Arthur Caires

Em uma era em que o entretenimento parece girar em torno de reembalar o passado – seja em forma de séries recicladas, live-actions que ninguém pediu ou o saudosismo Y2K nas músicas –, é raro ver alguém navegar por esse mar de referências com autenticidade. A nostalgia virou estratégia de marketing, e o resultado quase sempre escorrega na superfície: muito glitter, pouca substância. 

É por isso que Addison, álbum de estreia de Addison Rae, chama atenção. Mais conhecida pelo seu sucesso nas redes sociais, Rae surpreende ao construir uma identidade musical própria e bem definida. Com referências claras a ícones como Madonna, Britney Spears e Lana Del Rey, ela mostra que tem mais a oferecer do que se imagina – e que, ao contrário do que o público pode esperar, seu repertório cultural vai muito além dos hits virais das dancinhas. Com coesão e personalidade, Addison Rae entrega um dos debuts mais marcantes desde quando Olivia Rodrigo lançou SOUR em 2021.

Para entender o que Addison representa como álbum, é preciso revisitar a jornada da própria artista. Addison Rae se tornou um rosto conhecido como uma das maiores estrelas do TikTok, viralizando com coreografias e dublagens que a transformaram em fenômeno digital. Mas ela nunca se limitou à tela do celular: buscou espaço também no cinema, com a comédia He’s All That da Netflix, e no mundo dos negócios, ao lançar sua própria linha de maquiagem. 

Sua primeira tentativa na música veio em 2021, com o single Obsessed, produzido por Benny Blanco, que teve uma recepção morna. Depois disso, Rae ficou em silêncio – até que, em 2023, uma leva de demos vazadas reacendeu o interesse do público. A coletânea, conhecida como AR, trouxe faixas como 2 Die 4, que, apesar das críticas, já indicava o potencial de Rae para algo maior.

O que veio a seguir foi, na prática, um rebranding. Com o apoio decisivo de Charli XCX – que não apenas virou mentora, como também a ajudou a conquistar credibilidade no universo pop ao incluí-la no remix de Von dutch –, Rae passou a construir sua persona artística com mais consistência. Participou do Coachella ao lado de Arca, lançou singles com videoclipes bem produzidos e começou a ser reconhecida por um trabalho que ia além da estética viral.

O primeiro indício de que Addison Rae estava construindo algo maior do que apenas um hit viral surgiu em agosto de 2024, com o lançamento de Diet Pepsi. Embalada por sintetizadores nostálgicos e vocais que remetem diretamente às entonações de Lana Del Rey, a faixa conquistou o público com seu refrão viciante e atmosfera etérea. Mais do que um bom single, funcionou como um manifesto estético: dali em diante, cada lançamento seria tratado como uma mini-era com identidade própria, acompanhada de videoclipes meticulosamente produzidos e uma curadoria visual que sustentava o universo que Rae começava a construir.

Entre os destaques dessa sequência está High Fashion, lançada em fevereiro de 2025. Com produção trip-hop e aura hipnótica, a faixa foi rapidamente comparada à sonoridade de Blackout, o clássico cult de Britney Spears – e não à toa. Tanto Rae quanto Britney são filhas do interior de Louisiana, e compartilham mais do que a geografia: High Fashion bebe diretamente da fonte de Heaven On Earth, com vocais sussurrados, pulsos eletrônicos sensuais e uma entrega performática que evoca o glamour de uma estrela determinada a conseguir o que quer.

Em Headphones On, lançada em abril de 2025, Addison Rae mergulha ainda mais fundo em suas referências densas e sofisticadas, agora evocando o introspectivo trip-hop noventista com um toque inesperado de new jack swing. A faixa, que fala sobre encontrar refúgio na música em meio ao caos exterior, soa como um diário íntimo da cantora. É aqui que Rae se aproxima da Madonna dos anos 90 – mais especificamente da fase Bedtime Stories e Ray of Light, em que a Rainha do Pop flertava com gêneros eletrônicos para expressar vulnerabilidades e desejos com mais maturidade. Assim como Madonna naquela época, Rae parece interessada em construir camadas emocionais por meio de texturas sonoras, transformando uma experiência de escapismo em algo quase espiritual.

A coesão de Addison não se revela apenas na estética bem amarrada ou nos videoclipes meticulosamente pensados, mas também no núcleo criativo por trás do disco. Produzido inteiramente por duas mulheres – Elvira Anderfjärd e Luka Kloser, pupilas diretas da escola Max Martin – o disco aposta em uma sonoridade consistente, que sabe brincar com o exagero, a sensualidade e a introspecção sem jamais parecer desorientado. As letras oscilam entre o humor irônico e a vulnerabilidade sutil, mostrando que Rae não tem medo de rir de si mesma, mas também sabe exatamente o que está fazendo. É essa combinação entre inteligência estética e autopercepção que a distancia de outros projetos “conceituais” que acabam engessados pela própria ambição.

