Guilherme Machado Leal

Quando chegou às telonas em 2006, High School Musical iniciava – ao lado de Hannah Montana e Zack & Cody: Gêmeos em Ação, séries de 2005 – uma nova era no Disney Channel. Há 20 anos, o amor entre o capitão do time de basquete da escola East High e a aluna recém chegada na cidade de Salt Lake abriu portas para uma trilogia que abordaria o crescimento da juventude, a busca pelos sonhos e o encontro da sua melhor versão. 

Um mesmo ambiente, inúmeros grupos sociais, aulas das mais variadas matérias, tudo isso compõe o cenário escolar do filme. Assim como na cadeia alimentar, cada aluno foi designado a uma função. Se você gosta de esportes, tem duas opções: ser um(a) líder de torcida ou se juntar aos times do colégio. Caso sua vocação seja qualquer tipo de arte, o grupo de teatro é o ideal. E para aqueles que amam as matérias regulares, entrar em sessões de estudos garante a ida para uma faculdade de nome.

É nesse contexto que se encontram os seis personagens principais do longa-metragem dirigido e coreografado por Kenny Ortega. Troy Bolton (Zac Efron) é o homem mais popular do lugar. Semelhante à relação que fãs possuem com jogadores, naquele território quem manda são os Wildcats – o time de basquete. Enquanto isso, Gabriella Montez (Vanessa Hudgens) é a aluna com um desempenho acadêmico perfeito. No entanto, há um universo que foi aberto tanto para a moça quanto para o rapaz: o da música. O primeiro contato entre eles acontece na noite de Ano novo, quando os dois performam Start of Something New, em uma festa antes mesmo das aulas retornarem. A partir disso, um vínculo que se desenvolverá ao longo da trilogia foi criado dentro dos dois.

O número Stick To The Status Quo exemplifica a máxima da obra. Embora tenha um leque de especialidades para os estudantes, entendemos que o East High é um lugar para os alunos serem quem os pais e os amigos gostariam que eles fossem. “Faça aquilo que você sabe” é uma das traduções do título da canção e, se ancorada ao momento em que Ryan (Lucas Grabeel) e Sharpay Evans (Ashley Tisdale) gritam “Temos que colocar as coisas de volta no lugar delas”, percebemos o padrão levado à risca naquele universo. É como se não existisse espaço para se arriscar, mesmo vivendo em um ambiente próprio para o seu desenvolvimento pessoal e profissional.

Assim como no esporte, o mundo dos talentos artísticos também possui competições. Os irmãos Evans estrelam todos os musicais administrados pela Sra. Darbus (Alyson Reed), mas têm o seu reinado ameaçado com a possível inscrição de Troy e Gabriella para a peça de inverno. Muito antes das adaptações de heróis com uma roupagem que ia à direção oposta do maniqueísmo, os ‘vilões’ de High School Musical já tinham suas camadas dissecadas e eram amados justamente pelas imperfeições.

Há quem considere Sharpay invejosa; há quem a veja como um ícone incompreendido. Na produção, o sexteto adota características e opiniões diferentes dos fãs dependendo do ponto de vista analisado. Aqui, os dilemas, as ações e os sonhos dos personagens estão distantes de serem retratados de maneira banal. Na verdade, o anseio pelo futuro e a forma como eles irão chegar até lá são os combustíveis dessa corrida maluca que é o ensino médio. Chad Danforth (Corbin Bleu) e Taylor McKessie (Monique Coleman), assim como os seus amigos, são de mundos diferentes, porém juntos, tentam separar Troy e Gabriella.

No pensamento do aluno médio do East High, as coisas não se misturam. Ao passo que Chad deseja ser um atleta para além das quadras da escola, Taylor tem o foco de se tornar Presidente dos Estados Unidos. A aliança incomum gera questionamentos sobre o papel da dupla enquanto amigos: “Será que eles são tão diferentes dos Evans?”. A possibilidade de escolher, tentar, cair e levantar, assim como em qualquer outra época da vida, é inegociável ao ser humano. Crescer tem dessas: tentamos aqui, conseguimos ali, finalizamos um capítulo e iniciamos outro. Apesar disso, no final, podemos dizer que vivemos. 

