Eduardo Dragoneti

Após sua atuação amplamente criticada na série The Idol, da HBO Max, o multiartista Abel Tesfaye (The Weeknd) volta a se arriscar no mundo audiovisual e protagoniza  seu primeiro longa-metragem: Hurry Up Tomorrow: Além dos Holofotes. Contracenando com nomes de peso como Jenna Ortega e Barry Keoghan, o filme parece buscar redenção para a imagem audiovisual do cantor. No entanto, o que se desenha é um desastre narrativo embalado por trilhas de seu último álbum homônimo.

Logo nos primeiros minutos, a obra estabelece seu foco: o delírio de um músico atormentado por drogas, álcool, insônia e assombrado por fãs obsessivos e memórias distorcidas. A cinematografia intimista, comandada por Chayse Irvin, tenta dar densidade a um roteiro que, embora ambicioso, é desarticulado. Há momentos em que o espectador não sabe se está testemunhando um episódio real, um delírio ou apenas uma alegoria sem amarras. A pergunta que ecoa durante todo o longa – “Ele passou por tudo aquilo ou não passou por nada?” – infelizmente nunca encontra resposta.

O longa gira em torno das letras do álbum Hurry Up Tomorrow, transformando cada cena em um videoclipe autorreferente. Apesar de visualmente estiloso, com  enquadramentos experimentais que são marca registrada do diretor Trey Edward Shults, a produção falha ao tentar construir uma narrativa sólida: são muitas ideias jogadas, simbolismos rasos e conexões forçadas. O resultado é uma experiência arrastada, pretensiosa e, por vezes, involuntariamente cômica, como nas cenas em que The Weeknd tenta entregar emoção e só consegue despertar desconforto. Se a intenção era mostrar vulnerabilidade, o efeito foi oposto, uma vez que suas expressões vazias comprometem qualquer impacto dramático.

Abel, que além de atuar também fez parte da produção e assinou o roteiro com o diretor e Reza Fahim, parece nunca ter definido com clareza o rumo da narrativa, tampouco o tom ou o estilo da obra. O espectador é lançado de um drama a um suspense, até ser surpreendido por um terror estranho e desconexo, inserido no meio de uma verdadeira disforia audiovisual. A impressão que fica é a de que o cantor tentou experimentar livremente elementos de seu imaginário, mas falhou ao tentar harmonizá-los, comprometendo a experiência de fãs que esperavam ver sua redenção no Cinema.

Quem realmente salva a produção de um colapso completo é Jenna Ortega. Sua atuação como Anima, a jovem misteriosa que invade a vida do protagonista, é intensa e enigmática. Há camadas em sua performance que o texto jamais se dá ao trabalho de explorar. Ela sustenta as poucas cenas que funcionam, mesmo quando sua personagem toma decisões inexplicáveis, como incendiar a casa da própria mãe, sem que o filme se preocupe em oferecer qualquer desenvolvimento psicológico ou justificativa narrativa para essas atitudes. O resultado é mais uma pergunta solta em um mar de metáforas mal amarradas: “Ela é louca? Ou só parte de mais um delírio do protagonista?”

A trilha sonora, como era de se esperar, é um dos pontos altos. As canções do álbum homônimo embalam o longa com qualidade técnica inegável, criam atmosferas hipnóticas e, em certos momentos, quase salvam a experiência. Mas quando a música é o que mais funciona em um filme, talvez ele devesse ser só um álbum visual e não uma obra cinematográfica.

Outros cantores já se aventuraram no Cinema, com resultados mais bem-sucedidos. Em 1988, Michael Jackson levou fãs às salas com Moonwalker. Em 2016, Beyoncé elevou o padrão com Lemonade, um álbum visual coeso e premiado. A diferença é que esses projetos sabiam o que queriam dizer, algo que a obra de The Weeknd não consegue definir. Falta direção, falta roteiro e sobra pretensão. O que poderia ser uma expansão criativa para o artista vira apenas um experimento confuso, envolto por uma trilha sonora boa demais para a produção que a acompanha.

Hurry Up Tomorrow: Além dos Holofotes tenta falar sobre fama, obsessão, identidade e trauma. No entanto, seu maior pecado é não conseguir dizer nada. A estética sufoca a substância, e o ego do protagonista se impõe como a verdadeira força por trás da câmera. A pergunta que Abel Tesfaye parece fazer ao espectador – “Você me entende?” – encontra uma resposta amarga: Não, e pela experiência, nem valeria a pena tentar.

