Davi Marcelgo

Abdicar sonhos pelo bem maior, ser incorruptível, simbolizar a honra e bondade humana. Muitos filmes de heróis, desde Superman (1978), representam protetores benevolentes que transpiram sacrifícios. Os feitos desses mitos incluem girar a Terra em sentido anti horário e alterar o tempo, parar um trem desgovernado, salvar o Natal. Dentre os chavões do subgênero há a jornada em busca do que te faz um paladino. Ser tentado a usar os poderes para o próprio benefício, encarar dilemas, matar ou não seus inimigos e por aí vai. Homem-Aranha 2 (2004) debateu as responsabilidades da vida de vigilante, nuances foram inseridas nos quadrinhos ao longo dos anos, afastando os homens que usam colã de uma noção maniqueísta. Mas o caminho de se tornar um herói pode ser apenas consequência de um objetivo muito mais nobre: o de se relacionar. 

Em 2014, uma equipe de criminosos traumatizados foi introduzida na história de Hollywood, os Guardiões da Galáxia. Diferente dos outros super-poderosos, eles não são dotados de proezas ou nobreza. São interesseiros, faziam serviços em troca de pagamento e salvaram a galáxia só porque pereceriam se não impedissem os planos de Ronan, o Acusador (Lee Pace). Depois dos eventos contra os Kree, se aproximaram do formato de uma equipe à la Vingadores. Porém, em Guardiões da Galáxia Vol. 3 (2023), terceiro e último encontro dos heróis dirigido por James Gunn, salvar a família é o mais importante, e no meio da jornada, talvez dê tempo de se tornar um herói. 

Desde o primeiro filme, a história do grupo é sobre pessoas que se esbarraram e descobrem características em comum. Criminosos renegados, com passados traumáticos e sem família, unem-se para sobreviver. Em determinado ponto, eles percebem fragmentos de qualidade um nos outros, qualidades heroicas. Coragem, inteligência, sacrifício e humildade. Quando decidem salvar o planeta Xandar, é para estarem juntos caso a empreitada falhe. Morrer ao lado de quem te aceitou e admirou sem pedir nada em troca não parece ruim. 

No volume 2, os Guardiões salvam o universo do maligno planeta Ego numa luta para resgatar Peter Quill (Chris Pratt). Rocket atravessa vários pontos do espaço pelos amigos que estão presos. Diferente do maximalismo do MCU, o clímax é mais íntimo: eles frustram os planos do vilão numa sucessiva cadeia de objetivos, na qual o mais importante é tirar os guardiões dali – o   universo terminar bem é consequência. James Gunn isola e separa seus personagens do resto da Marvel a fim de criar a própria maneira de desenvolver história e grupo. 

São vários os momentos em que isto é perceptível. Nota-se o que a direção quer mostrar, preferindo filmar uma briga e o revezamento de cuidado para com o Baby Groot (Vin Diesel) do que um tiroteio entre naves, como o carinho que o membro mais novo do grupo recebe em meio uma missão e as linhas de diálogo que aprofundam as relações. Quando ele prioriza o entendimento e aproximação do público dentro da dinâmica, é um recado da hierarquia de eventos, uma indicação ao que você deve olhar. 

Mas e a terceira parte da aventura? Na trama, são os amigos que desbravam a galáxia para salvar um dos seus. Após Adam Warlock (Will Poulter) ferir Rocket Raccoon (Bradley Cooper) em uma missão determinada pelo Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji). Diante disso, os Guardiões da Galáxia precisarão correr contra o tempo para salvar o guaxinim, ao mesmo tempo que o passado tortuoso de Rocket e todos os métodos facinorosos do cientista contra animais indefesos são revelados, fazendo a trilogia culminar em um confronto empolgante. Atos de bravuras que poderiam soar comum e genéricos são potencializados por toda carga emocional inserida em todas as interações da equipe durante toda a década. O Senhor das Estrelas (Pratt) salta de uma altura absurda para obter o único objeto capaz de salvar a vida de seu amigo. 

