualquer coisa. E mesmo assim, se ele não soubesse nada sobre o tema, por ser branco, era sua obrigação ouvir João Luiz e imediatamente reconhecer seu erro e pedir desculpas, não tentar se explicar.

Viih Tube conseguiu se rastejar para fora da indicação de Gilberto como líder ao trocar olhares com ele na prova, como se estivesse entregando a vitória, mas não conseguiu escapar na semana seguinte, finalmente sendo colocada em um paredão. Sendo falsa e manipuladora, Vitória Tubos construiu um jogo interno imediatista, que a protegia das decisões semanais, mas que afastou ela de alianças verdadeiras, e conforme o game se afunilava, a youtuber se viu num mato sem cachorro. Aqui fora, uma parcela menor do público defendia Viih como ‘a melhor jogadora’, e achava injusto o tratamento que ela estava recebendo dos espectadores.

A realidade é: o Big Brother brasileiro NÃO funciona como os outros realities de mesmo nome mundo afora. Aqui, para se vencer o programa, não basta apenas estabelecer um jogo interno, com as ferramentas que bem entender. É necessário caminhar as decisões de lá de dentro lado a lado com a estratégia aqui de fora, do jogo externo. Viih Tube não foi uma boa jogadora, pois se torna um exímio participante do BBB quem consegue controlar ao máximo a casa e o público, com ênfase nas torcidas aqui de fora, pois em último recurso, são elas que irão te salvar dos paredões. Viih se livrou sim de votos e paredões e entrou na mente dos outros participantes com sua Grande Família, mas sua estratégia tinha validade de um presunto deixado ao sol. Com 96,69%, demos adeus ao seu jogo tão limpo quanto seus hábitos de banho. 

No top 6 nos despedimos dele, o Príncipe de Conduru. Arthur Picoli foi uma das maiores surpresas desta edição, com uma das melhores narrativas e um dos arcos mais legais de se assistir. No começo, sócio do Gabinete do Ódio, o crossfiteiro se aproximou de Projota, sua dupla até a sétima semana do programa, e passou a ser um dos mais odiados da edição. Seu romance tenebroso com Carla só piorava a imagem de ambos, dentro e fora da casa, e o capixaba estava na beira do precipício. Tudo começou a mudar quando a chiquitita deu adeus ao Zé Banana, e conseguimos enxergar o melhor lado de Arthur pela primeira vez.

Tiago Leifert sempre diz que, quando há tempo, quase todo participante consegue reverter parte da visão do público, e Picoli soube se reconstruir. Aqui fora, também conseguimos entender melhor suas atitudes a partir de seu passado: aos 14 anos, ele saiu de casa no Espírito Santo pela forma com que seu pai o tratava, e foi tentar a vida como jogador de futebol em Goiânia. Lá, chegou a passar fome por anos com o pouco dinheiro que recebia e até a morar na rua, onde teve que aprender a se defender de agressões e outros problemas, consequentemente contribuindo para a personalidade violenta, porém machucada, que ele deixou transparecer na edição. 

O passado de Arthur não anula suas atitudes problemáticas no Big Brother, afinal, mesmo nossos piores traumas não podem ser utilizados como desculpa para que machuquemos outras pessoas. Porém, toda essa situação nos mostra como o reality é feito de pessoas reais, que não são inteiramente boas ou ruins, e sim complexas, com o direito de errar e acertar. Ao fim de seu confinamento, Picoli finalmente se acertou com Fiuk, se aproximou de Gil e fortificou sua aliança com POCAH, mas já era tarde, e o Brasil escolheu eliminá-lo. 

É difícil entender como POCAH durou tanto tempo no BBB. Aqui fora, não tenho nada contra a cantora. Ouço suas músicas, acho ela belíssima, e não duvido de suas boas intenções. Dentro do jogo, Viviane foi uma das piores personagens de se assistir. Nas primeiras semanas, ela literalmente só dormiu, e quando acordava era para concordar com as estratégias do Gabinete do Ódio. Com a dissolução do grupão, a carioca passou semanas perdida, com alianças frouxas e só protagonizando momentos relevantes por associação a outros participantes (como a briga do basculho e a questão dos pentelhos). 

Plantas, às vezes, duram mesmo, ainda mais sendo uma celebridade querida aqui fora, e, além do mais, POCAH teve sorte de se salvar em dois Bate e Volta. Só é difícil engolir que o Brasil escolheu eliminar João Luiz ao em vez dela, no 13º paredão. E foi assim que a cantora chegou ao top 5, arrastada, sem força, mas, pelo menos, menos odiada do que no começo da edição. Enquanto antagonizava com Juliette lá dentro por questões de jogo, a filha da cantora sofreu com o racismo de alguns indivíduos da torcida de Juliette aqui fora, escancarando que o assunto, infelizmente, ainda é uma discussão necessária e latente em nosso país. 

Fiuk foi outro sócio do ‘G4 do mal’ que deu sorte. Começou o programa como um dos favoritos do público, mas logo sua máscara caiu, e o cover morto-vivo de Daniel Lenhardt virou alvo dos espectadores. Filipe nunca teve narrativa própria, sempre se escorando em quem o acolhia, desde Lumena e Karol Conká, até Sarah, Gilberto e Juliette. Os memes sobre seus batimentos zerados e sua condição de zumbi renderam muito nas redes, mas na edição, o filho de Roberto Carlos e Glória Pires pipocou nos Jogos da Discórdia, irritou o público e até Tiago Leifert, e fez cosplay de pobre em rede nacional para tentar vencer o prêmio. O top 3 é uma posição muito alta para Fiuk.

Lá vem ela! Camilla de Luca saiu do BBB, tá voltando pra comunidade… Aaaaaah! Ganhou só 40 mil, Camilla de Luca! Camilla de Lucas, querida desde antes de entrar no programa, sempre esteve no top 3 do público. Tínhamos dúvidas se ela teria fôlego para vencer, mas sabíamos que sua passagem pelo BBB não seria breve. Infelizmente, por uma indisposição com o jogo, a influencer não cresceu tanto como participante quanto esperávamos. Chamada de Camomilla em muitos momentos do game, a carioca de Nova Iguaçu deixou passar deixas, e acreditava que ouvir todos os lados não era ficar em cima do muro, e sim uma estratégia válida.

Sim, é importante analisar o panorama dos acontecimentos como um todo, mas há um perigo de pensar muito em um jogo em que se posicionar, de forma certa ou errada, é essencial. Camilla protagonizou seus momentos, como a briga com Karol Conká e a maravilhosa amizade com João. Infelizmente, de resto, a filha de Beyoncé acabou escorregando para o plano de fundo, tendo pouco destaque em comparação a outros personagens da edição. Mesmo assim, seu carisma e coerência, e auxílio da torcida de Juliette, a levaram ao segundo lugar. 

Finalmente chegamos a eles. Os donos do Big Brother Brasil 21, presentes em quase todas as narrativas. Gilberto fez história: o pernambucano ex-mórmon e homossexual preencheu a vigésima primeira edição com seus bordões, sua alegria contagiante, sua sede de jogo e sua humanidade. Gil do Vigor encantou o Brasil, se libertou das amarras do preconceito, e pôde renascer, da forma que sempre mereceu, como a pessoa que sempre foi. Sua participação emblemática impediu que o BBB21 amargurasse na chatice e que o clima pesado dominasse a noite dos brasileiros. 

O tchaki tchaki de Gil é muito mais que uma frase de efeito, é parte de sua liberdade de se expressar. Na internet, infelizmente fomos forçados a ler o desserviço de algumas pessoas, afirmando que o fato do pernambucano ter um jeito afeminado e expansivo, reforçava estereótipos atrelados aos gays. Aqui, é urgente deixar claro que Gil não reproduz um estereótipo, pelo contrário, o estereótipo nasceu de bichas e viados como ele. E a sociedade preconceituosa se apropriou desses trejeitos, da forma de falar e andar, e diminuiu essas pessoas, através de ofensas, de um humor problemático, e da imposição da heteronormatividade.

Gilberto é revolucionário. É um gay afeminado nordestino e negro que conquistou o Brasil, nunca deixando de lado suas pautas políticas, como quando indicou Rodolffo ao paredão pelo comentário homofóbico sobre o vestido de Fiuk. Gil falou sobre os problemas da igreja, sobre perseguição e preconceito, fez parte do primeiro beijo entre homens da história do programa, emocionou Pabllo Vittar, e inspirou e deu forças à milhões de pessoas LGBTQ+ para continuar lutando, por todos os Gilbertos mundo afora. Sua entrega ao jogo e suas controvérsias com Juliette infelizmente custaram sua vaga no top 3, mas talvez tenha sido melhor sair com destaque antes do que ser eclipsado na final. 