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Talita Cardoso

Abusos da mídia, dores físicas e psicológicas de artistas, transtornos desencadeados pelo meio e todos os bastidores podres da indústria musical de forma nunca antes vista. Foi o que The Idol prometeu explorar ao narrar a perspectiva de Jocelyn (Lily-Rose Depp), uma cantora mentalmente instável e fisicamente ferida pela profissão, que tem sua vida e a forma como enxerga a arte alterada ao conhecer um problemático produtor musical, Tedros (The Weeknd).

Apesar de abordar muitos dos temas os quais se propõem, a qualidade na forma como eles são retratados é desprezível, mas o que o público poderia esperar de uma série que antes mesmo de estrear já estava banhada de polêmicas e, após uma exibição prévia no Festival de Cannes, foi massacrada pela crítica especializada. Isso fez com que a obra, dirigida e roteirizada por Sam Levinson, fosse cancelada após a recepção negativa do público, por mais que, previamente, a segunda temporada estivesse sendo cotada pela produtora.

A promessa de problematizar um meio por si só problemático ficou só em sonho e, apesar do elenco e a produção terem dado as caras em Cannes sorridentes e orgulhosos, com Sam Levinson chorando e fazendo declarações ousadas de que The Idol iria hitar, a aceitação do público não foi a das melhores. Já no primeiro episódio, Cara Melada e Contos do Malandro, a audiência ficou atrás de outro sucesso da HBO, também dirigida por Levinson, Euphoria.

O fracasso de público pode ser explicado por uma junção de muitos fatores. O roteiro se assemelha a um soft porn, exatamente o que se espera de algo criado sem a perspectiva feminina: sexualização e degradação feminina disfarçada de crítica e arte, pode ser um dos principais. Logo no piloto, tudo é sobre sexo, desde o enredo principal do até os diálogos mais banais. A monotemática de um texto que não se aprofunda em nada se torna mais sutil ao longo da série, mas a trama nunca evolui para algo a mais. Além de misógina, The Idol é rasa e tudo o que era suposto para problematizar. 

Apesar disso, é perceptível a tentativa de captar a indústria musical. O sofrimento de Jocelyn é palpável para o público, mostrando as dificuldades em controlar suas emoções para parecer perfeita aos olhos dos outros, as dores de ter que fingir que está bem mesmo quando está prestes a desmoronar e de ter que continuar tentando mesmo que seu corpo já não aguente mais e possua demasiadas feridas abertas. Suas dores são físicas e psicológicas, claramente muito inspiradas em divas pop verdadeiras, que tiveram suas angústias sexualizadas e tiradas de contexto ao longo do programa. 

Além de um roteiro preguiçoso, os visuais, os figurinos e as cores não funcionam. Mesmo com a clara tentativa de criar uma it girl que se torne inspiração, nada é memorável e acaba se tornando esquecível. Ainda sobre a estética, o único ponto alto e que merece destaque são as cenas em que Tedros aparece e as imagens se tornam escuras, com alguns tons em vermelho, trazendo a ideia de corrupção da personagem. Além disso, o jogo de câmera, idealizado por Marcell Rév, se torna mais inquieto e ansioso, sendo interessante em uma primeira análise. Entretanto, essa é uma tática visual que enjoa facilmente e se assemelha a uma mera extensão dos videoclipes de The Weeknd.

Já no elenco, Lily-Rose Depp não faz uma atuação terrível e tem seus bons momentos, claramente evoluindo ao longo dos episódios. O cantor é inexpressivo e consegue a proeza de fazer e falar os maiores absurdos sem esboçar nenhuma reação, não se conectando nem ao menos com seus parceiros de cena. Jennie Kim, interpretando Dyanne, rouba a atenção sempre que está na tela. Apesar de aparecer em poucos momentos, a cantora foi dona de uma das únicas, senão única, cena viral da série, a coreografia de World Class Sinner.

Há claras tentativas falidas e ridículas de inserir um suposto empoderamento feminino na protagonista, que evidenciam ainda mais um roteiro em que nenhuma mulher colocou os dedos. O feminismo liberal representado não traz pauta relevante, se limitando à ideia de um movimento aliado ao capitalismo, ambos incentivando Jocelyn a lucrar com seu corpo, mesmo que a própria cantora se mostre descontente em se expor nua visando lucros. Todos a tratam como inocente e a julgam por não querer fazer isso consigo mesma. No fim, isso apenas reforçou o ideal machista do script. 

