Jhenifer Oliveira e Livia Queiroz

A primeira segunda de maio é um dos momentos mais aguardados quando se trata de juntar moda, cinema e luxo: o Met Gala. Ela resguarda não só a audiência de quem tem sede pelo conhecimento têxtil, mas também aqueles que são apaixonados pelo corpo como uma forma de se expressar. O dress code escolhido por Anna Wintour este ano explora justamente este conceito, a moda como arte.

Apesar de amplo, esse direcionamento trouxe mais liberdade para os convidados transmitirem sua interpretação do que é essa forma de manifestação humana e como ela se encaixa em seu corpo e história. A exposição do teatro apresentada trouxe uma vertente semelhante, com o tema Costume Fashion (Arte do Figurino, em tradução literal). Charles Frederick Worth, uma das principais figuras responsáveis por ter consolidado a ideia que moda também é uma expressão artística, provavelmente estaria orgulhoso de ver aquilo que tanto defendia ser o tema central do Met Gala este ano.

Nomes como, Hudson Williams, Hunter Schafer, Emma Chamberlain, Sabrina Carpenter, Madonna e muitos outros se destacaram ao seguirem o dress code trazendo referências criativas às suas produções. O ator de  Heated Rivalry (2025), apostou em um conjunto azul claro com detalhes pretos e uma cauda, assinado pela Balenciaga. O outfit é uma releitura de um bolero de 1947 do fundador da grife, que se inspirou no traje de toureiro espanhol – uma forma de arte performática conhecida na Espanha. Outro nome que trouxe a arte à tona foi a estrela de Euphoria (2019), vestida como a pintura Mäda Primavesi (1912) de Gustav Klimt. O visual desenvolvido pela Prada conta com um vestido de cauda longa, repleto de arranjos de flores e uma camada branca por cima, fazendo referência às características da obra.

A influencer Emma Chamberlain está cada vez mais inserida no mundo da moda e entregando looks estonteantes que a destacam na multidão de celebridades presentes. No Met Gala 2026, ela foi a estrela da noite, um holofote merecido para a obra de arte que revelou em forma de vestido. Ironicamente ou não, a referência de seu look vem da obra de Van Gogh, A Noite Estrelada (1889), e O Grito (1893), de Munch. Já a cantora de Espresso optou por revelar uma outra forma da criatividade: o cinema. Sua arte veio em forma de rolos de fita do filme Sabrina (1954), com um vestido Dior feito sob medida para a popstar, ele compõe uma saia assimétrica que já se tornou assinatura da cantora neste evento também revestido em fita.

Madonna chegou ao topo como rainha do pop por sua clara genialidade artística, e em um evento como este, ela não se faria passar despercebida. Sua composição de look não traz significado em si, mas da performance que ele compõe. Inspirado em um fragmento da obra de Leonora Carrington, A Tentação de Santo Antônio (1945), sua figura vestida em all black Saint Laurent e coberta por um véu representa, ao lado de sete mulheres em vestidos claros e blindadas com uma renda branca, o questionamento dos costumes da fé cristã, a luta contra o patriarcado e a busca por iluminação espiritual.

https://www.vogue.com/video/watch/the-run-through-inside-the-met-gala-with-chase-sui-wonders

Este ano, muitos homens também marcaram seu destaque, como Karan Johar e Jeremy Pope. O diretor apareceu com uma obra de arte em forma de vestimenta tradicional indiana completa em bordado dourado e imagens inspiradas em pinturas clássicas do seu país de origem, uma linda homenagem aos artesãos. Já o ator superou as expectativas, usando um item de arquivo de Vivienne Westwood, da coleção de outono de 1996, chamado Escravo do Amor, uma jaqueta-corset formada por centenas de pérolas em cores diferentes formando um peitoral e em suas costas pedras de rubi marcando feridas.  Alguns dos destaques da noite mostram ao público que a handmade couture é a arte, a antiguidade mais fina da moda.

Após uma década sem comparecer ao evento, Beyoncé fez um retorno memorável ao Met Gala como co-anfitriã, dividindo o posto com Anna Wintour, Venus Williams e Nicole Kidman. Para marcar a ocasião, Bey e Nicole apostaram em duas produções diferentes ao longo da noite. No tapete vermelho, Queen B surgiu com um vestido repleto de pedrarias assinado por Olivier Rousteing. No encerramento do evento, a cantora trocou o visual por uma criação de Robert Wun, peça que chamou atenção por conter mais de um milhão de cristais. 

Kidman também apostou em um visual marcante ao usar um modelo vermelho-rubi da Chanel, bordado com lantejoulas e penas por Matthieu Blazy. Mais tarde, a atriz apareceu com outro vestido da mesma grife, que transmitia um ar de conforto enquanto mantia a paleta de cores quentes. Já Williams vestiu uma peça personalizada de cristais Swarovski, que foi inspirada em sua própria obra de arte Venus Williams Double Portrait (2022), e para incrementar, um acessório metálico no pescoço, desenhado pela própria atleta.

Apesar da temática do evento ser de extrema importância e um critério geral de julgamento do público sobre cada look, é impossível negar presenças que acertaram em suas escolhas, afinal, a arte é moda e moda é arte independente do dress code. Doechii foi um dos destaques, com um look vinho assinado por Marc Jacobs, a cantora expõe seu corpo como arte ao complementá-lo com seu vestido e ornamento do cabelo. Hailey Bieber também fugiu do tema proposto, e mesmo assim, é inegável a beleza de sua apresentação, em um busto dourado que contrasta com o azul vivo, look que já foi visto nas passarelas da Balmain.

Mesmo que o tema Moda é Arte seja uma proposta flexível e dá liberdade para cada celebridade se expressar através de obras, nem todo mundo conseguiu traduzir suas ideias de acordo com o que foi proposto. Margot Robbie, por exemplo, usou uma peça da Chanel mais clássica e minimalista, o vestido de cor champagne e com uma cauda bordada de pétalas de flores não ofereceu a ousadia e a interpretação conceitual que a temática pedia. Kim Kardashian optou por usar uma produção de alta-costura que faz mais jus à sua identidade pessoal, do que ao dress code do bazar. O traje desenvolvido pelo designer Jean Paul Gaultier conta com um corset alaranjado bem acinturado e sensual, e uma saia da mesma cor.

Para além de uma tristeza por ver algumas celebridades não entendendo a temática, tem-se aquelas que decepcionaram por terem surpreendido em anos anteriores. Gigi Hadid, por exemplo, sempre apareceu ao evento com looks estonteantes, e muito conectados à temática, porém, este ano, com um vestido translúcido preto da Miu Miu e uma calcinha azul bebê, deixou a desejar com presença. Outro ponto negativo são as mesmas vestimentas all black de sempre, que, pelo bem da arte na moda, estão se mostrando cada vez menos numerosas.

Entre elogios e críticas, a edição de 2026 do Met Gala ficou sem grandes nomes da cena da moda. Segundo os rumores que circulam pelos corredores, o possível motivo estaria relacionado ao patrocínio de Jeff Bezos ao evento. As controvérsias políticas em torno do bilionário, principalmente seu apoio ao governo Trump, teriam influenciado a decisão de algumas celebridades a não aceitarem o convite. Zendaya, uma das figuras mais conhecidas por entregar looks extraordinários ao lado de seu fiel estilista, Law Roach, optou por não comparecer nesta edição. A ausência da modelo Bella Hadid também foi notada e gerou repercussão nas redes sociais, sendo interpretada como uma possível posição política e crítica à presença dos CEOs de grandes empresas de tecnologia.

Este pode ser considerado um Met Gala histórico em ausência e presença. Sempre é muito desafiador escolher um look para um evento tão grande como esse. Porém, este ano foi possível enxergar como a moda é arte em sua plena construção. E o recado que esta edição nos deixa está na handmade couture ao encontro com o conceito, e, quando os dois se juntam, a moda vive.

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Livia Queiroz 

Ao tratar de uma cerimônia como o Oscar, é impossível não dissertar sobre o mundo fashion que à envolve. Sem figurino, o cenário não se concretiza. Sem glamour, o tapete vermelho desbota. Este é o lema que encaixa perfeitamente ao momento vivido, com pouco political fashion e maior referência a suas obras indicadas. A cerimônia apresentou emoção e manifestação, mas será que podemos afirmar o mesmo sobre o red carpet? A resposta é sim, porque até onde não há intenção há expressão, formando personalidade, identidade e, consequentemente, a moda. 

