Clara Sganzerla

Se você ver Jenna Ortega na tela do cinema, é muito provável que ela estará coberta de sangue. Batalhando por relevância no mundo hollywoodiano desde 2012 – e não demorando muito tempo para conquistá-la -, a norte-americana mostrou ser uma brilhante scream queen e atuou em papéis de grandes sucessos em 2022, sendo muito elogiada por Pânico 5 e X – A Marca da Morte. Sem decepcionar, a atriz guardou o melhor para o final e protagonizou uma das maiores produções da Netflix: Wandinha.

Latinos, excêntricos e com gostos mais do que peculiares, a Família Addams cativa admiradores por décadas – e é assim que descobrimos a nossa estranha adoração pelo esquisito. Gomez, Mortícia, Wandinha, Feioso, Tio Chico, Vovó Bruxa e o mordomo Tropeço foram criados pelo cartunista Charles Addams na década de 30 e, desde então, colecionam filmes, séries, quadrinhos e musicais sobre a linhagem mais famosa da cultura pop. Dessa vez, temos o privilégio de acompanhar a primogênita da família em uma jornada aterrorizante para qualquer adolescente: o Ensino Médio em uma nova escola.

Na primeira temporada de Wandinha, após vingar seu irmão Feioso (Isaac Ordonez) dos valentões de seu colégio e ser expulsa, a protagonista de Ortega é levada para a antiga escola de seus pais, a Academia Nevermore. Apesar de ser um local fora dos moldes tradicionais e feita especialmente para sereias, lobisomens, vampiros e górgonas, a instituição não deixa a desejar quanto aos clichês – que lembram as dinâmicas de outro lugar muito famoso do cinema, Hogwarts. A competição de corrida de barcos “Copa Poe” nos traz a mesma energia dos Torneios de Quadribol, enquanto a atmosfera sombria dos sangrentos assassinatos que contornam a protagonista e até mesmo as aulas de botânica nos relembram a fórmula da maior franquia do universo pop, Harry Potter. 

Se há clichês, há romances adolescentes. Não podemos culpar Tyler Galphin (Hunter Doohan) por ficar obcecado pela protagonista – nós também ficamos. Além da beleza, da inteligência e da sagacidade invejável, a filha mais velha dos Addams é um combo perigoso: ela é escritora de romances policiais, excelente esgrimista, conhecedora de algumas técnicas de tortura, dona de um humor ácido que desmonta qualquer um e possui notáveis habilidades de dança, principalmente ao som de The Cramps. Mesmo Wandinha tentando camuflar seu aspecto teen em uma atmosfera sombria, não há ninguém que resista a um baile da escola. 

Porém, apesar de todas as qualidades, um dos defeitos da protagonista continua sendo a sinceridade extrema, que acaba a afastando de interações sociais normais. A sorte de Wandinha é Enid Sinclair (Emma Myers), sua colega de quarto que, sendo o oposto da personagem, consegue equilibrar as energias e cativar dos vivos aos mortos, incluindo Mãozinha. Adicionando Eugene Otinger (Moosa Mostafa) à equação, o quarteto torna-se decisivo na solução dos assassinatos que inquietam a escola, principalmente quando a avidez e o egoísmo da estrela entram no caminho das investigações. 

Essa personalidade vem, com certeza, de sua criação. Nesse spin-off dos Addams, há uma grande diferença na relação entre Mortícia (Catherine Zeta-Jones) e sua filha, amplamente mais explorada que nas obras anteriores. Aos 15 anos, já é difícil ter autoconhecimento o suficiente para assumir sua própria personalidade com confiança, e até mesmo Wandinha, que sempre sabe onde está pisando, encontrou dificuldades para consolidar-se em um lugar cercado pelos fantasmas de sua mãe, uma das alunas notáveis de Nevermore. Além disso, a personagem teve de lidar com uma herança complicada de sua genitora, mas contou com suas antepassadas para desvendar as obscuridades da primeira temporada através de seu mais novo dom: as visões do futuro. 

É esse background que dá o toque especial a Wandinha: temos a chance de conhecer com profundidade uma figura que, mesmo sendo secundária nos filmes e séries, marcou uma geração. A jogada de mestre de Alfred Gough e Miles Millar foi enxergar na primogênita uma figura modelo, uma história para além do romance entre seus pais Gomez (Luis Guzmán) e Mortícia,  das torturas com seu irmão e da afetuosa relação com seu querido Tio Chico (Fred Armisen). Aqui, ela retorna para relembrar a Geração Z que não há problema em ser a ovelha negra da família. 

Não há ninguém melhor para ser a esquisita da história do que Jenna Ortega. Vivendo a personagem em uma idade nunca antes vista, a atriz consegue desenhar sua versão da filha mais velha dos Addams em uma folha em branco, sem vestígios de suas antecessoras ou até mesmo de seus trabalhos anteriores. Conseguimos enxergar a criação de um novo conceito para a protagonista, uma nova Wandinha que surge para fazer sua marca jovem na posteridade – quem sabe ela não cria até um Twitter?

E todo o mistério que rodeia Evermore desde o início da série é meticulosamente construído pela direção de Tim Burton, responsável pelos quatro primeiros episódios da trama. Sem medo de usar sangue ou florestas macabras, com forte predominância de tons frios e cenários gravados na sinistra Romênia, o diretor conseguiu captar notavelmente a essência mórbida de Wandinha, entregando cenas aos moldes da Família Addams e elevando a obra para uma perspectiva jovial, mas sem perder seu legado. Os episódios Quem Planta Desgosto, Colhe? e Toma Lá, Não dá Cá ficaram na direção de uma estadunidense bem brasileira, Gandja Monteiro, enquanto os dois últimos, Se Não me Conhece Ainda? e Confrontando Desgostos, foram dirigidos por James Marshall.

Provando que, no fundo, nada mudou tanto assim, temos a volta de Christina Ricci, a intérprete de Wandinha nos filmes dos anos 1990, para produções da Família Addams – mas não como esperávamos. Agora, seu papel é como a professora de botânica Marilyn Thornhill, uma personagem que teve um surpreendente desenvolvimento e tornou-se peça chave para o desenrolar da trama. Sua participação é de tom extremamente simbólico, negando a desnecessária comparação levantada entre as duas versões e mesclando incrivelmente bem a tradição e a modernidade. 

Mesmo alguns meses após seu lançamento, ainda não conseguimos parar de falar sobre Wandinha. Além de virar trend no TikTok, o spin-off conseguiu chegar nas passarelas e até marcar presença em um dos maiores festivais de cultura pop do mundo, a CCXP 2022. O sucesso da obra serviu também para levantar as sérias acusações envolvendo o ator Percy Hynes White (intérprete do personagem Xavier Thorpe), que virou um dos assuntos mais comentados no Twitter e levou a hashtag #CancelPercy nos Trending Topics. 

Se você maratonou os oito episódios da trama e sentiu-se desolado após seu fim, fique tranquilo, uma segunda temporada está mais do que confirmada. A verdade é que a produção, apesar de não ter vencido a estatueta do Globo de Ouro por suas indicações em Melhor Série de Comédia e Melhor Atriz em Série de Comédia, para Jenna Ortega, ganhou nosso coração. Wandinha nos relembrou o quanto amamos a Família Addams e mal podemos esperar para encontrar conforto na estranheza novamente. 

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Laura Hirata-Vale

Star Wars: Visions, a fascinante nova aposta da Lucasfilm Ltd., possui nove episódios, nove histórias e nove estilos de animação diferentes. Lançada em setembro de 2021, os desenhos vão de traços fortes em preto e branco a traços suaves em cores vivas e cores pastéis, e de episódios musicais e fofos a outros com vários plot-twists. Feita em parceria com sete estúdios produtores, a antologia conta jornadas de novos personagens do universo de Guerra das Estrelas, ao mesmo tempo em que celebra a essência da saga. A obra é um prato cheio que pode apetecer vários gostos.

