Davi Marcelgo

Ao longo de quatro anos, Pablo Larraín dedicou seu trabalho de cineasta à Ditadura Militar chilena, com Tony Manero (2008), Post Mortem (2010) e No (2012). Desde 2016, o diretor agarrou outro gênero, parecido com o drama de época, a cinebiografia, com os filmes Jackie (2016) e Spencer (2021). Em 2024, sua visão sobre mulheres históricas do século XX adentra os palcos do Teatro Scala de Milão e registra os últimos dias de vida de Maria Callas (Angelina Jolie). Maria Callas foi selecionada para a 48ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e faz parte da seção Perspectiva Internacional. 

Assim como no filme de Lady Di, Callas é uma protagonista em profunda tristeza e com seus símbolos sólidos desmoronando: a Música, a fama e a orientação. Larraín, que já tinha acertado anteriormente, prefere destacar um período da história de sua musa ao invés de apanhar uma vida toda em 120 minutos. Ao fazer isso, há mais espaço para aprofundar a protagonista e menos para entender a carreira: Maria é maior que La Callas. 

Essa abordagem reflete a condição da personagem, que não se encontra mais no panteão de uma diva – a última apresentação dela foi em 1974. O mesmo não se pode dizer de Angelina Jolie, que com carões, voz e postura faz uma excelente atuação; às vezes hipnotizados, adormecemos a ideia de que conhecemos esse rosto de outros carnavais e de capas de revista: ela não é Jolie, é Callas. Em biografias, é muito fácil cair no caricato (quando não intencionado) ou na imitação, mas a ‘Malévola’ atribui humanidade ao seu trabalho.

A desconstrução de ícone para sujeito já começa no início com uma montagem que apresenta a grandiosidade da voz de Maria Callas e momentos de exaltação em sua vida, que são quebrados pela violenta realidade de não mais cantar em palcos, mas sim para a governanta da casa, que nem presta tanta atenção, pois se ocupa na cozinha. Pablo Larraín conduz a fragmentação de passado e presente através de cortes brutais que intercalam os tempos divergentes. Tal como Spencer, o cineasta também compõe uma mise-en-scène interessante; objetos e figurinos em cena dizem algo sobre a cantora, como as cenas em que está envolta de heróis e musas da mitologia grega, um reflexo de quem ela é. Os espaços soberbos, em tamanho e importância, deixam-na diminuta.

A desilusão e as realidades paralelas que Callas cria também são quebradas por alguém que a chama e a tira do delírio; em corais feitos para endeusar ela, na verdade, há vazio. É um retrato também muito melancólico, a soprano personifica seu remédio favorito em um jornalista que quer saber tudo a respeito dela: são poucos que estão dispostos a ouvir o passado e dores de uma estrela que já não brilha mais. Porém, o próprio Larraín é o Mandrax (Kodi Smit-McPhee), ele está interessado na história da grega, na saudades dos palcos, na relação com os funcionários e nos traumas da juventude. O que o diretor chileno propõe é uma provocação de choques entre muitas contradições, que deixam o espectador em uma montanha russa com destino para o abraço ao sujeito Maria.

Maria Callas se assemelha com o filme da princesa britânica a partir da composição de espaços e a história de queda, mas é melhor. Um dos melhores filmes da Mostra e do ano, com certeza um forte concorrente para o Oscar de 2025. É um longa que vai durar mais que um hype ou a curiosidade de conhecer uma persona, porque é um projeto que se mantém nos dramas e sentimentos de um personagem humano, não de uma carreira apoteótica.

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Nathalia Tetzner

Depois de uma noite muito louca em Las Vegas, onde arrebentou o rosto e apareceu enfaixado após cirurgias plásticas que o desfiguraram, The Weeknd está de volta com uma nova face. De narrativas fictícias elaboradas para os seus projetos, ele já mostrou que entende. Mais uma vez, não foi só a sua caracterização que sofreu uma grande mudança, mas a sua sonoridade também. O seu quinto álbum de estúdio, Dawn FM (2022), transmite uma estação de rádio EDM no purgatório.