Em conjunto, parte do casting de Sinners (2025), vencedor de quatro prêmios, chegou para o evento com trajes diversos da Louis Vuitton, coordenada pelo diretor criativo Pharrell Williams. Jack O’ Connell, para destacar seu papel dentro da obra, aparece na passarela com próteses de presas cobertas de sangue, semelhantes aos vampiros do filme. Indo além da roupa que se veste, o diretor do filme, Ryan Coogler, se manifesta por meio de suas tranças, feitas por Tyzanna B., formando duas guitarras, mais especificamente, do gênero musical blues. O elenco, sem dúvidas, soube ousar na quietude e prestou seu carinho e gratidão pela cultura e arte negra durante a temporada. 

A moda brasileira também se fez presente e brilhou. Alice Carvalho, atriz de O Agente Secreto (2025), surge na passarela em um vestido bege – infelizmente um pouco fora do caimento ideal –, da Normando, uma marca amazônica desenhada por Marco Normando e Emídio Contente. Para acrescentar ainda mais a composição, usa uma bolsa com estatueta dourada, do designer catarinense Jay Boggo e um broche representando a América na língua do povo Kuna, originários do Panamá.

“O tecido escolhido foi uma mistura de duas fibras cultivadas na Amazônia, a juta e a malva amazônica. Fibras cultivadas por diversas famílias nos estados do Amazonas e do Pará, sem uso de agrotóxicos e pesticidas e com irrigação natural dos rios e igarapés da região, e tecidas pela @somoscastanhal no estado do Pará, na cidade de Castanhal, o processo é sustentável e 100% orgânico e da Amazônia brasileira” – Normando

O vintage sempre volta

As tradicionais nunca saem de moda. Chanel, Louis Vuitton, Dior, Armani e Valentino; essas são as marcas não só mais vistas este ano como desde que Hollywood é o palco do luxo e da alta costura. Porém, o que mais encanta são as homenagens ao vintage e looks de seus arquivos sendo usados novamente em diferentes modos, silhuetas e ocasiões. Desta vez, as referências foram usadas pelas atrizes e por personalidades fora da passarela cinematográfica, como Amelia Dimoldenberg, que teve uma escolha sólida e minimalista, mas elegante, com um Ralph Lauren fall 2007. A figurinista Miyako Bellizzi, representante de sua categoria por Marty Supreme (2025), ousou com o vermelho vibrante e assimétrico de John Galliano para a Dior em 1999. 

A vencedora do prêmio de Melhor Atriz, Jessie Buckley optou por um vestido Chanel que glorificava e rememorava o mesmo utilizado por Grace Kelly em 1956, vencedora do Oscar de sua mesma categoria, naquele ano. A atriz homenageia o amor, visto que esse vestido marca o encerramento da carreira de Grace que viria a casar-se com o príncipe de Mônaco, Rainier III. Na festa da Vanity Fair, mais tarde, Anna Taylor-Joy aparece em um macacão curto preto que, novamente, é assinado por John Galliano para a Dior em 1994. O movimento vintage aplaude, então, homenagens ao passado que ressignificam o presente.

Quem veste a política? 

É inegável que, na ignorância, se encontra a paz. Nesse sentido, apesar da maior parte dos trajes da noite seguir um padrão de referência às obras indicadas e retratar o mundo fantasioso do audiovisual, é prazeroso analisar esta moda que ousa para dentro daquilo que o evento homenageia: o cinema. Porém, visto o cenário global, em especial envolvendo os Estados Unidos, deveria ser esperado que os figurinos apresentassem e falassem – nem que fosse de forma velada – mais sobre as opiniões que acercam pessoas influentes como são os presentes, afinal, a moda sempre foi um espaço de impacto para manifestações políticas sem a necessidade de fala. 

Este, com certeza, não é o caso de Javier Bardem, que, desde o início de sua carreira, se mostra disposto a verbalizar e estilizar-se conforme o que pensa. Em situações semelhantes, o ator espanhol revive seu look do Oscar 2003, usando o mesmo broche para pedir o fim da guerra com o Oriente Médio e um novo para a liberdade da Palestina. Além dele, Saja Kilani, atriz palestina de The Voice of Hind Rajab (2025), veste Ziyad Buainain, designer saudito que revigora a moda feminina com um luxo consciente, além de destacar cor em seu único broche, pedindo o cessar-fogo em Gaza. Rei Ami, cantora vencedora em Melhor Canção Original, assim como nos Grammys 2026, reforça a cultura asiática com um conjunto de vestido e boleira longa com pavões bordados em dourado de Rahul Mishra, designer indiano que busca a sustentabilidade étnica.  

“Não à guerra e Palestina livre” – Javier Bardem

O Oscar 2026 fica marcado por um red carpet diverso porém pouco colorido, ressaltando a ideia de cores como movimento, solidez artística e adequação social. No fim, o evento prova que a moda nunca é silenciosa, é um espaço que carrega a intensidade estética e narrativa juntos. Não se trata apenas de vestir-se, mas também a posição que revela. Mesmo faltando ousadia, segue impressionando com looks glamourosos, vintages ou minimalistas, porque, afinal, a versatilidade e atemporalidade de como se veste e porquê se veste permanece.

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Sinara Martins

A 68ª edição do Grammy Awards aconteceu no domingo, 1 de fevereiro, em Los Angeles, reunindo os maiores nomes da música em uma noite que terminou sendo menos lembrada pelos looks do tapete vermelho e mais por discursos e protestos que ecoaram no palco. O que se viu foram escolhas seguras e cores neutras, que afastaram o foco dos figurinos e abriram espaço para uma discussão mais urgente sobre o contexto político que atravessa o momento.

No tapete vermelho, a paleta manteve uma linha discreta de tons neutros, beges e pretos que dominaram as fotos e fizeram pouco barulho estético. Entre as celebridades que seguiram essa tendência estiveram Tyla, FKA Twigs, Coco Jones e Heidi Klum, todos com produções sofisticadas, porém contidas, que não romperam com a previsibilidade visual da noite. O resultado foi um conjunto harmonioso – ainda que pouco ousado para um evento conhecido por momentos marcantes de estilo.

Ainda assim, alguns nomes conseguiram atrair olhares mesmo dentro desse cenário contido. Lady Gaga, vencedora das categorias de Melhor Álbum Vocal de Pop com Mayhem e Melhor Gravação de Pop Dance por Abracadabra, apareceu inspirada, incorporando elementos que lembram a estética de Mayhem. Olivia Dean, que conquistou o prêmio de Melhor Artista Revelação, Teyana Taylor, Rosé e Nikki Glaser também se destacaram com escolhas que, embora dentro do neutro, trouxeram personalidade.

Poucos, como Zara Larsson, Chappel Roan e Doechii, fugiram da paleta predominante e ganharam atenção justamente por ousarem cores e recortes menos previsíveis. Em um tapete vermelho marcado pela contenção, essas exceções tornaram-se pontos de contraste visual, evidenciando o quanto a moda da noite privilegiou a segurança estética.

Ao contrário do que Miuccia Prada sugeriu ao afirmar que “a moda é para quando você está feliz, quando você não tem problemas, porque no momento em que alguém tem um problema de saúde ou de guerra, a moda definitivamente não é relevante”, o Grammy mostrou que a moda ainda influencia quando colocada em segundo plano e abre espaço para outras formas de expressão.

A noite de premiações ficou marcada por protestos e posicionamentos políticos notáveis, especialmente contra o ICE (Serviço de Imigração e Alfândega dos EUA). Diversos artistas aproveitaram seus discursos de vitória para denunciar políticas de imigração severas, usando frases de impacto e símbolos como broches com a frase “ICE Out” no tapete vermelho e no palco, que contribuiu para transformar a premiação em uma plataforma de debate sobre direitos humanos e imigração, conectando a música, a moda e o ativismo de forma mais explícita que em anos anteriores. 