Juliette, advogada, maquiadora, paraibana e mulher guerreira. Com mais de 28 milhões de seguidores conquistados no Instagram em menos de 4 meses de programa, muitos se perguntam: como foi que a participante encantou tanta gente? Em meio a muitas polêmicas, Ju foi de odiada repentinamente no breve início da edição por sua chatice, para amada incondicionalmente por metade do público do BBB. Ao ser perseguida e excluída pela casa, da mesma forma que Lucas, July se tornou alvo de proteção do Brasil, sendo um dos pilares do G4.

Assim como Gilberto, conforme o jogo se desenrolou, a opinião do público se dividiu. E igualmente, Juliette também teve suas falhas por ser humana ao reproduzir comentários preconceituosos. Só posso falar pela causa que tenho local de fala, mas sabemos que a paraibana defende pautas sociais e se corrigiu diversas vezes ao longo do jogo. Não podemos estabelecer uma falsa simetria ou um cancelamento cego, mas devemos sim discutir falas problemáticas e buscar a intenção de mudança. 

O BBB21 ensinou uma lição sobre os efeitos da exclusão, de não se ouvir o outro, e de como o ódio pode consumir uma casa, uma pessoa ou um país. Juliette pode não ter sido a favorita de todos, mas ela estabeleceu um jogo coerente, conquistou uma torcida fiel, e caminhou com passos de campeã. Se alguém poderia roubar sua coroa, era apenas Gil, mas sua derrota no último paredão mostra que nem a força do Vigor seria suficiente. A vitória da advogada e maquiadora foi catártica, como experiência humana e de entretenimento, fechando um arco narrativo de uma casa de participantes que pouco acreditavam em sua possibilidade de levar a melhor. 

A vigésima primeira edição foi o Big dos Bigs? Não. Talvez tenha sido o Médio dos Bigs. As primeiras semanas de mal-estar condenaram todo o resto, e mesmo quando os agentes do ódio já estavam fora da casa, suas sementes já tinham germinado em cada canto do reality de Boninho, e o público, envenenado, não era capaz de se conectar de verdade com os participantes que sobraram, exceto o G2. Para o caixa da Globo, os 550 milhões de reais em lucro e os recordes de audiência com certeza foram muito satisfatórios. Muitas das provas patrocinadas foram diabólicas, e os Bate e Voltas de três fases ainda assombram nossos sonhos. 

Os efeitos do BBB21 serão completamente opostos ao da edição 20. Enquanto o grupo Camarote do ano passado se deu muito bem impulsionando a carreira, o que gerou nomes maiores ainda toparem fazer parte do vigésimo primeiro Big, a herança do cancelamento de Karol Conká e Projota é um possível retorno a participantes famosos nem tão famosos assim, que tenham menos a perder. Já Gilberto deixa um legado: não se pode jogar o BBB com medo, mas com amor pela competição e com o coração aberto para perdoar a si e aos outros, assumir erros ainda dentro da casa, e, se possível, ser perdoado. 

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Vitor Evangelista

Ano Novo, Nova Ru. Não contente em apenas estrear a 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race junto da virada para 2021, Mama Ru fez a sorte operar à seu favor: com 16 episódios, um especial dos bastidores e mais dublagens do que nunca, o seriado manteve o público vidrado na TV toda sexta-feira, até que, finalmente, Symone da House of Avalon fosse coroada a Nova Super Estrela Drag da América.

Ela já havia nos avisado logo de cara, “não deixe o sabor suave te enganar, baby”. Dito e feito, a drag queen de Arkansas botou para quebrar, dominando desafios, passarelas e marcando a história do programa. Foram escolhas ousadas, revigorantes e extremamente particulares. Partindo do durag traduzido em um ‘train’ (uma longa cauda), até as referências à RuPaul no vestidinho preto e o visual ‘foxy lady’, Symone não deixou espaço para ninguém.  

Symone, entretanto, não seguiu uma caminhada impecável até a Coroa e os cem mil dólares, muito pelo contrário. Quando ela era boa, era um triunfo que só, rendendo o sonhado (e até então amaldiçoado) recorde de 4 vitórias. Mas, nos momentos de dúvida e deslize, Symone dublou em 2 ocasiões nas Piores da Semana, mais vezes do que qualquer outra vencedora passada do programa.

Suas principais críticas eram simples: a residente de L.A. se prendia nos próprios pensamentos, escondendo o potencial avassalador da persona Symone, muitas vezes diminuída pela insegurança de Reggie, o jovem negro, afeminado e excluído por toda a vida antes de encontrar a arte drag. Ademais, o visual da queen, que bebe em uma porção de fontes dos anos 90, poderia desagradar pela ‘falta de marca pessoal’, se não fosse tão escasso o numero de referências múltiplas para jovens negros e gays.

Ponto já debatido em Drag Race UK na passarela do Ícone Gay do Reino Unido, quando Tayce e Asttina, duas drags negras, acabaram referenciando Naomi Campbell pela falta de figuras representativas para elas enquanto cresciam. Symone é uma amálgama de uma variedade de inspirações e estilos, e, mais importante ainda, é modelo para todos que se parecem com ela e nunca assistiram alguém assim na TV.

Quando o assunto é representatividade, a protagonista da 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race é Gottmik. Primeiro homem trans a competir no show de RuPaul, Mik desafiou os estigmas antigos das concepções da arte drag, era um homem criando ilusões femininas, era um ‘ele’ constantemente referido como ‘ela’, era a candidata perfeita para ostentar o título de Next Drag Superstar, não fosse a qualidade de estrela de Symone.

E Drag Race nos enganou direitinho, estrategicamente desfocando Symone na segunda metade da temporada, e levitando Gottmik numa narrativa de campeã. A começar por suas significativas vitórias no Baile das Bolsas e no Snatch Game, duas das Joias do Infinito de Drag Race. Quem ganha esses episódios inevitavelmente chega à Final com chances reais de levantar o caneco (ou nesse caso, a Coroa e o cetro).

A própria RuPaul desenvolveu um carinho afável pela competidora, interessada em ouvir suas vivências e extrair o melhor de seu potencial de ouro. Mik passou por leves percalços logo no início da Corrida, quando se sentiu acuada por ser uma pessoa trans em um programa que nunca havia tido alguém trans-masculino no elenco. O medo durou pouco, a partir do momento que ela percebeu que não tinha a obrigação de representar toda uma comunidade, Mik se libertou. E foi sendo assim, contando somente sua história e construindo sua narrativa, que a artista se divertiu.

Sem aterrissar nas Piores da Semana, ela serviu looks atemporais (o alfinete na cabeça sangrando ficará marcado para sempre na mente dos jovens espectadores de RuPaul’s Drag Race) e surpreendeu na comédia. Muito mais que uma queen maquiadora, ela matou a competição imitando uma verossímil Paris Hilton no Snatch Game e arrasou no Roast das Miss Simpatias. O melhor de tudo foi sua leveza enquanto ganhava e recebia os louros. Gottmik saiu sem a Coroa mas venceu em autoconfiança, e deve chegar ao All Stars pegando fogo.

Se Symone oscilou entre altos e baixos, e Gottmik deslizou se divertindo pela competição, Rosé começou sua jornada em Drag Race um bocado surpresa. A única das finalistas que perdeu a dublagem inicial, sendo mandada para o Porkchop Lounge, a drag queen de Nova York demorou a se provar, tanto a si mesma quanto aos jurados. Outra que, depois que encontrou a métrica correta, apenas ascendeu até à Final, Rosé era ‘perfeita’ demais para roubar a Coroa para si.

Ela dublou 3 vezes (mas nunca esteve no Bottom) e perdeu cada uma delas, venceu 3 desafios, não teve uma única performance ruim ao longo do programa, mas não tinha a chama que nasceu em cada uma das 12 vencedoras antigas de Drag Race. Nem a narrativa ‘do lixo ao luxo’ de Rosé se firmou, visto que logicamente as escolhas de RuPaul na estreia foram deliberativas, distribuindo drags boas e ruins entre os grupos (isso explica a ida de Lala Ri e Olivia Lux para o grupo das vencedoras). Uma boa temporada precisa igualar suas competições e preparar pré-concepções.

Quando RuPaul mandou Kandy Muse embora depois de perder a dublagem para Symone, e logo voltou atrás, salvando a nova-iorquina, ela carimbou o passaporte de Muse para a Final. Os Double Shantays (quando ninguém é eliminado) viraram rotina, e significam que Mama Ru definiu suas finalistas de antemão. Vejamos o histórico: Kameron e Eureka na temporada 10, Yvie e Brooke Lynn na 11 e Symone e Kandy na 13. O caso de Kandy Muse é mais interessante ainda, revivendo uma narrativa de favoritismo de Drag Race que RuPaul manteve adormecida por alguns anos. Todos sabiam que Kandy não ganharia a temporada, mas sua desenvoltura e poder de narração alimentaram na drag o chamariz de atenção necessário para que ela chegasse onde chegou. 