Por ser uma série derivada de uma grande produção cinematográfica, entregar uma temporada inteira feita em anime é algo que dá ainda mais força para a popularização desse gênero e de seus estilos. A forma que Star Wars: Visions realiza essa proposta também é genial. Com a participação de estúdios importantes, como a Production I.G, que fez Haikyuu e Ghost in the Shell, e a Trigger, produtora de Little Witch Academia, o Disney+ inova ao trazer histórias tão diferentes, mas que funcionam tão bem em conjunto. 

É impressionante a maneira como Star Wars: Visions propõe um novo olhar sobre o universo. A produção não se importa com o cânone, mas, ao mesmo tempo, mantém elementos marcantes das histórias originais. O episódio Balada de Tatooine nos proporciona um reencontro com os personagens Jabba, o Hutt e Boba Fett. Acompanhado de uma trilha sonora eletrizante, o capítulo traz a crônica de uma pequena banda, que nos mostra como o poder da música é capaz de mudar opiniões que pareciam ser imutáveis. 

Além disso, durante o terceiro episódio da série, Os Gêmeos, podemos novamente assistir o clássico e lindo pôr dos sóis no planeta Tatooine. É nele que conhecemos a história de Karre e Am, criados para ‘levarem ordem à toda galáxia’ – uma releitura dos irmãos Leia Organa e Luke Skywalker-, e também vemos as versões ‘do mal’ dos droids R2-D2 e C-3PO. Para completar a nostalgia, as questões sobre os lados da Força também são revisitadas nos episódios Lop & Ochô, O Nono Jedi e O Ancião.

Porém, apesar de todo o trabalho feito ao longo da série, o grande destaque permanece em seu primeiro episódio, O Duelo. O capítulo, com seus traços e riscos em preto e branco, entrelaçados por alguns toques de cor – principalmente nos sabres de luz -, conta a história de um viajante misterioso que chega em uma vila pouco antes desta ser invadida por perigosos intrusos. No desenrolar da trama, o homem se revela um Sith, luta e derrota os invasores. Dessa forma, ele acaba defendendo a aldeia e levanta dúvidas clássicas do universo de Star Wars: o que é fazer o bem e o que é fazer o mal. 

O episódio piloto foi feito pelo estúdio Kamikaze Douga, produtor das aberturas das três primeiras temporadas de Jojo’s Bizarre Adventure e pelo filme Batman Ninja. Escrito por Mitsuyasu Sakai e dirigido por Takanobu Mizuno, O Duelo recebeu a primeira indicação de Star Wars: Visions ao Emmy, na categoria Melhor Programa Curto de Animação. A produção começa, então, a seguir os passos de sua irmã mais velha, The Mandalorian, que já foi indicada 39 vezes – incluindo como Melhor Série de Drama e Melhor Direção em Drama -, além de já ter levado para casa 14 estatuetas da premiação técnica. Outra produção do mesmo universo que também recebeu indicações esse ano foi a série O Livro de Boba Fett, que concorre em quatro categorias técnicas. 

Star Wars: Visions é, em sua essência, o retorno das inspirações de George Lucas. No passado, o produtor e diretor foi influenciado pelos elementos de filmes japoneses sobre samurais para contar a história da saga principal. Agora, estúdios nipônicos se inspiram no trabalho de Lucas para a produção dos curtas. A estrada de influências, a partir desse momento, é de mão dupla, ou seja, vai e volta. Visions é uma série que une o universo intergalático com o dos animes de uma forma linda, tocante, emocionante e reflexiva. A animação apresenta algumas aventuras mais simples e outras mais complexas, sem sair dos eixos filosóficos de Star Wars, como o uso da Força e seus lados. 

A antologia está na espera de sua segunda temporada, que tem data prevista para o primeiro semestre de 2023. Nela, descobriremos novas histórias, novos estilos de animação – já que a proposta da vez será ter mais estilos além do anime -, novas representações e reinterpretações desse universo cheio de raios laser, sabres de luz, droids, naves espaciais, estrelas e, é claro, que nos lembra sempre de que ‘a Força está conosco’.

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Maju Rosa

“Pesquise no Google: como dar à luz?”. É assim que somos apresentados ao caótico episódio piloto da série teen do HBO Max, Genera+ion (escrita dessa forma mesmo). Lançado em março de 2021 (e em junho, no Brasil), é uma aposta para captar o público jovem LGBTQIA+, e levá-lo para a fase que todos passamos em algum momento: os dramas adolescentes sobre dificuldades adolescentes – e que apenas os adolescentes entendem. E apesar de ter conquistado um espectador que se identificou com a história de Chester, interpretado por Justice Smith (também protagonista de Detetive Pikachu e The Get Down), e seus novos amigos, a produção não foi renovada pelo streaming.

Assim como Katy Perry em 2008 e sua animação em ter beijado uma garota pela primeira vez, a ansiedade para a primeira relação, o entendimento da própria sexualidade e gravidez na adolescência são descobertas abordadas na série do HBO Max. A princípio, a fórmula de Genera+ion pode ser comparada à Sex Education (2019), da gigante Netflix. Porém, apesar das semelhanças, as duas tramas não chegam a ser concorrentes diretas. O ritmo e tom adotados nas narrativas possuem grandes diferenças quando analisadas. Enquanto encontramos uma tendência pacata e caricata na britânica, a estadunidense traz ao espectador uma visão mais real do que é ser jovem e enfrentar suas barreiras pessoais.

O elenco de Genera+ion não possui muitos nomes de peso, mas marca presença como tal. Apresentando como protagonistas um grupo de colegas que se conhece no Ensino Médio, a história mostra a importância de entender eventos a partir de outros pontos de vista. Apesar de confusa nas primeiras vezes, a técnica de repetir a mesma cena de diferentes ângulos, sob a perspectiva de vários personagens durante o episódio, se tornou uma forma de permitir o público digerir o que está acontecendo, sem precisar pausar e voltar alguns segundos.

Acompanhar os processos de cada um estabelece uma conexão direta com muitos jovens, que estão passando (ou já passaram) pelas mesmas situações. Um dos exemplos mais reais de Genera+ion é a contraposição entre o conservadorismo e o liberalismo, vista principalmente na relação entre Nathan (Uly Schlesinger), que atravessa a temporada entendendo melhor sua bissexualidade, e a mãe Megan (Martha Plimpton), extremamente religiosa e que demora alguns episódios para compreender o filho. 

A série conta com uma temporada única de 16 episódios e é um retrato claro da Geração Z. Muitas discussões, que há poucos anos eram tratadas com certo receio, são apresentadas de forma natural, permitindo o espectador acreditar se tratar de uma cópia da realidade, e não apenas um conjunto de gravações roteirizadas. Além do discurso atualizado, a diversidade refletida nos diálogos não se limita a uma temática única.

A representatividade étnica e sexual é priorizada em todos os âmbitos de Genera+ion, garantindo que o público se identifique com traços e discussões do núcleo principal da história. Um palpite para a abordagem natural da contemporaneidade na produção está relacionado à mente por trás das câmeras: Zelda Barnz, a jovem de 19 anos que idealizou a série aos 15, idade propícia o bastante para se estar inserido nos assuntos que a trama traz.