Envelhecido, o artista canadense convida o ouvinte para uma jornada pelo desconhecido. Com menção ao niilismo e locução de Jim Carrey, a nova era de The Weeknd é estruturada aos moldes do jornalismo de rádio. Entre as faixas, há diversas interrupções do radialista e, até mesmo, o comercial de um produto chamado After Life. Conhecido por não dar ponto sem nó, a propaganda seria uma pista sobre a possível trilogia envolvendo os álbuns After Hours (2020), Dawn FM (2022) e, futuramente, After Life.

O obscurantismo de Abel Tesfaye começou a ganhar a pista de dança com o lançamento do single Take My Breath, em agosto de 2021. O primeiro material da sua nova proposta artística tirou o fôlego do público, literalmente. Já um pouco cansados da estética oitentista do gênero synthpop, a música não foi tão bem recebida como os seus carros-chefes anteriores. Em meio a colaborações para projetos de outros artistas, como Post Malone e FKA twigs, a parceria Moth To A Flame com o grupo sueco de música eletrônica, Swedish House Mafia, se destacou por incorporar o espírito do que viria a ser o seu mais novo álbum.

Disponível nas plataformas de streaming na mesma semana da divulgação da data de lançamento, Dawn FM estreou com uma transmissão exclusiva no canal da Amazon Music na Twitch. Provando que adora incorporar personagens, os fãs assistiram um The Weeknd idoso colocar uma plateia cheia de jovens para dançar atrás de uma bancada de DJ. Só que a aventura audiovisual não parou por aí: no videoclipe de Gasoline, os alter egos de The Weeknd voltam a brigar à la Starboy, dessa vez, o embate é entre a juventude e a velhice.

Sintonizado na estação 103.5 Dawn FM, o ouvinte aproveita a passagem pelo purgatório ao lado do vovô Abel. Ao todo, as dezesseis faixas contribuem para a luz no fim do túnel chegar cada vez mais perto, finalmente cegando a alma perdida no glorioso poema declamado por Jim Carrey, Phantom Regret by Jim: “O céu é para aqueles que abandonaram o arrependimento/E você precisa esperar aqui enquanto ainda não chega lá por completo/Mas você pode estar lá no final dessa canção”. 

O quinto álbum de estúdio do cantor reúne alguns nomes já conhecidos na produção: Max Martin, Oscar Holter e Oneohtrix Point Never são responsáveis pela sonoridade de quase todas as músicas. O time de hitmakers não repetiu uma fórmula, How Do I Make You Love Me? e Don’t Break My Heart são extraordinárias, mas a quantidade exuberante de minutos do projeto que produziram juntos faz as poucas exceções se destacarem. A calma e carregada Here We Go… Again, em parceria com o rapper Tyler, The Creator, é um refresco aos ouvidos, sendo ainda mais interessante pela suposta menção ao relacionamento vivido entre The Weeknd e Angelina Jolie: “Minha nova garota, ela é uma estrela de Cinema”.

A batida eletrônica de Calvin Harris com os versos de Lil Wayne em I Heard You’re Married e a interlude reflexiva de Quincy Jones em A Tale By Quincy também são dois pontos fora da curva. Sacrifice, outro feito perspicaz do Swedish House Mafia, foi a escolhida como o segundo single e, embora tenha ganhado um videoclipe com visuais deslumbrantes, a divulgação ficou por isso mesmo. A sensação que deixa é a de que The Weeknd talvez não esteja tão preocupado em envelhecer essa nova era.