Veja bem, Muse fracassou em desafios de música (ConDragulations, Social Media: The Unverified Rusical), em desafios de comédia (Snatch Game, Henny, I Shrunk The Drag Queens) e também nas passarelas (o visual dos bolsos é o pior look do ano) e mesmo assim chegou ao Top 2 da temporada. Isso foi possível graças a uma única letra do termo definidor das vencedoras: o Carisma de C.U.N.T. foi tatuado na testa de Kandy e toda vez que RuPaul espiava seu desajeitado estilo drag virar a esquina da passarela, era apenas esse C que ela enxergava.

Kandy, em instância alguma, poderia ser eliminada da 13ª temporada de Drag Race antes de seu fim. Sua participação ficou mais fácil de digerir quando Olivia Lux, a clara candidata à quarta vaga na Final, passou a ser criticada pelas mesmas ações que fizeram-na chegar onde chegou: sua leveza, sorriso e pinta de Miss Simpatia. Lux venceu 2 Desafios seguidos, estrategicamente selecionados para criar seu momentum, logo aniquilado pelas performances repetitivas.

A pianista de Nova York com maneirismos de Mariah é uma ‘baby queen’, trabalhando como drag há poucos anos, e ainda sem encontrar a maturidade e o senso de identidade necessários para vencer Drag Race. Com a popularização massiva do reality, cada vez mais são inscritas competidoras jovens e com pouco tempo de experiência no ramo, resultando em performances aquém, e que, num ecossistema nocivo como o da Corrida das Loucas, necessita de tempo para modelagem e sustentação. Drag queen, para vencer os 100 mil dólares, precisa ser madura.

Isso na maioria das vezes, mas nem sempre. Puxando, mais uma vez, o histórico recente, Aquaria não tinha a maturidade artística de Eureka, mas sustentava suficiente noção de si mesma, entregando visuais e comédia, sem esforço algum. O mesmo para Yvie Oddly, fiel à marca de ‘esquisita’, e agora Symone, insegura em momentos, mas constantemente bufante e assertiva. Sy tem espaço para crescimento, é óbvio, mas seu nível atual foi o suficiente para vencer e crescer longe de nossos televisores, como as vencedoras das temporadas 10 e 11 antes dela.

A 13ª temporada de Drag Race revelou ainda mais o caráter ‘produzido’ do reality, com os executivos puxando palitinhos por trás das câmeras, moldando suas próprias narrativas e o encaminhamento da Corrida. Foi comum ver as drags sendo criticadas na deliberação dos jurados, mas nunca ouvindo os comentários, tudo para que não houvesse mudança e elas pudessem ser eliminadas por conta disso.

Utica era chamada a atenção pelas caras e bocas, Tina Burner abusava de uma única (e horrenda) paleta de cores e Denali voava abaixo do radar de quem julgava, semana após semana. Mesmo a veterana Tamisha Iman era constantemente apontada como ‘distante e travada’ nas coreografias, propositalmente editada dessa forma, para que ouvisse um amargo Sashay Away contra sua arquirrival Kandy Muse.

Tamisha foi a luz da 13ª temporada. Originalmente escalada para a décima segunda, ela foi diagnosticada com câncer no mesmo fim de semana que recebeu o telefonema do reality. A solução foi se tratar e voltar curada para competir no ciclo seguinte, entretanto, ainda não estando 100% recuperada, a mãe da Dinastia Iman performou aquém do que a própria esperava. Vivendo com uma bolsa de colostomia no estômago, ela não abriu mão de usar espartilhos, dançar e honrar sua carreira e legado.

A maneira como Tamisha foi tratada na temporada expôs o pouco caso que a série faz com drag queens mais velhas. Iman, com cinquenta anos de idade, 3 filhos biológicos e uma Dinastia de queens sob seu nome, foi a terceira eliminada em uma temporada com competidoras pouco merecedoras de durarem mais que a veterana. A ordem de eliminações contribuiu para o marasmo da competição, quando Denali escreveu com batom no espelho ensebado, pudemos enxergar com clareza que RuPaul prefere sabotar drags e trazê-las de volta no All Stars ao invés de explorar um potencial completo na rodagem comum.

E essa foi uma longa rodagem. Por mais de 4 meses no ar, a temporada demorou a eliminar suas competidoras, esperando o quarto episódio para mandar a atrasada (mas belíssima) Kahmora Hall embora. O chacoalhão no formato comum e a inserção da dublagem divisiva na estreia soaram interessantes no trailer, mas ter 6 introduções repetidas foi mais cansativo do que deveria. 

As limitações da pandemia renderam um episódio especial, exibido no breve hiato após Kandy ser salva. Foi uma manobra ciente do ódio gerado pela decisão de RuPaul e que colocou panos quentes na situação, mostrando os processos de criação da temporada na era do covid-19 e os protocolos seguidos pelas competidoras. Corona Can’t Keep A Good Queen Down se misturou entre os bastidores, vídeos caseiros das drags e entrevistas sóbrias, fotografadas com um filtro terroso e nada favorável ao visual delas. Repare nos lábios laranjas dos takes de Gottmik.

A Reunião, assim como no ano passado, foi em formato virtual. Nada instigante e divertido de acompanhar, o episódio dividiu as drags na ordem de eliminação, fazendo chamadas em duplas com perguntas dos fãs e uma forçação de intimidade. A parte boa desse bolo de rolo foi a criação de clipes para cada uma das queens, dublando tanto músicas originais quanto covers, e mostrando ao mundo o poder da arte drag nesses tempos sombrios. Não há nada melhor do que ser entretido por 5 Joey Jays fantasiados de NSYNC e uma porção de drags nova-iorquinas vestidas de Tina Burner, simplesmente não tem preço.

A Final, o décimo sexto episódio da temporada (ufa!), voltou ao formato pós-Sasha Velour, em um grande palco e com as queens dando mortal e tirando coelho da peruca para impressionar uma sorridente RuPaul. O capítulo abriu com a própria dona do império em uma rotina de coreografia acompanhada de dançarinos sarados. Mostrando que ainda pode fazer o que bem der na sua cabeça, RuPaul inaugurou um Baile da Final, com cada uma das finalistas servindo 3 visuais doidos, malucos, de explodir miolos e que custaram mais que 1 ano de aluguel aqui no bairro de Cesar de Souza.

Gottmik deu o nome. Começando por um visual inspirado em Hellraiser (e que a fez raspar a cabeça para polir ainda mais a composição), ela seguiu com um David Bowie de calças longas em vermelho e finalizou com o melhor roupa de uma Final de RuPaul’s Drag Race desde o retorno de Violet Chachki na 8ª temporada. Kandy Muse deve ter mordido as costas de raiva por suceder Mik, servindo um poético vestido grafado com BLM (Black Lives Matter), um tubinho vermelho cheio de acessórios e uma composição escura, usando penas de pavão para dar o tchan.

Rosé referenciou Minha Bela Dama, recriou raízes carmins (mas desde quando uma árvore vermelha traduz bem Rosé?) e honrou o legado escocês da sua família. Symone, para variar, destruiu a competição. Ela iniciou o Baile com uma peruca que desafia as leis da Física, prosseguiu com um vestido todo formado por unhas postiças vermelhas e finalizou sua jornada artística em Drag Race se dividindo ao meio, do lado esquerdo era uma guerreira e do direito, uma deusa. Nada poderia ter traduzido melhor a rainha do que essa dicotomia do belo e do bruto. Symone se pôs à prova a temporada toda, colocando-se para baixo, mas subiu e ascendeu.

Antes da definição da vitória da temporada, vimos vislumbres das participantes: Kahmora apareceu deslumbrante, Joey Jay continua uma incógnita, alguém divertido, mas com o senso estético de uma maçã. Tamisha Iman é a dona do mundo e nós apenas vivemos nele. Lala Ri ostentou sua fantasia Dora Milaje e nos fez sentir saudades de seu poder narrativo nos confessionários. Elliott With 2 Ts apareceu em um cenário chique, ainda provando seu fator básico na composição da temporada. Sem contar a escolha de escalar dançarinos negros em seu clipe do Reunited, abafando os casos de falas racistas. Elliott passou de perseguida para esquecida pela produção, ocupando a vaga de alguém mais merecedor de se manter na Corrida.