Gunn, que também assina o roteiro, conhece os moldes dos filmes de heróis, os clichês de mocinho e inimigo, parecidos em poderes e até trajes, como Homem-Aranha e Venom, Hulk e Abominável ou Superman e Zod, reduzidos a serem apenas uma contraparte. No último volume, o cineasta subverte o clichê e afasta Rocket de Alto Evolucionário. De parecidos, eles não tem nada. O guaxinim precisou aprender a conviver com as diferenças e imperfeições de cada guardião. Já o vilão é incapaz de reconhecer outro ser e aceitá-lo, constantemente atrás de modificar seres (humanos ou não) ao seu bel gosto e senso de perfeição. 

Pensando em arco de personagem, o menor guardião é o que tem o maior deles. Introduzido como casca-grossa, ele não tinha receio algum de puxar o gatilho e já tinha até ameaçado matar os membros de sua equipe. Ele se esquivava de perigos, como fez na luta contra Thanos em 2018 e afastava as pessoas ao seu redor. Com o volume 3, descobrimos que era tudo pelo trauma de ter perdido sua primeira família pelas mãos do torturador de animais. A frase “cansei de fugir” é um grito de liberdade. 

Quando Rocket opta por não matar seu nêmesis, mas libertar todas as criaturas presas, ele então se torna um herói. A equipe estava a salvo e o Alto Evolucionário não apresentava mais uma ameaça. Não tinha necessidade de Rocket salvar mais ninguém, exceto quando você é um herói. A resposta que ele dá, “sou um guardião da galáxia”, representa todas as características boas que ele reencontrou em si ao fazer parte da equipe. O antagonista é imperdoável. Durante grande parte do filme, somos expostos a incontáveis crueldades dele sem nenhum fio de humanização, que, ao final, a decisão de Raccoon vem como um choque para o espectador.

Fora todo o subtexto de heroísmo, ainda tem muita coisa magistral. Adam Warlock é uma ótima adição à saga: mesmo com pouquíssimos 10 minutos de tela, já é o bastante para se apaixonar pela atuação de Will Poulter. O filme também é o mais violento de todo Universo Marvel e rende algumas lágrimas durante seus 150 minutos, além de uma ótima trilha sonora, abrindo com Creep, clássico da banda Radiohead. Até as rimas visuais ganham espaço. Uma delas, ao final do filme, remete à cena do longa de 2014, “um bando de otários de pé formando uma roda”. 

E não para por aí. Guardiões da Galáxia Vol. 3, além de ter enchido os bolsos da Marvel Studios, também foi indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Visuais. Por infelicidade, o blockbuster ficou de fora em outras duas categorias em que teria grandes chances de levar a estatueta para a casa, Melhor Design de Produção e Melhor Maquiagem e Cabelo.

Quebrando o recorde de maior número de próteses utilizadas em um filme, o desfecho da trilogia utilizou 22.500 próteses, 500 perucas e 130 perucas faciais. Ao optar por efeitos práticos, James Gunn deixa a história ainda mais próxima das Space Opera dos anos 1970 e corrobora com o desempenho dos atores, que poderiam ser facilmente substituídos por CGI. Nas palavras do próprio diretor, a intenção era garantir a atuação de Chukwudi Iwuji. Já a direção de arte comandada por Beth Mickle é engenhosa ao ponto de fazer você pegar um foguete e ir direto para o espaço, com diferentes texturas e estéticas, desde uma base centrada num organismo vivo pegajoso a uma espaçonave feita de figuras geométricas. 

O futuro da DC no Cinema está seguro. Com James Gunn, que demonstra domínio nas adaptações em quadrinhos, todos os tiros tendem a ser certeiros. Para além de uma construção de um universo cinematográfico ansioso, ele sempre preferiu sustentar sua história e fazer o público querer sentar no banco do passageiro. Para fazer uma nova e excelente abordagem de tornar-se herói, só conhecendo o material base e amando ele. 

O título sobe em um momento de fragilidade e irmandade da equipe, condensando o que é ser um Guardião da Galáxia. Não em grandes atos épicos, mas na interação entre esses personagens disfuncionais. As grandes cenas de ação ganham riqueza graças ao sentimento compartilhado entre o público e eles. Acompanhar os Guardiões da Galáxia na trilogia, suas participações em Vingadores: Guerra Infinita e Ultimato e um especial de Natal foi uma viagem rumo às estrelas mais quentes. Foi fazer amigos, ser apresentado aos hits favoritos de uma pessoa que você nutre carinho e aprender que não é necessário ter uma ‘alma perfeita’.