Sucesso de crítica, mas nem tanto comercial – ao se considerar os padrões dos seus lançamentos anteriores -, Dawn FM garantiu elogios dos mais importantes veículos especializados, enquanto largou em segundo lugar na parada musical estadunidense Billboard 200. Em evidência global durante os últimos dois anos, um descanso de imagem poderia ter sido de grande ajuda nos charts. Porém, Abel Tesfaye obviamente não se preocupa em repetir desempenhos estrondosos e deve sair em turnê mundial ainda esse ano com a After Hours Til Dawn Stadium Tour. 

O poder de atração do álbum está na sua atmosfera única criada pela junção de dois meios de disseminação diferentes: o disco e a rádio. É preciso muita atenção para perceber todos os detalhes contidos no conceito final. Seja na interrupção de uma chamada para o comercial com a frase “se liberte”, ou em uma mensagem subliminar gravada em reverso “não fique assustado”, The Weeknd consegue instigar o ouvinte e preparar o terreno para o provável lançamento de After Life: a última obra da especulada trilogia.

Das cores quentes do seu terno vermelho em After Hours até as mais frias tonalidades do seu cabelo grisalho em Dawn FM, é visível como a estética do intérprete se molda a partir da presença ou ausência de luz. Se, anteriormente, as luzes da noite de Las Vegas o deixaram cego, no amanhecer (Dawn) a escuridão é total. E como a faixa-título questiona: “Depois da luz, vem a escuridão?/Vem apenas a escuridão?”. Agora que os ouvintes passaram pelo purgatório, o que esse gênio da Música irá oferecer no pós-vida? 

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Vitor Evangelista

O conceito de virgindade é cultural, mas se tem uma coisa que o épico bíblico Eternos faz é deflorar o Marvel Studios. Recheado de barreiras quebradas, a aventura comandada pelas mãos de ouro de Chloé Zhao não apenas ruma as investidas do Universo Cinematográfico para longe do sanduíche dos Vingadores, como também vai de encontro a uma leitura muito mais interessante desses heróis em roupas de látex. Ainda por cima com mais de dez anos de histórias nas costas e a exaustão da fórmula pipoca das narrativas.

Sem qualquer aparição dos Heróis Mais Poderosos da Terra, o filme de 2021 apresenta uma visão acima dessas figuras. Partindo de uma introdução histórica e um bocado celestial, somos, então, colocados à frente dessas espécies de deuses, seres místicos, sábios e super poderosos, destinados a batalharem contra os Deviantes, monstros sanguinários. Mas, longe da avareza do Homem de Ferro ou do lado mesquinho de Steve Rogers, a Grande Família dos Eternos oferece uma visão menos unilateral das narrativas advindas dos quadrinhos.

Isso se reflete na perspectiva de sua genitora, a premiada e aclamada Chloé Zhao. Recém-vencedora de dois Oscars, incluindo o histórico troféu de Melhor Direção, em sua quarta produção na cadeira de chefona, Zhao mantém o olhar cuidadoso e por vezes documental que envelopa suas produções. Depois de sobreviver aos Estados Unidos do século XXI na Terra Nômade, ela decide migrar para um plano maior, tanto em espaço quanto em tempo.

O roteiro, assinado por ela ao lado de Patrick Burleigh, Ryan Firpo e Kaz Firpo, é despreocupado em se adequar ao molde ocidental dos três atos e da história de ascensão, queda e redenção. Bebendo de fontes orientais e do formato Kishotenketsu, construído em quatro “capítulos”, o texto imerge o espectador na história e foca, ao invés de conflitos e reviravoltas costumeiras, em uma experiência de contemplação e ambientação. Os Eternos não salvam o mundo em uma trama envolta em mistérios e traições, pelo contrário, para combinar com a longevidade que carregam no próprio nome, esses seres místicos e mágicos aprendem a viver com as mudanças das batalhas.