Além disso, o ‘relacionamento’ representado entre Jocelyn e Tedros é repugnante e desnecessariamente romantizado. De início, o homem a utiliza como bem entende, o que gerou severas críticas à série. Assim, houve uma tentativa de amenizar todo o abuso mostrado ao longo dos episódios, trazendo um plot twist sem noção e mal construído para a personagem de Lily-Rose Depp. Repentinamente, um roteiro que foi todo construído na ideia do abuso de uma mulher claramente quebrada psicologicamente faz com que ela se torne uma vilã e o abusador, um coitado. 

É fácil relacionar o final da série a uma tentativa de uma girl boss, um female rage ou um ‘literalmente eu’ para conquistar o público e viralizar no TikTok. Claramente, não funciona. Personagens assim, atualmente, só conquistam o público feminino quando não são construídas sob o olhar masculino. Ao contrário do que parece ter sido desejado, o final só tornou tudo mais misógino e inconsequente. Além disso, muitos dos abusos cometidos são tidos como ‘método de trabalho’ por Tedros e em nenhum momento há uma reflexão sobre isso. Uma produção que se propõe a fazer análises sobre a toxicidade de uma indústria parece, na verdade, normalizar abusos inaceitáveis e deixar passar claras problemáticas.

O único aspecto genuinamente competente da série é sua trilha sonora. Afinal, The Weeknd como roteirista e ator é um ótimo músico. Quase todas as melodias que compõem o enredo têm seu dedo nas produções e composições, o que não é ruim, já que ele entrega qualidade. Merecem destaque One Of The Girls, uma das mais ouvidas no Spotify, com seus vocais e ritmo marcantes, e Popular, com uma batida notável e a participação especial da lendária Madonna. 

O que poucos sabem é que The Idol se tornou um conjunto de desastres após a demissão da diretora inicial, Amy Seimetz, que saiu repentinamente quando quase todos os episódios da série já estavam finalizados. Burburinhos disseram que The Weeknd, co-criador, acreditava que o show tinha uma perspectiva feminista muito forte e por isso substituiu Seimetz por Levinson, que reescreveu e regravou praticamente tudo.

Com tanta coisa negativa, não tinha um ser humano para avisar que The Idol era uma péssima ideia? Na verdade, tinha sim. Com a clara mudança de perspectiva, vários membros da produção foram contra a produção e, em entrevista para a Rolling Stones, contaram sobre as polêmicas no set. Um deles ressaltou que a série saiu de uma sátira para se tornar exatamente o que eles queriam satirizar; já outro problematizou as cenas romantizadas de abuso, mas mesmo com diversos avisos, o seriado saiu do papel e ganhou vida. 

Com uma enxurrada de controvérsias e uma baixa qualidade, a obra foi encerrada com um episódio a menos do que a ideia inicial da antiga diretora. Com cinco atos de 50 minutos cada, The Idol é uma tortura de 275 minutos legalizada pela HBO e  um drama angustiante de se assistir. Não há história, não é artístico. Por mais que Sam Levinson considere o acúmulo de comentários negativos uma forma de marketing, a série continua podre e não precisava nem ao menos ter passado do primeiro episódio.

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Nathalia Tetzner

Depois de uma noite muito louca em Las Vegas, onde arrebentou o rosto e apareceu enfaixado após cirurgias plásticas que o desfiguraram, The Weeknd está de volta com uma nova face. De narrativas fictícias elaboradas para os seus projetos, ele já mostrou que entende. Mais uma vez, não foi só a sua caracterização que sofreu uma grande mudança, mas a sua sonoridade também. O seu quinto álbum de estúdio, Dawn FM (2022), transmite uma estação de rádio EDM no purgatório.

Envelhecido, o artista canadense convida o ouvinte para uma jornada pelo desconhecido. Com menção ao niilismo e locução de Jim Carrey, a nova era de The Weeknd é estruturada aos moldes do jornalismo de rádio. Entre as faixas, há diversas interrupções do radialista e, até mesmo, o comercial de um produto chamado After Life. Conhecido por não dar ponto sem nó, a propaganda seria uma pista sobre a possível trilogia envolvendo os álbuns After Hours (2020), Dawn FM (2022) e, futuramente, After Life.