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Mariana Nicastro 

Após décadas de filmes de super-heróis, obras subversivas desse tema nascem como algo novo, diferente das fórmulas surreais representadas sob o véu puro e íntegro das produções Disney. Porém, mais interessante do que assistir à jornada já conhecida de heróis quase perfeitos, de super-homens, é acompanhar o desenvolvimento, conflitos e contrastes de um anti-herói, sem pudor, honra ou valores e objetivos generosos. Afinal, dualidades e fortes conflitos internos os fazem mais humanos e reais.

Com essa premissa nada heróica, violenta, explícita, mas ainda intimista e sensível, Pacificador surge como um magistral exemplo desse subgênero, que rendeu uma indicação ao Emmy 2022. A obra de comédia e ação é original da HBO Max, criada, roteirizada e dirigida em cinco de seus oito episódios por James Gunn. Spin-off do longa-metragem O Esquadrão Suicida (2021), a série revela as características das produções do cineasta: o tom sarcástico, zombeteiro e violento, mas equilibrado.

O piloto, denominado Um Novo Turbilhão (A Whole New Whirled), introduz a perspectiva do Pacificador (John Cena) após os acontecimentos de O Esquadrão Suicida, com o recrutamento do vilão para uma nova missão proposta por Amanda Waller (Viola Davis) e uma nova equipe para acompanhá-lo no Projeto Butterfly. A investigação ronda uma raça de borboletas alienígenas que parasitam seres vivos no planeta Terra, em busca de propagarem sua existência.

Pai dos Guardiões da Galáxia (2016), Gunn havia sido demitido da realização do terceiro filme da franquia após ter tweets antigos e ofensivos recuperados por um ativista da extrema direita estadunidense. O diretor, que já havia se desculpado pelas piadas feitas no passado, foi rapidamente contratado pela Warner Bros. Pictures para salvar a ideia do esquadrão de vilões da DC nos cinemas.

Aplicando seu estilo na produção da HBO, Peacemaker, o nome original da produção, desconstrói a ideia do vilão frio e arrogante, sugerida em seu prelúdio. Aqui, a sua personalidade e passado são explorados, humanizando-o. Protagonizada pelo carismático John Cena, o ator dá vida a Christopher Smith, o Pacificador. Um anti-herói bruto e ignorante, mas também ingênuo e espontâneo. Sua honestidade e autenticidade são características que o transformam ao decorrer dos episódios, somados à inspeção de suas camadas que desencadeiam a empatia do público.

Mas afinal, é possível gostar do Pacificador? Considerando não apenas a morte de Rick Flagg, mas também seus traços vulgares, misóginos, brutais e assassinos? À primeira vista, jamais. É preciso, então, um mergulho intimista na perspectiva do – até então – vilão, desmascarar seus medos, inseguranças, traumas e compreender as vivências que o tornaram este homem. E é essa a linha que Peacemaker segue. Afinal, crescer com um pai como Auggie Smith (Robert Patrick), um fascista e racista cruel, à la Homelander, é capaz de desenvolver uma personalidade problemática em qualquer criança. 

Nos quadrinhos, o pai de Christopher era nada menos do que um nazista que participou da Segunda Guerra Mundial, cujo fantasma seguiu atormentando seu filho. Quando cresce, o Pacificador usa suas habilidades para buscar a paz, derrotando, principalmente, governos totalitários. Já na obra de Gunn, Smith é não só importunado pelas ideias do pai, como pela aparição do Dragão Branco. Junto da raça alienígena, as duas problemáticas funcionam como pontos de partida para o desenvolvimento do anti-herói, em busca da figura heróica que existe dentro de si.

Peacemaker veio para mostrar que, na maior parte das vezes, a maldade é construída e que, no caso de Smith, também pode ser desmantelada. A atuação de John Cena contribui muito para o equilíbrio da personalidade do protagonista. Ele é brutal e apático enquanto busca a paz a todo custo, mesmo que para atingi-la precise recorrer à violência e morte. Suas atitudes, porém, carregam uma infantilidade e forte crença pessoal em seus valores, de forma que assistimos a um anti-herói escrachado, mas carismático, capaz de conquistar a simpatia do telespectador e dos demais personagens em tela.