Bad Bunny, vencedor do Álbum do Ano e também Melhor Álbum de Música Urbana com Debí Tirar Más Fotos, abriu seus discursos com críticas diretas ao ICE, defendendo solidariedade e amor ao invés de ódio. Billie Eilish, que recebeu o prêmio de Canção do Ano com Wildflower, usou sua vitória para incentivar a continuidade dos protestos e da ação coletiva. Essas falas mostraram que a música e seus protagonistas vêem o palco do evento como um lugar legítimo de mobilização e de expressão política.

Entre os homens, poucos arriscaram ousadias visuais além de Harry Styles, que optou por jeans e sensualidade discreta. Bad Bunny, além de seu posicionamento político, brilhou com um terno marcante da Schiaparelli. Outros nomes como Pharrell Williams e Jon Batiste permaneceram fiéis a estilos pessoais que, embora clássicos, reforçaram uma estética que dialoga com suas identidades.

No fim das contas, o Grammy mostrou que, mesmo com um tapete vermelho sem grandes excessos visuais, a noite foi tudo menos neutra. A moda ficou em segundo plano para dar espaço a discursos fortes e posicionamentos claros, reforçando o palco da premiação como um lugar de fala e mobilização. Entre escolhas seguras de estilo e vozes que se levantaram contra políticas injustas, a edição deixou evidente que, naquele momento, o impacto não estava no figurino, mas na mensagem que cada artista decidiu levar ao público.

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Sinara Martins

A 77ª edição do Emmy Awards aconteceu no domingo (14), em Los Angeles, e a tradicional chegada das estrelas foi marcada por modelitos sofisticados e elegantes. Com produções como Ruptura, O Estúdio, Adolescência, Pinguim, The Last of Us e O Urso entre as indicadas, não faltaram celebridades desfilando. O tapete vermelho reforçou uma tendência clássica, com muitas silhuetas tradicionais e tons de destaque como vermelho, preto e rosa. 

A premiação entregou um tapete vermelho bonito, mas pouco marcante. Houve raros momentos de ousadia, que até ganharam repercussão, porém ficaram diluídos diante da predominância do clássico. O contraste entre a vontade de se manter sofisticado e a necessidade de surpreender mostra o dilema atual do evento: como preservar uma tradição sem abrir mão da relevância cultural?

A cor da paixão apareceu em peso. Britt Lower, vencedora da categoria Melhor Atriz em Drama, surgiu com um traje escarlate de corte clássico; já Hunter Schafer apostou em um modelo deslumbrante no mesmo tom, e Cristin Milioti também seguiu a paleta. Apesar da predominância de escolhas seguras, o que realmente chamou atenção foram os looks que buscaram equilibrar ousadia e harmonia entre beleza e styling, quebrando a previsibilidade.

O preto também marcou presença de maneira imponente na cerimônia. Anna Sawai apostou em um modelo minimalista e sofisticado, que ressalta sua silhueta de forma elegante, e Natasha Rothwell trouxe um toque de exuberância com um traje volumoso e cheio de movimento, contrastando com a sobriedade da cor. Já Marta Pozzan preferiu uma proposta contemporânea, com recortes modernos que deram frescor ao clássico. Para fechar, Catherine Zeta-Jones estava usando um vestido dramático, que combinava perfeitamente com sua postura marcante no tapete.

Entre os destaques da noite, a cantora Lisa, do Blackpink, encantou o público com um delicado vestido rosa da Lever Couture, digno de um conto de fadas. Jenna Ortega também brilhou com um modelo ousado e um top cheio de pedrarias da Givenchy, que combinava com modernidade, enquanto a drag queen Arrietty surpreendeu ao surgir com um traje cheio de presença e glamour.

O tapete vermelho não rendeu só bons looks, mas também momentos que deram o que falar. A drag queen Joella se vestiu de Labubu e foi uma das aparições mais inesperadas e divertidas da noite. Outro ponto alto foi a aparição das atrizes Lauren Graham e Alexis Bledel, protagonistas de Gilmore Girls, que emocionou os fãs da série, que completa 25 anos. Para fechar, Meg Salter chamou atenção ao surgir com um visual básico, carregando uma bolsa de protesto escrita “Cessar fogo”, usando a moda como forma de posicionamento político.

O predomínio de escolhas clássicas no Emmy reflete um certo conservadorismo da própria premiação. Antes palco de grandes momentos culturais, hoje o evento parece preso a fórmulas seguras em meio a um cenário em que a atenção do público se divide entre tantas outras atrações. A moda, que deveria dar brilho ao espetáculo, acaba perdendo força quando não surpreende. Enquanto o Met Gala e até o Oscar usam os figurinos para criar narrativas e marcar posição, o Emmy se mantém elegante, mas pouco memorável, e isso ajuda a explicar por que a premiação vem perdendo espaço na conversa cultural.

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Sinara Martins 

Durante a noite da primeira segunda-feira de Maio, o Museu de Arte Moderna (MOMA), em Nova Iorque, deu espaço a cerimônia do Met Gala, um dos eventos mais aclamados do universo fashion. Para este ano, o dandismo negro se destaca como uma construção estética e política. 

O código de vestimenta também é estabelecido anualmente e está sempre em harmonia com o tema da nova mostra do museu. O dress code da vez foi o Tailored For You (“sob medida para você”, em tradução literal) e o tema da exposição é Superfine: Tailoring Black Style” (em português, “Superfino: O Estilo Negro na Alfaiataria”).  A temática surgiu pelo livro da co-curadora Monica Miller, chamado Slaves to Fashion: Black Dandyism and the Styling of Black Diasporic Identity, que aborda a arte de se vestir com Arte, política e empoderamento. 

O dandismo é marcado pela sofisticação e elegância, aliadas à autenticidade e ao senso de pertencimento. No caso do dandismo negro, essa expressão ganha um sentido ainda mais profundo: ela se torna uma forma de contestação social, em que homens negros, historicamente marginalizados, utilizam o vestuário como instrumento de afirmação identitária e conquista simbólica de liberdade.

Durante o tapete vermelho, esperava-se que os convidados usassem da interpretação criativa para transformar figurinos com autenticidade, de maneira a expressar a identidade e o estilo pessoal. O foco estaria nas alfaiatarias reinterpretadas, lado a lado de silhuetas ousadas e acessórios. 

Os figurinos sofisticados marcaram presença no tapete azul e cumpriram o papel esperado de estética refinada. Mas algo inédito aconteceu neste ano: os convidados homens tiveram a oportunidade não tão comum de se sobressair no tapete, com a tarefa desafiadora de transformar um terno em algo memorável. 

Os homens tiveram a oportunidade de transformar ternos simples em elegância e os co-anfitriões Colman Domingo e Pharrell Williams conseguiram com precisão. Khaby Lame e Tyler Perry também foram destaques masculinos e favoritos, e parte memorável da noite foi estrelada por Damson Idris, que chegou vestido com trajes da Fórmula 1 e revelou por baixo do macacão um deslumbrante traje marsala. 

O preto e branco prevaleceram durante a cerimônia e foram muito bem usados por Zuri Hall, Sarah Snook e Mona Patel. Acessórios como chapéus, bengalas e lenços de bolso também foram aliados da elegância em figurinos como o de Doechii, e das caudas de Diana Ross e Lauryn Hill.

Silhuetas, ao lado da sensualidade, foram o carro chefe de figurinos clássicos e bem executados como o de Kendall Jenner, Laura Herrier e Zoe Saldana. Enquanto a ousadia de Janelle Monáe, Ayo Edebiri, Alton Maison e Doja Cat também tiveram seu reconhecimento.

Em meio ao clássico refinado, o destaque da noite se deu em meio ao vermelho marsala, exalando poder quando alinhado aos acessórios de Teyana Taylor, que conseguiu o fascínio do público, junto dos figurinos luxuosos utilizados por Jodie Turner-Smith e Damson Idris. 

Sem grandes performances, os momentos que ganharam destaque nas redes sociais foram o anúncio da gravidez de Rihanna e o lançamento inédito do novo álbum de André 3000, diretamente da cerimônia — com o artista vestindo o mesmo figurino da capa do disco como look do evento.

O dress code seguiu o padrão esperado, sem muitos convidados fugindo do tema. A ousadia e o vermelho marsala foram o passaporte fashion dos que se destacaram aos olhos do público, junto dos acessórios que compõem a essência do dandismo negro, que foi muito bem representado. 