Dessa forma, impedir os dois protagonistas de explorarem outras áreas dentro de si mesmos é evidenciar a própria limitação dos personagens ao redor. Em Breaking Free, o dueto do atleta com a estudante, os versos mostram a mudança do casal: agora, eles não têm mais medo. Pelo contrário, batem no peito e entoam no refrão: “Estamos nos libertando!”. Já We’re All in This Together, faixa que encerra o primeiro filme, pontua assertivamente o aprendizado daqueles alunos.

“Eu finalmente entendi (sim, sim)/Que todos os nossos sonhos (uh) não têm limitações” – We’re All in This Together

Após 20 anos, o legado de High School Musical segue memorável e fresco como um vento em um dia quente. As vocações e crises existenciais daqueles seis adolescentes dialogam com aquela geração e com as próximas. Ter obras que te ajudam a ser um jovem em construção é muito especial, mas crescer com as produções dirigidas por Kenny Ortega é melhor ainda. Quem deles seis você é? Não importa! Nessa trilogia, há lugar para todo mundo. Como Troy Bolton, símbolo da intersecção desses dois mundos (o esporte e as artes), disse no discurso de formatura de High School Musical 3: “uma vez um Wildcat, sempre um Wildcat”. Nunca se esqueça, estamos juntos nessa.

O post Há 20 anos, você também queria ser um Wildcat com a estreia de High School Musical apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Raquel Freire

“Se fôssemos os mais durões, os mais fortes, os mais bem-sucedidos, nada poderia nos atingir”. Esse é o mantra no qual os irmãos Von Erich foram criados. Entre a sala de estar, em que o espaço dedicado às armas do pai é protegido por uma cruz pendurada na parede, e o ringue, onde a pressão e a tensão são duas constantes, não há lugar para a vulnerabilidade. É por isso que esses homens encontram refúgio uns nos outros – e é por isso, também, que eles perdem o controle quando infortúnios acontecem e esse apoio não é o suficiente.

Garra de Ferro, terceiro longa do diretor Sean Durkin, é baseado em uma história real. Von Erich é um sobrenome clássico no ramo da luta livre nos Estados Unidos e a trajetória da família iniciou-se na década de 1950, quando o patriarca fez sua estreia no esporte. Apesar de ter traçado uma jornada de sucesso, Fritz Von Erich (nome comercial de Jack Adkisson) não conquistou seu principal objetivo: o título de maior lutador do país. Então, a forma como ele reage a essa frustração é treinando todos os seus filhos para que eles, ao seguirem seu legado, consigam o que nunca pôde quando jovem.

Quem começa a assistir o filme sem saber dos bastidores logo percebe que as cenas mais intensas não acontecerão no ringue. Elas têm como palco o círculo familiar, o que fica evidente quando o pai começa a listar a ordem de seus filhos favoritos (sem brincadeira alguma), enquanto eles fazem uma refeição juntos – e todos agem como se isso fosse normal. A cena exemplifica de maneira extraordinária o tom nervoso e desordenado que Durkin estabelece logo no início de Garra de Ferro e que, mais adiante, se mostra como um reflexo da mente de cada um dos irmãos Von Erich diante da situação em que estão inseridos.

O arco narrativo gira em torno de Kevin, maravilhosamente interpretado por Zac Efron, o mais velho do clã. Embora ocupasse o segundo lugar no ranking de seu pai, é ele quem seguia estritamente cada passo de Fritz. Kevin parecia ter todo o seu caminho traçado, até que o treinador muda de ideia e dá aos seus irmãos um destino que deveria ser seu. No momento em que a suposta ‘maldição’ de sua família começa a agir, sua ‘síndrome de irmão mais velho’ fica mais forte do que nunca, e ele passa a se torturar gradativamente com a ideia de que tudo poderia ser diferente. Efron revela uma atuação extraordinária no longa, capaz de distanciar o ator da lembrança dos musicais adolescentes nos quais ele estrelou.