O obscurantismo de Abel Tesfaye começou a ganhar a pista de dança com o lançamento do single Take My Breath, em agosto de 2021. O primeiro material da sua nova proposta artística tirou o fôlego do público, literalmente. Já um pouco cansados da estética oitentista do gênero synthpop, a música não foi tão bem recebida como os seus carros-chefes anteriores. Em meio a colaborações para projetos de outros artistas, como Post Malone e FKA twigs, a parceria Moth To A Flame com o grupo sueco de música eletrônica, Swedish House Mafia, se destacou por incorporar o espírito do que viria a ser o seu mais novo álbum.

Disponível nas plataformas de streaming na mesma semana da divulgação da data de lançamento, Dawn FM estreou com uma transmissão exclusiva no canal da Amazon Music na Twitch. Provando que adora incorporar personagens, os fãs assistiram um The Weeknd idoso colocar uma plateia cheia de jovens para dançar atrás de uma bancada de DJ. Só que a aventura audiovisual não parou por aí: no videoclipe de Gasoline, os alter egos de The Weeknd voltam a brigar à la Starboy, dessa vez, o embate é entre a juventude e a velhice.

Sintonizado na estação 103.5 Dawn FM, o ouvinte aproveita a passagem pelo purgatório ao lado do vovô Abel. Ao todo, as dezesseis faixas contribuem para a luz no fim do túnel chegar cada vez mais perto, finalmente cegando a alma perdida no glorioso poema declamado por Jim Carrey, Phantom Regret by Jim: “O céu é para aqueles que abandonaram o arrependimento/E você precisa esperar aqui enquanto ainda não chega lá por completo/Mas você pode estar lá no final dessa canção”. 

O quinto álbum de estúdio do cantor reúne alguns nomes já conhecidos na produção: Max Martin, Oscar Holter e Oneohtrix Point Never são responsáveis pela sonoridade de quase todas as músicas. O time de hitmakers não repetiu uma fórmula, How Do I Make You Love Me? e Don’t Break My Heart são extraordinárias, mas a quantidade exuberante de minutos do projeto que produziram juntos faz as poucas exceções se destacarem. A calma e carregada Here We Go… Again, em parceria com o rapper Tyler, The Creator, é um refresco aos ouvidos, sendo ainda mais interessante pela suposta menção ao relacionamento vivido entre The Weeknd e Angelina Jolie: “Minha nova garota, ela é uma estrela de Cinema”.

A batida eletrônica de Calvin Harris com os versos de Lil Wayne em I Heard You’re Married e a interlude reflexiva de Quincy Jones em A Tale By Quincy também são dois pontos fora da curva. Sacrifice, outro feito perspicaz do Swedish House Mafia, foi a escolhida como o segundo single e, embora tenha ganhado um videoclipe com visuais deslumbrantes, a divulgação ficou por isso mesmo. A sensação que deixa é a de que The Weeknd talvez não esteja tão preocupado em envelhecer essa nova era.

Sucesso de crítica, mas nem tanto comercial – ao se considerar os padrões dos seus lançamentos anteriores -, Dawn FM garantiu elogios dos mais importantes veículos especializados, enquanto largou em segundo lugar na parada musical estadunidense Billboard 200. Em evidência global durante os últimos dois anos, um descanso de imagem poderia ter sido de grande ajuda nos charts. Porém, Abel Tesfaye obviamente não se preocupa em repetir desempenhos estrondosos e deve sair em turnê mundial ainda esse ano com a After Hours Til Dawn Stadium Tour. 

O poder de atração do álbum está na sua atmosfera única criada pela junção de dois meios de disseminação diferentes: o disco e a rádio. É preciso muita atenção para perceber todos os detalhes contidos no conceito final. Seja na interrupção de uma chamada para o comercial com a frase “se liberte”, ou em uma mensagem subliminar gravada em reverso “não fique assustado”, The Weeknd consegue instigar o ouvinte e preparar o terreno para o provável lançamento de After Life: a última obra da especulada trilogia.