Um ótimo exemplo disso é Fame Is a Gun, faixa em que Rae reflete sobre o poder e o peso de ser constantemente observada. Aqui, vale um paralelo inevitável com Piece of Me, de Britney Spears. Ambas abordam a fama como arma, porém com perspectivas bem distintas. Enquanto Spears expunha a brutalidade da exposição pública em um momento em que não controlava a própria narrativa, Rae canta sobre a fama como algo que ela deseja, domina e sabe usar a seu favor. A diferença entre as duas está no tempo e no contexto: se Spears pavimentou o caminho com trauma e resiliência, Addison Rae é parte de uma nova geração de popstars que herdaram esse legado – e agora têm as ferramentas para contar suas próprias histórias sem pedir permissão.

Addison Rae talvez não esteja tentando mostrar quem ela é, mas sim lembrar ao público o que o pop pode e deveria ser. Addison não tenta soar mais profundo do que realmente é, e essa honestidade é uma das maiores virtudes do álbum. Em vez de mergulhar em metáforas complexas ou criar enigmas para os fãs decifrarem, ela entrega letras diretas, refrões marcantes e melodias que grudam na cabeça sem pedir desculpas por isso. É um disco que convida à diversão, ao escapismo e, por que não, ao puro prazer de se sentir famosa ouvindo música no fone de ouvido.

E mesmo com toda a estética nostálgica – da capa saída direto dos anos 2000 ao uso estratégico de referências que dialogam com a história do pop –, Addison não soa como uma cópia. Ela sabe usar o passado como material de construção, não como muleta. Ao longo do álbum, sua entrega vocal e carisma revelam alguém que compreende o jogo da fama e joga com entusiasmo, sem perder o controle da própria narrativa. Em Times Like These, quando ela ouve a si mesma no rádio e diz “Vamos ver quão longe eu vou”, não soa como dúvida; e sim como uma provocação.

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Raquel Freire

Quando o assunto é a indústria musical, não é incomum ouvir que artistas, principalmente mulheres, precisam se reinventar múltiplas vezes para continuarem na cena. É o que aconteceu com Halsey na última década: ela fez sua estreia como uma adolescente rebelde em BADLANDS (2015), defendeu a postura de uma ‘artista conceituada’ transformando o clássico shakespeariano Romeu e Julieta em hopeless fountain kingdom (2017), mostrou-se como uma autora de sucesso mundial em Manic (2020) e uma máquina de ódio industrial que explodiu em If I Can’t Have Love, I Want Power (2021). Seu quinto álbum de estúdio, The Great Impersonator, segue a mesma linha. No entanto, ao invés de assumir uma única personalidade, Halsey assume 18.

Há um grande motivo por trás deste conceito. Ashley Nicolette Frangipane criou sua persona artística antes de entrar na vida adulta e, desde então, a assume. Com o passar do tempo, os traços que definiam cada nome tornaram-se cada vez mais parecidos, até chegar ao ponto em que a própria artista não conseguia discernir quem era quem. Dessa forma, acreditando que este seria seu último álbum, Frangipane decidiu incorporar outras personalidades para além de Halsey, explorando como sua Arte seria se ela estivesse no cenário da Música nas décadas de 1970, 1980, 1990 e 2000. Cada faixa saúda, de alguma maneira, uma das inspirações da artista, que as ‘personificou’ ao recriar looks icônicos de seus ídolos.

Em algumas músicas, as influências declaradas são bem aparentes; em outras, é difícil fazer a conexão. Ao ver Halsey posar como Dolly Parton na divulgação de Hometown, não é difícil adivinhar que essa será a produção com um sabor country no álbum, embora a descrição de como um colega de escola, que faleceu cedo demais, está congelado no tempo não pareça com algo que Parton faria. Por outro lado, Panic Attack, inspirada em Stevie Nicks e um dos pontos altos do disco, é totalmente parecida com Dreams em sua execução nitidamente analógica da década de 1970, misturando vocais cintilantes e guitarras com reverberação pesada que exploram a essência vintage de Nicks.

Apesar desse ponto, essa escolha totalmente diferente de criar e incentivar as pessoas a pensar sobre a obra comprova a qualidade do principal material apresentado: a mensagem que a cantora quer transmitir. Da primeira à última música, fica claro que o sentimento que guia o disco é a mais pura ansiedade e, em nenhum momento, o ouvinte deixa de prestar atenção nas grandes questões com as quais Halsey está lutando. Ao invés de formar uma grande bagunça que mais distrai do que atrai, a mistura de gêneros e tons resulta em uma experiência auditiva dinâmica e imprevisível, assim como os temas de vida, morte, amor, raiva e legado são apresentados ao longo dos 66 minutos de duração.