Denali serviu um visual desértico, marcando o coração de quem assistiu a temporada como a promessa que foi sabotada cedo demais (todos sabiam que Olivia merecia ouvir o Sashay Away no terrível Desafio do Makeover). Tina Burner nasceu com promessa mas morreu na praia, talvez intimidada pelo triunfo de drags mais novas e menos experienciadas que ela, agora nos resta esperar o All Stars. Utica continuou exibindo seus dotes artísticos, mas depois dos vexames no Snatch Game e no problemático Roast, ninguém ficou com dó de sua partida. 

 Seguindo a onda do movimento #FreeBritney, RuPaul escolheu 3 músicas de Spears para a Grande Final. A primeira dublagem, entre Kandy e Rosé, reafirmou o cansaço do formato de Dublar pela Coroa. O número foi engessado, cheio de revelações anticlimáticas, e sem a energia necessária para que o espetáculo se sustentasse. Mik e Symone se enfrentaram na sequência, novamente, sem inspiração ou criatividade. Agora é só tirar o casaco, jogar peruca para o alto e cair no chão girando.

Sasha Velour inaugurou o show de horrores dos Reveals (as revelações) na 9ª temporada, fazendo de seu número de So Emotional um farol de inspiração para todas que vieram depois. Entretanto, olhando para quem venceu a Coroa no passado, é possível notar um padrão nas ‘revelações’. Fora Velour, que elevou o conceito unindo a letra da música com a coreografia, as demais campeãs escolheram minúcias que potencializam a canção, e não apenas usar 3 casacos e despir-se enquanto uma Britney Spears sussurra de forma sensual.

Aquaria soltou fogos no refrão de Bang Bang, afinal o momento pedia uma devida explosão. Yvie Oddly escondeu um adorno na peça da cabeça, rodando à beira da glória e enfim, alcançando-a. Jaida Essence Hall abriu as asas, declarando-se uma Sobrevivente, com S maiúsculo mesmo. Coube a Symone soltar confetes estáticos ao implorar para que fosse agarrada até que o mundo acabasse.

A sorte da 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race veio à tona um pouco antes da merecida vitória de Symone. Mostrando que o histórico importa sim, senhora, RuPaul coroou a competidora que melhor se saiu na Corrida das Loucas, a competidora com a melhor narrativa de perda e ganho e a drag queen com qualidade de estrelato, logo apontada no episódio 2. O número de Lucky, antes da Final, já dava as cartas: “Você está com tanta sorte esta noite, porque eu estou te dando o show que você quer”. Com Symone campeã, não há qualquer outro show no mundo que eu prefira ver.

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Vitor Evangelista

Não é piada, mas sim um fato, que a segunda temporada de Drag Race UK é a melhor que a competição de RuPaul viu em muitos anos. Dez episódios e uma coroação inédita depois, podemos apreciar os vários altos e poucos baixos do reality. Nessa nova leva teve de tudo, desde eliminações chocantes, desistências icônicas e uma pausa nas gravações por causa da pandemia. Lawrence Chaney ganhou, e o padrão britânico do cenário drag aumentou, e muito.

O sucesso moderado da temporada anterior, lançada em 2019 e que coroou The Vivienne, foi o suficiente para que a BBC Three tivesse liberdade o bastante para pintar e bordar sob a marca milionária de RuPaul. Com os capítulos lançados direto no streaming às quintas, não existia limite de tempo para caber na programação da tevê. Por isso, cada episódio se estendia muito além do padrão norte-americano, beirando os 70 minutos.

O que serviu para o bem e para o mal. Os mini desafios descontraídos eram exibidos na íntegra, fator curioso e instigante a princípio, porém se tornou arrastado lá para o meio da temporada. Os desafios principais também não renderam tanto quanto poderiam, mas o elenco explodindo de talento não encontrou problema em nos entreter. A vencedora Lawrence Chaney encabeçou a lista de queens, evidenciado o frescor que a cena europeia tem no quesito Drag Race.

Ano passado, a versão holandesa do reality serviu talento, fugindo dos arquétipos tediosos que o show americano tem televisionado por anos. De fato, Drag Race UK foi tão bom que acabamos nos referindo à temporada regular como Drag Race US, algo inédito até então. A convergência de exibição dupla, com o UK marcado para as quintas e a 13ª temporada para as sextas, causou a inevitável comparação entre os dois produtos com RuPaul no título.

Algo na concepção das temporadas regulares de Drag Race soa fabricado demais. A equipe de produção, já acostumada com os trâmites do meio, guia narrativas e força coincidências pelo bem do drama, assim favorecendo competidoras ruins e eliminando boas no meio do caminho, visando o retorno futuro no All Stars. Aconteceu com Widow Von’Du ano passado, aconteceu com Denali neste ano, e acontecerá com mais alguém no ano que vem. É assim que o jogo é jogado. No UK, nada disso é válido.

Por mais que, olhando a cronologia da franquia, a 2ª temporada do UK seja a décima e vai lá cacetada do programa de RuPaul, ela ainda é o ano 2 de um spin-off em outro continente. Os fãs podem encarar o legado de The Vivienne, e agora Lawrence Chaney, como a continuação de Yvie Oddly e Jaida Essence Hall, mas não é bem assim. RuPaul preside e apresenta, Michelle Visage continua como sua fiel escudeira e a dupla Graham Norton e Alan Carr substitui bem Ross e Carson, mas a equipe por trás das câmeras é outra.

Não existe necessidade de futricar e inventar injustiças para eliminar a concorrente A e salvar a B. Drag Race UK surpreendeu a todos quando começou a mandar para casa queens aparentemente consolidadas no Reino Unido. Provando, mais uma vez, que ser uma boa drag queen é diferente de ser boa na competição Drag Race. Roxxxy Andrews nunca se deu bem no cenário do reality, mas isso não prova nada além de que ela não se deu bem no cenário do reality.

A eliminação precoce de Joe Black chocou pelo burburinho e pelas expectativas colocadas em cima da rainha do cabaré. Um adendo para a imagem de Joe, que clama ter anos e anos de carreira e parece um pouco com Glenn Close, mas possui a mesma idade de Tia Kofi. Black acabou retornando na volta do covid, mas sua participação no RuRuvision não serviu para nada além de renovar o hall de memes da competição. E, falando no chilique da escolha visual de Joe Black, o momento serviu também para escancarar a confusão de RuPaul.

Logo na estreia, Asttina Mandela venceu o primeiro desafio usando uma jaqueta simplória e ‘tirada do cabide do shopping’. Corta para Joe Black vestindo H&M e a apresentadora dando a bronca das broncas, o que rendeu até um inédito pedido de desculpas. Para colocar em termos nacionais, seria como RuPaul amando e dando a vitória para alguém vestindo um modelito da Riachuelo, mas se rasgando de ódio quando outra pessoa vestiu Renner na passarela.

Quem também se emaranhou nas eliminações prematuras foi Cherry Valentine. A queen, que é enfermeira, foi mandada embora no fenomenal Rats – The Rusical, um dos melhores desafios do gênero na franquia. Cherry esteve no páreo para retornar pós-covid, mas as competidoras foram suficientemente ingratas ao não escolher uma profissional da saúde que lutou na linha de frente para voltar à competição.

A segunda temporada de Drag Race UK conseguiu iluminar uma porção de temas interessantes e discuti-los com propriedade na TV britânica. Algo muito semelhante rolou no Canada’s Drag Race, quando BOA abriu o coração e falou sobre violência doméstica e relacionamentos abusivos. Na Terra da Rainha, foi trazida à mesa a questão do não-binarismo por Ginny Lemon (um ícone da porra) e Bimini Bon-Boulash (talentosa, brilhante, incrível, sensacional, de cair o queixo, espetacular, nunca igual, totalmente única, completamente revigorada, uma estrela).

2021 parece ser o ano das discussões de gênero rechearem o núcleo de RuPaul’s Drag Race. Existe um histórico de competidoras trans no show, mas a nova safra de queens oferece representatividade mais aparente, com conversas abertas e até mesmo composições para os desafios explorando suas identidades de gênero. Gottmik é o primeiro homem trans a batalhar pela Coroa no US, e tanto Bimini quanto Ginny chegaram balançando a bandeira do não-binarismo, expandindo noções pré-concebidas da comunidade e dando força ao movimento

E se tinha um lugar para isso ser feito, seria em um programa como RuPaul’s Drag Race. RuPaul manteve essa figura impeditiva de pessoas trans competirem em seu show, o que só vem mudando nos últimos anos. Bimini perder a Coroa pode significar que a condecoração de uma queen trans fique guardada até o fim da 13ª temporada, mas também corrige um ‘erro’ gritante na franquia, de nunca ter premiado uma drag queen gorda. A escolha de Lawrence como a UK Drag Superstar diz mais sobre RuPaul não querer fazer uma demonstração forte o bastante do futuro, mas retornar e remendar o passado.