Das cores quentes do seu terno vermelho em After Hours até as mais frias tonalidades do seu cabelo grisalho em Dawn FM, é visível como a estética do intérprete se molda a partir da presença ou ausência de luz. Se, anteriormente, as luzes da noite de Las Vegas o deixaram cego, no amanhecer (Dawn) a escuridão é total. E como a faixa-título questiona: “Depois da luz, vem a escuridão?/Vem apenas a escuridão?”. Agora que os ouvintes passaram pelo purgatório, o que esse gênio da Música irá oferecer no pós-vida? 

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Nathalia Tetzner

Quando The Weeknd apareceu com o cabelo curto substituindo os seus icônicos dreadlocks, os fãs sabiam que a construção de uma nova identidade visual viria acompanhada de músicas inéditas. Afinal, ao contrário da grande parte dos artistas masculinos, Abel Tesfaye sempre soube compor grandes eras à la divas pop. Assim, no outono americano, com o lançamento do videoclipe do primeiro single e faixa-título do seu terceiro álbum de estúdio, Starboy (2016), o cantor literalmente assassinou a persona do Beauty Behind The Madness (2015) e deu início ao projeto mais mainstream de sua carreira.

Lançado em 25 de novembro, o disco, que conta com 18 faixas e 1h8min de duração, alcançou o topo da parada musical estadunidense Billboard 200 em sua estreia. Ao longo de quase um ano, 7 singles foram trabalhados e 6 videoclipes foram impecavelmente produzidos. Porém, a divulgação mais elaborada ficou por conta do curta-metragem M A N I A, dirigido por Grant Singer com o objetivo de preparar o público para o que estaria por vir.

Inspirado por David Bowie e Prince, The Weeknd se juntou a um time de produtores renomados para compor o seu novo alter ego. Conhecidos no cenário mainstream, Max Martin e Benny Blanco marcam presença em refrões chiclete como Love To Lay e nas baladinhas pop como True Colors. Entre os nomes já creditados desde o início de sua carreira, Doc Mckinney traz de volta a sensação da primeira mixtape do canadense, House Of Balloons (2011), em faixas como Party Monster e Sidewalks, sua colaboração emocionante com Kendrick Lamar.

Navegando por temas já explorados na carreira de Abel, o seu terceiro projeto em estúdio tem duas musas: a cocaína e a modelo Bella Hadid. O impasse com a fama e o materialismo entram em cena junto ao relacionamento que terminou pouco antes do lançamento de Starboy. Não por coincidência, a nova queridinha do TikTok, Die For You, foi a última composição a ser finalizada e é a redenção de Abel. “A distância e o tempo entre nós/Nunca vai me fazer mudar de ideia, pois amor/Eu morreria por você”.

Sem o compromisso de contar uma história, Starboy soa como um quebra-cabeça com peças diferentes, mas que incrivelmente faz sentido quando montado. No álbum, há formas peculiares para além do pop R&B – Nothing Without You, assinada por Diplo, acaba soando desinteressante pela não profundidade de um som dance repentino. E o que dizer de I Feel It Coming? Ao contrário do primeiro single, a parceria com a dupla francesa Daft Punk fez muito sucesso nos provadores de roupa sem algum traço da personalidade do intérprete. 

Algo diferente do The Weeknd habitual, mas que funciona em Starboy, é Secrets, a faixa com sample da banda de britânica Tears For Fears que teve como influência o country de Dolly Parton e Conway Twitty. Voltando para as colaborações, os vocais paranoicos de Lana Del Rey em Stargirl Interlude e os versos de Future em All I Know transformam o álbum em uma experiência única.

Uma era completa precisa de uma turnê digna, e, com a Starboy: Legend of the Fall Tour, The Weeknd realizou 95 shows em menos de um ano, incluindo uma passagem pelo Brasil no festival Lollapalooza. O repertório contava com uma mistura entre as faixas inéditas e os grandes hits que os fãs amam. Já a estrutura deslumbrante era formada por um enorme triângulo de origami que iluminava toda a pista enquanto se movia.

Vencedor do Grammy de Melhor Álbum Urbano Contemporâneo, Starboy deveria, segundo o próprio cantor, ter sido indicado nas categorias pop. Após ser esnobado com o seu projeto mais recente, After Hours (2020), o canadense expressou sua indignação para a Rolling Stone: “Colocar um álbum como Starboy e colocar um álbum como Beauty Behind the Madness na mesma categoria de alguns outros artistas, não é justo.” Pois é, como The Weeknd canta em Reminder, nenhum artista R&B é igual a ele, e Starboy é mais uma das mil faces dessa potência do pop com o seu próprio estilo.

