Guilherme Moraes

No final do século XX, Lily e Lana Wachowski criaram um universo onde a humanidade foi dominada e escravizada pelas máquinas que buscavam fazer a manutenção de seu poder e sua existência. Com roupas pretas, realidade simulada, pensamentos filosóficos, temas bíblicos e bullet time, Matrix entrou para a história do Cinema hollywoodiano e consagrou duas diretoras que iriam se rebelar contra o sistema.

O longa foi lançado e se popularizou um pouco antes da onda realista tomar a indústria cinematográfica norte-americana. Isso consegue explicar o sucesso de público e crítica, mesmo que as cenas de ação apelem para a farsa, se assimilando com o Cinema de ação chinês e de Hong-Kong. Ademais, ele aceita o misticismo e a fé de maneiras distintas para cada personagem. Morpheus (Lawrence Fishburne) enxerga de forma abstrata, esperançosa e sonhadora; Trinity (Carrie-Anne Moss) e Neo (Keanu Reeves) tem um olhar um pouco cético quanto à profecia, eles só conseguem acreditar a partir de ideias mais concretas. Na prática, a personagem de Carrie-Anne Moss só crê quando percebe que está apaixonada por Neo; e o hacker, por outro lado, entende seu destino, quando ressuscita igual Jesus.

Toda a questão sobre a religião é muito interessante na filmografia das irmãs. Enquanto, infelizmente, no mundo real, as temáticas sobre sexualidade, religião, cultura, amor e amizade, são conflitantes; nas obras das Wachowski, tudo consegue encontrar algum ponto em comum e construir relações a partir disto. Nesse sentido, a obra mais chamativa da dupla é Sense8, mas em Matrix, esses tópicos já estavam inseridos.

No longa de 1999, as metáforas sobre transsexualidade se davam por meio da forma e do fazer cinematográfico. Isso não era apenas uma escolha artística, como também, uma maneira de passar pela censura do estúdio. O figurino estilizado e com cores neutras; os nomes neutros como Neo e Trinity – com um adendo para a cena em que Neo diz que achava que Trinity era um homem –, e personagens que se enxergam de outra forma, com outros corpos e diferente sexo, dentro da Matrix; reforçam o subtexto de Lily e Lana Wachowski.

Ainda sobre esse prisma, as diretoras abordam sobre o desejo como algo natural ao ser humano, porém, não necessariamente atrelado ao sexo e aos corpos: “Negar os nossos impulsos, é negar aquilo que faz de nós humanos”. Frase essa dita por Mouse (Matt Doran) ao oferecer a Neo a oportunidade de se encontrar com uma garota na Matrix que, na verdade, é apenas uma programação de computador. Dessa forma, as idealizadoras concebem o desejo e o sexo para além dos corpos e da fisicalidade, em uma medida muito intimista e pouco normativa.

Há diversas camadas filosóficas que vão de René Descartes até Jean Baudrillard. Contudo, o que mais chama a atenção é a Alegoria da Caverna de Platão. Se para os gregos, a fuga da ignorância é representada pela saída da caverna, para Neo e todos dentro da Matrix, é a escolha entre a pílula azul e a pílula vermelha. Existe uma alusão mais direta a isso, quando o personagem acorda no mundo real e seus olhos começam a doer, o que se assemelha ao incômodo sentido pelo homem que se livrou das correntes da gruta e viu as formas reais pela primeira vez.

No entanto, essa alusão foi tomada pela extrema direita e pelo conservadorismo na atualidade, o que é totalmente contraditório com os ideais das Wachowski. Os chamados redpill, adotam o discurso de tomar a pílula vermelha para enxergar a suposta verdade. São compostos, em sua maioria, por homens que defendem os valores tradicionais e criticam práticas progressistas, principalmente relacionadas ao feminismo e o movimento LGBTQIA+.

Todo o estilo de Lily e Lana foi se esgotando diante de uma visão de Arte cada vez mais realista e estéril, visualmente e sexualmente. A abordagem mais farsesca das imagens, o exagero visual, a resolução a partir do amor e da amizade – de maneira até brega – e o sexo intrínsecamente ligado ao ser humano, foi substituído por tons acinzentados, decisões que partem para uma lógica mais racional, ‘piadinhas’ feitas para evitar o drama e a breguice, e a visão utilitarista do sexo em Hollywood.

Nesse contexto, as obras das diretoras – menos o longa em questão – passaram a ser menos valorizadas. Contudo, se engana quem pensa que elas deixaram de fazer seus filmes aos seus moldes. A dupla se tornou uma resistência dentro da própria indústria, mantendo suas características, pois acreditam e vêem sentido no Cinema que produzem. Mesmo dentro de grandes blockbusters como O Destino de Júpiter (2015), não há concessões, e elas impõem sua autoralidade e crêem em sua própria visão artística.

É muito difícil a tarefa de escrever sobre Matrix. Uma revisita não é o suficiente para compreendê-lo de maneira ampla e com suas complexidades. Fé, religião, capitalismo, maquinização do homem, filosofia e sexualidade. São tantas temáticas diversas e bem articuladas dentro da narrativa ao ponto de não caber em um único texto. A história de Lily e Lana Wachowski marcou época, fazendo sucesso entre o público e crítica, o que fez com que a Warner Bros. Pictures forçasse  uma continuação em 2022 em meio a onda de remakes e continuações. Matrix é considerado o melhor filme da, injustiçada, filmografia das irmãs, e merece ser revisitado mais vezes do que a cada cinco anos.