Também não é como se Lawrence fosse a primeira big girl a chegar perto da Coroa, nada disso. Ginger Minj e Eureka perderam suas temporadas justamente para drags do mundo da moda e que exibiam visuais corporais e recheados de nudez. Violet Chachki e Aquaria são dignas de suas Coroas, assim como Bimini seria no Reino Unido. Mas Drag Race resolveu mudar. Lawrence Chaney pode não ter sido a competidora com o melhor histórico de vitórias mas, sem dúvidas, ela é alguém com a narrativa de campeã.

Com a temporada dividida em duas, antes e depois da pausa do covid, Lawrence se sagrou como o destaque do início. Ela acumulou 2 importantes vitórias, e o retorno das queens chegou com a sensação latente que a Coroa era de Chaney para perder. E ela quase o fez. A paralisação de 7 meses revigorou as competidoras restantes na Corrida das Loucas de RuPaul. A rotina de quarentena foi documentada no especial Queens on Lockdown, exibido na mesma semana da volta das gravações.

Assistimos as vivências e os percalços de cada uma. Ellie Diamond teve problemas financeiros e se mudou de volta para a casa dos pais. Tayce e A’Whora viraram colegas de apartamento (e algo mais). Veronica Green sofreu com a depressão mas encontrou maneiras de contornar a tristeza e a melancolia. Infelizmente, aconteceu que a queen foi positivada para a doença logo que as gravações retornaram, eliminando-a da competição, mas com um convite para voltar na 3ª temporada.

Do grupo que retornou, a mudança veio por duas drags: a terrível Sister Sister repaginou o visual, rendendo muito material para as meninas tirarem sarro dela, e Bimini Bon-Boulash renasceu. Apagada da primeira metade da competição, foi Bimini Babes quem eliminou Joe Black, dublando na estreia do show. Nunca antes em Drag Race alguém que esteve nas Piores da Semana no começo chegou a disputar a Coroa.

Muito disso se vale do talento imensurável de Bimini. Seus visuais arrojados e desafiadores, seu senso de humor diferente do blasé americano e o fator singular de sua personalidade e visão de mundo. Some isso ao fato de Bimini ter se mudado para uma casa com quintal, luz de sol, e muitos lugares para reflexão na pandemia. Sobrou tempo e espaço até para ensaiar death drops de bancos altos. Bimini foi sortuda da quarentena ter beneficiado seu processo criativo e controle pessoal, favorecendo suas escolhas e seu desempenho na volta.

E a narrativa de Drag Race UK nos enganou direitinho, praticamente colocando a londrina com a Coroa na cabeça e o cetro nos braços (no Reino Unido, a vencedora não ganha os 100 mil dólares, e sim uma web série produzida pela World of Wonder). O fato é que a derrota de Bimini não significa sua queda ou fracasso. A drag queen tem assinado com agências de modelo e logo estampará uma porção de campanhas. Chegar à Final engrandeceu sua imagem. 

Perder Drag Race raramente significa uma derrota fora da competição. Olhando em retrospecto os últimos anos da versão americana: Gigi Goode conseguiu uma porção de contratos de desfile, Brooke Lynn Hytes ganhou seu próprio painel de jurados e Eureka virou apresentadora na HBO. Na 9ª temporada, das 3 finalistas perdedoras, duas retornaram e ganharam sua Coroa de All Star. Com a notícia de uma possível edição Internacional, Bimini pode retornar na onda de seu sucesso e falatório e logo conseguir essa grande vitória.

Tia Kofi começou como uma queen ‘de sobra’, mas acabou se tornando a Miss Simpatia moral da temporada. Seu carisma e singularidade compensaram os visuais aquém, e seus discursos na passarela ficarão marcados na herstory do programa. Ginny Lemon viveu à altura do título do ícone e se tornou a única competidora a não ouvir um Sashay Away. A eliminação de A’Whora doeu na alma, mas veio por um sólido motivo: não é possível montar uma Final de 3 competidoras disputando com chances reais a Coroa.

A ascensão de Bimini posicionou-a como clara favorita, ao lado da já consolidada Lawrence. Por isso, o talento e o sangue nos olhos de A’Whora precisaram ser mandados embora o mais rápido possível. Ellie Diamond era peso morto, e Tayce, tendo dublado 4 vezes antes da Batalha pela Coroa, não tinha chance alguma de sair com os louros. Dito isso, A’Whora foi injustamente posicionada nas Piores, sendo criticada pela boca suja (o que nunca incomodou ninguém em Drag Race) e forçada a Dublar contra sua amiga. 

O drama venceu. Tayce foi mantida na competição por suas performances sanguinárias e, novamente, pelo carisma galês que encanta qualquer um. Além disso, seria feio montar uma Final apenas de drags brancas, considerando o número alto de queens negras talentosas que foram mandadas embora ao longo da temporada. Tayce assinou com a Coca-Cola e tem tudo para se manter relevante, elevar seu guarda-roupa e voltar ao ateliê mais sarcástica e deslumbrante do que nunca.

A segunda temporada de RuPaul’s Drag Race UK teve de tudo. Desafios novos e intrigantes (Who Wore It Best?), competidoras inigualáveis sendo excelentes em tudo que podiam (como esquecer a Katie Price no Snatch Game), competidoras doidas achando que estavam arrasando (o terror que foi o visual de Sister Sister no desafio das heroínas), recordes quebrados nas paradas musicais e a lendária Tia Kofi nos fazendo rir toda quinta à noite.

A temporada teve defeitos também: chamar Jessie Ware como jurada e desperdiçar a chance de uma Batalha de Dublagem do What’s Your Pleasure? I don’t think! Manter Ellie Diamond até a Final? Pelo amor! Editar a parcela final da temporada, resultando em Lawrence Chaney soando vilanesca e peçonhenta com o desafio do Stand-Up? Não precisava!

Lawrence sentiu o ódio dos fãs e saiu das redes sociais pouco antes da Final ser exibida. Para um show que prega tanto o amor, Drag Race é infestada de intolerância, preconceito e discursos criminosos de ódio. A torcida é para que, daqui para frente, isso mude. Para agora, enxergamos o além no Reino Unido, Drag Race UK é o futuro da franquia de RuPaul, e é como todos dizem: os mamilos são os olhos do rosto.

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Vitor Evangelista

Pela primeira vez em 2020, Drag Race premiou quem mereceu a Coroa desde o dia um. Não contestando as brilhantes vitórias de Jaida Essence Hall e Shea Couleé, nem mesmo a coroação de Priyanka, mas o que mudou em Drag Race Holland foi o favoritismo avassalador que a estonteante e belíssima Envy Peru exerceu na órbita de suas concorrentes. A drag queen latina clamou para si o título de Primeira Super Estrela Drag da Holanda, numa temporada com mais altos do que baixos, e que definitivamente colocou o público numa montanha-russa emocional.

Enquanto a figura de Envy no topo da semana era o esperado, as corredoras que caíam no Bottom 2 (as piores do episódio) sempre surpreendiam. Não só a batalha de dublagem, o icônico Lip Sync For Your Life, mas quem era mandada embora. Indo na contramão da franquia norte-americana, a versão comandada com pulso firme e bom humor por Fred Van Leer tomou decisões questionáveis, mas que no fim fizeram o mínimo de sentido.

RuPaul’s Drag Race nunca foi sobre ganhar com merecimento ou como um acerto de contas. A corrida das loucas adora injetar viradas e inversão das regras na hora de escolher quem representará o legado do show. RuPaul tem confundido a audiência nos últimos anos, principalmente quando não leva mais em conta o histórico das competidoras. O termo que a série usa é ‘track record’, o medidor do desempenho das drags, onde quem vence mais desafios desponta como a favorita de cara.

Na versão holandesa de Drag Race, entretanto, RuPaul não é a cabeça mandante da bancada de jurados. Aqui fora, não sabemos do tamanho da influência do apresentador nas decisões da temporada, mas o que fica claro é que Fred dá o tom do jogo. O host, que também se monta e aparece de vestido, espartilho e salto alto, deu um show de carisma, talento, singularidade e coragem. Não que seu CUNT fosse medido, longe disso, o estilista holandês já começou em total entrosamento e sintonia com o formato e com as drag queens.

Ele manejava a graça e o fator ‘tonto’ da franquia, mas nunca baixava a guarda para ser visto como igual pelas rainhas. Erro esse que ficou evidente na investida canadense de Drag Race que, além de carecer de bom humor dos apresentadores, também era deficiente de pulso firme e alteridade na tomada de decisões e no julgamento da linha tênue entre gosto pessoal e objetividade crítica.