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Juliana Silveira Pollato 

Às vésperas do Super Bowl LV, The Weeknd lançou o álbum The Highlights. Esse trabalho, como o próprio nome diz, relança ao público as músicas que marcaram a sua brilhante carreira musical. Abel – nome de batismo do canadense – compilou sucessos desde sua mixtape House of Balloons até seu último álbum After Hours, ainda contando com músicas de parcerias grandiosas com Ariana Grande e Kendrick Lamar.

Se há uma coisa que o cantor e sua equipe entendem é marketing. O show do intervalo do Super Bowl promove uma projeção gigantesca do artista devido a sua grande audiência, tanto nos Estados Unidos, quanto mundialmente. Para quem teve sede do cantor de Blinding Lights após o evento e procurou pelos últimos lançamentos dele, encontrou canções selecionadas de todas as suas eras em um único álbum.

The Weeknd se mantém fiel aos conceitos de cada trabalho. Mesmo trazendo músicas de anteriores ao After Hours, a capa deste novo álbum é composta por sua figura vestindo o icônico terno vermelho utilizado no clipe de Save Your Tears e na própria apresentação no intervalo do Super Bowl.

Abel pode até criar um curso de marketing para a colega de apresentação da passarela da Victoria ‘s Secret, Lady Gaga. Apesar de ser fã número 1 da cantora, entender toda sua relevância na indústria e admirar profundamente toda sua carreira, é importante reconhecer os pontos fracos existentes em suas estratégias de marketing.

Gaga, em menos de um ano do lançamento do primeiro single do Chromatica, já parece ter abandonado seu aclamado trabalho. Enquanto isso, o reizinho do Super Bowl LV está fazendo o impecável After Hours render desde novembro de 2019, quando lançou Heartless e dois dias depois, o maior sucesso do álbum: Blinding Lights.

Voltando ao primoroso The Highlights, entre as faixas há 5 músicas da era  After Hours, disco que traz referências dos anos 80, construindo assim a vibe R&B alternativa de Abel, a combinação perfeita que aquece o coração. Ao mesmo tempo que as canções passeiam por aspectos oitentistas por seus sintetizadores e efeitos, elas também tratam sobre dor, solidão, angústia e sofrimento amoroso. E o trabalho audiovisual, lapidado, serviu videoclipes com muito conceito, mostrando que The Weeknd não traz mais um álbum que resgata a estética dos anos 80, mas sim o  melhor do ano dentro dessa proposta, é incontestável!

Pray For Me e Love Me Harder apresentam uma versão um pouco diferente do cantor. A primeira é impossível de ser dissociada de Pantera Negra, até por essa parceria de peso com Kendrick Lamar fazer parte da trilha do filme e culminar de todas as formas, tanto em letra, vocal e instrumental às temáticas de perda, lealdade, sacrifício e redenção. Já a segunda se trata de uma colaboração de The Weeknd no álbum My Everything da cantora Ariana Grande . Essa parceria de grande sucesso trouxe à humanidade a harmonização perfeita de duas das maiores vozes da indústria musical.

Abel dá frescor às estéticas retrôs muito antes de After Hours. Em Can’t Feel My Face há um resgate do pop dos anos 90, e o cantor ainda teve seus vocais neste trabalho comparados aos de Michael Jackson. Além dessa canção, a coletânea de hits conta com mais 4 elegantes faixas do álbum Beauty Behind The Madness, 4 do sensacional Starboy, 1 do EP My Dear Melancholy, e 2 da mixtape House of Balloons.

“Estou com medo de sentir sua falta

Acontece toda vez

Eu não quero esse sentimento

Eu não consigo lidar com o amor

Tento encontrar razões para nos separar

Mas não está funcionando porque você é perfeita”

The Weeknd em Die For You

É espetacular a forma que The Weeknd imprime verdade em seus trabalhos.  Desde a escolha de seu nome artístico até o resultado final de seu álbum, incluindo até a forma que se expõe nas redes sociais. The Highlights traz uma diversidade de músicas que possuem a mais pura essência de Abel: um cara misterioso que nos dá material suficiente para criar 1001 teorias acerca de suas canções e vida, mas ao mesmo tempo, sensível às dores e melancolia da vida. Essa coletânea é como um suco feito por diferentes frutas, que trazem muitas vitaminas e nutrem a alma.