Apesar de não ter defeitos aparentes, além dos rápidos 30 minutos de duração por episódio, as narrativas de Chester, Arianna (Nathanya Alexander), Naomi (Chloe East), Delilah (Lukita Maxwell), Greta, Nathan, e Riley não parecem ter dado o lucro esperado para a plataforma. Em setembro de 2021, foi anunciado que o HBO Max não seguiria a parceria com os criadores da série, frustrando muitos fãs que estavam ansiosos para agarrar o gancho do último episódio (inclusive a autora desse texto). Aparentemente a fluidez não rendeu, principalmente quando comparada ao reboot de Gossip Girl. Apesar dos 12 episódios extremamente cíclicos, que sempre redirecionam o espectador para certa lição de moral implícita, já possui 2ª temporada confirmada.

Genera+ion permite que seus personagens errem e se reergam, sempre firmados no entendimento de seus próprios sentimentos e reações aos golpes da adolescência. A série se mostrou um respiro em meio às narrativas adolescentes irreais, com seus elencos de 30 anos vestidos com uniformes escolares hiperssexualizados, que não cabem mais ao contexto atual. E mais do que tudo, é um prato cheio de representatividade para os jovens LGBTQIA+ passando por essa fase conturbada. Ou ainda aos mais velhos, que desejavam produções como essa durante a adolescência, e agora podem ver uma representação de jovens queer, retratados como pessoas aproveitando e conhecendo a vida, e não mais da forma problemática veiculada pela mídia até poucos anos atrás.

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Guilherme Veiga

Burnout. Substantivo masculino. Palavra derivada do inglês, da junção de burn, “queima” mais out, “exterior”. Distúrbio psíquico ocasionado pelo excesso de trabalho, sendo capaz de levar alguém a exaustão extrema, estresse generalizado e esgotamento físico, comumente conhecido como Esgotamento Profissional ou Síndrome do Esgotamento Profissional. Em função do estrangulamento de tempo causado pelo mundo moderno, o termo é muito discutido e recentemente, saídas vêm sendo postas a prova, como o debate acerca de uma implementação da redução da carga horária para quatro dias, por exemplo. Já em Severance (Ruptura), a nova queridinha do streaming, a alternativa é bem mais distópica.

A série acompanha o departamento de Mark (Adam Scott) em uma empresa onde é possível, através do processo de ruptura, separar sua vida pessoal do seu “eu” do trabalho, criando personalidades e consciências distintas para a mesma pessoa. Você, trabalhador que chegou até aqui, já deve ter discordado e achado essa ideia na verdade bem utópica. E isso é totalmente compreensivo, porque o próprio criador Dan Erickson, estreando no formato televisivo, desenvolveu a ideia enquanto estava no porre do escritório. Porém, o show, como uma das melhores ficções científicas do audiovisual nos últimos tempos, extrapola o conceito ao máximo, invertendo todo esse mar de rosas.

O criador, aqui, desenvolve uma camada própria de seu “Inferno de Dan” ao desvirtuar completamente as relações trabalhistas as quais inconscientemente aceitamos. Se The Office inovou ao trazer humor ao mundo corporativo, Severance inova ainda mais ao trazer um suspense de ficar na ponta do sofá e um sentimento de estranhamento para esse meio. Na série, a burocracia, corporativismo, monotonia e as frias relações entre departamentos assustam. E tudo isso piora com uma ambientação desconfortavelmente minimalista e milimetricamente planejada em um molde meio Wes Anderson de ser.

Aliás, é bem interessante notar como a série consegue agregar vários conceitos da ficção científica de uma forma extremamente original que façam com que a comparação com outras obras não seja nem um pouco contundente. Desde elementos de Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças, com essa espécie de “perda de memória”, até mesmo à questão de se estar em um ambiente extremamente controlado trazida de O Show de Truman, tudo é construído de uma forma muito engenhosa e rica em detalhes, fugindo assim da mesmice de conceitos já apresentados anteriormente.

Porém, uma das ideias mais frescas que a série traz são as de Backrooms. O termo surgiu em meados de 2019 para identificar um gênero de lenda urbana de fóruns, assim como aconteceu com o Slenderman, e se trata de lugares “entre realidades” simbolizados por salas — geralmente escritórios — desconfortáveis e intermináveis e já foi abordado principalmente em jogos como a demo de Kojima e Del Toro, P.T, e o indie The Stanley Parable. E logo nos primeiros minutos do piloto Good News About Hell já é possível perceber isso através de um ótimo e angustiante plano-sequência e, futuramente, isso se intensifica com as bizarrices que os corredores da empresa Lumon escondem.

Gagné, que já tinha trabalhado com Ben Stiller em obras anteriores, a princípio nem queria assumir o posto em Severance, tamanha a dificuldade de imprimir algo em um ambiente tão monótono. Porém, a fotografia por si só é um deleite à parte e te faz mergulhar naquele ambiente claustrofóbico. Uma das assinaturas da fotógrafa na série são as transições dos externos (outies, as personas reais) para internos (innies, as personas do escritório) no elevador da empresa. Para isso,  é usada a técnica de Dolly Zoom, ou Efeito Vertigo, imortalizado por Alfred Hitchcock. Em Ruptura, a composição de um local apertado como o elevador faz com que o efeito distorça os próprios personagens ao invés do fundo, deixando assustadoramente nítida essa troca de consciência.

Fechando os pilares por trás das câmeras, é impossível não dar os méritos para a direção. A função aqui é dividida entre Aoife McArdle (Admirável Mundo Novo) e Ben Stiller e os dois são um ingrediente crucial da obra. Mesmo o ator sendo extremamente ligado à comédia, na direção ele já mostrava que levava jeito para outras vertentes e Severance é seu TCC com nota máxima. Em um universo de histórias com potencial que a indústria desperdiçou, a dupla consegue fazer com que a premissa interessante vá se desenvolvendo e se enriquecendo com paciência, para chegar ao season finale, The We We Are, sendo estarrecedor, de forma a parecer ser muito mais longo que seus 40 minutos, tamanha a sensação de sufocamento que eles conseguem imprimir no clímax da história.

E aqui eles vão no cerne da ficção científica ao cultivar um existencialismo típico do gênero para conduzir suas questões éticas e morais. Desde a melancolia dos exteriores, que a princípio aceitaram o processo por questão de qualidade de vida, até mesmo a adaptação moderna do Mito da Caverna que é feita com os internos, tudo é apresentado de uma forma muito sútil, concisa e cadenciada. Isso faz com que os questionamentos do espectador venham aos poucos com o desenvolver da história, de forma com que seja nutrida uma empatia com as personagens em seus dois “núcleos”, pois ambos espelham perguntas sobre nós mesmos, gerando um engajamento orgânico por parte de quem assiste.

Por isso, você não deve maratonar Severance. Em um mundo onde o binge-watching, graças à Netflix, reinou por anos, e, assim como ela, está entrando em decadência, a obra da Apple TV+ é talvez a maior cabo eleitoral do “reject modernity, embrace tradition” nessa questão. Seus episódios, mesmo que com ganchos fenomenais, são concebidos de maneira a serem digeridos um por vez, pois a série te joga no meio de duas realidades totalmente distintas e não se apressa para explicar as coisas, fazendo com que a confusão e os questionamentos dos dois mundos se repliquem em quem a assiste só que de forma muito mais potencializada. Além disso, a construção de mistérios dela é feita de forma única nos últimos anos, emulando o que a geração passada sentia acompanhando Lost.

Para que tudo isso funcione no produto final, é necessário que a atuação esteja a altura. E grande parte do elenco entrega aqui o trabalho de suas carreiras. Interpretar mais de um papel é uma tônica até que recorrente, que vai desde viver gêmeos antagônicos em narrativas novelescas, troca de corpos feitas por artefatos mágicos e vilões com 27 personalidades. Mas o trabalho que Adam Scott (Parks and Recreation, Big Little Lies) desempenha aqui é surreal e vai além. Ele consegue transmitir a carga de estar sobrecarregando o corpo com duas personas distintas e transitar muito bem entre seus personagens.