Fred soube o quanto roubar dos maneirismos de RuPaul, fazendo graça das frases prontas e da ‘cerimônia’ que é o momento da deliberação da bancada. Algo essencial para o sucesso de Drag Race Holland foi a decisão de encarar a temporada inaugural como parte da franquia mundial, e não apenas uma xerox que traduz as literalidades do inglês para os Países Baixos. Nessa leva, nasceram novas maneiras de editar os desafios e até jargões inéditos. ‘Drag Race acabou, pra você, e não para mim’, eram os dizeres de Fred antes da eliminada dar adeus.

E aqui aparece a faca de dois gumes que vai de encontro ao título da crítica. Drag Race Holland foi um teste para cardíacos em distintos aspectos. Para o lado positivo, era impossível prever a eliminada da semana com base no histórico. Queens ótimas, e que inauguraram sua posição nas Piores, foram mandadas embora sem mais, nem menos. Mesmo dublando contra outras que fizeram do Bottom 2 sua zona de conforto. Como esquecer de Miss Abby OMG, pela trigésima vez na Batalha de Dublagem, vencendo a belga Sederginne, que teve um único deslize? 

Abby, que foi publicizada como a primeira drag queen brasileira da franquia, representa muito da alma que ainda vende o formato de reality show com tanto vigor. Ela se envolvia em quase toda briga, ela adorava ser a excluída e a ‘carregada’ e, acima de tudo, Abby OMG ostentava uma química incrível com a câmera. Não posso afirmar que a mineira adquiriu o posto de Narradora da Temporada, pelo fato da maioria das rainhas terem criado uma relação platônica com o confessionário, servindo momentos de honestidade e sensibilidade. O elemento X da persona de Abby aumentou sua ‘vida útil’ na corrida até a Final, depois de sobreviver à uma Batalha com Ma’ma Queen, resultando no questionável Double Shantay (quando ninguém é eliminada) da temporada. 

Dessa jogada de transformar Miss Abby OMG na ‘Roxxxy Andrews no All Stars 2’ da temporada, Drag Race Holland eliminou uma competidora mantendo-a no jogo ao mesmo tempo. Era claro que a brasileira não ganharia a Coroa, mas sua mera presença no ateliê já aumentava a temperatura e deixava qualquer bate boca suculento. E não faltaram desentendimentos nesse ano inaugural holandês. Não que as queens fossem briguentas ou desnecessariamente barraqueiras, a maioria dos conflitos era relevante e soava real.

Fator que a versão americana de Drag Race matou há muitos anos, considerando o status de império e propaganda que a franquia sustenta nos Estados Unidos. Na terra do reinado de Jaida, as drags entram no ateliê com estratégias de marketing e torcendo para não serem odiadas na internet, cada movimento é calculado. O que, felizmente, se mostra inviável no ambiente dos Países Baixos, semelhante ao que rolou meses atrás no Canadá. Nessas inaugurações e no ato de abrir portas de Drag Race às culturas distintas dos EUA, as competidoras espelham muito mais vulnerabilidade e despreparo na criação de ‘personagens prontos’. 

O que abre espaço para deslizes e burradas, naturalmente. Por pior que seja, o preconceito anda junto das lutas sociais, de sexualidade e de gênero, e nem o ambiente aparentemente seguro da passarela de Drag Race saiu ileso de machucar profundamente uma competidora. Falo do gritante preconceito sofrido por Ma’ma Queen. A queen, que desmontada se enxerga no espectro do não-binarismo, foi ridicularizada quando incorporou sua visão de mundo no desafio Half Man, Half Queen, onde as corredoras tinham de mostrar o ‘meio-a-meio’, homem e rainha. 

Ma’ma fugiu do binarismo das outras competidoras, e não foi de terno e vestido para a passarela. O que se sucedeu depois das críticas foi um show de horrores, que levou a rainha a chorar muito no Untucked (momento que as queens esperam a deliberação dos jurados) que integra o capítulo. A temporada tentou colocar panos quentes na polêmica na Final, quando Ma’ma esclareceu para Fred no podcast o que significava ser não-binárie. ‘Você vai fazer parte de algo que ainda não existe’, foi a mensagem que ela deixou no clássico momento de falar com as fotos da época de criança.

E o desafio do meio a meio, no episódio do Snatch Game, também colocou ChelseaBoy para ouvir baboseiras sobre o visual escolhido. Chelsea era a artista mais diferente do grupo, e já na propaganda de anuncio da temporada sua maquiagem corporal exibia inspirações alienígenas e fora da caixinha do ‘se vestir de mulher’, tão comum nas abordagens padrões de Drag Race. Chelsea foi soberana nas escolhas estéticas, além de demonstrar que sabe ouvir críticas e melhorar suas fraquezas. 

Mesmo o visual X-Men metamorfo do meio-a-meio era representação de vitalidade e vida longa da arte drag nesse programa. Chelsea foi feita de boba depois de matar a pau no Snatch Game, imitando Joe Exotic, o surpreendentemente real astro de Tiger King. Fred, Nikkie Plessen e os demais jurados passaram uma bela rasteira na queen, que ouviu um sonoro ‘você venceu o Snatch, tá?’, antes de ser salva pela bancada. Quem saiu com a vitória na conta, é lógico, foi Envy Peru, que é ótima e talentosa, mas não esbanjava nem um terço da originalidade de Chelsea naquela passarela.

Muito pode se dizer do favorecimento das latinas nessa competição holandesa. Já comentei os excessivos salvamentos de Abby, que apesar de tudo era deliciosa de ser assistida, mas quando o assunto é Envy Peru, o calo é outro. Desde o primeiro vislumbre no ateliê, a peruana já era a clara vencedora. Cheio do CUNT que o programa adora procurar (e nos anos recentes, raramente encontra), ela é a definição de uma rainha vitoriosa em todos os campos.

Os visuais de cair o queixo, a comédia que virava a chave do humor chulo para o astuto num piscar de olhos e a porcentagem de trauma e choro que ajuda na construção de alguém intocável nas artes mas muito relacionável no campo humano. Envy acumulou quatro vitórias, um feito raro na franquia original. Antes da peruana, Sharon Needles (que venceu a temporada 4), Shea Couleé (que ganhou o All Stars 5) e Gigi Goode (que ainda não tem sua Coroa) foram as únicas que clamaram esse número de êxitos.

A grande competição de Envy repousou na figura de Janey Jacké. Poderia escrever a palavra grande entre aspas, pois Janey não representava temor algum às outras competidoras. Claro arquétipo da queen ‘complicada e perfeitinha’, que foge dos momentos vulneráveis e tem mínimos deslizes, e que no geral não traz nada de novo ao jogo. Lembram da Scarlett Bobo? Aliás, se Drag Race desse a Coroa à Janey Jacké, Violet Chachki perderia o posto de vencedora mais antipática da franquia. E, se Violet tinha a moda à seu favor, coitada de Janey.

De volta ao título, que sugere o tal teste para cardíaco: a inventividade da Holanda serviu tanto para o bem quanto para o mal. Uma tirada boa foi nomear os visuais da passarela, fruto que rendeu bons trocadilhos e esse ar de individual e inovador de cada modelito desfilado. E falando na passarela, chegamos ao ponto mais baixo de Drag Race Holland. Não sei o que deu na cabeça do editor do programa, que achou uma boa ideia sobrepor uma porção de canções na trilha sonora dos desfiles. 

Além do tema de abertura, ainda eram incorporados instrumentais das músicas de RuPaul. A gororoba sonora casou com a edição de imagens, que por algum motivo picotava as tomadas da Batalha de Dublagem, além de nunca adicionar a legenda visual com informações das canções, dos artistas e dos direitos autorais. Esses deslizes podem parecer um detalhe de rodapé, mas na hora do ‘vamos ver’ e de acompanhar o episódio, a edição porca e carregada alienava a experiência. Era insuportável de assistir a parcela final do capítulo. 

As decisões não favoreciam nem as queens nem o programa. Por falar nas rainhas, é inevitável comentar a passagem delas pela competição. Roem, a primeira eliminada, caiu na armadilha de ser soberba logo na semana um de uma temporada inaugural (vocês se lembram da Kyne? Então!). Patty Pam Pam exalava as vibrações de Tammie Brown, só que dessa vez a competição é muito maior que na época de Tammie e a ruiva foi logo chutada. Megan Schoonbrood fica no topo da lista de piores competidoras da série e merecia ter saído no lugar de Roem.

Madame Madness não viveu além da barba, mas seus 4 capítulos na corrida apresentaram com vigor o potencial de alguém que foge dos moldes comuns. Sederginne sair no Snatch foi criminoso, mas entendível quando lemos o contexto e o impacto de Abby OMG. A eliminação de ChelseaBoy, além de dolorosa de ser encarada, reforçou o caráter traiçoeiro do desafio do Makeover, onde as queens refazem alguém à sua imagem drag. Chelsea sucumbiu no mesmo momento que rainhas poderosas da franquia, como Raja, Alaska e Manila, também tropeçaram. 