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Davi Marcelgo

Em Planeta dos Macacos: A Guerra (2017), Caesar (Andy Serkis) foi inserido numa narrativa inspirada na trajetória de Moisés e a terra prometida; levar seu povo a um lar sem violência. O novo Planeta dos Macacos: O Reinado (2024), persiste na dinâmica religiosa, mas não ficando somente no terreno da referência e, sim, tornando-a temática. Décadas após a morte de Caesar, o jovem Noa (Owen Teague) é a única esperança de salvar sua aldeia da tirania do rei Proximus (Kevin Durand). 

O crítico Arthur Tuoto, em seu comentário sobre A Guerra (2017), dirigido por Matt Reeves, ressalta a dificuldade do filme equilibrar entretenimento com autoria. Tal problema não está, de forma alguma, em O Reinado, dirigido por Wes Ball, que consegue ser um blockbuster com ações pitorescas ao mesmo tempo que te convida a desbravar esse mundo (velho) novo, com uma pegada mais autoral. Por isso, assistir a distopia da Gripe Símia é ter a mesma sensação de testemunhar o mergulho intenso nos oceanos em Avatar: O Caminho da Água (2022). 

Entre as duas horas e 25 minutos do longa, Ball passeia por muitos cenários e dedica várias sequências para o público conhecer não somente o relacionamento das personagens, como também a cultura. A primeira cena de Noa e seus amigos é uma empreitada por uma tradição da aldeia, chamada de “vínculo”, ritual em que os jovens ganham suas águias. Vínculo é o que vamos criar com o filme: são muitos os detalhes referente aos hábitos dos macacos, desde canções, fé, vestimentas e até a organização hierárquica da sociedade.  

Wes Ball rejeita os atuais filmes de ação hollywoodianos que precisam a todo momento ganhar a atenção do público com explosões e ritmo frenético. Para o autor, emular um road movie com pinceladas de western é mais encantador. A saída do jovem Noa da tribo, muda a sua perspectiva do cotidiano, fé, história da sua espécie e a forma como ele enxerga os humanos. O desenvolvimento do personagem é carregado de sutileza, ele vai cozinhando todos os conhecimentos adquiridos em sua cruzada para usá-los no final – não no clássico molde da jornada do herói, mas em sua postura nas relações com humanos e macacos. 

Os desdobramentos sucedem a partir de diálogos entre Raka (Peter Macon) e Noa, arquétipos de mestre e aprendiz, respectivamente, seja em volta de fogueiras ou andando à cavalo. O cineasta cria uma atmosfera serena ao unir seus enquadramentos com a trilha sonora de John Paesano, que evoca com violinos o sentimento de isolamento que uma distopia provoca, fazendo do ‘arrasa-quarteirões’ um filme preocupado com uma estilização correspondente ao cenário em que se desenrola. Apesar dos momentos silenciosos e introspectivos, ainda é um ‘filmaço’ de verão norte-americano. 

Quando é para ser um grande filme de ação, o diretor de Maze Runner usa os corpos dos macacos a sua disposição. Os golpes de gorilas são fortes quando comparados aos primatas menores; a coreografia traz a sensação de perigo – um macaco te atacando pelas costas é, no mínimo, assustador –, os pulos e escaladas são filmadas com tensão e movimento. Assim como as cenas de perseguição te grudam na poltrona do cinema. 

O filme sobre macacos celebra a humanidade e o que ela tem de bom, abordando o amor, a fé e cultura com registros de livros, canções, alfabetização, brinquedos de crianças, encontros românticos para ver as estrelas, amizade e irmandade. São muitos os elementos de Planeta dos Macacos que nos faz refletir sobre nossa humanidade. Abrindo o longa com um enterro, ver animais tendo a compreensão da morte e fazendo um evento para chorar a perda é, de fato, humano. 

Como também na ganância, a impotência de conviver com a diferença são representados por Proximus e Nova (Freya Allan). O enredo fisga o espectador por usar as características e invenções humanas que já são conhecidas – afinal, vivemos nesses corpos e nesse mundo –, e por dar novos significados a partir de uma abordagem fictícia de uma ótica ingênua; personagens antropomórficos que não viveram aquela época e precisam dar sentidos a partir de seus referenciais.

O trio de roteiristas, Josh Friedman, Amanda Silver e Rick Jaffa (Silver e Jaffa participaram de Avatar: O Caminho da Água), escreve o enredo em uma estrutura bem ‘redondinha’. É fácil identificar quando começa um ato e termina outro, sempre antecedidos por morte e revelação. Essa fórmula dá dinamismo para trama e ‘dá gás’ para o público ir para a próxima metade com a energia lá em cima. O grupo também sabe guardar os pequenos momentos de clímax, incitando um acontecimento, mas só de fato acontecendo no momento ideal. Os twists da história aparecem no instante máximo de cada ato e fazem com que o espectador fique ansioso para saber para onde ela vai. E se ele pensa que acertou, está enganado: Friedman, Silver e Jaffa vão te pegar de surpresa. 

A história brinca com o conceito de falso messias, lendas e pós-verdade. Antes, se o símio, interpretado pelo mestre da captura de movimento, podia ser comparado com Moisés, agora remete a Jesus Cristo. Afinal, Caesar se tornou um mito e ganhou seguidores de seus ensinamentos; os lemas “Macaco não mata macaco” e “Macacos unidos, macacos fortes” tornaram-se mantras. Porém, na garganta de Proximus, o discurso é subvertido e o que era um lema de irmandade e revolução é transformado em promoção de trabalho neo-liberal. São contadas histórias sobre o primeiro macaco inteligente e seus feitos, algumas, partem de fatos verídicos, mas outras, são puro exagero de uma lenda passada por gerações. O efeito é falar diretamente com o espectador; os fãs da saga conhecem o que realmente aconteceu. 