O restante do departamento também não fica atrás. A Helly R. de Britt Lower (Man Seeking Woman) funciona aqui como o contraponto da história e a forma com que ela imprime o estranhamento do escritório faz com que seja a personagem mais próxima do público. Zach Cherry (You) desenvolve aos poucos um funcionário exemplar que começa a cair na real e é o que consegue imprimir os debates éticos imputados ao telespectador. E John Turturro (The Batman , O Grande Lebowski) junto com Christopher Walken (Click) transmitem em tela um dos relacionamentos afetivos mais singelos dos últimos tempos. Já o Milchik de Trevor Tillman (The Godfather of Harlem) e a Cobel de Patricia Arquette (The Act, Boyhood) estão assustadoramente bens na composição de funcionários que não medem escrúpulos para fazer a empresa funcionar.

Severance é extremamente inventiva em seus conceitos e os executa de maneira primorosa. Sua escolha de se estruturar de uma forma intrigante é um de seus maiores acertos, fazendo uma crítica bem sutil, porém certeira, da sociedade cosmopolita e da máquina de moer silenciosa do capitalismo. Como uma ótima ficção científica, a série traz a distopia tão próxima do espectador e o encara até ele ficar desconfortável e começar a repensar a si próprio diante de uma realidade que, mesmo com a bagunça dos aparelhos oitentistas em conflito com o cenário futurista, é mais atual do que nunca.

Inteligente e audaciosa, Severance é minimalista ao mesmo tempo que gigantesca e não se prende a um formato, transitando do humor ácido para o thriller de forma imperceptível e impecável. Belamente fotografada e narrativamente instigante, a obra, que apesar do lançamento modesto, conquistou seu espaço no boca a boca como nos velhos tempos, merece ser falada muito mais do que já é, até porque, em questão de série, não estamos falando apenas da funcionária do mês, mas sim a do ano.

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Ma Ferreira

Em 1988, surgia um novo ícone do Cinema de Terror, uma figura dócil, mas, ao mesmo tempo, demoníaca: Chucky, o brinquedo assassino. Aterrorizando sonhos de muitas crianças dos anos 1990, o boneco entrou para o rol dos psicopatas da cultura pop e ganhou uma franquia de oito longas, um curta-metragem e, atualmente, uma série, que já está renovada e sua segunda temporada sai este ano. A história original de Don Mancini foi ressuscitada e aprofundada no seriado Chucky, voltando às origens do assassino Charles Lee Ray, mostrando sua trajetória até o que se tornou e seus atuais planos.

A narrativa começa quando Jake Webber (Zackary Arthur) compra um boneco da linha Good Guys em uma venda de garagem. A partir de então, acompanhamos a vida do garoto, que está imerso em problemas, como diferenças com seu pai, bullying, homofobia e a dificuldade em fazer amigos. O cenário se torna ótimo para que Chucky se revele a Jake e tente fazer do adolescente um psicopata, convencendo o mesmo a eliminar de sua vida todos aqueles que lhe fazem mal. Apesar da grande tentação, o menino mantém sua essência, e é então que o inferno em sua rotina começa.

Com o uso de vários flashbacks, vemos Charles traçando seu caminho de crimes desde à infância, com diversos personagens que passaram por sua vida e foram extremamente importantes para a narrativa da franquia, como Andy Barclay (Alex Vicent), grande inimigo e seu eterno antagonista, e Tiffany Valentine (Jennifer Tilly), seu imortal par romântico. Não é necessário ver os filmes para conseguir entender Chucky, mas, ao ter em mente os acontecimentos anteriores a aparição de alguns componentes e caminhos que escolhem, auxilia a trama a fazer mais sentido. Entretanto, cabe notar que o filme Brinquedo Assassino, de 2019, não é considerado canônico neste cenário.

Don Mancini, criador da saga original, conseguiu realizar nesta série o que não lhe foi permitido seguir nos filmes: a visão cômica e ao mesmo tempo profunda sobre a vida de Chucky. Mesmo não participando de continuações da franquia, o roteirista se apropriou dos escritos anteriores para dar vida e sentido ao universo de Charles Lee Ray. O seriado, que vai e volta no tempo, nos deixando migalhas sobre os acontecimentos, conta desde os assassinatos que Charles cometeu em sua infância e adolescência, os seus conhecimentos sobre ritual vodu que o permitiram passar a alma para o brinquedo, até os personagens que o ajudaram ou tentaram impedir seus planos.

Acompanhamos também Andy Barclay, que volta como caçador de Chuckys, e é interpretado por Alex Vincent, mesmo ator que deu vida ao personagem no primeiro filme. Os fãs da franquia se empolgaram com a presença de personagens icônicos da saga representados por seus intérpretes originais, além de verem cenas e discussões atuais levantadas de maneira descontraída, com mortes no estilo característico do brinquedo assassino, e com muitos desfechos que os longas não puderam mostrar sendo revelados.

Com esse clima nostálgico, a primeira temporada conseguiu cativar novos admiradores e entregar o melhor que podia aos seus antigos seguidores. Chucky traz ótimas discussões, com críticas à hipocrisia da família tradicional americana, presente, por exemplo, na explanação do contexto familiar da personagem Lexy Cross, interpretada por Alyvia Alyn Lind. De modo a não se levar a sério, ela também brinca e satiriza as problemáticas, mas defende suas pautas como a autoaceitação, a amizade e discussões acerca do universo queer. Não podemos esperar menos da próxima temporada do que mortes bizarras, falas escrachadas do boneco e muita confusão. 

A produção apresenta pontos socialmente relevantes, como a divergência de Jake e o pai, que não aceita a sexualidade do mesmo, em que ainda há a descoberta do amor que o garoto sente por um amigo. O bullying, a homofobia, as desavenças que o menino passa e a revolta com as ações do boneco são superados pelos laços de amizade e pela união de forças no combate ao mal. Chucky é de grande relevância LGBTQIA+ e conseguiu amadurecer a discussão dessas questões, deixando o humor escrachado de alguns momentos para falar sério. 

Don Mancini sempre tentou envolver a narrativa com personagens de diversas sexualidades e com diferentes expressões de gênero, sendo assim, apesar de muitos espectadores não terem se atentado, Chucky nunca apresentou um discurso heteronormativo, como algumas produções de terror costumam realizar. Ter um protagonista assumidamente gay e que sofre socialmente com isso, além de ser uma crítica à falsa ideia que se tem de que os EUA aceitam a diversidade, é também uma forma de mostrar por meio dele, e demais personagens que são do cenário LGBTQIA+ da trama, que essa diversidade existe, deve ser respeitada e apresentada cada vez mais em grandes produções como esta.

Uma das grandes questões da franquia é a visão de que o queer não é sinônimo de mal. Muitas narrativas de horror, terror e fantasia trazem os personagens sombrios e bizarros como sendo pertencentes a comunidade LGBTQIA+, reforçando, assim, estereótipos. O que Chucky faz é romper com essa visão, mostrando que ambos os lados apresentam e aceitam a diversidade. É fascinante perceber como o terror se renova sempre, trazendo críticas de maneira sutil, cômica, irreverente e dialogando com aqueles que conseguem enxergar além das manchas de sangue.

O ponto alto da série é a mistura do velho humor de Chucky com as discussões atuais e o retorno dos personagens ícones da saga, porém esse também é seu ponto baixo, pois eles poderiam ser melhores explorados na história e não apresentados apenas como um fanservice. As figuras aparecem mais envoltas na narrativa nos episódios finais e com soluções rápidas que nos deixam querendo saber mais e como eles estão relacionados aos planos de Chucky. Mas resta-nos esperar que nesta segunda temporada eles retornem mais envolvidos aos acontecimentos e apresentando respostas às nossas dúvidas.