The Great Impersonator não foi concebido para ser uma experiência fácil de ser ouvida, ao passo que carrega algumas das músicas mais profundas e reveladoras da carreira de Halsey. Entre o lançamento de seus dois últimos álbuns, a cantora terminou um relacionamento (de uma forma não muito amigável, pelo que parece) logo após o nascimento de seu primeiro filho e foi diagnosticada com leucemia e lúpus. Essas experiências são, sem dúvidas, capazes de mudar a perspectiva de qualquer pessoa, e Frangipane incorpora esses sentimentos no álbum extraordinariamente.

Life of the Spider (Draft) é o maior exemplo. Composta apenas pelos vocais de Halsey e as notas de um piano, a música, inspirada em Tori Amos, soa como uma voicenote – um desabafo tão vulnerável que passa a sensação de que a cantora não a regravou para não precisar repeti-lo. Aqui, Halsey fala sobre como a dinâmica de seu relacionamento mudou quando ela começou a sentir os efeitos colaterais de seu tratamento. A faixa se baseia em uma metáfora muito específica: ela se caracteriza como uma aranha que, apesar de inofensiva, está prestes a ser exterminada por um homem que se sente irritado por ter que dividir seu espaço com um ser que, normalmente, gera repúdio nos outros.

Outra composição que deixa o ouvinte com vontade de fazer uma pausa para digerir o que foi dito é The End, o primeiro single do disco. Ao mesmo tempo em que é a música que aborda mais extensa e abertamente o quadro de saúde de Halsey, é a que mais se aproxima de uma música alegre na coletânea. Isso acontece porque é a única vez em que ela se dirige a um parceiro que a apoia e, aparentemente, a ama. Com uma voz calma e um simples dedilhado à la Joni Mitchell, ela canta que, ainda que parecesse o fim do mundo, ela não estava sozinha, e isso fez com que toda a situação não fosse tão difícil de lidar. O questionamento final, “Você pode me pegar às oito?/Porque meu tratamento começa hoje”, é o momento mais doce de um álbum que não possui muitos deles.

Embora pareça, em um primeiro momento, que este será um álbum apenas sobre a saúde da cantora, logo surgem músicas que abordam áreas mais universais da angústia. Uma delas é Darwinism, inspirada em David Bowie, que faz um trabalho brilhante em combinar solidão com pânico existencial. Nessa faixa, Halsey expõe o sentimento de não conseguir fazer parte de um todo, como se todas as pessoas estivessem construindo o que precisam e seguindo seus planos, enquanto ela se vê incapaz de seguir adiante. Em termos de darwinismo, ela se refere a si mesma como uma espécie primária – todos os outros evoluíram, mas ela, talvez, nunca o fará.

Lonely is the Muse e Arsonist também fazem parte deste grupo. A primeira, que ecoa a atmosfera alternativa mais sombria de Amy Lee, contém partes de um poema escrito por Halsey, no qual ela assume o papel de uma mulher cujo único propósito é inspirar um amante, sendo descartada assim que não for mais necessária. A segunda, que remete ao groove de Fiona Apple, apresenta uma melodia muito mais suave do que suas palavras atormentadas. Abertamente feita para seu ex-namorado – cujo primeiro nome, Alev, significa ‘chama’ em turco –, a música discorre sobre a toxicidade do relacionamento de ambos, no qual Halsey o define como o fogo e, ela, como a água.

Arsonist foi o resultado da colaboração da cantora com Michael Uzowuru, que participou da produção da maioria das faixas, assim como Alex G. Essa é a primeira vez que eles trabalham em parceria desde Blonde (2016), de Frank Ocean. É fato que, aqui, seria difícil superar o trabalho que Trent Reznor e Atticus Ross, da banda Nine Inch Nails, entregaram em If I Can’t Have Love, I Want Power. Entretanto, esses músicos – e alguns outros que se juntaram a eles, como Austin Corona e Caleb Laven – conseguiram criar um álbum que mantém um pouco do assombro do disco anterior, ao mesmo tempo em que se expande para uma paleta mais ampla.

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Mesmo com um conceito inédito e uma imensa qualidade na produção e na composição das músicas, escutá-las uma por uma, na ordem estabelecida, não é algo que vai agradar a todos – principalmente aqueles que não se familiarizaram com o significado por trás delas. Contudo, quem se arrisca a chegar ao final conclui que esse não foi um álbum criado para os charts e a grande massa, mas sim para a Arte e a própria Halsey. Feito em um momento de sua vida em que tudo estava incerto, o disco é um registro de que ela sobreviveu. É, também, um registro impecável de como a exploração da liberdade criativa e o desejo de não ser ‘mais do mesmo’ podem resultar em verdadeiras obras de arte.

The Great Impersonator não foge da escuridão, mas celebra a luz dentro das inspirações mais profundas de Halsey. Mais do que uma coleção de ‘imitações’, o álbum se mostra como uma declaração ousada de identidade artística; um testemunho da cantora multifacetada que ela se tornou. Ao homenagear as pessoas da indústria que a definiram, Ashley Nicolette Frangipane molda um novo capítulo em sua história – um que captura a beleza, o caos e a vulnerabilidade de sua vida e de sua Arte, ao mesmo tempo em que eleva as vozes daqueles que vieram antes dela.