Quase uma história “sem conflitos”, não é estranho que a recepção do longa-metragem seja a menos positiva do MCU. O filme tem notas piores até que as de Thor: O Mundo Sombrio, Homem de Ferro 2 e Capitã Marvel, de longe os tomates podres do estúdio. Na verdade, a estranheza de Eternos faz parte do lado ímpar de sua construção de berço. Chegados à Terra há mais de 7 mil anos, esses personagens passaram, literalmente, por todos os eventos que moldaram a humanidade, da Mesopotâmia à Segunda Guerra Mundial. Sem a liberdade de intervir em favor do mundo dos homens, os Eternos assistem passivos às drásticas ações do tempo.

Chloé Zhao, rainha da imersão e da mundanidade, coloca o público no mesmo barco. Com quase duas horas e quarenta de duração, os acontecimentos do filme vão em zigue-zague (outra característica marcante da construção oriental da trama), indo e vindo no mundo, no calendário e na mente dessa galera que não envelhece. A complicação narrativa, que chega na “terceira parte” do filme, revisita o começo e oferece uma reviravolta mais simbólica do que palpável. Nós, como espectadores, podemos reavaliar a visão leviana de início, mas não há nada a ser feito.

Importante, e vital, reiterar o caráter de epopeia do filme, que se descola do que a Marvel acostumou seu público, de Homem de Ferro à Shang-Chi. Em Eternos, Thanos é uma baratinha, e o inseticida está em uma prateleira alta demais. Existem problemas maiores, existem preocupações melhores; o tempo passa, a eternidade não. Para vender bem esse peixe, era necessário uma grande química do elenco, escolhido sabiamente e respeitando a diversidade que uma história desse nível pede. A liderança cai no colo de Ajak (Salma Hayek), que ordena bem as emoções e o sentimento materno que a personagem emana.

Embora tenha menos tempo de tela que seu rebanho, a Eterna curandeira faz sua presença (e ausência) serem latentes e imprescindíveis para o andamento da trama. Ao seu lado, e depois de interpretar uma personagem classe C em Capitã Marvel, Gemma Chan retorna como Sersi, heroína benevolente e talvez a mais empática do grupo. Fosse Eternos um filme realizado dez anos atrás, é capaz que a figura de protagonismo fosse dada a uma Angelina Jolie da vida, mas a série de “primeiras vezes” da Marvel acaba por beneficiar a escalação caprichada de Chan, que tem carisma suficiente para contracenar com qualquer Vingador daqui para frente (por mais que a química com seus pares românticos deixe a desejar).

Na pele da primeira mulher asiática protagonista, a atriz não é a única a fazer história. Zhao é pioneira na direção, e após de Anna Bowen e Cate Shortland, se sagra a primeira mulher asiática a comandar o MCU no Cinema. Além disso, Eternos se envereda para outros cantos: primeira heroína e intérprete surda (a lendária Makkari de Lauren Ridlof), primeiro herói indiano (o astuto Kingo de Kumail Nanjiani) e coreano (o fofo mas bravo Gilgamesh de Don Lee), primeiro beijo entre dois homens e primeira cena de sexo (que deu o que falar, mas não entrega nada que a criançada que assiste os filmes do James Gunn não tenha ouvido antes). 

Recebido com censura em países homofóbicos, Eternos se prostra como um avanço desejado e oportuno. Ninguém aguenta mais a jornada do herói, ou as mesmas sequências de ação super coreografadas. E, para quem ainda anseia ver o Homem-Aranha nas tramas juvenis ou o Thor fazendo piada de pinto, seus filmes ainda existem e continuarão existindo por um bom tempo. Olha só, mês que vem, o Doutor Octopus de Alfred Molina volta às telonas, pois o poder da nostalgia é uma das maiores fraquezas humanas, perdendo apenas para o pescoço.

Sequências de amor, seja ele o ato sexual ou um tocar de mãos ao anoitecer, são o singelo lembrete que heróis são pessoas, e pessoas transam. Melhor dizendo, pessoas vivem. Amam, brincam, lutam, ficam bravas e tem sonhos de loucura. Nas transes que justificam sua participação singela e diminuta em Eternos, a Thena de Angelina Jolie parece atuar mais como um pilar de admiração do que uma figura de ação equiparada a seus companheiros de equipe. Constantemente separada do grupo, sem contar suas interações riquíssimas com Gilgamesh (o hilário e subaproveitado Don Lee), Thena é a guerreira que Jolie se orgulha em dar vida. 