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Felipe Nunes

Triângulos amorosos, traições, paixões não correspondidas, festas, pais controladores e jovens que desejam embarcar em suas próprias jornadas de autodescoberta. É a clássica receita de uma boa e trivial série teen que tem como pano de fundo as amizades e os amores vivenciados nos pátios do tão temido Ensino Médio. Em De Volta aos 15, as mesmas situações aparecem. No entanto, a configuração das narrativas escolhidas, e a forma com as quais são trazidas para a trama, mostram que a obra é bem mais que uma simples comédia romântica adolescente da Netflix. 

Na recém-lançada produção nacional, já renovada para uma segunda temporada, conhecemos Anita (Camila Queiroz), uma mulher adulta que tentou ganhar a vida na grande São Paulo, mas volta à sua cidade natal, Imperatriz, para o casamento de sua irmã Luiza – interpretada na fase adulta por Mariana Rios. Lá, a personagem de Camila reencontra seus familiares e amigos, e, ao presenciar um deles trair sua própria prima (Yana Sardenberg), ela começa a expor verdades – não tão fáceis de serem ouvidas – para os convidados do casório. 

O resultado dessa lavagem de roupa suja, em um momento impróprio, não é muito bom para a protagonista, que é reprovada pela figura mais importante ali presente: a noiva do casamento, sua irmã. Envergonhada pelo transtorno que causou na festa matrimonial, Anita, desolada, busca amparo em seu antigo quarto. Ali, abre seu computador e acessa sua página no Floguinho, uma rede social antiga de sua juventude. Lá, quando faz o login, ela acaba voltando aos seus 15 anos de idade, tendo a chance de reparar os erros que a levaram a ser quem ela é. Pode entrar, Anitah_Malukah2006! 

Nos momentos iniciais, a sensação de que tudo se trata de um sonho é o que Anita, agora vivenciada por Maisa Silva, relata. Toda sua primeira viagem no tempo é considerada uma fantasia, ela só se dá conta de que tudo foi real quando volta ao presente e percebe que suas ações realmente modificaram sua vida. Para os amantes de exatas, a terceira lei de Newton sobre ação e reação pode explicar essa relação de causalidade. 

Ainda perdida sobre como transitar entre seu passado e seu presente, a personagem percebe que realiza as viagens sempre que se conecta com sua antiga rede social. Descobrindo o funcionamento desses misteriosos passeios temporais, a protagonista tenta mudar o passado – a fim de que tudo fique da forma que sempre sonhou. O grande problema, no entanto, é exposto quando Anita, não satisfeita em mudar a sua vida, tenta mudar as histórias das pessoas que a cercam.

A trama central, então, se reconfigura. A história de uma adulta em decadência desaparece, suavemente. Surge uma nova narrativa: a mocinha vira anti-heróina. Nesse momento, a ambiguidade ganha espaço e a dúvida de não saber qual lado tomar é um dos grandes sentimentos que a série traz. Entendemos as motivações de Anita, sabemos de seu anseio em afastar as pessoas ruins de seus amigos. Mas, concomitantemente, observamos que ela mesma se torna uma pessoa ruim para aqueles que tanto ama – quando tenta mudar a vida deles. 

A cada viagem, uma nova modificação é feita; algumas vantajosas, outras nem tanto. A questão não está em quem é beneficiado, e sim em quem é prejudicado. No meio de suas falhas tentativas em construir o futuro perfeito, a protagonista provoca o atropelamento de sua prima, Carol (Klara Castanho), e nesse momento percebe o quão destrutiva suas alterações no tempo podem ser. Além disso, desperta sentimentos em Joel (Antônio Carrara), que não só se apaixona pela protagonista como também desconfia das viagens no tempo, principalmente pelas informações do futuro que a própria deixou escapar para ele. Essa paixão repentina não era um sentimento presente na linha temporal original da vida de ambos.

Entristecida pelas consequências que suas atitudes causaram, a personagem de Maisa tem uma longa conversa com seu pai (Felipe Camargo) e percebe que para tomar o controle de sua vida, ela não precisa, e nem deve, controlar a vida dos outros. Encorajada a ser quem realmente é, Anita retorna ao presente segura de si, realizada profissionalmente e acompanhada de seu amor e melhor amigo, Henrique (Caio Cabral e Breno Ferreira), na cidade das luzes, Paris. 

Tudo parece estar sendo a melhor versão futurística da protagonista, que decide então fazer apenas mais um ajuste final: salvar sua irmã – que, aparentemente, se tornou uma pessoa tão fracassada quanto a Anita dos primeiros episódios. No entanto, quando tenta regressar ao passado, para sua surpresa, ela não consegue. Isso porque, Joel (Gabriel Stauffer), já desiludido amorosamente e desconfiado há anos das viagens de Anita, decifra a senha do Floguinho da personagem. Invadindo a página Anitah_Malukah2006, quem volta ao passado é ele.

Os desfechos, que provavelmente servirão como pontapé inicial para a segunda temporada, parecem conduzir a história para a mesma situação que desencadeou tudo: o desejo de mudar o presente, alterando o passado. Dessa vez, por parte de Joel (Antônio Carrara e Gabriel Stauffer), um personagem que teve algumas camadas abertas durante a série, mas que ainda tem muito a contribuir. 

Esse tipo de situação envolvendo viagens no tempo parece familiar, não? E de fato é. Durante os teasers, trailers e coletivas de imprensa da série – inspirada no homônimo livro de Bruna Vieira – as comparações com o clássico e insuperável De Repente 30 foram instantâneas, tomaram conta das redes sociais e fizeram com que muitos pensassem que a obra seria uma releitura do tão aclamado longa. Contudo, na série vemos uma inversão do que foi apresentado no famoso filme. 

Se em 2004 Jennifer Garner e Christa B. Allen, intérpretes de Jenna Rink, contavam a história de uma adolescente que, com um pó mágico, é transportada aos seus 30 anos, a idade do sucesso, em 2022 temos Maisa Silva e Camila Queiroz interpretando Anita, uma adulta que quer ser jovem, mas dessa vez sem pó mágico, pois o portal temporal é sua rede social. A subversividade construída é muito bem alicerçada. Em De Repente 30, a jovem quer ser uma adulta bem sucedida e aproveitar o auge de seus 30 anos, enquanto, em De Volta aos 15, há uma adulta fracassada que enxerga nas viagens no tempo a possibilidade de mudar o futuro que a aguarda. 

O sentimento nostálgico é praticamente inato em quem assiste e tem alguma recordação – ainda que vaga – dos anos 2000. Essa nostalgia é construída em diversos elementos da série, que vão desde a trilha sonora, até a caracterização dos figurinos e penteados das personagens. Tudo é milimetricamente apresentado de forma sutil e aconchegante, como uma boa e velha lembrança deve ser. 

Nesse clima de nostalgias, a obra ganha vida própria e conversa muito bem com as duas fases nas quais é ambientada. No entanto, somente entre as protagonistas, haja vista que as versões adultas de outros personagens não foram muito bem exploradas, como se apenas aparecessem para mostrar à Anita que ela precisa consertar outra coisa em seu passado. Pasmem: alguns apareceram apenas no primeiro e no último episódio. 

De Volta aos 15 é uma série curta, facilmente maratonada em um final de semana, tendo em vista seus 6 curtíssimos episódios. Em sua segunda temporada, pode expor melhor outros núcleos. Abordando as facetas de personagens, como Fabrício, Joel e Luiza, que, diga-se de passagem, não tiveram um bom desenvolvimento. Em contrapartida, com um ótimo aprofundamento, temos a personagem Camila (Alice Marcone), que em 2006, na primeira fase, foi interpretada por Pedro Vinícius dando vida a Cesar. Essa sensibilidade na escalação trouxe representatividade para o arco das personagens para além da trama, já que as atrizes responsáveis possuem, de fato, lugar de fala para os conflitos, preconceitos e dificuldades que Camila e Cesar enfrentaram na pacata e interiorana cidade Imperatriz.