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Talita Mutti

Em uma mistura de confusão e autoconhecimento, Tyler, The Creator revela seu verdadeiro ‘eu’ em CHROMAKOPIA, lançado em Outubro de 2024. Com faixas marcadas por sua produção criativa e autêntica, repletas de composições que constroem uma experiência completa e imersiva, a obra consolida a relevância do cantor na cena musical. Tyler Gregory Okonma explora um outro lado do rap atual, com oito álbuns de estúdio na discografia, ele constroi narrativas através dos alter egos que marcam cada trabalho, junto de uma produção carregada de elementos que o difere de outros artistas da cena. Okonma externa pensamentos e temas que o assombram, refletindo cada fase da própria vida, mas sempre por trás de um personagem.

A revolta, agressividade e dificuldade de aceitação são temas predominantes em Goblin (2011), Wolf (2013) e Cherry Bomb (2015). Enquanto o amor, autoconhecimento, sexualidade e solidão são tópicos presentes em Flower Boy (2017) e IGOR (2019), álbuns em que ele expõe seu amadurecimento, fechando feridas que estavam abertas desde seu debut e, ao mesmo tempo, mudando a narrativa dos alter egos. Em CHROMAKOPIA não foi diferente. Logo de cara, ‘T’ apresenta seu novo personagem na faixa de nome St. Chroma.

O disco pode não ser o trabalho mais inovador de Tyler, The Creator. É certo que, se você é fã do artista, deve ter sentido certa familiaridade ao escutar Darling, I, composta por uma melodia parecida com SWEET/ I THOUGHT YOU WANTED TO DANCE, por exemplo. Mas, mesmo usando de ritmos e estilos parecidos, o produtor traz elementos que reciclam seu próprio repertório e, de certa forma, reinventam o que ele já criou em outros trabalhos.

O disco tem uma entrada agressiva, com sons de marcha e um suspense através do sussurro de St. Chroma e, mais uma vez, o rapper faz mágica através de sua produção. A faixa apresenta uma crescente estrondosa a cada elemento que lhe é adicionado: latidos do próprio produtor, passos, melodia,  cantos ecoantes da palavra “CHROMAKOPIA” e, principalmente, os vocais de Daniel Caesar, que constroem uma atmosfera que leva o ouvinte a uma sensação de imersão total ao que está prestes a ser apresentado. “Você consegue ver a luz?” certamente, após ouvir essa música, sim.

Todas as faixas foram escritas, produzidas e estruturadas por Tyler Gregory Okonma e, como em outras eras, a lírica reflete muito do que o rapper vive e traz à tona suas próprias reflexões sobre a vida. Mas, dessa vez,  essa versão de ‘T’ realmente se preocupa com o futuro. O tempo tem passado; sua mãe tem envelhecido; seus amigos têm construído família; sua ex já se casou. E ele? Tem uma Ferrari e algumas coisas para falar. Parece ser um misto de sentimentos, uma parte dele não se importa com o futuro, porém, quando começa a pensar em tudo o que lhe é cobrado conforme a idade, não soa como algo obrigatório, e sim como o tempo passando e ele estagnado.

Okonma se vê, pela primeira vez, preocupado com o futuro. Ele mesmo não se reconhece. Não é algo característico de sua personalidade. Tomorrow, décima faixa do álbum, muda de marcha com uma melodia lenta e reflexiva que parece mais íntima do que seu estilo usual. “Não espere por mim, eu ficarei bem” – a repetição desse verso ao longo da música reforça seu desejo de independência e sua relutância em se conformar às expectativas. A faixa é profundamente pessoal para o produtor, abordando medos universais sobre envelhecer e as expectativas que vêm com isso. Sua decisão de focar no medo da paternidade em um mundo que está sempre mudando é identificável, e a produção delicada permite que suas letras introspectivas ecoem.

Em uma conversa muito sincera, o compositor escolhe citar supostos casos de pessoas que perderam sua personalidade por tentarem provar algo para outras pessoas ou, como em suas palavras, “para ter validação de gente burra e confusa”. Seja um rapper, um ‘riquinho’ que tenta pagar de gangstar, um homem gay no armário, uma mãe frustrada e, no final, o próprio ‘T’.  Em Take Your Mask Off, há uma introdução serena que prepara o cenário para uma exploração profunda de identidade e autenticidade, um tema recorrente na discografia de Tyler Gregory Okonma. Esta exploração sincera da vergonha e da autenticidade convida os ouvintes a se envolverem em uma diálogo mais amplo sobre aceitação e a coragem necessária para viver a verdade.