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Giovana Guarizo

Diferente da solitude, a solidão não é uma escolha. Muito pelo contrário, a solidão é inevitavelmente assombrosa e dolorosa, carregada de frustrações e angústias. Então como lidar com ela? The Weeknd resolveu pegá-la pela mão e transformá-la em arte. A atração principal de todos os seus trabalhos não poderia ser diferente em 2020: é no deslocamento que ele encontra a fonte de inspiração para seus trabalhos geniosos. Solidão, loucura, incompreensão e sofrimento amoroso são os protagonistas do álbum After Hours, o maior dos acertos do canadense. 

Fã declarado de Martin Scorsese, Abel Tesfaye, nome de batismo do artista, se inspirou na comédia After Hours. O filme de 1985, traduzido como Depois de Horas no Brasil, serviu de base para o nome e para o conceito do disco. Na trama, o protagonista Paul Hackett (Griffin Dunne) vive uma vida pacata e solitária na cidade de Manhattan, mas em determinado dia ele acaba entrando em problemas e perigos pela cidade após conhecer a cativante Marcy (Rosanna Arquette).

Esse roteiro é perceptível na sequência dos primeiros singles do CD: Heartless e Blinding Lights. Nessa era, Abel oferece um personagem rico e excêntrico, que desfruta do próprio dinheiro em Las Vegas usando um terno vermelho e preto. Em Heartless, os vícios e as dores são constantes. “Todo esse dinheiro e essa dor me deixaram insensível”, canta. No clipe, ele e um amigo estão totalmente entorpecidos por alguma substância alucinógena, fascinados pelas luzes de um cassino. O constante tema das drogas, desde o início da carreira, parece ser uma válvula de escape para todas as angústias e problemas do artista. Os entorpecentes se mostram como a única companhia que ele possui.

O personagem, atordoado pelas drogas e pelas luzes, se separa do amigo e começa a dirigir em alta velocidade, causando problemas para si mesmo; “a cidade está fria e vazia, não há ninguém por perto para me julgar”. É aí que está o grande triunfo do álbum, a viciante Blinding Lights. A música mira nos anos 80, mas mantém sua contemporaneidade e entrega os dois. É praticamente impossível encontrar um defeito na canção e no que The Weeknd concedeu no videoclipe e em todas as apresentações que fez. Principalmente a do VMA, que consegue arrepiar qualquer um. A música fez história na parada Billboard Hot 100 e ficou por 28 semanas consecutivas no top 5, se tornando a única canção a conseguir este marco.

Pode se dizer que, além de Martin Scorsese, The Weeknd se influenciou por  ideias de Quentin Tarantino. O clipe de In Your Eyes, outro dos singles de After Hours, é digno de uma produção tarantinesca, com um roteiro sangrento e até mesmo sombrio. O maior plot twist dessa fase é quando, no vídeo, somos surpreendidos pela morte do personagem, que é decapitado por uma mulher. No final, ela começa a dançar com a cabeça dele em uma pista de dança. A propósito, os filmes de terror oitentistas Halloween, O Massacre da Serra Elétrica e até Thriller de Michael Jackson também são claras referências audiovisuais desse projeto.

O mais interessante no visual de After Hours é a cor vermelha estar sempre presente, no terno, no sangue, nas luzes dos clipes e apresentações. A letra e batida de In Your Eyes, uma das canções mais aclamadas do álbum, misturam com assertividade o pop e o R&B. O diferencial fica à cargo do saxofone, consagrando-a como uma das únicas músicas a trazer esse instrumento para uma produção de 2020. Além disso, The Weeknd convidou o conceituado saxofonista Kenny G para apresentações e para um remix. 

É evidente que Abel não poupou inspirações cinematográficas no novo trabalho. Há momentos em que ele nos remete ao singular Coringa, principalmente na forma de segurar seu cigarro. Ou então, ao entrar em confusões em uma boate e sair sangrando e rindo, o que chega aos pés de Adam Sandler em Joias Brutas. E ainda em Trainspotting, que por si só já tem um roteiro a lá The Weeknd, com personagens tentando superar fracassos e vícios. Há uma narração de overdose na música Faith, e uma fanfic de que seu futuro vídeo possa ser o encerramento da grande era After Hours. 