Quanto aos últimos, eles têm características únicas e se destacam cada um ao seu modo. Emilia Harcourt (Jennifer Holland) é uma agente durona e áspera, capaz de amolecer o coração do Pacificador. Misteriosa, ela é experiente mas, apesar das habilidades, tem valores a aprender com sua nova equipe. Já o Vigilante, ou Adrian Chase (Freddie Stroma), é o parceiro excêntrico e violento de Smith que, de acordo consigo mesmo, distribui “uma justiça brutal”. Fã obcecado do anti-herói, ele proporciona doses extremas de um humor ácido e cenas absurdas.

A carismática Danielle Brooks dá vida a Leota Adebayo, uma agente simpática e novata, que cria um laço cômico e afetuoso com Christopher, além de ter grande importância para o universo da trama. Sua amizade com o Pacificador é a mais improvável possível, o que torna a experiência de vê-los juntos em cena intrigante e interessante, contribuindo para um crescimento do protagonista.

Para fechar a lista, a narrativa ainda insere o desajustado John Economos (Steve Agee), o líder Clemson Murn (Chukwudi Iwuji), que esconde um segredo sinistro, e o enérgico e exótico Judomaster (Nhut Le), que sempre busca brechas para atacar o Pacificador e o Vigilante. Quanto às borboletas, são as principais inimigas da trama e provam-se reais ameaças, já que qualquer um pode ser parasitado e ter um destino fatal. 

Como um todo, Peacemaker apresenta um desenvolvimento espetacular de personagens e da trama. O roteiro de Gunn é fechadinho, completo e entrega muito mais do que aparenta sugerir no início, com os episódios iniciais da temporada. A trama se desenvolve para algo maior com naturalidade e os protagonistas recebem essa evolução da mesma maneira. 

A comédia, ação e os dramas pessoais do Pacificador são equilibrados. O humor é irônico e pontual, funcionando com exatidão. A série tem consciência da galhofa que visa e usa disso para zombar de si mesma e de seus exageros. Como a delicadeza de Smith com sua águia de estimação, Eagly, que o humaniza, cria uma espécie de humor nonsense e equilibra cenas de violência extrema ou drama, com interações entre o Pacificador e o seu tão amado pet.

Sobre as cenas de violência: são explosivas e sangrentas. A brutalidade, nudez e sexualidade explícitas condizem com os absurdos sugeridos pela obra e, da mesma forma que produções como Deadpool (2016), conversam com a origem e o perfil do protagonista. As cenas de ação são eletrizantes, muito bem coreografadas e progridem, encontrando seu ápice na season finale, denominada Chutando o Pau da Bavaca.

O encaminhamento final da narrativa é inspirado e conclusivo. De fato, o Pacificador encontra paz consigo mesmo e reconhece virtudes em si e nas relações cultivadas pela equipe. E quando Peacemaker não poderia surpreender ainda mais, os últimos minutos da finale trazem participações especiais de personagens bastante conhecidos do universo, com interações divertidas e inesperadas, ainda que breves. 

A série eleva o patamar da DC ao comprovar que com o tom e direção certos, seus heróis vindos dos cinemas podem ter pitadas engraçadas, sob histórias divertidas, cativantes, simples, muito motivadas e criativas. Trata-se de uma das melhores – senão a melhor – criação de James Gunn. Com tudo isso, era de se esperar que Pacificador receberia ótimos olhares do público e da crítica. 

A produção de alto nível e qualidade, contudo, poderia ter sido ainda mais homenageada e relembrada. Com apenas uma indicação no Emmy 2022, na categoria Melhor Coordenação de Dublês em Série de Comédia ou Programa de Variedades, a brilhante ação cômica foi esquecida na lista de concorrentes a Melhor Série de Comédia. Na premiação, ela compete com nomes como Barry, Cobra Kai, Gavião Arqueiro, The Righteous Gemstones e What We Do in the Shadows.