Qual espécie é herdeira da Terra? Essa é a dúvida que percorre os debates do longa, enquanto os macacos estão seguindo com suas vidas e formando suas próprias sociedades e costumes, alguns grupos de humanos não desistiram de tomar o controle do planeta e de subjugar outras espécies. Proximus aprende sobre isso com Trevathan (William H. Macy), seu professor de história da humanidade. Foi através desse estudo que ele se inspirou em uma das maiores civilizações do ocidente, e se isso já é conceitualmente excitante, a forma como a coroa cai é soberana; a aldeia de Noa canta a música do vínculo com as águias que, atraídas pela canção, trucidam Proximus. 

Assim, um escravocrata que se apropria de culturas humanas e de primatas para fins nefastos é tombado pela gnose da aldeia oprimida. O vilão não é derrotado porque há uma posição de hierarquia e um líder que pode bater de frente com ele, mas pela união de um povo que se reconhece. A cena vai de encontro com os ensinamentos de Caesar, mencionados várias vezes, inclusive por Proximus. A sequência, épica por si só, é combinada com o texto, desaguando em uma catarse deliciosa. 

Planeta dos Macacos: O Reinado é um dos melhores filmes de 2024. Bonito e empolgante, o longa não perde energia em momento algum e usa os elementos da saga para criar sua própria assinatura. Partindo da religião como o coração temático e de reflexões sobre o que é ser humano, o filme expande a lore com inteligência do roteiro ao enredo, pendura o espectador em cipós e o faz torcer (mais uma vez) pela prosperidade dos macacos. 

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Pedro Henrique Vogt

Em meio a tantas apostas questionáveis de Hollywood para a criação de universos ficcionais compartilhados, é surpreendente que o MonsterVerse da produtora Legendary Entertainment tenha sido um acerto tão grande. A mais nova adição para essa narrativa é Godzilla e Kong: O Novo Império e, apesar de não ser livre de defeitos, o longa entrega uma aventura divertida, com cenas de ação monumentais dignas dos dois monstros gigantes mais icônicos da cultura pop. 

O filme começa quando Godzilla é despertado de sua soneca por razões desconhecidas e volta a sair pelo mundo fazendo o que sabe de melhor: esmagar tudo à sua frente. Enquanto isso, o gorila Kong é obrigado a retornar à superfície por uma terrível dor de dente, onde acaba reencontrando a sobrevivente da Ilha da Caveira Jia (Kaylee Hottle) que, ao rever seu grande amigo, sente uma ameaça se aproximando. Ao observar todos esses fenômenos, a Doutora Ilene Andrews (Rebecca Hall) decide montar uma expedição para a Terra Oca, o lar dos monstros gigantes, para descobrir a causa desses comportamentos estranhos.

A direção é comandada por Adam Wingard, conhecido por seus filmes de terror pouco convencionais (e o icônico Death Note, da Netflix). Recentemente, no entanto, ele decidiu se aventurar no mundo das mega produções, dirigindo Godzilla vs. Kong em 2021, um sucesso que resultou no convite para participar da sequência. A maior característica do diretor nessa fase de sua carreira é a autoconsciência trazida para a narrativa do MonsterVerse: um exemplo disso é o enredo deixar claro, desde o começo, que não busca nada inovador. Porém, essa forma da obra de enxergar a si mesma não é um demérito, mas uma de suas maiores qualidades, pois a diversão vem do carisma de seus protagonistas e de como se desenrola a ação. 

A narrativa é a mais funcional possível; o necessário para uma história minimamente coesa está ali. Contudo, a maior preocupação é como chegar até o espetáculo de forma rápida. Para o roteiro de Terry Rossio (franquia Piratas do Caribe), Jeremy Slater (Cavaleiro da Lua) e Simon Barrett, tudo é válido. Esse trio eclético decidiu que se a volta de Kong à superfície pode render uma cena de luta interessante, essa ideia não seria descartada, ainda que uma dor de dente tenha que ser o motivo para tal. A filosofia aplicada é a de que, se a audiência está assistindo para ver batalhas cada vez maiores, a trama vai garantir que elas aconteçam.

A principal inspiração para o MonsterVerse é o gênero Kaijuu, que tem como uma de suas principais características criar seus monstros com personalidades e emoções distintas. Isso é bastante visível no personagem do Kong, que tem o papel de ser o coração do filme. Toda a nova mitologia apresentada na história está diretamente relacionada ao primata titã que, nos 115 minutos de duração do longa, desenvolve uma relação paterna com um filhotinho de gorila; tenta criar uma aliança com seu antigo rival; luta para salvar seu povo da opressão; e aprende mais sobre o mundo e si mesmo. Sem precisar dizer uma palavra, ele passa por todos os arcos que um protagonista de Blockbuster desse tamanho merece.

Por outro lado, o Godzilla basicamente não tem nenhum desenvolvimento, e parece não compartilhar o mesmo protagonismo de Kong, pois tirando algumas mudanças estéticas, ele termina a história (literalmente) do mesmo jeito que começou. Apesar de se destacar nas cenas de ação mais empolgantes, permanece a sensação de que elas poderiam ser ainda melhores se o monstro tivesse mais destaque fora das brigas. Deixar esse personagem de escanteio é uma decisão peculiar, visto que a Legendary Entertainment lançou recentemente uma série própria do gigante, Monarch – Legado de Monstros, disponível na Apple TV+ e que também faz parte do mesmo universo compartilhado dos filmes.