Estrela da Hollywood da virada do século, é preciso reconhecer que sua Malévola é mais Marvelística que qualquer traço da Eterna loira que mantém um olhar distante, unindo dor e saudade e usa branco e amarelo na armadura. A cor dos uniformes lava a imagem colorida e quase pornograficamente cromatizada que o criador Jack Kirby desovou nos anos setenta. A visão de Zhao, pendendo para o marrom e o bege, não apenas apaga a Guernica da Marvel, como reflete que o Cinema de hoje tem uma predileção trivial que, para ser levado mais a sério, uma obra deve beber da sobriedade. Afinal, não existe nada mais infantil que um filme do Thor todo gozado de neon, não é Taika Waititi?

A maturidade de Eternos reivindica seu local de fala original, e dentro da visão banhada da diretora, o design de produção e os figurinos elevam o material, acenando para as páginas dos gibis mas mantendo certa classe. Quem se aproxima sem pudores da criancice, não à toa, é Sprite, que no Brasil teve seu nome traduzido para Duende. A jovem garota, interpretada com o sarcasmo lírico de Lia McHugh, é quem mais rememora as HQs, e tem em sua trama toques de Entrevista com o Vampiro, em uma discussão quase inédita da prisão do corpo humano.

Concomitante a Eternos, enquanto Titane choca com o horror corporal elevado à enésima potência, Sprite sente que vive em uma prisão que a separa gradativamente do amor e do afeto. Também recentemente, What We Do in the Shadows lidou com o tédio de se viver para sempre, e, depois do MCU pintar e bordar com o humor que não leva em conta a vida, o universo e tudo mais, é um alívio assistir os Eternos cansados de serem, bem, eternos. Claro que essas leituras pontuais extrapolam qualquer subtexto que o filme imprima originalmente, mas a discussão não é nova: a Arte pertence a quem a consome.

E se quem a consome tem a figura de um cantor pop britânico como o símbolo de atração sexual de uma geração inteira, é apenas uma feliz coincidência que Chloé Zhao pareça concordar com a afirmação. Fato é que Eternos não existe para agradar os aficionados pelo estalo de Tony Stark. Se isso é um detrimento ou uma qualidade, não cabe ao filme se preocupar, pois ele tem seus olhos em outro objetivo: o de ser sustentável por si só. 

Para guiar o caminho e criar empatia com as criaturas, Eternos toca notas próximas de nós, ficcionalizando sobre eventos traumatizantes e que moldaram o mundo. Quando Phastos (o excepcional Bryan Tyree Henry) chora em meio a uma Hiroshima devastada pós-bomba atômica, o público sente a impotência ou, pelo menos, se importa em entender aquele lamurio. Para a mitologia que gasta tanto seus heróis ao ponto de reciclá-los em qualquer cenas pós-créditos ou menção honrosa possível, Eternos se sai bem ao não soar guloso ou procurar a saída mais simples.

O Universo Cinematográfico da Marvel acabou de abrir portas para o multiverso, enquanto assobia para os Mutantes e acaricia a ideia dos vampiros, e seria uma mão na roda se Zhao optasse por fazer chamada e ir colocando em sua arca cada uma dessas figuras míticas dos quadrinhos, mas que bom que ela não o faz. De suas obras anteriores, ela coleta elementos específicos e os adapta para o que a Marvel entende por Cinema. A sutileza de Songs My Brothers Taught Me (2015) é dobrada por cima de Makkari, a resiliência de Domando o Destino catapulta a experiência fílmica de Phastos, e a câmera na mão que flerta com o documental de Nomadland se reflete na poderosa e crescente jornada de Sersi.