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Sinara Martins

A primeira segunda-feira de Maio é sempre marcada pela cerimônia do Met Gala, que simboliza a abertura da exposição anual do Metropolitan Museum Of Art (MOMA), em Nova Iorque. Todo ano há um código de vestimenta para os convidados, sempre relacionado a exibição. Para o tapete vermelho de 2024, o tema estabelecido foi Jardim do Tempo.

A temática surgiu do conto de J. G. Ballard, de 1962, que retrata um casal vivendo em uma propriedade rodeada de muralhas – para os defender da multidão que se aproxima –, e repleta de “flores do tempo” que, quando colhidas, retrocedem algumas horas e impedem o avanço da massa. Chega um momento em que não há mais flores para colher e, então, a muralha é invadida pelo povo que, ao adentrá-la, encontra uma vila em ruínas e uma estátua do Conde e da Condessa que ali moravam.

Em uma analogia à passagem do tempo, distopia e beleza, era esperado que, durante a cerimônia, fossem utilizadas peças de arquivo vintage, elementos representativos de um jardim que remetessem também o transcorrer do tempo. Portanto, os stylings eram cheios de possibilidades e amplos na interpretação: de peças floridas a vestidos de arquivo que há muito tempo não eram usados – se é que algum dia já foram vestidos.

Dentre as personalidades de Hollywood que marcaram presença, o destaque da noite se deu pela co-anfitriã Zendaya, que usou dois figurinos maravilhosos. O primeiro – da marca Maison Margiela e assinado por John Galliano –, com silhuetas inspiradas no trabalho de 1930 da fotógrafa Madame Yevonde, em um cenário da Grécia Antiga, estava impecável e conversou perfeitamente com a maquiagem, feita por Pat McGrath.

Surpreendendo a todos, quase no fim do tapete vermelho, a atriz trocou de vestido e apareceu usando um figurino all black da Givenchy, em uma estética gótica, e ousou utilizando um adorno de buquê de flores.
Vestidos florais já eram esperados e foram muito bem usados pelas atrizes Jessica Serfaty, Cynthia Erivo e Rebecca Hall, e as cantoras Nicki Minaj e Dove Cameron. Todas elas combinaram perfeitamente o tema da noite com vestidos impecáveis das marcas Dolce & Gabbana, Thom Browne, Danielle Frankel, Francesco Risso e Diesel, respectivamente.

Outro destaque se deu por vestidos neutros que acentuam as silhuetas e se completam com o cabelo e a maquiagem simples, que ganharam espaço no baile desse ano e foram apostas de inúmeras famosas. A exemplos de Ariana Grande, com um lindo vestido da Loewe, Bruna Marquezine de Tory Burch, Kylie Jenner de Oscar de La Renta e Madeleine Clyne usando Tommy Hilfiger.

A sensualidade se deu em rendas – apostas de Kendall Jenner, Emma Chamberlain e Sarah Jessica Parker – e na transparência, muito bem utilizada por FKA Twigs, Doja Cat e Elle Fanning. O metálico também teve seu espaço, mesmo que pequeno, em vestidos como os usados por Me Hanani, Simone Ashley, Amanda Seyfried e pela co-anfitriã Jennifer Lopez. Em uma mistura desses dois elementos, Kim Kardashian também apresentou um fantástico figurino.

Neste ano, Tyla fez sua primeira aparição no Met Gala e não poderia ter sido mais espetacular. Usando uma linda peça da Balmain, a cantora surpreendeu ao aparecer com um vestido feito de areia que destacava as suas silhuetas e remetia a passagem do tempo, juntamente com sua bolsa em formato de ampulheta. Além dela, o destaque da noite também se deu através da cantora Lana Del Rey, que estava de tirar o fôlego em um impecável vestido de galhos, em uma produção melancólica de um vestido customizado por Alexander McQueen.

As cores vibrantes perderam espaço para os tons pastéis, como utilizado por Donatella Versace, mas ainda sim tiveram aparições notáveis. A marca Swarovski apresentou um time perfeito de convidadas e soube valorizar de maneira sensacional todas elas. A modelo Anok Yai estava perfeita, assim como em todos os anos que frequentou o evento, usando um macacão de tons azulados personalizado com 98.000 safiras e um colar de diamantes de 156.62 quilates. Ainda representando a marca, Karlie Kloss usou um lindo vestido rosa incorporado de flores e cristais.

Durante o evento, o destaque realmente ficou para a moda feminina. Vestidos focados na valorização da silhueta, de cores neutras com toques de sensualidade e delicadeza marcaram presença ao longo da cerimônia. Enquanto isso, na moda masculina, o de sempre: ternos básicos de cores neutras sem toques de glamour foram predominantes, com exceção dos convidados Alton Maison, Wisdom Kaye, Bad Bunny e membros da comunidade queer, como Harris Reed, Lil Nas X, Cole Escola e Jaden Smith, que fizeram suas apostas em figurinos que saíram do convencional.

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Luisa Rodrigues

Em 2017, Rihanna fundou sua marca de beleza Fenty Beauty e passou a se dedicar ao empreendimento. Expandindo seus negócios, um ano depois, ela lançou a linha de lingerie Savage X Fenty. A partir de 2019, os desfiles da marca começaram a ser lançados pelo streaming Amazon Prime Video e, no dia 24 de setembro deste ano, o terceiro volume do show chegou ao serviço, mais uma vez com um belo desfile de Moda imersiva e inovadora, combinando Música, coreografia e performances incríveis. 

O Volume 3 é diferente da primeira edição, que trazia toda a inovação da junção de coreografia e Moda, além de mostrar os bastidores do processo criativo, e da segunda, que tinha a tarefa de adaptar todo o show para um ambiente sem público. Essa terceira parte veio com uma intenção de ser “nervosa, divertida, sedutora e selvagem”, nas palavras de Rihanna durante a coletiva de imprensa. 

O desfile reuniu estrelas como a atriz Vanessa Hudgens se arriscando nas passarelas, o cantor Troye Sivan, Sabrina Carpenter, a incrível Erykah Badu, o ator Jeremy Pope, que arrasou em sua parte, o skatista Nyjah Huston e a atriz Thuso Mbedu e aparições das modelos Adriana Lima, Alek Wek, a consagrada Cindy Crawford, Gigi Hadid, Irina Shayk, a novata Lourdes Leon, as drags Symone e Gottmik e muitos mais. Além de performances incríveis dos cantores Nas, Daddy Yankee, Bia, Jazmine Sullivan, Ricky Martin, Jade Novah e Normani, que já virou tradição nos eventos da marca.

Já no ato de abertura, o show mostra para o que veio, com uma coreografia excepcional, um ar clássico, ao mesmo tempo o som se tornando mais latino e fechando com a experiente Cindy Crawford subindo uma escadaria ao som de Jade Novah e dando início ao desfile oficialmente. Essa primeira parte dará tom a todo o espetáculo, que celebra a diversidade de culturas, corpos e gerações. No elevador acontece a transição do início para a performance da cantora Bia, destacada por danças e bailarinas com corpos despadronizados.

Logo após chega a vez de Normani, que nas duas últimas edições roubou a cena. Na primeira, com uma apresentação de tirar o fôlego e, na segunda, com apenas segundos conseguiu ser um dos grandes destaques do Savage X Fenty Show. Na terceira edição não poderia ser diferente, inovando na performance, a cantora entregou muita coreografia em uma caixa vermelha. E Lourdes Leon, pela primeira vez desfilando no Fenty Show, não ficou para trás, aproveitando-se de uma presença marcante, a modelo consegue manter os olhos apenas nela.

Uma das melhores partes dessa terceira edição é que o show não fica restrito a apenas um espaço, ele circula por todo lugar que pode. Já em uma ambientação externa, há um desfile mais tradicional com modelos muito diversos entregando Catwalk de qualidade, além de uma apresentação energética de Ricky Martin. 

É muito interessante observar as escolhas certeiras escolhidas, saindo de uma apresentação pop e latina, o desfile retorna a um ambiente interno e sonoramente R&B com a cantora Jazmine Sullivan, o desfile se torna sedutor com uma coloração alaranjada e novamente retorna ao ambiente externo para um reggaeton do cantor porto-riquenho Daddy Yankee.  O melhor é que todas essas transições podem não fazer tanto sentido, mas elas são feitas de uma forma ímpar e muito bem amarradas.