Todavia, é necessário pontuar que a construção das narrativas, ainda que com falhas na superficialidade dos demais personagens, transmitem a sensação de que devemos aproveitar cada instante de nosso agora, pois o passado já se foi, e como diria o memorável Rafiki, de O Rei Leão, “O passado pode doer. Mas, você pode fugir dele, ou aprender com ele”. A mensagem é uma verdadeira lição para refletirmos sobre as ações que nos levaram a ser quem somos, porque, ainda que tenhamos o desejo de alterar o passado, ele sempre será o responsável pela construção do presente de nossas vidas.

Nessa jornada de amadurecimento, percebemos que a Anita adulta nunca tinha existido, ela era na verdade uma jovem de 15 anos que não tinha crescido junto com sua idade. A experiência temporal vivenciada foi a responsável para que a personagem de Queiroz e Maisa, enfim, amadurecesse. E é assim que a série se despede até sua próxima sequência, que pode corrigir os erros de sua primeira temporada e entregar uma reflexão profunda, a qual ninguém imaginaria ter ao assistir uma série teen da Netflix, com um enredo, ilusoriamente, clichê.

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Monique Marquesini

Apostando em novos rumos para os seriados nas telas, deixando o Ensino Médio de lado, a nova comédia do HBO Max explora o período da faculdade. A Vida Sexual das Universitárias (The Sex Lives of College Girls), lançada em novembro de 2021 e criada por Mindy Kaling e Justin Noble, é marcada por um diferencial que a torna especial: expor as adversidades desse novo ciclo sem desviar de questões cotidianas da juventude. A série acompanha quatro calouras – Kimberly (Pauline Chalamet), Whitney (Alyah Chanelle Scott), Bela (Amrit Kaur) e Leighton (Reneé Rapp) – na importante Essex College, onde elas buscam mudanças para suas vidas.

Morar sozinha para estudar, formar novas amizades, lidar com preconceito, autoconhecimento e diferenças culturais, essas são algumas das particularidades da primeira temporada de A Vida Sexual das Universitárias. As protagonistas e suas características únicas são um diferencial essencial para a construção da comédia. A primeira delas, Kimberly Finkle, é uma garota de uma cidade pequena – ou como ela descreve “da cidade mais branca da América”. Ela está aberta a novas descobertas, é uma pessoa super forte, mas também ingênua. Whitney Chase é uma estrela do futebol em ascensão e filha de uma senadora famosa, a jovem é inteligente e madura, mas nem sempre faz as melhores escolhas. 

Para completar o grupo carismático das companheiras de quarto, temos Bela Malhotra, vinda de família indiana e entusiasta que sonha em escrever roteiros de Comédia. Por último, Leighton Murray, é uma garota popular que cresceu em Nova Iorque, dona de um humor peculiar que mascara algumas de suas inseguranças, enquanto busca se entender como uma pessoa LGBTQIA+.

Apesar de todas elas serem completamente diferentes umas das outras, a experiência de descobrir que irão dividir o mesmo espaço por bastante tempo faz com que a conexão seja praticamente instantânea. O seriado celebra os altos e baixos de uma amizade feminina pela visão das universitárias, explorando suas vidas sexuais de forma muito real, e também dando o devido destaque de que as vivências delas vão além de suas sexualidades, compreendendo diversos sentimentos e sensações – como felicidade, medo, confusão, entusiasmo e decepções. 

A temporada conta com dez capítulos, nos quais o elenco e a trama são extremamente fluidos e bem construídos, juntando o humor com uma narrativa sincera do que é ser uma mulher buscando ser vista por sua própria identidade – assim como na série da Netflix, Jessica Jones, que mostra uma mulher liderando sua própria história.

Entretanto, algumas lacunas sobram na trama com o desenvolvimento dos episódios. A principal delas é a falta de assuntos relevantes sobre questões sexuais, como métodos contraceptivos e as infecções sexualmente transmissíveis (IST). A pauta, que encontra no audiovisual um espaço didático, e que com a expressão artística fomenta uma discussão crítica e alerta para temas importantes, se perde durante a história de The Sex Lives of College Girls,  tornando-se um problema para a série, que tem público majoritariamente adolescente.

A célebre jornada das amigas pelo campus é marcada pela leveza em que elas conseguiram criar em sua amizade, mas também pelas inúmeras aventuras – nem sempre boas – que elas enfrentam. As histórias de cada uma se complementam, mas as garotas não deixam de ter suas próprias narrativas e experiências, assim, fazendo com que o enredo não exista apenas focado no quarteto.

Buscando furar a sua bolha, Kimberly, interpretada pela irmã mais velha do ator Timothée Chalamet, Pauline Chalamet, vai ao encontro de experiências novas, indo a festas, conhecendo pessoas e flertando. Até que ela conhece um garoto chamado Nico Murray, irmão de sua colega de quarto Leighton, e os dois acabam se envolvendo, fazendo com que Kimberly negligencie seu trabalho e a faculdade. A narrativa é antiga, na qual uma garota ingênua se atrai por um cara malandro, mas a história se sai bem, já que ela continua mantendo sua personalidade leve e medrosa em meio ao caos que enfrenta com o ficante.

É evidente que, em alguns momentos, A Vida Sexual das Universitárias é marcada por clichês, e talvez o menos agradável deles é o grande escândalo de um romance entre um funcionário e uma aluna. Isso acontece com Whitney, que se envolve com Dalton, um homem casado e treinador do time de futebol. Um enredo fraco para uma personagem tão bem desenvolvida é frustrante. 

Durante a temporada, a adorável e hilária Bela busca uma vaga no grupo de comédia mais prestigiado da universidade – The Catullan. Porém a revista é marcada por membros excludentes e machistas, deixando claro como o privilégio de homens brancos no meio acadêmico é uma realidade que pode impedir o sonho da garota. Por mais que ela seja academicamente brilhante, ainda busca ser forte após sofrer diversos tipos de preconceito – como um terrível assédio sexual e xenofobia por sua origem indiana, que a fazem mudar de ideia sobre a relevância do grupo.

A história de Leighton mostra, com certeza, um bom desenvolvimento do roteiro. Diferente de suas colegas de quarto, que exploram suas vidas sexuais de forma aberta e heterossexual, durante a história ela tem uma relação difícil com sua sexualidade e acaba preferindo que ninguém saiba que ela gosta de garotas, além de ter medo do preconceito no campus e com sua família. Por isso, decide ter um relacionamento escondido com Alicia (Midori Francis). Além de representatividade, a série dá protagonismo às causas LGBTQIA+, já que a jornada de se descobrir e questionar sua identidade é importante e válida na vida de muitos jovens, como na de Leighton.

Alguns pontos marcam também o amadurecimento do enredo e das personagens, mostrando como o laço delas é forte e, antes de tudo, verdadeiro. Quando Kimberly tem um problema com Nico, o irmão de Leighton, e a amiga ajuda-a; a tentativa de assédio sexual que Bela sofre e as garotas estão ali para apoiá-la; o apoio dado a Whitney em uma de suas partidas de futebol; e talvez uma das cenas mais emocionantes da série, quando Leighton conta para Kimberly sobre sua sexualidade e recebe o acolhimento da amiga. Esse momento das duas é explorado e retratado de forma natural no roteiro e mostra mais uma vez como a produção dá conforto ao representar bem uma personagem queer.