Após a ponte, o rapper parece estar dentro de um monólogo, falando de todas suas inseguranças e desafios que enfrentou durante sua vida e carreira. Com os vocais de Daniel Caesar, ‘T’ constrói uma faixa harmônica e tranquila, acompanhada de muito sentimento e sinceridade na lírica. Take Your Mask Off pode ser relacionada com o próprio alter ego do álbum, que utiliza uma máscara semelhante ao rosto do cantor. “Esse é o primeiro álbum que tudo o que eu disse é verdade. É tão honesto que acho que tive que usar uma máscara com meu próprio rosto para conseguir colocar algumas dessas coisas para fora”, afirma o artista ao falar sobre CHROMAKOPIA para o portal X.

Além de crescimento pessoal e autoconhecimento, o compositor aborda os desafios da fama e, em um videoclipe com possíveis referências de outros artistas, como Runaway de Kanye West, ele externa a paranoia que o assombra. Em outros projetos, o produtor já havia exposto como a fama se tornou um obstáculo em sua carreira e Noid confirmou isso. Okonma exemplifica o quão angustiante é a vida de quem tem que se submeter a esse tipo de exposição, mostrando que nem na própria casa há privacidade. Tudo é visto, gravado e registrado. Sempre há alguém olhando e, mesmo sendo uma pessoa pública,  expondo em outras músicas que é ‘o melhor da cidade’, até ele precisa de espaço. Esse alter ego de ‘T ’ humaniza e mostra como a vida dele realmente é.

Como de costume, o rapper não tem medo nenhum de esconder que se vê como um dos ‘melhores da cena’. Com uma produção intimidadora, Sticky é um exemplo de como o disco cresce. Com a participação de GloRilla, Sexyy Red e Lil Wayne, a faixa é marcada pela energia agitada e toda a criatividade do artista. Formando uma fusão dinâmica de estilos, entrelaçando sem esforço entre rap e sons experimentais. O refrão, “A coisa tá ficando feia, feia…“, que funciona como um gancho que traz o ouvinte a crescente da música, parece estar te levando para algum lugar. Assim, prendendo o ouvinte e tocando na energia divertida e caótica da faixa.

A composição na música é igualmente envolvente, cheia de reviravoltas imprevisíveis. O produtor brinca com sons diferentes, desde as batidas infundidas de trap nos versos até os breakdowns distorcidos e pesados ​​de baixo. Há uma energia frenética nas transições que mantém o ouvinte envolvido, tornando-a uma daquelas faixas que parece mais intrincada a cada audição. A disposição de ‘T ’ em experimentar batidas e texturas compensa aqui, dando uma vantagem única dentro do álbum que, a cada vez que você der o play, vai perceber algo novo que não tinha escutado.

Além de Daniel Caesar, Lil Wayne, GloRilla e Sexyy Red, CHROMAKOPIA conta com a presença de nomes relevantes na cena, como Doechii, Teezo Touchdown, Latoiya Williams, Schoolboy Q, Santigold, Lola Young Childish Gambino e Willow. Escolhas que encaixaram perfeitamente no projeto. Tanto em relação aos vocais que ajudaram na composição da produção dinâmica e fantasiosa, quanto aos feats marcados por autenticidade e potência.

Em CHROMAKOPIA, o rapper externa temas profundos que o assombram a vida inteira, mas, como em todo álbum, ele traz uma narrativa diferente. Os receios com a fama; a paternidade; o medo de ser insuficiente. Esses e outros temas já foram abordados pelo o rapper de Goblin, Wolf e seus outros discos. Entretanto, agora, vemos Tyler Gregory Okonma maduro e compreendendo questões que apenas com a idade seriam fáceis de assimilar.

Para os fãs de longa data, é como um reencontro, com uma sensação de nostalgia. Um pressentimento de que já vimos alguém, mas que, hoje, está totalmente diferente. CHROMAKOPIA é sobre amadurecimento, aceitação e, nas palavras do rapper, sobre os conselhos que a mãe do artista dava, que só com o tempo ele pôde entender. “Você nunca cansa de me impressionar; continue brilhando”, reforça a mãe no final do álbum.

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Henrique Marinhos

A cantora, compositora e produtora Rosalía nasceu em Sant Esteve Sesrovires, na Catalunha, em 1992 e se tornou um fenômeno da música pop com o lançamento de seu segundo álbum, El mal querer, há 5 anos. A obra conceitual mistura elementos do flamenco, pop e urban com vocais e visuais esplendorosos e surpreendentes para um projeto de conclusão de curso na Escola Superior de Música da Catalunha. 

A sonoridade das músicas foi criada a partir das influências de outros gêneros literários, como a poesia, que é evidente nas letras e fazem parte de concepção artística que vai além da história em si, questionando se realmente aprendemos algo ao longo do tempo e explorando o mal querer. Em 11 capítulos inspirados na literatura de um autor desconhecido, a cantora expõe a narrativa de uma mulher humilhada em seu relacionamento, através de temas como violência doméstica e machismo. 