Com o lançamento recente de Godzilla Minus One, produção japonesa vencedora da categoria de Melhores Efeitos Visuais no Oscar 2024, foi chamada a atenção do público em como as adaptações do personagem são diferentes quando se trata do cinema hollywoodiano. Enquanto a encarnação mais recente de Godzilla em sua terra natal foi uma personificação dos traumas do pós-guerra, em um drama histórico cheio de autocríticas à sociedade japonesa, a sua versão MonsterVerse é bem mais empática. Ao invés da representação visual das dores de um povo, o lagarto radioativo é escrito pelos norte-americanos como uma espécie de herói rabugento que, apesar de causar destruição pelo mundo, é necessário para o equilíbrio da natureza. 

No entanto, se engana quem pensa que isso seria uma deturpação do protagonista. Uma das influências mais claras para a construção do MonsterVerse é a primeira fase da franquia Godzilla no Japão, a chamada Era Showa (1954 – 1975). Diversos filmes dessa fase buscavam um estilo de entretenimento ‘mais família’ e não economizavam nas batalhas malucas de Kaijuu, colocando Godzilla e Mothra como os principais protetores da Terra. As produções mais representativas dessa fase são A Guerra dos Monstros (1965) e O Despertar dos Monstros (1968).

Como o enredo de Godzilla e Kong: O Novo Império está muito focado na monumentalidade, é perceptível que o núcleo de personagens humanos é o mais fraco do filme. Kaylee Hottle e Rebecca Hall, que voltaram aos papéis de Jia e Dra Andrews, não conseguem captar aqui o mesmo carisma e apego emocional que marcaram as suas participações anteriores. Outro ator que retornou para a franquia é Brian Tyree Henry (Atlanta), que interpreta um personagem de alívio cômico extremamente ‘água com açúcar’. Contudo, um destaque positivo no elenco é Dan Stevens, que já trabalhou com Adam Wingard em O Hóspede e fez sua estreia no MonsterVerse interpretando um personagem caricato e divertido, como a obra se propõe a ser.

Apesar de ser abertamente um longa-metragem de ação sem preocupações em ser inovador ou revolucionário, Godzilla e Kong: O Novo Império, com suas cenas grandiosas, cumpre excelentemente com a sua função de entreter. É um filme que vale a pena ser assistido, seja pelos efeitos especiais, pelo carisma dos monstros gigantes ou para experimentar um cinema Blockbuster diferente e refrescante. É um belo exemplo de que o espetáculo pelo espetáculo nem sempre é ruim.

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Davi Marcelgo

Abdicar sonhos pelo bem maior, ser incorruptível, simbolizar a honra e bondade humana. Muitos filmes de heróis, desde Superman (1978), representam protetores benevolentes que transpiram sacrifícios. Os feitos desses mitos incluem girar a Terra em sentido anti horário e alterar o tempo, parar um trem desgovernado, salvar o Natal. Dentre os chavões do subgênero há a jornada em busca do que te faz um paladino. Ser tentado a usar os poderes para o próprio benefício, encarar dilemas, matar ou não seus inimigos e por aí vai. Homem-Aranha 2 (2004) debateu as responsabilidades da vida de vigilante, nuances foram inseridas nos quadrinhos ao longo dos anos, afastando os homens que usam colã de uma noção maniqueísta. Mas o caminho de se tornar um herói pode ser apenas consequência de um objetivo muito mais nobre: o de se relacionar. 

Em 2014, uma equipe de criminosos traumatizados foi introduzida na história de Hollywood, os Guardiões da Galáxia. Diferente dos outros super-poderosos, eles não são dotados de proezas ou nobreza. São interesseiros, faziam serviços em troca de pagamento e salvaram a galáxia só porque pereceriam se não impedissem os planos de Ronan, o Acusador (Lee Pace). Depois dos eventos contra os Kree, se aproximaram do formato de uma equipe à la Vingadores. Porém, em Guardiões da Galáxia Vol. 3 (2023), terceiro e último encontro dos heróis dirigido por James Gunn, salvar a família é o mais importante, e no meio da jornada, talvez dê tempo de se tornar um herói. 

Desde o primeiro filme, a história do grupo é sobre pessoas que se esbarraram e descobrem características em comum. Criminosos renegados, com passados traumáticos e sem família, unem-se para sobreviver. Em determinado ponto, eles percebem fragmentos de qualidade um nos outros, qualidades heroicas. Coragem, inteligência, sacrifício e humildade. Quando decidem salvar o planeta Xandar, é para estarem juntos caso a empreitada falhe. Morrer ao lado de quem te aceitou e admirou sem pedir nada em troca não parece ruim. 

No volume 2, os Guardiões salvam o universo do maligno planeta Ego numa luta para resgatar Peter Quill (Chris Pratt). Rocket atravessa vários pontos do espaço pelos amigos que estão presos. Diferente do maximalismo do MCU, o clímax é mais íntimo: eles frustram os planos do vilão numa sucessiva cadeia de objetivos, na qual o mais importante é tirar os guardiões dali – o   universo terminar bem é consequência. James Gunn isola e separa seus personagens do resto da Marvel a fim de criar a própria maneira de desenvolver história e grupo. 

São vários os momentos em que isto é perceptível. Nota-se o que a direção quer mostrar, preferindo filmar uma briga e o revezamento de cuidado para com o Baby Groot (Vin Diesel) do que um tiroteio entre naves, como o carinho que o membro mais novo do grupo recebe em meio uma missão e as linhas de diálogo que aprofundam as relações. Quando ele prioriza o entendimento e aproximação do público dentro da dinâmica, é um recado da hierarquia de eventos, uma indicação ao que você deve olhar. 