Ademais, A Vida Sexual das Universitárias tem falhas como todo jovem buscando se descobrir, ou seja, ao longo da temporada, elas vão a festas, começam e terminam relacionamentos, erram, acertam e, principalmente, tentam. Enquanto tentam amadurecer, conseguem ser humanas, encarando seus medos e inseguranças, além de procurarem ser suporte a si mesmas e tornarem suas vivências uma história engraçada. Essa é a identidade e maestria ao escrever comédias adolescentes de Mindy Kaling, responsável pela série Eu Nunca… – na qual junta sensibilidade e humor, assim como em sua nova produção de roteiro leve e marcante.

O seriado foi renovado para uma segunda temporada, que tem data prevista para o final de 2022 e continuará explorando a trajetória do quarteto na universidade. O encerramento do primeiro ano deixou todas as quatro jovens com histórias abertas, para que seja possível continuar contando mais de suas vivências em novos episódios. Mantendo a leveza e graça, e tocando em assuntos reais, de forma especial e espontânea que o enredo e as personagens conseguem fazer.

A trajetória das protagonistas é bonita pela amizade e pela normalidade, com um retrato cômico e honesto da faculdade – elas exibem esse período como ele realmente é: confuso, engraçado e assustador. Todas as particularidades da fase da vida universitária estão presentes na obra, mas com um toque particular: a descoberta delas e do mundo ao seu redor com um olhar adolescente e autêntico.

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Alesxya Soares

Durante a live de comemoração de 10 anos do jogo League of Legends, a Riot anunciou, entre várias novidades da empresa, algo que seus fãs pediam há muito tempo: uma produção audiovisual sobre o universo do jogo. Essa já era uma demanda recorrente pelo constante sucesso dos videoclipes e animações lançadas em seu canal no YouTube. Assim, a série animada Arcane teve 6 anos dedicados a sua elaboração e produção, com previsão de lançamento para 2021.

O contexto escolhido para a animação era a história das cidades-irmãs Piltover e Zaun, mais especificamente as tretas e o crescimento entre as irmãs Vi e Jinx. Isso foi uma baita surpresa para a comunidade, pois essa era uma das regiões menos trabalhadas na história do jogo, o que abria muitas brechas para teorias, explicações e novas descobertas.

Assim como Homem-Aranha no Aranhaverso, Arcane aposta em uma animação mais estilizada, juntando a técnica de animação 3D com os traços da arte 2D, realizada pelo estúdio francês Fortiche. Mesmo que esse estilo esteja mais presente nas produções animadas que chegam aos cinemas, Arcane traz uma dinâmica própria. Unido ao visual das obras de League of Legends, esse artifício rendeu à série um visual único, onde você ganha uma obra de arte a cada frame de cada episódio.

Outra coisa muito bem trabalhada foi a trilha sonora. A equipe musical da Riot já contava com uma grande bagagem e carinho da comunidade, produzindo sucessos como K/DA, Pentakill, True Damage e outras várias músicas para o universo do jogo e das competições de e-sports. E em Arcane, sua atuação não foi diferente. A trilha sonora conta com a presença de grandes nomes como Imagine Dragons (que voltam a produzir para o Lol com a música de abertura da série, após o sucesso de Warriors, de 2013), o renomado violinista Ray Chen, Bea Miller, Fantastic Negrito, BONES UK e vários outros artistas. 

Cada música, de cada episódio, foi pensada especialmente pela equipe para levar ao público a experiência de um videoclipe dentro da narrativa. A playlist completa está disponível no Spotify e outras plataformas de streaming. Lançada em atos semanais com três episódios na Netflix, Arcane: League of Legends conta com a direção de Pascal Charrue, Jérôme Combe e Arnaud Delord. O roteiro, realizado por Christian Linke e Alex Yee, traz novos personagens que não estão presentes no jogo, o que deixa a trama ainda mais complexa e rica.

A dublagem dos personagens no Brasil retoma os dubladores presentes no jogo, como Mabel Cezar interpretando Caitlyn, Fernanda Bullara como Jinx e Tatiane Keplmair como Vi. Apesar de o mesmo fator não se manter para as vozes originais, o elenco original da série não decepciona e conta com artistas famosos como Hailee Steinfeld, Katie Leung e Kevin Alejandro. A narrativa garante grandes tragédias, reviravoltas e batalhas que prendem a atenção até mesmo de quem nunca ouviu falar de League of Legends. Apesar de fantasiosa, Arcane tem enredos tão complexos quanto a nossa sociedade. Temas como marginalização, conflitos familiares, corrupção e disputas políticas trazem as reflexões da trama para a nossa realidade.

Cada personagem possui sua construção, contexto e motivações, que são ainda mais aprofundados com as outras histórias que a Riot disponibiliza sobre seu universo em seus contos, HQs e livros. Vários produtores de conteúdo fazem boas explicações compilando todas essas informações, e ficam aqui recomendações como o canal Universo Lúdico, produzido por Alesius e Alice, e todos os integrantes do Conselho de Guerra.

A série finaliza com um gancho perfeito para uma continuação, com novos conflitos e personagens de outras regiões de Runeterra. Unindo isso ao sucesso de crítica, audiência e repercussão entre a comunidade e novos públicos, a Riot já anunciou que uma nova temporada será sim produzida e que pensam até mesmo em investir em filmes live-action e novas produções. Para a tristeza dos fãs, a empresa deixou claro que a continuação dos atos de Arcane não será lançada em 2022, mas sinceramente? Vale a pena esperar por uma experiência como essa novamente.

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Larissa Vieira

Embarcando na modinha de podcasts true crime e a popularização ainda maior de casos criminais, a Hulu decidiu trazer essa aposta para o streaming com Only Murders in the Building (ou, como popularmente ficou conhecida, a série da Selena Gomez). Na contramão, ao invés de escalar um grupo de cinco atores adultos interpretando adolescentes do high school dos Estados Unidos – como a conturbada Pretty Little Liars e a perdida Riverdale – a produção traz de volta três renomados (e nostálgicos) nomes da Televisão norte-americana: a dupla dinâmica, Martin Short e Steve Martin, e Selena Gomez (afinal, para a década de 2020 até o nome da cantora se tornou nostálgico na TV).

Criada pelo próprio protagonista de O Pai da Noiva, junto de John Hoffman, a trama ainda faz uma homenagem (nada inovadora para o cenário atual, mas ainda assim um bom tributo) à agitada Nova York. Baseada quase que inteiramente no Arconia, prédio fictício do Upper West Side, conta a história de três moradores desconhecidos que se ligam por simples dois motivos: eles são amantes do mesmo podcast true crime e eles foram as últimas pessoas (além do assassino, claro) a estarem com o falecido Tim Kono (Julian Cihi). Intrigados com o até então suicídio, o trio de personalidades distintas se une a fim de solucionarem um crime (e no caminho se tornarem grandes podcasters), devido à sua bagagem de conhecimento por conta do programa que ouviam.

Conhecida a narrativa principal apresentada a nós praticamente nos quatro primeiros episódios, que foram disponibilizados em uma leva só, queremos embarcar nesse enredo que até então foi curioso, interessante e leve (apesar do crime). A relação dos senhores, Charles-Haden Savage (Martin), Oliver Putnam (Short) e em contraponto com a jovem Mabel Mora (Gomez) é o primeiro destaque que te faz querer ficar na série, afinal a maestria do choque de gerações traz um refresco perante os clichês criminais adolescente. 

Alinhado a isso, temos suas personalidades particulares que se complementam e repelem, ao mesmo tempo: o ex-ator de comédia é aquele desiludido amorosamente, ainda buscando a grandeza após seu sucesso tremendo como Brazzos; o ex-diretor da Broadway é o nosso elo cômico que vem com uma bagagem de frustrações, tanto pessoais quanto profissionais; e, por fim, o alívio “jovem” para a trama, carrega a escuridão de ser uma das personagens mais ligadas ao falecido. 