O sucesso do álbum permitiu que Rosalía alcançasse reconhecimento internacional, levando de cara quatro estatuetas de Álbum do Ano, Melhor Álbum Pop Vocal Contemporâneo, Melhor Arte Visual e Melhor Engenharia de Gravação no Grammy Latino, e, no ano seguinte, El mal querer também ganhou o Grammy Awards como Melhor Álbum Alternativo. O lançamento atraiu não apenas os fãs de flamenco, mas também fãs do pop em geral. No entanto, gerou polêmica e certa rejeição da comunidade gitana espanhola, devido a queixas de apropriação cultural do gênero e sobre seu pertencimento ou não na música latina enquanto cantora espanhola, tema discutido há eras.

As músicas de Rosalía misturam elementos tradicionais e modernos, mas às vezes tendem mais para a tradicionalidade. Consequentemente, parte das faixas não tem tanto reconhecimento quanto às principais e as mais conhecidas seguem o padrão da indústria popular, como MALAMENTE (Cap.1: Augurio), que a lançou ao estrelato. Com uma batida forte e envolvente, misturando elementos do flamenco com o pop e o urbano, a canção entrou para a lista da Billboard de músicas que definiram a década.

Em contrapartida, RENIEGO (Cap.5: Lamento) e BAGDA (Cap.7: Liturgia) são baseadas em uma melodia clássica do gênero espanhol e apresentam uma produção mais minimalista do que outras. Sua composição tem elementos mais suaves e menos percussivos, que não foram tão aceitas pelo público geral por serem vistas como simples ou monótonas, mas sem dúvidas são composições muito bem-vindas na obra como um todo.

Alguns membros da comunidade espanhola gitana acusaram a artista de se apropriar do flamenco, uma expressão artística típica de populações marginalizadas na Espanha, e de não respeitar a tradição e a cultura de seu povo por dar uma nova roupagem ao gênero, incorporando-o a outros. Além disso, eles também viram sua obra como uma tentativa de comercializar o estilo para um público mais amplo, o que dilui a autenticidade e a essência do gênero musical.

No entanto, outra visão é de que a cantora traz o flamenco para um público mais jovem e diverso, ajudando a expandir a audiência do gênero musical e mantê-lo vivo para as gerações futuras, com “máximo respeito”, como a ela se pronunciou em entrevista à GQ. As polêmicas se difundiram novamente no lançamento de seu último álbum, Motomami, de 2022

El mal querer é inspirado no livro Flamenca, um romance medieval de um autor desconhecido que narra a vida de uma jovem casada com um homem que enlouquece de ciúmes e a acaba encarcerando em uma cela. Nas músicas, por exemplo, seus títulos seguem as denominações do livro: CAP. 1. AUGURIO – Malamente, CAP. 3. CELOS – Pienso en tu mirá, CAP. 4. DISPUTA – De aquí no sales e CAP. 7. LITURGIA – Bagdad.

Algumas das citações mais marcantes de El mal querer que ajudam a basear sua formação e influências em poucas palavras incluem “Aquele pedacinho de vidro quebrado, eu senti como rangia antes de cair no chão, já sabia que ia se quebrar” e “Não permito que nenhum homem dite minha sentença“. O trabalho de Rosalía inspirou muitos outros no sentido acadêmico, com muitas citações e análises de sua obra sendo disponibilizados em sites de pesquisa.

Através de uma relação íntima e perigosa com o lírico e gêneros não tão conhecidos ou aceitos popularmente, Rosalía se arriscou no que poderia ter sido apenas uma conclusão de sua graduação. Ela também gerou polêmica quanto sua suposta reinvenção do flamenco, desafiando o status quo cinco anos atrás e catapultando sua carreira ao reconhecimento mundial do atual cenário da indústria 

Com El mal querer, Rosalía conseguiu não apenas conquistar prêmios e reconhecimento internacional, mas também provocar reflexões sobre temas como o amor, a violência, a liberdade e a identidade feminina, se fazendo um exemplo de como a arte pode ser transformadora e inspiradora para as novas gerações. Além disso, também reivindica seu espaço como uma das vozes mais interessantes da música contemporânea, não se limitando a seguir padrões estabelecidos, inovando e experimentando novas formas de expressão e da própria Arte, feitos incomuns para um TCC.

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Nathalia Tetzner

Vestindo a carapuça, ou melhor, o manto dourado que encobre as divas do pop traídas, Miley Cyrus começou 2023 colocando o pé na porta da casa em que o ex-marido a traiu com 14 mulheres e com a passagem comprada para uma férias de verão sem fim. Acontece que ambos se provaram uma ilusão: as estatísticas foram inventadas pelos fãs, devotados em trazer Cyrus de volta ao topo, e a tão sonhada celebração de uma das vozes mais potentes da geração com o disco Endless Summer Vacation chegou ao fim antes mesmo de começar, se tornando apenas uma daquelas noites quentes em que o frio parece dominar o psicológico.