O surpreendente (ninguém acreditou no Double Shantay) top 4 foi muito mais significativo no papel do que na realidade. Miss Abby OMG era o glamour do Brasil finalmente injetado em Drag Race. Ma’ma Queen representava o futuro que veio cedo demais. Janey foi o protocolar segundo lugar que nunca ganharia, papel que Ginger Minj e Kim Chi já chamaram de seu. E, por fim, Envy Peru marcou a imagem da América Latina celebrada do outro lado do mundo, o sinônimo de perfeição drag, ponto final. Oito episódios de Drag Race Holland depois, o bem venceu e Envy venceu, ainda bem. Que viva Peru, carajo, e que as versões não americanas de Drag Race vivam junto. 

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Jho Brunhara e Vitor Evangelista

A primeira temporada de Canada’s Drag Race terminou mais amarga do que deveria. Apesar do início extremamente promissor e dos episódios que facilmente desbancam as edições mais recentes da versão americana, o cansaço causado pelos apresentadores de primeira viagem e a constante imitação dos trejeitos de RuPaul Charles mostram que o problema do sequilho só é parcialmente pela quantidade de goiabada. A falta de consistência do trio da bancada não foi um empecilho só para as competidoras. Dez episódios depois, a franquia nos relembra que Drag Race premia muito mais o barulhento e chamativo do que o melhor histórico. 

Só nesse ano, as duas vencedoras do reality não ostentavam o melhor track record de vitórias. E isso não é um problema: tanto a coroação de Jaida quanto de Shea são inquestionáveis. Elas passaram por cima do pequeno detalhe de não serem as ‘melhores’ da temporada, seja pelos visuais na passarela ou pela performance nos desafios. Até mesmo nas duas ocasiões onde Essence Hall e Couleé aterrissaram no bottom, foi criada uma narrativa de redenção e merecimento. Mas agora, na terceira investida da franquia em 2020 (sem contar o Secret Celebrity), a coroação de Priyanka soa quase inadequada pro atual panteão de vencedoras do programa.

Calma lá: isso não quer dizer que Priyanka não é talentosa, muito pelo contrário. A queen de Toronto é um furacão de carisma, e seu star-quality era mais que evidente a cada take no confessionário. Porém, na competição, Pri naufragou exatamente onde colocava suas esperanças, os desafios de comédia. Com um passado de apresentador de programa infantil, ela se surpreendeu caindo nas piores da semana duas vezes, no Snatch Game e no Concurso de Beleza. Desafios carregados de veia cômica que ela deveria tirar de letra, principalmente para quem cantava aos quatro ventos seu talento na improvisação e no humor. Do trauma de quase ser eliminada, Priyanka encontrou luz em seus lip syncs geniais.

Enquanto isso, Rita Baga, outra finalista, teve um começo morno para se conectar com o público e com as outras queens. Como um cavalo de corrida treinado por anos, a francófona colocou o prêmio acima de tudo e seu profissionalismo engoliu qualquer traço de vulnerabilidade. Exatamente por se tratar de uma temporada inaugural, a atitude da mãe da Haus of Baga deu certo, e na metade da temporada já colecionava três vitórias, sendo a favorita para Coroa. Mas Rita entregou seu casco duro junto com sua estabilidade, e levou dois socos na reta final, estragando seu momentum.

O que diferencia a franco-canadense de Priyanka é que apesar dos tropeços, Rita mostrou excelência em todas as áreas que o programa avalia. Brilhou no Snatch Game com sua incrível imitação de Edith Piaf, venceu dois desafios de costura e divertiu nos de comédia. O mais importante aqui, ela mostrava as nuances e a amplitude da arte drag que a competição exige, manobras que vencedoras como Chad Michaels e Jinkx Monsoon exibiram anos atrás. Até seus lip syncs deixaram claro que a queen estava disposta limpar o chão do palco e rasgar suas roupas se fosse necessário. Quem sabe, se Rita Baga apostasse em visuais mais fora da caixinha, a sua vitória estaria no papo.

Sem RuPaul no centro da bancada, o Canada’s Drag Race juntou três forças nativas para comandar a coisa toda. A Rainha do Norte e ex-competidora Brooke Lynn Hytes assumiu a persona drag dos jurados, ao lado de Jeffrey Bowyer-Chapman, figura conhecida em Drag Race, e da experiente modelo Stacey McKenzie. A ausência da imagem desgastada de RuPaul foi um alívio à primeira vista. Os capítulos iniciais, onde o trio se revezava no ateliê e lufava ar aos pulmões enferrujados da franquia foram muito agradáveis, principalmente para quem assistia daqui de fora. 

Para as 12 competidoras, porém, parece ter sido difícil solidificar a imagem dos jurados como intocáveis. Brooke Lynn era constantemente gongada por ter saído perdedora da 11ª temporada, exatamente pelas queens verem nela uma colega competidora, e não uma força maior como Mama Ru. É quase como se RuPaul saísse no fim de semana, deixando a filha mais velha no comando, nunca será a mesma coisa. Quando falamos de Jeffrey, o buraco é mais embaixo. 

Principal alvo de críticas dos fãs, o ator chegou a desativar seu perfil do Twitter após ameaças de morte e ataques de ódio. É certo que suas críticas e apontamentos como jurado beiravam o ridículo, até a perseguição com algumas queens. A maquiagem à la Euphoria-sem-orçamento não ajudava em nada, e Chapman cavou a própria cova no programa. O inaceitável aqui já virou uma constante na franquia: o racismo escancarado de quem assiste e se acha no direito de acabar com a vida de alguém. Widow Von’Du, da temporada 12, declarou que vai dar um tempo da arte drag depois das constantes ofensas que ouviu nos últimos meses.

Todos os equívocos dos jurados foram feitos dentro do ecossistema do reality. A falta de expressão de Brooke Lynn não apaga seu talento como dançarina e performer. A proeza de Chapman de imitar uma RuPaul pior que a Trixie não anula seus êxitos como ator e modelo. Nessa bagunça, quem saiu “ilesa” foi Stacey. Muito mais centrada que seus colegas, McKenzie não operou em meia-fase ou forçou trocadilhos. No fim, nada disso importou muito. As decisões da bancada se saíam bem quando as escolhas de eliminação eram óbvias e, ao passo que as competidoras fillers ouviram seu Sashay Away, a carniça do alce começou a feder. 

Em 2009, na estreia do programa, RuPaul e os companheiros de bancada também não sabiam como apresentar a franquia que em alguns anos se tornaria febre mundial. A Supermodel of the World era a mais desconcertada, apontando críticas vazias, sendo desnecessariamente grossa com as queens e tendo até mesmo problemas para se portar como jurada. Como esquecer dela praticamente sussurrando os jargões antes da eliminação? Muito diferente de como se deu nos anos seguintes, quando passou a impor sua voz. 

Apesar dos jurados do Canadá terem como referência as outras 18 edições com RuPaul no comando, é normal que eles pareçam perdidos ou que não encontrem o tom certo de primeira. Mas, ao mesmo tempo, isso não deveria justificar certos equívocos, principalmente ao avaliar as participantes. Constranger Ilona por ter um corpo fora dos padrões, cobrar Lemon de algo em uma semana e não enxergar a mudança na seguinte, entre outros, são deslizes que não aconteceriam com uma pitada de bom senso. 

Em episódios como Star Sixty-Nine e Miss Loose Jaw, alguns comentários de Brooke passaram a sensação de terem sido feitos por pura maldade. No fim do dia, Canada’s Drag Race ainda é apenas uma competição, e onde mais fracassa é em copiar o modelo americanizado de jurados de personalidade forte (lê-se malvados), mas deixar de fora uma peça crucial: o alívio cômico. Canada’s não tem um Carson Kressley, e passa longe de ter um Ross Matthews. O que vemos são apenas xérox desbotadas de RuPaul e Michelle Visage. Quem não queimou as panquecas foi Stacey, mas infelizmente esse não é o programa de uma mulher só. 

Canada’s Drag Race acerta em dar um papel de destaque ao jurado convidado, para que não seja apenas uma aparição que recita piadas prontas e interage de forma artificial com RuPaul. No Norte, a visita é quem abre a porta, faz o café e acende a lareira. Além de apresentar o trio, é o guest quem brinca com os trocadilhos da semana, chama a categoria da noite e ainda tem a honra de declamar o icônico “e que a melhor mulher vença!”. Quem merece destaque dessa leva de hosts é Allie X, Amanda Brugel (de The Handmaid’s Tale), e a lendária Michelle Visage.