O Savage X Fenty Show é conhecido por coreografias e uma montagem inesquecíveis, a primeira e a segunda edição foram indicadas ao Emmy por conta desses critérios, e nesta terceira edição, mais uma nomeação fica mais perto de se tornar realidade. Muitas cenas são memoráveis, mas Erykah Badu introduzindo Jeremy Pope e o desfile de corpos masculinos, com muita coreografia e ao som de Diddy e Pharrell Williams, superou qualquer expectativa.

O maior sonho de qualquer fã de pop é Rihanna cantar novamente, mas enquanto não acontece, todos somos muito bem alimentados com performances da (ex) cantora durante os desfiles. Dessa vez, não foi diferente, com muita coreografia sedutora e selvagem como estamos acostumados, ela entregou tudo, à sua maneira. A montagem e direção do show, a cargo de Alex Rudzinski e Scott Weintrob, aproveitaram muito bem a arquitetura, saindo da Rihanna e mostrando modelos e dançarinos nos corredores circulares, dando um ar de clipe musical a toda essa cena.

Já na finalização de todo o Volume 3 do show, ele mostra modelos e dançarinas ao redor delas, destacando ainda mais o desfile e tornando o que seria simples e tradicional em algo artístico, uma pintura coreografada. A última performance fica com o rapper Nas, e o encerramento de fato é de Rihanna, como não poderia ser diferente, indo para o heliporto junto com modelos. 

Pela primeira vez, o Savage X Fenty não mostra os bastidores, o que enriqueceu a experiência imersiva. Deixando o público focado apenas no espetáculo que se torna um show, ou um teatro gravado, os modelos e dançarinos são os atores, as apresentações dão o tom, a iluminação e o cenário enriquecem a experiência e quando você percebe, está imerso no mundo de Moda criativa criada por Robyn Rihanna Fenty.

O Savage X Fenty Vol. 3 reafirma porque é uma das marcas de lingerie mais inclusivas de todos os tempos, modelos de todas as cores, raças e tamanhos podem ser vistos com os novos rostos da marca, demonstrando que não existe um padrão de beleza exigido para se sentir bem e sensual em sua pele. No fim, Rihanna, nos dá mais uma aula de que não é sobre chegar ao topo, mas reconhecer e valorizar quem abriu esse caminho, mas ainda assim incluir e inovar.

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Jho Brunhara

Em 2018, ano que marca 10 anos de carreira da cantora Lady Gaga, o sucesso de crítica e público do filme Nasce Uma Estrela e da trilha sonora – especialmente da música Shallow –, provam que Gaga termina sua primeira década como uma artista completa: duas indicações ao Globo de Ouro, cinco ao Grammy e quase 11 semanas no topo do iTunes Mundial.

Colhendo ainda frutos do seu primeiro álbum, The Fame, que completou uma década, e comemorando 5 anos do lançamento do ARTPOP, Gaga acaba de iniciar seus shows fixos de residência em Las Vegas com um contrato milionário. Mas nem só do presente se faz uma artista: o que torna Lady Gaga tão memorável, mesmo com tantos altos e baixos na carreira? A resposta está em toda sua construção artística: o impacto na cultura pop.

Nascida e criada em Nova Iorque, de família italiana, Stefani Joanne Angelina Germanotta abandonou o curso de Artes na Universidade de Nova Iorque assim como seu nome verdadeiro, assumiu Lady Gaga como nome artístico, e assinou um contrato com a Interscope Records, em 2007. Em meio a um conceito sombrio sobre a fama mas lotado de músicas dançantes, o álbum The Fame veio ao mundo. Just Dance e Poker Face foram hits instantâneos, dominando as rádios e as pistas de dança por semanas. LoveGame e Paparazzi também tiveram seu impacto.

Com o sucesso do primeiro álbum, Lady Gaga e sua equipe já preparavam um segundo álbum em 2009, que acabou se tornando um relançamento do The Fame junto a um EP, o aclamado The Fame Monster. Divisor de águas para o mundo pop, foi responsável em lançar a faixa Bad Romance, um dos maiores hits do século 21. O EP também trouxe as faixas de sucesso Alejandro e Telephone.

A música pop em 2008 foi dominada pelo hip hop e R&B crescente dos outros anos – das 10 músicas mais ouvidas do ano pela Billboard Hot 100, 7 tinham influências diretas do gênero. Poucas das que estavam nas listas de mais tocadas resistiram ao tempo e são lembradas até hoje.

Diante da crise do pop, que afetava também os clipes e performances – pouco investimento ou ousadia –, apenas a reinvenção do estilo salvaria os charts. Então refez-se o dance-pop: com produção ambiciosa e pop perfection, Just Dance explodiu em vendas e reproduções nas rádios nos últimos momentos de 2008, assim como as influências dance que carregava. Mais tarde, em 2009, foi a vez de Poker Face bombar, e como tudo se espalha na indústria como um vírus, o dance-pop contaminou os dedos de cada produtor daquele ano.

O resultado foi uma mudança total nas músicas mais vendidas e mais tocadas nas rádios: das 10 pertencentes ao topo, 7 eram próximas do pop eletrônico, e dessas, 5 completamente influenciadas pelo dance-pop. Gaga sacudiu as bases que sustentavam o gênero e trouxe a renovação e o impacto que a indústria fonográfica precisava. Músicas como I Gotta Feeling, Boom Boom Pow, Right Round, Party In The U.S.A. e Single Ladies (Put A Ring On It) dividiram o topo dos charts com os sucessos de Gaga.

Os novos ares ao pop que o The Fame trouxe não foram somente relacionados ao ressurgimento do dance-pop: Gaga desafiou tudo que era até então associado ao gênero e resgatou temas que talvez fossem considerados “inteligentes demais”, contrariando críticas medíocres ao estilo. As canções sobre amor e festas eram ressignificadas com mitologia, a ambiguidade nada sutil de um disco stick, metáforas para bissexualidade, e críticas inteligentes a fama, fundidas à músicas tocadas à exaustão pelo mundo.

“Sou obsessivamente oposta ao que é normal
Tudo que nos importa são modelos de passarela, Cadillacs e garrafas de bebida alcoólica
Me ofereça algo que eu queira ser
Glamour retrô, Hollywood, sim, vivemos pela fama
[…]
Tudo que nos interessa são meninas pornográficas em vídeo e cirurgia plástica
Me dê algo que eu queira ver
Televisão e loiras gostosas em posições estranhas”

“A música pop nunca será inferior”

Mas Lady Gaga nunca foi apenas sonora, e esse era seu maior diferencial. Embalada pela era da imagem, e com a ajuda de sua equipe Haus of Gaga, a cantora revolucionou a forma com que o pop estava sendo vendido às massas, a partir de conceitos teatrais muito utilizados por David Bowie, Michael Jackson e Madonna, mas que haviam sido brevemente esquecidos no passado da música.

Gaga veio não só como uma salvação para o entretenimento, mas disposta a tratar o gênero como arte. Com letras inteligentes e escritas pela mesma – sem precisar de compositores –, e conceitos pensados individualmente, criava-se uma imagética diferente do que o mundo estava acostumado.

Ao se desprender da forma humana e se apegar completamente a imagem da celebridade, criou-se a persona Lady Gaga. Madonna, David Bowie e Michael Jackson já haviam usado do artifício, mas não da forma que estava sendo explorada naquele momento. Desde ensaios fotográficos, clipes, figurinos em shows e premiações, programas de TV ou rápidas saídas nas ruas, Gaga não passava despercebida. Chamada incansavelmente de freak, não se edificou apenas a artista, mas sim o mito. Onde quer que ela estivesse, concentraria todos os olhares. E seria lembrada independente do que estivesse vestindo.

A moda foi um fator importantíssimo na construção de sua imagem e da persona que o mundo estava observando. Desde o início, a atenção com o que estava sendo usado no corpo era essencial, de Alexander McQueen às próprias criações da Haus of Gaga. Às vezes alta-costura, às vezes esquisitice, mas sempre diferente do comum. Preparada com figurinos escandalosos onde quer que estivesse, a moda era levada extremamente a sério, a ponto que nenhum outro artista ousou chegar, quase como se tivesse saído de algum filme de fantasia. A dedicação a moda rendeu o prêmio de Fashion Icon, em 2011, pela Council of Fashion Designers of America.