Se, em 2016, Beyoncé perdoou Jay-Z somente depois de humilhá-lo publicamente com o aclamado Lemonade, hoje, as paradas musicais voltam a dar voz ao despertar feminino. Ao lado de Shakira com BZRP Music Sessions #53, a eterna Hannah Montana tomou o controle da narrativa com Flowers, composição que utiliza dos acordes de When I Was Your Man, sucesso do Bruno Mars, para contrapor a perspectiva masculina de um relacionamento. Dessa vez, as artistas não estão nem um pouco interessadas em segundas chances, afinal, “Uma loba como eu não é para novatos” e “Eu posso me amar melhor do que você pode”.

O problema é que a primeira faixa liberada de Endless Summer Vacation tocou o suficiente na rádio para grudar na cabeça feito chiclete até a exaustão e levantar falsas esperanças nos fãs de Miley Cyrus, os ‘smilers’. Afinal, a estética atraente do videoclipe, o cabelo descolorido pela metade e a postura confiante da cantora não deixavam sinais de que a era seria marcada pelo descaso dela e de sua nova gravadora, a Columbia Records. Ao compilar as sonoridades exploradas ao longo da carreira de Cyrus, o disco caiu na mesma premissa arriscada do Midnights de Taylor Swift: no fim, o sentimento que fica é de que nem tudo é realmente novo.

Para o mundo, acostumado com as mudanças bruscas do modo como a intérprete de Wrecking Ball canta e age, o projeto de verão não construiu uma identidade visual acompanhada de uma nova persona e muito menos trouxe a experiência calorenta da estação para além da capa fotografada por Brianna Capozzi, uma arte extasiante por representar o que deveria ser a fase de transformação da camaleoa. Talvez, essa elaboração de uma Miley Cyrus pela metade explique porque os veículos especializados tradicionais, antes intensamente críticos, tenham finalmente comprado uma ideia dela por completo.

Então, quais são as melodias que caracterizam o que seria a proposta ideal de Endless Summer Vacation? Em meio a quarenta minutos, o ápice é atingido quando um sabor adocicado toma conta da boca ao passo em que Cyrus enuncia o título do álbum em Rose Colored Lenses, composição que esbanja uma luxúria sem culpa. Para fazer companhia à sensação de desejo, o teor refrescante de Handstand teleporta o público para uma dimensão sensual e futurística. No entanto, a viagem percorre rumos inesperados com a lábia e o duplo-sentido da diva do pop em River, canção que convida todos para uma dança eletrizante na chuva. 

A decepção logo volta a tocar com as faixas que soam como descartes dos demais itens da discografia de Miley Cyrus. O principal responsável por tal atrocidade é Kid Harpoon, produtor musical acostumado a trabalhar com Harry Styles e Shawn Mendes. Aparentemente, nem ele, a gravadora ou, até mesmo, a cantora, entenderam o que ela quis dizer ao anunciar o disco como “uma carta de amor a Los Angeles”. Provas disso são Wildcard, Wonder Woman e Thousand Miles, acordes e letras que, apesar de conquistarem, parecem terem saído direto da tracklist de Younger Now (2017).

Seguindo nessa onda de músicas desatualizadas, You aparece como uma assombração e totalmente fora de contexto por já ter sido apresentada aos fãs durante a era de Plastic Hearts (2020). No mesmo tom de ‘reviver é viver’, a parceria aguardada com Sia, Muddy Feet, é experimental o suficiente para integrar o Bangerz (2013). Por outro lado, mesmo no caos, existem salvações: Violet Chemistry atinge em cheio a nostalgia à la Dua Lipa; Island resgata a brisa e paixão de Madonna em La Isla Bonita; e Jaded apresenta um rock depreciativo com notas efervescentes de guitarra.

De um total de 12 músicas, Endless Summer Vacation é devidamente representado em apenas metade delas. Salvo o grande sucesso comercial de Flowers, a era foi marcada por descasos que variam desde a divisão nada convincente dos atos em AM (dia) e PM (noite), até a falta de divulgação com as raras performances, entre elas, o especial disponibilizado no streaming Disney+. Persistente, Miley Cyrus deve lançar um segundo volume do álbum, mas, por enquanto, o que nos resta é esperar que, dessa vez, as férias de verão sem fim da cantora não sejam somente um pedaço de sol em uma manhã de inverno ou terminem cedo demais.

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Ettory Jacob

No longínquo ano de 2011, o programa The X-Factor UK era protagonizado por quatro jovens mulheres: Jade Thirlwall, Leigh-Anne Pinnock, Jesy Nelson e Perrie Edwards, integrantes do recém formado Little Mix. A única girlband a vencer a competição manteve-se no mercado mesmo com o fim do programa, e hoje seu sucesso é comparável às Spice Girls, ícone pop dos anos noventa.  