Mas e a terceira parte da aventura? Na trama, são os amigos que desbravam a galáxia para salvar um dos seus. Após Adam Warlock (Will Poulter) ferir Rocket Raccoon (Bradley Cooper) em uma missão determinada pelo Alto Evolucionário (Chukwudi Iwuji). Diante disso, os Guardiões da Galáxia precisarão correr contra o tempo para salvar o guaxinim, ao mesmo tempo que o passado tortuoso de Rocket e todos os métodos facinorosos do cientista contra animais indefesos são revelados, fazendo a trilogia culminar em um confronto empolgante. Atos de bravuras que poderiam soar comum e genéricos são potencializados por toda carga emocional inserida em todas as interações da equipe durante toda a década. O Senhor das Estrelas (Pratt) salta de uma altura absurda para obter o único objeto capaz de salvar a vida de seu amigo. 

Gunn, que também assina o roteiro, conhece os moldes dos filmes de heróis, os clichês de mocinho e inimigo, parecidos em poderes e até trajes, como Homem-Aranha e Venom, Hulk e Abominável ou Superman e Zod, reduzidos a serem apenas uma contraparte. No último volume, o cineasta subverte o clichê e afasta Rocket de Alto Evolucionário. De parecidos, eles não tem nada. O guaxinim precisou aprender a conviver com as diferenças e imperfeições de cada guardião. Já o vilão é incapaz de reconhecer outro ser e aceitá-lo, constantemente atrás de modificar seres (humanos ou não) ao seu bel gosto e senso de perfeição. 

Pensando em arco de personagem, o menor guardião é o que tem o maior deles. Introduzido como casca-grossa, ele não tinha receio algum de puxar o gatilho e já tinha até ameaçado matar os membros de sua equipe. Ele se esquivava de perigos, como fez na luta contra Thanos em 2018 e afastava as pessoas ao seu redor. Com o volume 3, descobrimos que era tudo pelo trauma de ter perdido sua primeira família pelas mãos do torturador de animais. A frase “cansei de fugir” é um grito de liberdade. 

Quando Rocket opta por não matar seu nêmesis, mas libertar todas as criaturas presas, ele então se torna um herói. A equipe estava a salvo e o Alto Evolucionário não apresentava mais uma ameaça. Não tinha necessidade de Rocket salvar mais ninguém, exceto quando você é um herói. A resposta que ele dá, “sou um guardião da galáxia”, representa todas as características boas que ele reencontrou em si ao fazer parte da equipe. O antagonista é imperdoável. Durante grande parte do filme, somos expostos a incontáveis crueldades dele sem nenhum fio de humanização, que, ao final, a decisão de Raccoon vem como um choque para o espectador.

Fora todo o subtexto de heroísmo, ainda tem muita coisa magistral. Adam Warlock é uma ótima adição à saga: mesmo com pouquíssimos 10 minutos de tela, já é o bastante para se apaixonar pela atuação de Will Poulter. O filme também é o mais violento de todo Universo Marvel e rende algumas lágrimas durante seus 150 minutos, além de uma ótima trilha sonora, abrindo com Creep, clássico da banda Radiohead. Até as rimas visuais ganham espaço. Uma delas, ao final do filme, remete à cena do longa de 2014, “um bando de otários de pé formando uma roda”. 

E não para por aí. Guardiões da Galáxia Vol. 3, além de ter enchido os bolsos da Marvel Studios, também foi indicado ao Oscar na categoria de Melhores Efeitos Visuais. Por infelicidade, o blockbuster ficou de fora em outras duas categorias em que teria grandes chances de levar a estatueta para a casa, Melhor Design de Produção e Melhor Maquiagem e Cabelo.

Quebrando o recorde de maior número de próteses utilizadas em um filme, o desfecho da trilogia utilizou 22.500 próteses, 500 perucas e 130 perucas faciais. Ao optar por efeitos práticos, James Gunn deixa a história ainda mais próxima das Space Opera dos anos 1970 e corrobora com o desempenho dos atores, que poderiam ser facilmente substituídos por CGI. Nas palavras do próprio diretor, a intenção era garantir a atuação de Chukwudi Iwuji. Já a direção de arte comandada por Beth Mickle é engenhosa ao ponto de fazer você pegar um foguete e ir direto para o espaço, com diferentes texturas e estéticas, desde uma base centrada num organismo vivo pegajoso a uma espaçonave feita de figuras geométricas. 

O futuro da DC no Cinema está seguro. Com James Gunn, que demonstra domínio nas adaptações em quadrinhos, todos os tiros tendem a ser certeiros. Para além de uma construção de um universo cinematográfico ansioso, ele sempre preferiu sustentar sua história e fazer o público querer sentar no banco do passageiro. Para fazer uma nova e excelente abordagem de tornar-se herói, só conhecendo o material base e amando ele. 

O título sobe em um momento de fragilidade e irmandade da equipe, condensando o que é ser um Guardião da Galáxia. Não em grandes atos épicos, mas na interação entre esses personagens disfuncionais. As grandes cenas de ação ganham riqueza graças ao sentimento compartilhado entre o público e eles. Acompanhar os Guardiões da Galáxia na trilogia, suas participações em Vingadores: Guerra Infinita e Ultimato e um especial de Natal foi uma viagem rumo às estrelas mais quentes. Foi fazer amigos, ser apresentado aos hits favoritos de uma pessoa que você nutre carinho e aprender que não é necessário ter uma ‘alma perfeita’.

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Guilherme Veiga

O início da história do Cinema, na exibição de A Chegada do Trem na Estação em 1895, foi caracterizado pela fuga do público da sala, em função da novidade daquela tecnologia aliada com a perspectiva de filmagem do trem. A partir daí, iniciava-se uma jornada duradoura e, a princípio, inabalável. A Arte de fazer filmes superou as duas grandes guerras, inclusive servindo como ferramenta de propaganda, a grande depressão, a Guerra Fria, as ditaduras do século XX e até mesmo a greve de roteiristas de 2008. Sempre de portas abertas e salas lotadas.