O impacto do freak incorporado pela cantora era tão refrescante aos olhos do público que se espalhou entre todas as outras estrelas pop da época, que competiam por parte da atenção que Gaga receberia em premiações e outros eventos. A famosa frase para a época “O que Lady Gaga vai vestir hoje?” foi respondida de diversas formas pela cantora ao longo de sua carreira, seja num vestido de sapos Kermit, dos Muppets, um vestido de bolhas, a haute couture de McQueen ou o icônico vestido de carne. Mas a prova maior de que Gaga nasceu para o freak e que o freak nasceu para Gaga é que ela sabia como ninguém o impacto que o estranho e o inesperado era capaz de causar.

O foco não era mais o sensual, utilizado infinitas vezes na música pop para chamar atenção do público, mas sim transformar o que estivesse sendo usado em um peça de arte moderna, muitas vezes abstrata e completamente fora do comum. Assim que o mundo pop percebeu que o estranho era o novo sexy, as roupas bizarras dominaram os tapetes vermelhos e as premiações, de um ano para o outro.

O freak está muito mais normalizado hoje em dia e deixou de ser tão chocante, parte graças a Lady Gaga que ajudou a resgatar que a moda é livre. Hoje vemos figurinos completamente diferenciados em eventos como Met Gala, que talvez jamais seriam usados dez anos atrás.  

A era The Fame Monster também trouxe outros motivos para sua influência ser lembrada até hoje: videografia e performances. Resgatando investimentos em clipes icônicos ao lado de diretores especialistas, como Jonas Åkerlund e Francis Lawrence, Gaga estava disposta a dar tudo de si para suas criações visuais.

Como exemplo Bad Romance, eleito pela Billboard como o melhor clipe do século XXI, quebrou recordes do YouTube em sua época de lançamento como o vídeo mais visto da plataforma e o primeiro a atingir 500 milhões de visualizações. Uma das influências de Gaga foi lançar os clipes diretamente para a Internet, e não através de canais de TV como a MTV, forma que muitos artistas utilizavam na época. Essa atitude contribuiu para o aumento da utilização de serviços de streaming – como o YouTube – por cantores.

É impossível não citar a icônica performance de Paparazzi no Video Music Awards 2009, que resgatou a teatralidade já citada muito utilizada por Madonna e Michael Jackson, mas de uma forma completamente nova. A partir de telões que simulavam um palácio, Gaga contou uma história a partir da dança e da música e sobre o preço de ser uma celebridade. “Eu rezo para que a fama não leve a minha vida”.

Em uma letra sobre a obsessão de um amor comparável à de um Paparazzi, de figurino, coreografia (outro marco de sua carreira), e interpretação impecáveis, Lady Gaga começa como se tivesse sido esmagada pelo lustre, sangra para o público da arena e para os telespectadores da premiação, e encerra a performance pendurada do teto, exibindo o preço da fama. “Se eu vou ser sexy no VMA e cantar sobre paparazzis, eu vou fazer isso enquanto sangro até a morte e lembrar você do que a fama fez para Marilyn Monroe, a Norma Jean original – e o que fez para Anna Nicole Smith”. Até hoje poucas apresentações tiveram o mesmo impacto que essa.

Foi no VMA de 2010 que além de bater um recorde ao receber 13 indicações na mesma noite e usar o lendário Vestido de Carne, Lady Gaga anunciou seu próximo álbum: Born This Way. O controverso vestido foi uma manifestação contra a política implantada pelo exército americano para que pessoas LGBT+ escondessem sua sexualidade. O motivo a favor dos gays, lésbicas e bissexuais se tornou em comum com a intenção do single e do álbum Born This Way, um disco dedicado aos fãs.

Assim como Madonna nos anos 80 apoiou os indivíduos HIV+ da comunidade gay, Lady Gaga transformou a era do seu terceiro álbum em um movimento de auto aceitação e valorização da vida. Ciente do alto número de suicídio entre homossexuais, bissexuais e transexuais, a cantora estava disposta a criar uma relação maternal com seus fãs, para ocupar o lugar de muitas famílias que os consideravam abominações. O nome “Mother Monster” não é por acaso.

Além das mensagens para os fãs, Gaga criou uma rede social para interagir diretamente com os little monsters – nome que seus seguidores levam, e interveio muitas vezes em posts de cartas de suicídio. A turnê mundial também teve uma temática dedicada a encontrar seu lugar no mundo, a considerar os amigos sua família e recuperar a autoconfiança. 2011 era uma época mais hostil que hoje para demonstrar apoio a diversidade, e as discussões a respeito da sexualidade começavam a ganhar força. Sem dúvidas o ambiente criado por Lady Gaga salvou muitos fãs.

ARTPOP: Gaga na vanguarda

O esforço de sustentar uma turnê mundial culminou em uma lesão no quadril de Lady Gaga, que teve que cancelar o resto dos shows. Após meses na cadeira de rodas afastada dos holofotes por cirurgias, a cantora começou a divulgar as primeiras informações sobre seu quarto álbum, ARTPOP. Lançado no final de 2013, o disco veio como parte de suas inspirações warholianas – assim como no início da carreira, mas dessa vez de um ponto de vista completamente diferente. Polêmico e controverso, considerados por muito como o pior de Lady Gaga.  

Mas afinal, o que faz do ARTPOP um álbum tão diferente da artista que o mundo se acostumou? O que fez a crítica odiá-lo tanto?

Aparentemente, a ambição de Gaga é uma faca de dois gumes, que pode tanto construir seu império como derrubá-lo. Por diversas vezes, a artista disse em entrevistas que jamais faria a mesma coisa duas vezes, e que gosta sempre de se reinventar. E seu quarto álbum, ARTPOP, foi exatamente a maior mudança da sua carreira. Como já havia feito de outras formas sutis e infinitamente mais eficazes, Gaga queria unir a arte ao pop; e uniu, mas de forma tão pretensiosa e afirmada repetidas vezes que a ideia esperada pelo público e pela crítica não se concretizou.

A partir da capa, uma colagem com o Nascimento de Vênus e uma estátua clássica, sobreposta por uma escultura de Gaga feita por Jeff Koons e sua gazing ball, pode se ter uma ideia da mistura proposta pela cantora, que talvez não tenha sido bem compreendida em 2013.

Hoje, cinco anos depois do lançamento do disco, em meio a todos os erros e acertos de Gaga, podemos entender que a maior falha do álbum foi estar à frente de seu tempo. Talvez não em termos de qualidade musical ou capacidade de ser chiclete, mas de estilo e visualização. ARTPOP é campy – sem tradução exata para o português, mas algo próximo de brega ou cafona.

É a representação hiperbólica da cultura, transferida para a arte e para a moda. O estranhamento da capa e dos visuais do ARTPOP foi parte em resposta a um mundo que não estava preparado para as cores, elementos e colagens trazidos por Gaga. Um mundo de 2013 que não compreenderia o de 2018, que agora se apropria do estilo camp na arte e na moda como nunca visto antes, onde o brega e o estranho são o novo chique.

A partir de suas 15 faixas, a sonoridade do disco também explora a completa mistura, ou bagunça: R&B, rap, hip hop, EDM industrial e suas beat drops, pop EDM, rock e uma balada no piano. O retalho de estilos trazidos por ARTPOP renega completamente qualquer coesão possível, o que torna ainda mais difícil entender que mensagem o álbum quer passar, além da sensação de que está tudo fora do lugar. Mas talvez essa seja exatamente a mensagem?