Agora, pela primeira vez na gravadora Columbia Records, é lançado o álbum de estúdio da banda, Confetti. Com uma estética disco e toques do pop chiclete, o CD aborda temas como amor próprio, superação, renovação, independência e clichês da indústria musical. Contudo, 2020 trouxe aos fãs do Little Mix não apenas uma nova obra, mas também o fim da formação original da banda. 

Em um tweet no perfil oficial, foi informada a saída de Jesy Nelson por motivos de saúde mental, ocasionados pela pressão estética que a cantora sofria desde o início da banda. O tema já foi abordado tanto pela banda quanto pela integrante, que protagonizou o documentário Jesy Nelson: Odd One Out em parceria com a emissora britânica BBC, tornando Confetti o último trabalho com as quatro garotas.

Um dos singles de Confetti com maior divulgação em programas televisionados, Sweet Melody, já ganhou o posto de música para superar o ex. Contando como o amor muitas vezes pode ser cego e como somos enganados por migalhas de afeto, possuindo um refrão marcante e contagiando quem escuta, tornando-se facilmente a mais amada pelos fãs, tanto pela proximidade da letra com o cotidiano, quanto pelo saudosismo do pop do início da década. Por outro lado, Holiday é a faixa mais controversa do álbum – abordando como a química entre as partes de um relacionamento é essencial, é fácil encontrar nas redes sociais seus defensores e haters.

Iniciando o disco, Break Up Song conta como uma boa festa pode acabar com a tristeza de uma relação. A música é uma excelente entrada para o CD, indicando que Confetti tem como objetivo não deixar ninguém parado. Happiness também aborda a temática vintage dançante, porém com uma batida mais rápida, discutindo amor próprio e o processo de superação após um relacionamento tóxico, aparentando ser a continuação da história contada em Break Up Song.

Confetti, faixa-título do álbum, é a primeira a abandonar, em partes, a estética pop dance, adicionando uma dose de trap-rap e propondo uma abordagem musical diferente do restante do álbum. Ao lado de Gloves Up, as canções focam em temas como empoderamento e autoestima, criando uma interessante distinção dentre as demais no disco. 

Na indústria da música, muito se discute sobre a pressão constante em produzir hits, que acabam muitas vezes por abordar clichês como se apaixonar ou festejar. Em Not a Pop Song, a girlband faz uma sátira explícita a tal comportamento, expondo a exaustão do Little Mix sobre sempre esperarem um pop chiclete vindo da banda. Por outro lado, a faixa seguinte é Nothing But My Feelings, que aborda todos os pontos tão mencionados na música anterior, o que deixa até mesmo cômica sua localização no álbum. Contudo, ela é divertida se tocada sem o contexto que vem antes.  

O que já não ocorre em A Mess (Happy 4 U). Apesar de explorar as fórmulas de uma pop de sucesso, a canção acaba por ser ofuscada pelo restante do álbum. Talvez tal interpretação ocorra pela disposição no disco, já que Break Up Song e Nothing But My Feelings possuem uma estrutura parecida, mas contam com fatores que as tornam mais atrativas. Assim, A Mess (Happy 4 U) acaba por ser menos interessante que suas antecessoras, não contribuindo para uma ideia de progressão no disco. 

Com uma batida flertando com o eletrônico, mas ainda não se afastando muito do pop início dos anos 2000 tão presente no disco, Rendezvous aborda como um encontro pode crescer e tornar-se algo. A música aparenta ter sua continuação em If You Want My Love, em que tais encontros acabam se tornando sem graça e repetitivos, sendo esta dupla de músicas muito interessantes e alegres de se ouvir por aparentarem ser uma história.

My Love Won’t Let You Down – a mais lenta de Confetti – foca na voz das quatro integrantes transmitindo a mensagem de companheirismo e criando o sentimento de perda pela saída de Jesy da banda. Assim, a música ganha uma nota de tristeza além da motivação passada pela letra. Finalizando o disco, escutamos Breathe, que é a mistura perfeita de música lenta e dançante, em especial no refrão, abordando a falta da pessoa amada e a dificuldade que é viver sem ela – o que reforça ainda mais a falta que Jesy deixa na banda paras os fãs, em especial pelo Little Mix completar 10 anos em 2021.

Assim, Confetti é um dos mais saudosistas trabalhos de 2020, contando com inspirações de disco, pop chiclete, trap-rap e até mesmo baladas românticas. O  álbum consegue transmitir a vontade de festejar na maioria das músicas e é uma evolução certa desde o primeiro álbum, DNA, lançado em 2012 pela banda. Confetti também deixará um sentimento de nostalgia e falta por ser o último grande lançamento com a voz de Jesy Nelson. Por fim, é certo dizer que o Little Mix, apesar das diversidades encontradas para uma girlband, conquistou seu espaço na indústria e Jade, Leigh-Anne e Perrie parecem continuar carregando este legado.  

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