Chloé Zhao entende onde estão e como quer chegar a seus objetivos, nem para que isso se curve a algumas máximas do entretenimento pipoca. O humor desregulado de Kumail Nanjiani opera em sintonia com a gozação de Druig (o extremamente atraente e altivo Barry Keoghan). O mesmo vale para a aparente virgindade de Dane Whitman (Kit Harington), que vai se desdobrando no gancho mais clássico da Marvel, o da herança eterna e da predileção pelo destino. A breve aparição de Kro (Bill Skarsgard) é necessária para que a função de vilão não sofra da difusão narrativa que Eternos toma como regra geral.

Afinal, deuses não tem oponentes à altura, senão eles próprios. Thena é uma ameaça, mas Angelina Jolie é grande demais para receber o tratamento básico da mulher superpoderosa que joga amarelinha entre o Céu e o Inferno. Richard Madden esconde bem as cartas na manga, e a tara pelo biblíco segue à letra uma narrativa de redenção e queda que pode muito bem ser servida daqui alguns anos, quando o mundo entender o papel de algo como Eternos na grande máquina que se tornou a experiência Marvel de fazer Cinema.

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Júlia Paes de Arruda

Filmes com animais falantes podem ter enredos artificiais e forçados, como é O Zelador Animal. Outros conseguem atrair o público genuinamente, tal qual Dr. Dolittle, de forma que não seja necessário um reboot. Mas não é o caso de O Grande Ivan (The One and Only Ivan, no original). Neste novo projeto, a Disney consegue oferecer uma história leve, divertida e descontraída sobre um tema extremamente sensível e alvo de diversas controvérsias: a presença de animais em circos. 

Na obra baseada em fatos, somos apresentados a Ivan (Sam Rockwell), um gorila de costas prateadas que é o mascote de um circo dentro do centro comercial Big Top Mall. Domesticado desde muito pequeno pelo dono do espetáculo Mack (Bryan Cranston), o animal vira sua grande atração. Porém, com as baixas audiências e os altos custos do picadeiro, Ivan é substituído pela pequena elefanta Ruby (Brooklynn Prince). Com sua chegada, o gorila passa a reconsiderar suas convicções e questionar sobre a vida que possui. 

Aqui no Brasil, o uso de animais com fins circenses é proibido em apenas 12 estados, isto é, não existe uma legislação nacional que impeça esse tipo de comercialização. O motivo para a proibição é óbvia. Por trás das acrobacias “inteligentes”, eles vivem, em sua maioria, em ambientes precários – e até mesmo insalubres – contra a própria vontade a fim de proporcionar entretenimento. Só por aqui, já vemos que esse ato de humanizá-los acaba se tornando a própria falta de humanidade das pessoas, as quais enxergam uma opressão como um motivo de riso e aplausos.

A elefanta Stella (Angelina Jolie) é o retrato perfeito para tal violência. Dentro do picadeiro desde o começo, ela só é “libertada” com a chegada da sua morte. É irritante e agoniante ver a falta de empatia de Mack com o animal. Num dia, ao final de um espetáculo, ele vê Stella sem o apoio de uma das pernas e avisa para um de seus funcionários que o veterinário viria logo pela manhã. No dia seguinte, o dono do circo vê a elefanta já deitada, provavelmente agoniada, e solta um “eu ligo pro veterinário depois do espetáculo”. Essa fala deixa qualquer pessoa (pelo menos, qualquer ser humano decente) enfurecido e incomodado com a situação do mamífero que recorda com alegria nos olhos os velhos tempos na selva. 

Esse aperto é ainda mais palpável por causa dos animais serem idênticos aos selvagens. A tecnologia de CGI proporciona uma experiência extremamente realista ao importar texturas de pelos, penas e traços físicos autênticos. Apesar da crítica presente no filme, é importante mostrar que a ausência de animais nas filmagens não influenciou o capricho das telas como foi no remake de O Rei Leão. Além disso, o uso de imagens computadorizadas auxilia na prevenção de maus tratos, algo bastante polêmico em Quatros Vidas de Um Cachorro. 