Na faixa título, Gaga canta “Meu ARTPOP pode significar qualquer coisa”. Ao longo das letras e temáticas do disco, há diversas críticas a sociedade transformadas em trocadilhos, mas que funcionam. Seja sobre autonomia feminina (Aura e G.U.Y.), sua exposição midiática e a fama (Do What U Want e Applause), a relação de autossatisfação com drogas (Mary Jane Holland e Dope), o ódio contra o homem que a abusou (Swine), ou uma homenagem sarcástica a designer Donatella Versace e o comportamento de modelos, como na letra de Donatella:

“Caminhe pela passarela mas não vomite
Está tudo bem
Você só comeu uma salada hoje
Boulangerie”

ARTPOP ainda tem a alma de Gaga. De uma pessoa ambiciosa, criativa e principalmente capaz de renovar o que aparenta pro mundo. Uma ideia talvez mal executada, principalmente pelos problemas com o empresário demitido e a pressão pelas constantes críticas da imprensa. Em um presente que a PC Music atingiu o mainstream através de Charli XCX e SOPHIE junto com seu pop irônico e hiperbólico das características “popescas”, ARTPOP se daria melhor em 2018 se mirasse menos na ambição e na confusão e mais na coerência, sem perder a diversidade que traz.

Não se pode negar que o disco parece um grande experimento, que funciona muito bem em algumas áreas, mas que deixa um grande ponto de interrogação em outras; assim como não se pode negar que jogar tudo que tinha a oferecer num liquidificador e colocar à venda não foi a melhor das ideias. O tempo já disse e continuará dizendo que o álbum possui suas pedras preciosas em meio a pedaços de carvão, como G.U.Y., ARTPOP e Mary Jane Holland; mas é muito difícil alcançá-las sem sujar as mãos.

A era foi encerrada com um mini filme para as faixas ARTPOP, Venus, G.U.Y. e MANiCURE. Ao fim de 2014, nas últimas datas da artRAVE: The ARTPOP Ball, a turnê do disco, a mídia afirmava novamente que Lady Gaga estava “muito gorda”, e que era o fim de sua carreira devido ao fracasso de vendas e críticas do álbum.

O processo de se reerguer como estrela pop e enfrentar um mundo que a crucificava não foi fácil, mas o álbum de jazz, Cheek to Cheek (2013), com o lendário cantor Tony Bennett auxiliou a caminhada. Além do LP que rendeu um Grammy aos dois artistas, ao se aventurar em um gênero completamente diferente, Gaga foi reconhecida pela crítica como uma cantora versátil e capaz de brilhar em qualquer gênero. Em 2015, ao cantar The Sound of Music no Oscar, foi ovacionada pela plateia e elogiada por Julie Andrews.

“Here we go!”

Em 2016, ao dar início a era do álbum Joanne, Gaga se reinventou mais uma vez. Despida de toda a moda freak que a acompanhou durante seus primeiros anos de carreira, dessa vez surpreendeu seus fãs e a música pop justamente por estar se vestindo como uma “pessoa normal”. Ainda assim, sem deixar que a identidade visual fosse esquecida, como exemplo o chapéu de que a acompanhou por todo o período. Com um disco estruturado no pop country, a cantora sentiu a necessidade de retornar a uma versão mais simples de si mesma, com baladas poderosas como Million Reasons.

Após ser convidada para cantar o hino nacional no ano anterior, o Super Bowl de 2017 foi entregue nas mãos de Gaga e sua equipe. O show conduzido por ela no mais importante intervalo de um jogo do mundo foi aclamado, recebendo o título de um dos melhores da história. Ao celebrar sua carreira cantando diversos sucessos e mostrando que mesmo 9 anos depois ainda possuía energia para entreter um estádio lotado, a cantora de bares de Nova Iorque deixou claro o que seu legado iria representar.

Como quem aparentava não ter mais nada a provar, em 2018 Lady Gaga decidiu interpretar Ally no filme Nasce Uma Estrela, ao lado do ator e diretor Bradley Cooper. Sucesso absoluto de crítica (90% no site Rotten Tomatoes), o filme arrecadou até agora mais de 300 milhões de dólares de bilheteria, e a trilha sonora já vendeu mais de 1 milhão de cópias mundialmente.

Além do sucesso individual da faixa Shallow, e de indicações ao Grammy Awards e ao Globo de Ouro. Para uma cantora decretada como um fracasso pela mídia anos antes, 2018 foi o ano de Gaga se reerguer e mostrar que seu talento para a música e para as artes ainda faz de si mesma uma artista completa. A própria história de Nasce Uma Estrela se assemelha muito a alçada da cantora ao estrelato, o que torna todas as conquistas ainda mais simbólicas.

É inegável o impacto que Lady Gaga teve durante sua carreira e como elevou a qualidade da cultura pop com suas contribuições, assim como grandes artistas nos quais se inspirou. Seja ao renovar a música com o dance pop, transformar suas aparições em arte, trazer letras inteligentes ao gênero julgado como inferior, ou ao fazer clipes memoráveis.

Gaga já foi plastic, dark, jazz, cheia de cor e country. A partir de seus atos antológicos, a cantora é a própria profecia edificada no clipe de Paparazzi e na sua análise da fama: eles vão te amar, depois vão te odiar, e vão te amar de novo quando você quase morrer. Com uma carreira marcante e apenas 32 anos de idade, a primeira década de seu legado prova que a cantora, compositora, performer, produtora, ativista e atriz agora possui mais uma qualidade: ter se tornado uma lenda.

“Eu gostaria de agradecer toda pessoa que alguma vez acreditou em mim. E eu queria agradecer também aquelas que não acreditaram em mim, porque foi um monte de gente. Provavelmente mais do que as que acreditaram. Vocês acenderam um fogo dentro de mim tão forte que eu não esperava a hora de provar que vocês estavam errados. Porque eu posso não ser muitas coisas, mas eu escrevo músicas e eu sei cantar.” – Lady Gaga

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Matheus Fernandes

Das primeiras versões de Drácula e Frankenstein ao pós-horror atual, de Norman Bates a Patrick Bateman nenhum gênero cinematográfico tem uma preocupação tão grande com a estética de seus personagens quanto o terror. Os looks pensados para simbolizar poder, sensualidade ou transgressão social influenciaram desde subculturas, como o Gótico, até os designers de moda, que utilizam esses temas de forma recorrente.

Nenhum designer porém absorve essa influência de forma tão natural quanto Alexander McQueen, conhecido pela beleza selvagem de influência romântica e vitoriana, sempre exibidas sob um aspecto grotesco. Já em sua primeira coleção, ainda como estudante de St Martins, McQueen se inspira em Jack o Estripador, a maior personalidade vitoriana após a própria rainha, com looks que traziam mechas de cabelo costuradas em meio ao tecido. Desse começo até sua trágica morte em 2010, o designer fez uma série de coleções inspiradas na estética do cinema de terror, listadas aqui em seis momentos distintos:

The Birds – S/S 95

As silhuetas da figurinista Edith Head para Tippi Hedren no clássico de Hitchcock sobre uma cidade atacada por pássaros servem de inspiração para essa coleção. Lee usa a alfaiataria do filme como base para transparências, estampas de inspiração aviária e marcas de pneu que remetem a animais atropelados, que ultrapassam a roupa e cobrem também o chão e o próprio corpo das modelos.

Outro destaque é a presença de Mr. Pearl, importante fabricante de espartilhos, em um look feminino, com uma saia estampada com pássaros, mostrando a tendência transgressora dos desfiles de McQueen. Aparecem aqui também as bumsters, a calça de cintura extremamente baixa criada pelo designer que definiu o estilo dos anos 2000.

The Hunger – S/S 96

Lançado em 1983, o romance erótico entre vampiros lutando contra o envelhecimento propõe uma abordagem alternativa ao gênero, servindo de precursor para filmes como “Amantes Eternos”. A falta de reconhecimento do público e da crítica não impediu o cult vampiresco protagonizado Catherine Deneuve, Susan Sarandon e David Bowie de ser homenageado por McQueen. No mesmo período, Bowie e McQueen colaboraram em uma das peças mais icônicas do designer: o casaco estampado com a bandeira do reino unido, que se tornaria capa do disco Earthlings.

Como não podia deixar de ser, o desfile é dominado pelo tom vermelho do sangue. As roupas são rasgadas, revelando o corpo dos modelos, seguindo a estética que misturava o punk com a violência, típica do designer. Por fim, um espartilho plástico transparente ocupado com minhocas vivas, uma forma de trazer a reflexão sobre a mortalidade do cinema para a passarela.

The Overlook – A/W 99

A coleção, nomeada em homenagem ao hotel onde se passa o filme The Shining, teve como cenário um gigantesco globo de neve, referência ao cenário dos momentos finais da obra de Kubrick.