Assim, antes mesmo de vermos o desfecho da trama, temos certeza que o que sustenta sua narrativa são essas três figuras e seu relacionamento. Mas, independente disso, sua história se desenvolve como um bom podcast de true crime, que não necessita dessas grandes figuras para se tornar um elemento de sucesso, mas que quando levados à Televisão, sem eles, seria um grande fracasso. Apesar disso, Only Murders in the Building merece sim destaque em determinadas cenas e, em principal foco, um episódio: o sétimo. 

Após um mês de estreia, Only Murders in the Building já havia sido deixada de lado pela mídia. Mas foi quando o sétimo episódio, O Garoto do Apartamento 6B, estreou, que a chama reacendeu. Causando estranheza, no início, o capítulo é totalmente sem falas, até seu último segundo (literalmente). Mas, não só sem elas ele se fez, a construção sonora do caso é intrigante ao ponto de se esquecer deles e, principalmente, solucionar o crime – naquele instante. O caminhar do som, junto do uso da linguagem de sinais entre Teddy Dimas (Nathan Lane) e seu filho surdo Theo Dimas (James Caverly), faz com que a investigação seja concluída de uma forma interessante, como por exemplo, um podcast de true crime não conseguiria. 

É durante o sétimo episódio, também, que podemos notar uma particularidade quase imperceptível da produção. Com ele, percebemos que cada trama trouxe uma perspectiva diferente sobre o crime (do trio principal, do falecido Tim Kono, dos primeiros suspeitos, e até mesmo dos fãs do podcast), de diferentes olhares do Arconia. Essa mudança de ver, no entanto, causa duas coisas: uma visão geral do homicídio como um todo, mas também, nos 3 episódios seguintes fica fácil entender quem é o verdadeiro assassino, tirando um pouco da magia final de uma história de assassinato.

Há então, a tentativa e a esperançosa abertura para uma segunda temporada, que é construída nos cinco minutos finais da temporada. Apesar de ser intrigante o fato deles agora estarem envolvidos no crime a ser solucionado, a trama não é nada nova para uma série criminal, que já construiu caminhos mais ousados que esse. Apesar disso, é importante destacar que o espectador, que conheceu e entendeu a narrativa construída por Steve Martin e John Hoffman, não perdeu o brilho pela história e buscará novos olhares no novo ano da produção. 

Isso porque ele pode entender que em questão de enredo, era mais fácil abrir o Spotify ou qualquer agregador de podcast, que encontraria true crimes similares a esse, até mais interessantes e inovadores. No entanto, as portas que o mundo televisivo abriram para o enredo sonoro, como as personagens, a mudança de olhar quase que imperceptível e momentos sem som, foram o que tornaram Only Murders in the Building essa montanha-russa de picos altos e baixos pelas ondas sonoras do podcast.

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Ana Nóbrega

Nem mesmo o Superman (Tyler Hoechlin) conseguiu se esquivar das dificuldades da vida real. Demitido de seu trabalho como jornalista no Planeta Diário, Clark Kent decide tomar um novo rumo em sua vida ao lado dos filhos e da esposa em Superman & Lois. A nova série do herói, que está disponível no HBO Max, renova a imagem que vem se formando nos últimos anos do Homem de Aço. A trama se constrói quase como uma versão estadunidense e heróica de  A Grande Família, dividida entre as relações familiares e os empresários que querem dominar o mundo.

Depois de um incidente com sua mãe, Martha (Michele Scarabelli), e a sua demissão do jornal, Clark decide que é o momento certo para voltar a morar na pequena cidade onde cresceu. Com dois filhos adolescentes e um casamento solidificado, o Superman se apresenta mais humano do que já se foi visto em sua história na Televisão. Como já indica o nome, Superman não é o único protagonista desta trama, e assim, Lois Lane (Bitsie Tulloch) tem a oportunidade de ter seu personagem desenvolvido pela primeira vez.

Após mais de vinte anos, essa é a primeira vez que uma série aborda a relação do herói de Krypton com sua esposa Lois. A primeira vez foi durante os anos 90, quando foi lançada Lois & Clark – As Novas Aventuras do Superman, obra focada em contar a história de como os pombinhos do universo DC Comics se apaixonaram. Mas agora, os dois jornalistas estão em um relacionamento duradouro, e já passaram por todo tipo de situação juntos, incluindo a grávidez dos filhos Jonathan (Jordan Elsass) e Jordan Kent (Alex Garfin).

Nessa produção, o Homem de Aço revela seu lado humano e paternal, em uma versão do super-herói que sabe separar Clark Kent de Superman. A série quebra todo o padrão do kryptoniano que vem sido construído nos últimos anos por Henry Cavill e Zack Snyder. Enquanto o Super-Homem de Henry é bruto, sisudo e mais ambíguo, o de Tyler Hoechlin é brincalhão, carismático e traz à tona o lado esperançoso que se perdeu nas adaptações do personagem com o tempo.

Porém, o círculo familiar não se restringe apenas a Clark. A trama toda de Superman & Lois se desenvolve nas diversas maneiras em que esse contexto se expressa entre as pessoas, como na relação de Jonathan e Jordan, os gêmeos Kent, que são completamente diferentes um do outro. E mesmo que os irmãos tenham a relação abalada por poderes herdados de sangue, eles seguem mostrando uma irmandade e um companheirismo ao decorrer da história.

Outros personagens vão se encaixando nessa “grande família”, como a ex-namorada de Clark, Lana Lang (Emmanuelle Chriqui), que passa por dificuldades com seu marido e encontra ajuda na amizade com Lois. Até mesmo com vilões de outras dimensões e planetas que revelam enredo familiar essencial para o entendimento da história e dos desastres e lutas ocorridas na série. Os vilões de Smallville desta vez também refletem um pouco da questão moral em sua trajetória, levantando dilemas sobre o que é socialmente correto, e o que é certo para o coração.

Lois Lane também assume responsabilidade e se mostra a grande revelação da série. Em uma batalha contra o poder do empresário Morgan Edge (Adam Rayner) na cidade de Smallville, a jornalista encontra espaço para mostrar sua importância na história do marido. Assim, a esposa do Superman ganha um desenvolvimento para além do que é encontrado normalmente em personagens femininas. Lois precisa lutar pela sua família, amigos, sua honra como profissional e a relação com o seu pai Sam Lane (Dylan Walsh), que espera que Clark escolha entre sua vida como chefe de família e a de super-herói.

Diferente das outras produções da emissora estadunidense CW, Superman & Lois teve um investimento pesado em sua qualidade de produção. De acordo com o produtor executivo, Todd Helbing, a ideia era chegar ao nível dos concorrentes que produzem séries para TV aberta e serviços de streaming. A mudança é notável na imagem, no visual do elenco, e até mesmo na fazenda usada como cenário, tornando tudo muito mais realista do que já se viu em outros projetos da CW.

Apesar de seus efeitos especiais não chegarem ao nível de trabalhos cinematográficos, como o próprio Batman v. Superman ou até mesmo Mulher Maravilha, eles são bons o suficiente para se distanciar do que já foi realizado no universo de séries da DC. O roteiro se destaca, com uma fluidez e leveza, sem se prolongar em uma temática por mais tempo que o necessário – o que já aconteceu em outras adaptações como Supergirl e The Flash.

Para a primeira temporada, Superman & Lois promete um bom desenvolvimento e entrega para os fãs do super-herói um novo lado, mais amigável e sonhador, do Homem de Aço. O investimento da emissora na produção da série mostrou que, com o incentivo certo, é possível agradar o público e conseguir aumentar a audiência, entregando uma história bem estruturada e um novo cenário, pronto para ser explorado. Afinal, a era dos novos mundos da DC Comics já começou.

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