Se a pandemia da covid-19 alterou a forma como encaramos o mundo, com a Sétima Arte não foi diferente. Dessa vez, as pessoas não fugiram das salas, pois sequer entraram. Além das consequências econômicas – que aqui no Brasil, segundo o Sistema de Controle de Bilheteria (SCB), representou uma queda de 77,5% no faturamento dos espaços de projeção em 2020, comparando com o ano anterior – viu-se também a ascensão do streaming para além de uma ferramenta distribuidora. Mas essa veia de distribuição desses serviços foi ainda mais impulsionada com o período de isolamento, sendo uma válvula de escape das produtoras nesse período de incerteza. Com as plataformas online nascendo da morte da Blockbuster, pela primeira vez em tempos, surgiu a dúvida sobre a próxima vítima ser o Cinema como o conhecemos.

O cenário era caótico no mundo, e mais ainda no audiovisual. A conjunção dos astros resultou em uma tempestade perfeita para a Sétima Arte, que, mesmo antes do período de pandemônio, via o streaming calcando cada vez mais espaço. Com a consolidação da Netflix, proliferou-se o número de plataformas vigentes, algumas até como derivadas dos próprios estúdios hollywoodianos, caso do Paramount+, Disney+ e HBO Max (empresa da Warner). Não só isso, viu-se também o aporte de grandes empresas de outras vertentes do mercado nesse segmento, caso da Amazon, com o Prime Video, e a Apple, com o AppleTV+.

Isso atraiu atores, como no caso de Adam Sandler que está tendo e ainda terá seu rosto vinculado na Netflix graças a um contrato multimilionário com a locadora vermelha. Ela também foi responsável por começar a movimentar o mercado de diretores – algo inédito até então – e teve como suas primeiras aquisições, a exclusividade de Alfonso Cuarón, que rendeu o brilhante Roma, e Martin Scorsese, responsável pela obra prima O Irlandês (hoje, os dois também tem parceria com a Apple). As duas colaborações resultaram em indicações ao streaming para o careca dourado.

Scorsese inclusive, é um ferrenho defensor da experiência cinematográfica no espaço Cinema (vale lembrar que é dele a carta de amor A Invenção de Hugo Cabret). Em um primeiro momento, as telas se mostram, assim como o lendário diretor, relutantes. Tanto que, um filme original das plataformas, para concorrer ao Oscar, precisava estrear no circuito comercial. Isso demonstrava que, por mais ameaçado, o Cinema ainda se mantinha no topo da hierarquia audiovisual. Porém, os dois anos de pandemia foram responsáveis por virar o mundo ao contrário sem que ninguém reparasse.

As salas físicas deixaram de ser unanimidade e receptáculo de uma forma de Arte, para agora desenvolver uma relação de competição sem ao menos desenvolver um produto próprio para competir. A própria Academia, sinônimo de conservadorismo, desenvolveu um streaming próprio para driblar o período pandêmico e a burocracia de enviar cópias aos votantes. Ainda no formato antigo da categoria de Melhor Filme, com seus oito indicados, filmes originais de plataformas começaram a figurar na principal disputa a partir de 2019 com Roma, que também integrou – e venceu – a categoria de Melhor Filme Internacional daquele ano.

Esse cenário é um legado bom da chegada das plataformas digitais na indústria. Com um mercado mais globalizado e tais serviços com frentes fora do eixo americanizado, a visibilidade da categoria internacional aumentou, muito também em função da renovação dos votantes. O reflexo pode ser visto na edição de 2023 do Oscar, com Nada de Novo no Front sendo altamente reconhecido e RRR se tornando uma esnobada sentida pelo público.

O case da indústria internacional esperava ser replicado na produção local americana. As expectativas ficaram ainda mais altas após No Ritmo do Coração se tornar o primeiro filme de streaming a conquistar a estatueta mais importante da noite no Oscar 2022. O longa apresentava sinais de um eventual domínio dos serviços, principalmente por ter sido adquirido em Sundance, festival em que os grandes estúdios disputam as obras exibidas e, mesmo com a alta demanda, caiu nas mãos de uma iniciante como a AppleTV+, demonstrando a força dessas plataformas para além do conteúdo próprio. Porém, as coisas saíram dos trilhos muito rápido.

Uma decolagem demorada e uma queda relâmpago

Apesar das recentes vitórias, é fato que o streaming nadou contra a maré para se estabelecer na indústria. O conservadorismo do entretenimento, em especial da Academia, sem dúvidas foi um dos maiores dificultadores. Beasts of No Nation, por exemplo, foi uma das primeiras esnobadas de produtos originais das plataformas ainda em 2016, e nesse início era deliberadamente desenvolvido todo um lobby contra Netflix e derivados. Com a proliferação dessas produções, chegou em um ponto em que ficou impossível esquecê-los, mas mesmo assim, de alguma forma, eles ainda eram prejudicados pela associação.

Mas é aí que entra um problema: os serviços digitais não sabem e não têm malícia para fazer campanha. A Apple, por exemplo, não se arriscou e após a vitória decidiu apostar no irmão espiritual de CODA, resultando no esquecível Cha Cha Real Smooth como seu filme da temporada. A Netflix, mesmo com ótimos nomes no catálogo, focou erroneamente no tardio Glass Onion. O caso mais absurdo é o da Amazon. A empresa do calvo que quer ser astronauta tinha o ouro incontestado Argentina, 1985 em mãos, mas moveu mundos e fundos para a campanha de Treze Vidas. “Qual?” você deve estar pensando. Exatamente.