A imprevisibilidade do progresso das competidoras revigorou o espírito do reality. Enquanto na terra do Tio Sam assistíamos já esperando que Gigi Goode e Miz Cracker se safassem do Bottom 2, o Canadá não cansava de dar rasteira: Lemon, que sobreviveu ao primeiro lip sync, ganhou dois maxi-challenges, além do reading. Por outro lado, Kyne, a auto proclamada bitch da temporada, ruiu na segunda semana. E, pela primeira vez na herstory, a vencedora da temporada dublou duas vezes. Até então, winners como Raja, Sharon e Bob The Drag Queen, correram risco de ser eliminadas em no máximo uma ocasião. 

Priyanka fez do ponto que deveria ser sua maior fragilidade na competição sua anti kryptonita. O número de I Drove All Night se mostrou digno de um double-shantay (quando ninguém é eliminado), e em Hello, a rainha mostrou que não precisa de espacates e piruetas para vencer, ao injetar comédia no momento chave da música de Allie X. Aliás, Canada’s humilhou sua irmã do Sul no quesito dublagem. Tanto a décima segunda temporada quanto o All Stars 5 não emplacaram nenhum lip memorável, e até a escolha de músicas foi terrível.

As queens do Norte também entregaram um dos melhores números musicais da franquia, com a imponente Not Sorry Aboot It. A diss-track entre girl groups uniu uma batida viciante a versos fortes e pegajosos, graças a criatividade das competidoras. O Canada’s Drag Race condensou ótimos desafios com mini-challenges inventivos e categorias da passarela que muito impressionaram quem assiste. O terceiro capítulo ilustrou uma runway capilar, sob a alcunha Québec-ky With The Good Hair, aludindo ao poderoso Lemonade de Beyoncé.

Os episódios de 1 hora se esbaldavam nas minúcias de Drag Race. A abertura pós-eliminação, a leitura das mensagens no espelho, passando pelos mini-desafios, os maxi e a passarela, ainda sobrava espaço para o Untucked. A cereja do bolo ficou à cargo das dublagens, dessa vez estendidas, pisando no calo do programa original que adora picotar os momentos musicais. Onde diabos foram parar os minutos que RuPaul insiste em passar a faca?

As discussões levantadas no programa parecem menos roteirizadas que os dramas da versão original. Violência doméstica, assédio sexual e homofobia foram algumas das problemáticas e tabus que as queens abriram o coração sobre. A representatividade de Ilona Verley, queen first nation e two spirits, foi outro passo para o discurso de aceitação que o programa de RuPaul espalha desde 2009. 

Num tratamento mais humano e atencioso, o programa amparou Juice Boxx logo no primeiro episódio, quando ela experienciou um ataque de ansiedade no palco, prestes a receber a crítica dos jurados. Grande avanço para o mesmo programa que ridicularizou Max em 2015. A queen da sétima temporada chegou a encerrar o contrato com a marca de RuPaul devido ao tratamento porco e desleal que sofreu da edição, pintando-a como histérica.

Outra que sofreu pela pressão do reality foi Tynomi Banks. Com o nome mais conhecido do elenco dentro do país, a drag penou a se adequar à dinâmica da competição e acabou não acumulando êxito algum, sendo eliminada no agitado lip sync de Girlfriend, de Avril Lavigne. Tynomi é mais uma prova de que Drag Race avalia suas queens apenas dentro dos parâmetros do reality, e nunca será atestado de competência e validação fora dos estúdios da World of Wonder. 

A visita ao Reino Unido ano passado já confirmou que existe muito talento para além dos Estados Unidos. Da mesma maneira que a pontinha de Katya saudou as irmãs inglesas, a inserção de Crystal, nativa do Canadá, é um aceno que o RuPaulverse está todo conectado. Outra queen que performa longe da terra natal é Lemon, residente em Nova Iorque. Com apenas 24 anos, a experiência da Grande Maçã nas costas engrandeceu sua participação e sua saída prematura foi um golpe doloroso. Lemon não é apenas um rostinho bonito, ela dança, atua, canta, gonga, e sua JoJo Siwa foi um ponto de virada na competição.

O elenco de Canada’s Drag Race não era composto por one trick ponies, muito pelo contrário, as personalidades do Norte não cansaram de mostrar versatilidade e singularidade. Anastarzia Anaquway foi a primeira queen na herstory do programa a não deixar uma mensagem de despedida no espelho. BOA chegou como candidata a primeira eliminada, mas conquistou o coração de suas colegas e do público, até os jurados se cansarem de sua comédia Zorra Total e seus visuais camp. Kiara, no outro extremo, esbanjou apatia – exceto em seu único grande momento, o verso em Not Sorry Aboot It. 

RuPaul pode ter muitos defeitos como jurada, mas raramente é injusta. Seu afeto por Vanessa Vanjie Mateo e Heidi N Closet não influenciou no tempo que passaram na competição. No Norte, o trio comandante não jogou de forma limpa, como quando envolveram Scarlett Bobo numa capa de proteção. O crime hediondo veio em dose dupla no clássico desafio do makeover, quando o combo maiô verde fluorescente e jaqueta de couro com franja de ir no rodeio lhe rendeu uma posição alta na semana. E no desafio seguinte, o aguardado The Snow Ball, Bobo garantiu sua posição na final ‘costurando’ um top e uma calçola, um visual que seria detonado em qualquer outra ocasião da série. 

A vencedora Priyanka recebeu botes salva-vida dos jurados, também. O favoritismo por parte de Brooke Lynn ficou escancarado semana após semana. É difícil esquecer das várias ocasiões em que Pri usou sua frase de efeito (‘qual meu nome?’) e Hytes correu pra gritar a resposta de volta. A vitória da queen quebrou outra ‘maldição’ que Drag Race mantinha há alguns anos: a da narradora da temporada. Depois de Katya, Shangela e Jujubee assistirem impotentes a Coroa de Grande Estrela parar na cabeça de outra competidora, a canadense adicionou ao currículo o cargo de voz da season, adendo ao título de Primeira Super Estrela Drag do Canadá.

Eu sei que você está esperando para ler sobre a Jimbo. Das 175 queens que já entraram no ateliê, a drag clown é única. Transbordando capacidade metamórfica, Jimbo ia de titio de perucas para dominatrix ultrassexy num piscar de olhos. Mesmo que a maquiagem não chegasse a altura de outros talentos, sua comédia, atuação, habilidades de costura, criatividade e exímia qualidade de estrela fazem de seu nome um clássico instantâneo. Alguém que veio para ficar, dentro da mitologia de Drag Race e, principalmente, fora dela. 

A caça às bruxas promovida pelos jurados do painel saiu pela culatra. Sim, Jimbo perdeu, mas aqui fora, quando a corrida realmente começa, ela já é a vencedora. Favorita dos fãs logo de cara, cada semana de injustiças fortalecia a imagem de mártir, que foi consumada em sua eliminação. E de tanta cacetada, Jimbo entrou na defensiva, e assumiu uma postura amarga e arrogante. Independente do que ela apresentasse na passarela, a bancada procurava pelo em ovo para criticá-la. O cúmulo foi no makeover, intitulado A Family Affair (Um Caso de Família). A rainha palhaça foi comida viva na passarela por apresentar um rolo entre irmãs. E seu maior erro? Estava sexy demais. Desde quando isso é um problema em Drag Race?

A rejeição de Jimbo por parte de Brooke Lynn faz o mínimo de sentido: a Rainha do Norte preza muito mais por uma drag de excelência e costumes, dos chamados concursos de beleza. Mas a inaptidão de Hytes de separar seus gostos pessoais da competição escancara sua falta de tato para ocupar uma das cabeças de RuPaul. Para o show, e também para a drag clown, ter sido eliminada antes do Top 3 foi o melhor cenário, sem expectativas de ganhar a Coroa. O programa oxigenou a imagem de Jimbo para os espectadores, fechando seu arco de perseguição. 

Canada’s Drag Race tem muito o que aprender com RuPaul. Não só com o reality americano, mas principalmente com o apresentador. Julgar e ponderar uma competição de drag queens requer sangue frio e a cabeça no lugar. Não existe espaço para avaliações a partir de emoção, favoritismo ou, sem mais nem menos, falar que uma competidora “não é nem um pouco glamourosa”. Por mais que o programa crie essa mística de personagens e personalidades de batom e peruca, ainda são pessoas embaixo dos tecidos, do padding e do tucking. 

A vitória de Priyanka é agradável aos ouvidos e leve ao coração, mas em momento algum corrige o desvio de curso que a temporada inaugural do Canadá tomou. A frase de eliminação de Lemon já cantou a bola de como ficaríamos no final da temporada: vamos nos sentir amargos para sempre. Ou, pelo menos, até RuPaul botar ordem na casa. 

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