Do começo, com peças todas em preto, o desfile foi se transformando, passando pelo bege, rosa e cinza, até chegar no branco total, enquanto a nevasca se intensificava. No meio de tudo isso, a passarela ainda se transformou em um rinque de patinação, coreografado ao som de “Midnight, the Stars and You”, principal tema musical do filme. As icônicas gêmeas do filme de terror ganharam sua versão, mas o ponto alto do desfile foram outras peças: o espartilho de alumínio de inspiração tribal, resultado de inúmeras horas de trabalho de seu colaborador frequente, o joalheiro Shaun Leane, e outro espartilho, composto por cristais de quartzo, assinado por Kees Van der Graff.

Supercalifragilisticexpialidocious – A/W 02

Apesar do título remeter a Mary Poppins, a grande inspiração de McQueen para essa coleção é o cineasta Tim Burton, também britânico. Lee viu no estilo gótico e fantástico de Burton a possibilidade de unir inocência e apelo sexual, com uniformes escolares e peças de couro que remetem ao sadomasoquismo, no que o designer define como uma versão “macabra” de Walt Disney.

O look chave da coleção, ambientado no presídio parisiense que abrigou Maria Antonieta, é a Chapeuzinho Lilás de McQueen, com sua capa de couro lilás e botas de cano alto, acompanhada de lobos na passarela.

Deliverance – S/S 04

Apesar de não ser propriamente um filme de terror, “They Shoot Horses, Don’t They?”, o filme de Sidney Pollack sobre a exploração da miséria humana nos concursos de dança durante a depressão norte-americana, talvez seja o mais sombrio dessa lista.

Em seu desfile, McQueen reencenou o concurso de resistência do filme, inicialmente com vestidos glamurosos, progredindo para a dramática cena da corrida entre os participantes, agora em looks esportivos, até o final, onde os modelos vão colapsando um a um por exaustão até restar uma única modelo na dança, que acaba inevitavelmente caindo ao chão, usando o mesmo vestido que abriu o desfile, agora destruído. Uma representação poderosa tanto dos temas do filme, quanto do ritmo acelerado do mundo da moda, que consome modelos, designers e costureiros.

Plato’s Atlantis – S/S 10

A última coleção de Alexander McQueen em vida foi uma de suas mais aclamadas. Unindo a Atlântida de Platão ao aquecimento global, o designer imaginou um mundo submerso, onde as formas de vida precisam adaptar-se e evoluir. Esteticamente, essa evolução aparece nos cabelos, desenhados como barbatanas, na face das modelos, de contornos exagerados pela maquiagem e por implantes, e nos vestidos, hora com estampas que remetem a répteis e escamas, hora emulando os contornos de águas-vivas.

A referência ao horror cinematográfico fica por conta dos calçados. O sapato “Titanic” une um salto articulado e repleto de parafusos de metal e um corpo de couro manchado, unindo natural e artificial, inspirado tanto pelo navio quanto pelo filme “Predador”. Outro sapato da coleção, denominado Alien, busca inspiração nos designs de HR Giger para o filme de Ridley Scott, em uma impressão 3D das formas grotescas e biomecânicas do artista.

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Matheus Fernandes

David Lynch, Angelo Badalamenti, Cindy Sherman e Martin Margiela. Essas são as influências que guiam Nightmare and Dreams, coleção do designer belga Raf Simons apresentada em 2016 na edição outono/inverno da semana de moda de Paris, a primeira após sua saída da Dior.

Após coleções inspiradas por Kraftwerk (A/W 98 Radioactivity), Manic Street Preachers (A/W 01 Riot Riot Riot) e Joy Division (A/W 04 Closer) é natural a escolha de outro elemento da cultura pop, a série Twin Peaks, cujo auge de popularidade coincide com o período da faculdade do designer, como fio condutor do desfile.

Em sua essência, Twin Peaks segue o arquétipo da ficção de terror: uma cidade pequena e pacata que esconde uma série de segredos, revelados a partir da morte da rainha do baile de formatura. A diferença se dá na condução de David Lynch e Mark Frost, dando tons oníricos e surrealistas à trama, sem perder o ar novelesco. Não é a toa que outros clássicos autorais do terror surgem como inspiração para Simons, como Halloween (1978), Pânico (1996) e A Hora do Pesadelo (1984), esse também marcado pela mescla entre sonho e realidade.

Cindy Sherman é outro nome que aparece como inspiração central. A fotógrafa se tornou central no mundo da arte há décadas com seus intrincados auto-retratos que capturam de forma onírica tanto o comum (como a clássica garota adolescente em Untitled  #96) quanto o monstruoso. Em sua série “Disasters and Fairy Tales” (notem a semelhança de título), o macabro ganha tons de estranha beleza, como em uma de suas imagens-chave, Untitled #123, que retrata um jovem cadáver sujo de terra, não muito diferente do que dá origem à série de Lynch.

No desfile, os modelos caminham desorientados por um ambiente tão misterioso quanto o Black Lodge dos sonhos de Cooper. A trilha inicial é a catártica descrição de Badalamenti do processo de composição de “Laura Palmer’s Theme”, seguida por “Blue Moon”, na versão de Elvis Presley, e “Crimson & Clover”, de Tommy James. Como na trilha de Blue Velvet, as canções tomam ar assustador ao serem recontextualizadas.

Elementos característicos do figurino da série, assinado por Sara Markowitz, são frequentes no desfile. Da onipresente knitwear aos padrões xadrez, que aqui aparecem em casacos e lenços.

As peças-chave aqui são os suéteres oversized repletos de apliques de letras, insignias de escotismo e listras coloridas, símbolo supremo do estilo de vida das high schools. Ainda assim, essas peças estão corroídas e com as letras desalinhadas, mostrando o lado pesadelo do sonho americano, a profanação da inocência juvenil, como o corpo sem vida de Laura Palmer à beira do rio.

A ligação do designer com os uniformes escolares é antiga, desde sua primeira temporada, em 1995, com o tema sendo retomado frequentemente em suas coleções. Em 1997, foi a vez da versão punk dos blazers associados às faculdades de elite. Em Nightmare and Dreams, a rebelião não é inspirada mais nos jovens de terno dos internatos europeus, mas nos atletas, como Andrew Clark, de Clube dos Cinco, filme que recebe menção nas notas nos shows.

Em sua coleção Virginia Creeper (A/W 04), que também tem como localidade o interior da América, o estilista já jogava com as varsity jackets, ainda que em um contexto militarista, mostrando a reapropriação de seus próprios temas.

Outro exemplo da auto-inspiração é a escolha pelas silhuetas massivas. Simons é creditado (junto do minimalista alemão Helmut Lang) pela ascensão do terno skinny, mas também foi um dos popularizadores do oversized, ainda que não na mesma proporção, em coleções como sua obra definitia Woe unto those who spit on the fear generation… (S/S 02). Essa opção remete ainda ao trabalho do belga Martin Margiela, maior influência de Raf e de toda a moda contemporânea.

As silhuetas, elemento chave de sua costura à partir de sua mudança para a maison Jil Sander, dão o tom apocalíptico do desfile, com o contraste de uma parte de cima alongada e uma parte de baixa justa, composta de calças de alfaiataria skinny e botas militares com detalhes em camurça, peça que captura bem o espírito de rebeldia com beleza e sensibilidade que norteia sua obra.

Da juventude techno europeia, sai a bubble jacket, a jaqueta longa com insulamento térmico próprio para o frio, hit noventista junto de Air Max 97s, item que marcou presença em coleções recentes da marca streetwear Supreme e da Vetements de Demna Gvasalia. O artefato se tornou o maior hit da coleção fora das passarelas, sendo adotada por celebridades como a cantora Rihanna.

Posteriormente, o belga assumiu a direção criativa da Calvin Klein, e, com sua mudança para os Estados Unidos passou a se dedicar integralmente à americana. Nightmares and Dreams, porém, continua um de seus principais trabalhos recentes, combinando as duas fases de sua carreira: a juventude e as referências pop de seus primórdios, que o tornaram destaque mundial, e o cuidado com a construção do período pós-2004, em uma obra de beleza inquietante.

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