As cenas de fuga em O Grande Ivan são tristes. Os animais saem desimpedidos, com o vento da liberdade batendo em seus rostos. Entretanto, ficam sem rumo, sem saber o que fazer depois. O coelho Murphy, inclusive, não consegue se desprender do seu caminhão de bombeiro para salvar a própria vida. Esse sentimento é parecido com a cena em Procurando Nemo, que mostra os peixes do aquário, presos em sacos plásticos, dentro do oceano animados com a sensação de independência. Dois segundos depois, um olha pro outro e surge a pergunta “e agora?”. É doloroso ver que na primeira oportunidade deles voltarem para sua vida antiga, eles a abraçam.

Os efeitos presentes no filme o fizeram ganhar uma indicação ao Oscar 2021 para Melhores Efeitos Visuais, categoria que já teve vencedores como O Primeiro Homem (2019) e Mogli: O Menino Lobo (2017). Os nomes encarregados do trabalho foram Nick Davis (nomeado ao Oscar 2009 por Batman: O Cavaleiros das Trevas), Greg Fisher, Ben Jones e Santiago Colomo. A técnica usada em O Grande Ivan, mesmo não sendo inovadora por ter sido usada também em Babe, O Porquinho Atrapalhado, trouxe a sensação de realismo aos animais, ainda que expressassem sentimentos humanos. Por causa da interação com os atores, as filmagens tiveram que ser divididas em duas partes, com marionetes e bonecos de tela verde, para que a sincronia entre as personagens pudessem ser complementares. Esse trabalho impecável veio da Moving Picture Company (MPC), a qual já havia produzido filmes reconhecidos nesse aspecto, como Harry Potter e o Prisioneiro de Azkaban e Guardiões da Galáxia. Já era de se esperar um serviço exemplar com esse currículo. 

A direção de Thea Sharrock (Como Eu Era Antes de Você) e o roteiro de Mike White (que também dubla a foca Frankie) constrói arcos para desenvolver Ivan, deixando alguns personagens sem aprofundamentos. É o caso de Julia (Ariana Greenblatt), filha do funcionário George (Ramon Rodríguez). Ela é fundamental para que o gorila retorne aos seus laços selvagens, mas pouco se é debatido sobre a doença de sua mãe – ponto citado entre os desabafos da garota com o animal. Essa menção poderia ser facilmente excluída sem que afetasse a progressão dos acontecimentos. Também não fica claro como Ivan chegou às mãos de Mack e como surgiu a ideia de empreender um circo. Esses momentos poderiam fazer o público compreender melhor a trajetória do Grande Ivan. 

A sensação de emancipação dos animais é ainda mais bonita acompanhada na sua música- tema. Selecionado mais uma vez para compor trilhas sonoras, Charlie Puth dá vida a Free, com versos profundos e deslumbrantes. A história de Ivan alcança completude com a letra e as notas do piano, alternando entre a angústia do aprisionamento com a maravilhosa sensação de finalmente estar livre. Dados do verdadeiro gorila são expostos em tela de forma a entender a inspiração do filme e, logo depois, os créditos sobem ao som da voz de Charlie. É impressionante essa construção sensorial que a sequência de imagens proporciona para a faixa. 

O Grande Ivan nos dá uma grande lição de moral. Ele entra na onda dos filmes de animação que atraem o público infantil, mas que cativam outros espectadores a saírem com reflexões sobre o que assistiu. Não chega a ser um documentário da National Geographic, mas também não se trata de um desenho simplista. O enredo trata com delicadeza tópicos complexos para as crianças e as ensinam que o entretenimento não vale a vida de um ser vivo. Com certeza, merecia mais reconhecimento fora das premiações. 

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