Séries como Patrulha do Destino e Watchmen (também do HBO Max) e a já citada The Boys, baseadas em histórias da DC Comics, foram obras premiadas em edições passadas do Emmy. A penúltima, por exemplo, foi indicada 26 vezes, enquanto o sucesso dos heróis ao avesso recebeu 5 nomeações. Quanto a esta, a produção do Amazon Prime Video e sua representação de anti-heróis nas telas têm semelhanças com o estilo de Pacificador, ainda que a audiência, resultante de uma distinta divulgação de ambas, tenha lhe entregado outros efeitos nas premiações. A série é, de fato, digna de nota. Levando o prêmio para casa ou não, merece maior destaque dentro do nicho de super-heróis e de comédia, subvertendo o primeiro gênero com maestria e perspicácia. 

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Vitor Evangelista

Tateando uma São Paulo incomum na grande mídia, Cidade Pássaro é um filme singular. Por quase duas horas somos conduzidos por uma cidade poluída, imunda física e espiritualmente pelo bafo do capitalismo e da pobreza. Imigrantes tomam o posto de protagonista e a seriedade de Amadi (O.C. Ukeje) é a régua moral da narrativa, na incessante busca pelo irmão Ikenna. Parte da Mostra Brasil da 44ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, Cidade Pássaro voa sem amarras, com a corrente do ar à seu favor.

Coprodução do Brasil e da França, o filme é falado tanto em português e inglês quanto na língua natal de Amadi, igbo, natural da Nigéria. Ele é um músico sensível mas obstinado, que chega em São Paulo na procura do irmão mais velho, que se bandeou para cá para trabalhar como matemático em um instituto de tecnologia, deixando a família e a noiva no continente africano. Cidade Pássaro já mostra à que veio quando desnuda as mentiras de Ikenna, papel de Chukwudi Iwuji, logo de cara. 

Amadi descobre as falácias do familiar, que inventou até mesmo a empresa que dizia trabalhar. Além disso, o homem está desaparecido e não há uma alma viva que saiba do seu paradeiro. A direção do veterano Matias Mariani guia o espectador no banco do passageiro de Amadi, e sua abordagem moderna da cidade de SP é vital para que nós, junto do protagonista, entendamos as circunstâncias da história. São Paulo mata sonhos, joga esperanças no rolo compressor e quem sair respirando desse ecossistema já é por si só um vencedor.

As duas vidas do irmão são descobertas numa caça ao tesouro, ao mesmo tempo física e emocional. Amadi vai se deslocando pelas vielas da cidade, pelas pastelarias e lan houses. A ambientação do filme grita a mundanidade que constrói, são cenários ordinários e relacionáveis, habitados por personagens que parecem igualmente reais. Ao passo que o homem busca e encontra suas pistas, o longa recompensa o espectador, colocando-o também na solução do mistério do desaparecimento de Ikenna.

Mais interessado em perguntar do que responder, o roteiro, escrito à muitas mãos, em momento algum deixa a peteca cair. Além de ser assinado pelo diretor, o texto é creditado à Chika Anadu, Francine Barbosa, Júlia Murat, Maíra Bühler e Roberto Winter. Ao contrário do que possa parecer, a aglomeração na sala de escrita não embanana os acontecimentos e o passo rítmico da trama. Foram chamados roteiristas nigerianos para consultar e injetar vitalidade real na proposta do filme, auxiliando na criação de representações culturais que fujam de estereótipos.

Cidade Pássaro acerta na mosca em saber motivar Amadi na busca pelo irmão. Chega um ponto que o paradeiro físico de Ikenna não importa, ele apenas quer respostas, essas que são estocadas na Caixa de Pandora até o derradeiro desfecho da obra. Menos catártica que deveria ser, a finalização do filme ainda ressoa com imponência. O ancestral se choca com o moderno, e leves flertes com o realismo fantástico laceiam os argumentos e conclusões.

Digno de ser destrinchado, não por acontecimentos misteriosos, mas por seus temas e abordagens, Cidade Pássaro é um achado e tanto. São pequenas nuances inéditas ao cinema mais comercial, que enriquecem quem assiste. Sofia Coppola nos contou em 2003 os perigos e dores de não conseguir ser entendida e, em 2020, Matias Mariani escancara esse terror. Cidade Pássaro não hesita ao afirmar que a dúvida é melhor que a resposta.

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