Porém, o que botou a pá de cal em um 2022 tenebroso nos streamings foi a volta dos cinemas com os dois pés na porta. Depois de muito ensaiar (e falhar) seu retorno, como assistimos na empreitada desastrosa de Nolan com Tenet ou no despercebido Velozes e Furiosos 9, a Sétima Arte parecia se tornar uma das sequelas da pandemia no pós-isolamento e provavelmente passaria a ser regida pelas plataformas de VoD.

No entanto, o que aconteceu fugiu do roteiro imaginado. No berço de Hollywood, o crescimento de bilheteria em 2022, comparado a 2021, foi de 65%, tornando a América do Norte novamente o maior mercado consumidor de Cinema, com uma arrecadação de U$S 25 bilhões. Já no Brasil, o agora ano de retomada representou um aumento de 485% no público somente no primeiro semestre, de acordo com a Ancine. A volta foi capitaneada por Top Gun: Maverick, o retorno da Marvel (apesar de suas críticas) às grandes telas e contou também com Steven Spielberg e James Cameron, pai e padrasto do blockbuster, respectivamente.

O ciclo sem fim

Claro que isso refletiria na maior premiação do Cinema. Quando o streaming começou a figurar na disputa de Melhor Filme no Oscar, em 2019, Roma foi o único representante dos serviços. Gradativamente, a aparição dessas produções foi aumentando, com 2021 e 2022 apresentando a maior cota, com três filmes cada edição. O que se esperava era que, para o ano de 2023, ainda como reflexo do final do isolamento, o número se mantivesse, ou se superasse. Porém, a principal categoria voltou ao patamar de 2019: apenas um indicado, mais uma vez pela Netflix e com um filme internacional. Só que a nomeação desse ano é mais mérito próprio de Nada de Novo no Front (que nem tem tantos méritos, é só mais um filme de guerra) do que da Tudum.

Mas é importante ressaltar que essa não é uma história de vilão contra mocinho. Babilônia explicita que a indústria é um ninho nefasto de cobra engolindo cobra, e nessa narrativa toda não há distinção polarizada e muito menos bem contra o mal: o Cinema como produto é a vítima, o acusado e a testemunha. Outro aspecto que a obra de Chazelle também nos mostrou é que essa não foi a primeira vez que a Sétima Arte foi posta contra a parede, e provavelmente não será a última. Portanto, ela sabe se moldar às adversidades que naturalmente criará à medida que for se desenvolvendo e também as que forem impostas à ela. E na lei do mais forte, mais uma vez o Cinema prova sua força conquistada em seus mais de 120 anos de história.

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Guilherme Veiga

Nos mais de 120 anos do Cinema, é natural que, uma hora ou outra, ideias se esgotem, seja pela saturação ou pelas fórmulas estabelecidas. É a partir daí que os gêneros nascem, com o intuito de guardar em caixas histórias que têm algo em comum. Filmes de ação, geralmente, são construídos sob a sombra dos brucutus com armas nas mãos, contra tudo e contra todos; romances, em sua maioria, são melodramáticos; biografias, quase sempre, endeusam os biografados; aventuras abusam da jornada do herói, e por aí vai. Em uma Arte tão vasta, o difícil é sair da homogeneidade.

Talvez o gênero que encontre mais dificuldade para escapar do ‘mais do mesmo’ seja o de sci-fi com extraterrestres. Muito porque, antes mesmo dele chegar de vez no Cinema, o tema já estava amplamente estabelecido na cultura popular, principalmente a norte-americana. Quando chegou às telas, o subgênero já vinha como um ponto fora da curva, a exemplo de Contatos Imediatos do Terceiro Grau (1977), Marte Ataca! (1996), Alien: O Oitavo Passageiro (1979), E.T. O Extraterrestre (1982), Sinais (2002) ou, até mesmo, o recente Distrito 9 (2009). Essa seara que, graças a originalidade, criou seu próprio conceito, merecia ser retrabalhada por uma das mentes mais originais da atualidade, e é isso que Jordan Peele busca com Nope, ou, aqui no Brasil, Não! Não Olhe!.

A história gira em torno de um rancho que cria cavalos para serem usados na indústria do entretenimento, seja em filmes, clipes ou peças publicitárias. Após a morte do patriarca da família, depois de ser atingido por uma moeda que, misteriosamente, é arremessada do céu, seus filhos descobrem que aquele entorno do deserto rural californiano é habitado por um OVNI. Trata-se de uma premissa bem blockbuster spielbergiana, quase que um encontro entre Peele e Steven Spielberg, e de fato esse talvez seja o filme mais comercialmente aclamado da curta filmografia do diretor. Porém, com o cineasta sendo um dos mais famosos expoentes do simbolismo e da crítica social, Nope é muito mais do que isso.

Carregado de símbolos, Não! Não Olhe! é uma crítica à indústria, estando ele inserido nela. O diretor e roteirista abusa da sociedade do espetáculo para além daquela base teórica, pois aqui, de certa forma, quebra a quarta parede para analisá-la dos dois lados, e mesmo indo para o lado dos blockbusters, também rompe com eles. Esse tipo de narrativa (mal) acostumou o espectador a ter todas as respostas, mas o filme não está nem um pouco preocupado em ser explicativo. Isso faz com que a obra seja a mais divisiva de Peele, visto que funciona de forma muito coesa como conjunto de simbolismos, mas não consegue os amarrar à trama, algo que Corra! (2017) conseguiu. Dessa forma, a experiência, para ser melhor aproveitada, precisa sair das telas, numa espécie de paranoia conspiratória típica da temática.

É em Nope que, nesse extenso amálgama de conceitos, Jordan Peele mais brinca e está livre, ao destrinchar essas interpretações em várias vertentes. Isso é um prato cheio para o mercado de finais explicados do YouTube e faz com que o debate seja tão vasto como o universo inexplorado. Por essa razão, cada um que assiste o longa pode tirar suas próprias conclusões, em um cenário de diálogo cada vez mais escasso em uma Hollywood enlatada, fazendo com que tal conjuntura seja extremamente benéfica para o próprio Cinema.