Esse ciclo artístico do canadense mostra com sucesso diversas de suas faces. O mais marcante do trabalho é o fato dele estar sempre machucado nos clipes e apresentações. O cantor externalizou um homem ferido sentimental e fisicamente (exemplo do clipe de Too Late, que aborda a angustiante hipersexualização do homem negro). Até mesmo as músicas mais animadas do After Hours, como as incríveis Save Your Tears e Hardest To Love, carregam um peso e são dolorosas de ouvir. As duas canções retratam sofrimento amoroso e erros difíceis de lidar, apesar de sermos expostos a um artista mais maduro e confiante do que em seu primeiro smash álbum Beauty Behind The Madness. 

Mesmo chegando em seu quarto trabalho de estúdio, a temática dos álbuns permanece a mesma, e é nítido que Abel ainda tenta lidar com problemas semelhantes aos do Trilogy, de 2012. Não houve uma prisão no personagem, entretanto. After Hours mostra que ele também saiu de sua zona de conforto. Além de uma parceria inusitada à primeira vista, cantando em espanhol com Maluma em Hawaí, música que bombou no Youtube de 44 países.

The Weeknd ainda participou de Positions, trabalho mais recente de Ariana Grande, na ousada off the table. A música não é nenhuma Love Me Harder, mas tem vocais surpreendentes e se mostrou sexy e digna de uma colaboração entre esses dois gigantes da indústria. Abel Tesfaye ainda lançou o clipe de Snowchild, a de letra mais diferenciada do álbum. O nome traz referência a momentos passados no Canadá e o vídeo é recheado de menções a seus trabalhos e conceitos anteriores. Fora que a produção é uma mistura de cartoon e anime.

Abel se esforçou para entregar um trabalho impecável e digno de aclamação do público e da crítica, como também das clássicas premiações. E mesmo batendo recordes, apresentando um personagem marcante, ter sido premiado pelo AMA, no VMA e sendo o artista mais ouvido no Spotify por cinco meses consecutivos, ele foi ridiculamente esnobado pelo Grammy. After Hours, o disco mais complexo e explorado do ano, não recebeu nenhuma indicação para a edição de 2021 da maior premiação musical do mundo, que acontece no fim de janeiro. 

Não é surpresa alguma que artistas negros ainda sejam deixados de lado no Grammy. Em 2017, Beyoncé perdeu as categorias principais com seu álbum histórico e atemporal Lemonade. Nicki Minaj, em 2012, mesmo com sete músicas simultâneas em todas as paradas de sucesso, perdeu o prêmio de Artista Revelação para Bon Iver. Ou ainda quando Kendrick Lamar, Jay-Z, Kanye West e Drake perderam o gramofone de Melhor Disco de Rap para Macklemore e Ryan Lewis no ano de 2014. A lista não tem fim e o privilégio branco sempre prevaleceu. Agora entendemos o motivo de Kanye West ter jogado seu Grammy na privada e ter feito xixi nele.

O incompreensível obviamente deixou a todos chocados: fãs, crítica, artistas, produtores, amigos e até mesmo o cantor, que não é de se expor e fazer pronunciamentos, exigiu transparência. O mais assombroso é que músicas rasas como Yummy, de Justin Bieber, foram indicadas e Blinding Lights não. Porém, o cantor já está confirmado como atração do halftime da próxima edição do Super Bowl, mostrando ser muito maior que estatuetas douradas que raramente premiam quem devem premiar. A bancada de votantes pegou o conceito da solidão de After Hours e deixou Abel sozinho e sem nada. Todos nós sabemos o nome disso, e não é boicote. 

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The Weeknd prometeu e cumpriu. Um artista que transforma em sucesso tudo que toca, com esse álbum não seria diferente. Dono dos sucessos Starboy e The Hills, Abel sempre surpreende na inovação e dessa vez ainda mais confiante e intuitivo para mostrar do que é capaz. After Hours é muito mais do que um álbum com inspirações oitentistas, o disco é uma representação de como usar o antigo pode ser atual, sem perder a essência do hoje. The Weeknd conseguiu trazer isso e muito mais para o novo trabalho. After Hours é um apelo noturno para cantar nas madrugadas mais obscuras, apenas você em seu quarto, ouvindo tudo que Abel Tesfaye tem a dizer. A solidão com certeza não é mais subestimada. 

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