Contudo, as várias interpretações apontam para um mesmo céu: o entretenimento é a nova forma de opressão de minorias, o que faz com que essa violência vire um produto da sociedade capitalista, mas Peele não deixa de inserir a crítica racial na trama. Assim como Us (Nós, 2019), a obra também se inicia com uma passagem bíblica; dessa vez, Naum 3:6: “Eu jogarei imundice sobre você, a tratarei com desprezo e te tornarei um espetáculo”. Impossível não notar que a frase é essencialmente um resumo de Hollywood e da indústria do entretenimento – basta lembrar a relação de Britney Spears com os paparazzis, ou como os magnatas do Cinema trataram Brendan Fraser -, além de ser, basicamente, todo o plot da obra.

Na cena do massacre do chimpanzé Gordy, toda a situação é esquecida pelo jovem ator do seriado noventista a partir do momento em que, sobrenaturalmente, o sapato para em pé, evidenciando como ficamos cegos para a barbárie que é a sociedade quando estamos comandados pelo instinto da curiosidade. Negamos o quão brutal foi uma tragédia a partir do momento que procuramos imagens dela. As próprias aparências do ‘OVNI’ retornam a essas formas de repressão. Primeiramente, ele lembra um chapéu de cowboy, que oprimiu o povo nativo daquela região e, em seguida, seu aparelho digestivo remete justamente a uma câmera de cinema.

Mas não pense que Jordan Peele é hipócrita em sua crítica. Pelo contrário: ele usa a obra como um todo para fazer um mea culpa do filme. Nope é dividido em cinco capítulos: Ghost, Clover, Gordy, Lucky e Jean Jacket. Três deles são os nomes dos cavalos oferecidos à ameaça, seguido pelo nome do chimpanzé morto após o surto; o último é o apelido que os personagens dão ao monstro, ou seja, cinco produtos que foram comidos e cuspidos por algum predador, seja ele literal ou metafórico. A questão é que todas essas cinco divisões são feitas nos mesmos moldes que o letreiro inicial do longa, colocando ele mesmo como esse primeiro produto.

Porém, a obra é muito mais que suas discussões, considerando que ela não viria tão forte se não fosse bem estruturada. O grande chamariz é o roteiro de Jordan Peele. Além de ambientar o subtexto de forma muito coesa, ele é certeiro ao subverter o gênero. O plot twist – que gira em torno da nave espacial não ter nenhum alien, mas, ela sim, ser o próprio alien –, além de ser inteligente por quebrar a expectativa apontando para um ponto micro e desconhecido quando, na verdade, ela já está no macro e não a percebemos (pois fomos condicionados a pensar do jeito que o filme quer que pensemos), coloca a obra em um pedestal único quando se fala nessa seara de histórias. O mais surpreendente é que todos esses pontos são tocados através de um roteiro simples, mas extremamente bem pensado.

Tal escrita só poderia ser regida da forma certa com uma boa direção. Aqui, a decisão de Peele de só ter em sua filmografia filmes nos quais ele também escreve se prova, apesar de conservadora, extremamente acertada. Ele sabe conduzir cenas de suspense como ninguém e, na ambientação, até o marasmo do céu se torna assustador nas mãos dele, cujos aspectos técnicos convergem na criação de mundo. O design de som de Johnnie Burn é impecável e consegue amplificar a ameaça do monstro sem abusar de rugidos, somente com o silêncio e o som do vento. Já a fotografia de Hoyte van Hoytema, aliada com o design de produção de Ruth De Jong e o figurino de Alex Bovaird, criam uma atmosfera única e colorida, que às vezes parece até fantástica para o monocromático deserto.

O elenco também faz jus ao texto. Ele foi tão bem desenvolvido que apenas cinco personagens conseguem carregar as duas horas do longa sem cansar. Daniel Kaluuya e Steven Yeun repetem a parceria com Peele, o primeiro pelo excelente Corra! (2017) e o segundo pelo remake de Além da Imaginação (2019). Kaluuya mais uma vez entrega uma atuação primorosa, que vai crescendo com o passar do filme, e Yeun entende que seu papel é bagunçar a trama e faz isso de forma muito consciente. Mas quem rouba a cena é Keke Palmer (Lightyear) com a expansiva e comunicativa Emerald, que chama todos os holofotes para si e dá conta do recado. São adicionados a eles, também, Brandon Perea (The OA), que funciona como um alívio cômico muito pontual, e Michael Wincott (O Escafandro e a Borboleta), com sua presença em cena inconfundível.

Extremamente bem pensado, inteligente, audacioso e subversivo, Não! Não Olhe! é a empreitada mais original do Terror, no ano em que o gênero se provou com muita originalidade. A obra sabe trabalhar com o desconhecido no momento em que ela evidencia que tal desconhecido vai muito além do que conhecemos. Jordan Peele entende o papel do Cinema ao fazer com que a experiência cinematográfica ultrapasse as telas, sem a presunção e pedância de um ‘filme para refletir’, pois coloca o espectador para pensar – e essa talvez seja a parte mais empolgante da jornada – sem abrir mão da diversão que é assistir ao longa. 

Talvez Nope não seja tão grandioso quanto os projetos anteriores de seu idealizador e isso também vale discussões, mas não por seus deméritos, e sim pelo diretor ser um viciado em acertar. Num futuro, ele pode cair na própria crítica e ser consumido e cuspido pela indústria, mas esquecido? Jamais. Pois essa pequena e significativa constelação da qual Peele construiu sua história nas telas sempre irá brilhar no Cinema.

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