O sucesso dele se dá, em muitos pontos, pelo apoio daqueles que deram vida aos outros membros da família Von Erich, compondo um forte elenco. Jeremy Allen White, Harris Dickinson e Stanley Simons como os demais filhos impressionam a todo momento, e Lily James como o par romântico de Zac Efron foi uma escolha perfeita. Holt McCallany presenteia o público com mais uma incrível performance assumindo o pai autoritário e emocionalmente inacessível, ao passo que Maura Tierney, como a matriarca, possui o papel mais fraco do filme.

Em Garra de Ferro, todos os músculos masculinos expostos na tela não foram fotografados para provocar apreciação ou prazer, mas para representar um sacrifício. Aqui, os corpos são mais uma fonte de estresse do que qualquer outra coisa, apresentando-se como ferramentas a serem aperfeiçoadas para o ringue – e, depois, destruídas pelo que acontece dentro e fora dele. O preparo físico de Zac Efron foi o mais notório: ele, em particular, adquiriu um biotipo corporal que beira ao horror, com veias proeminentes sob as protuberâncias de seus bíceps de He-Man, refletindo o compromisso do ator com a autenticidade.

Para além dos corpos bombados, o trabalho da estilista Jennifer Starzyk foi indispensável para recriar o cenário do Texas dos anos 1980, época em que se passa a história. As peças básicas que passeavam pelo country e o rock and roll realçam o estilo de vida comum que os Von Erich, jovens ainda no começo da carreira, levavam, e as cores dos calções de lycra, somados às perucas de um dos piores cortes de cabelo da história, arrancam risadas em meio às tragédias que se desenrolam.

A fotografia e a trilha sonora são, também, pontos cruciais para criar a ambientação e para expor, nos detalhes, a ideia do contraditório que Durkin cria. A década é recriada por Mátyás Erdély com um brilho cintilante, como se toda a história se desenrolasse dentro de uma cabine gigante de bronzeamento artificial. Em contrapartida, apesar de estar recheado de hits do country e do rock dos anos 1970 e 1980, a música-tema de Richard Reed Parry é extremamente melancólica, o que acaba por ressaltar o sofrimento dos irmãos até o final.

Ainda que o diretor tenha consultado a família antes de iniciar as gravações e Kevin, o único irmão vivo, tenha apoiado publicamente o lançamento do filme, é importante destacar que alguns pontos foram deixados de lado. Havia, no total, seis filhos, e um deles não chegou à idade adulta – o mais velho, Jack, faleceu em um acidente quando criança e é mencionado em alguns momentos. A obra, no entanto, omite completamente Chris e combina alguns detalhes de sua vida com os de Mike, o irmão mais próximo de sua idade. Essa escolha parece insensível, mas em uma história composta por tantas perdas, acaba sendo um alívio.

Ao longo da obra, a ‘maldição’ da família é citada diversas vezes. Entretanto, se realmente existiu alguma, ela se deu inteiramente pela postura que o pai assumiu com seus filhos. Garra de Ferro é, em sua essência, sobre um pai abusivo e sobre os reflexos que isso gera, apresentando essas problemáticas através de uma bolha de ternura compartilhada pelos irmãos Von Erich.

O post O enferrujar da Garra de Ferro apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Júlia Paes de Arruda

‘É, turma… Parece que temos um novo mistério nas mãos’. A frase tão emblemática de Fred Jones tornou-se ainda mais nostálgica com a divulgação de um filme em 3D do dogue alemão mais querido por adolescentes e adultos que cresceram assistindo os desenhos do Scooby-Doo. Nem mesmo a pandemia e a tímida reabertura das salas de cinema impediu que os fãs pudessem apreciar a animação Scooby!, que logo conquistou o topo das bilheterias. 

Frank Sinatra nunca saberia que, três anos depois do lançamento de Strangers in the Night, seu ‘dooby dooby doo’ conseguiria virar algo extremamente marcante nas mãos do estúdio de animação Hanna-Barbera. Entre 1969 e 1971, o desenho Scooby-Doo, Cadê você? (Scooby-Doo, Where Are You?) de Joe Ruby e Ken Spears virou um sucesso garantido que possibilitou o surgimento de mais investidas semelhantes ao longo dos anos. A junção de comédia e mistério também motivou a criação de outras séries da mesma base, como Tutubarão e Goober e os Caçadores de Fantasmas, porém nada decolou como a galera da Mistério S/A. 

A narrativa do seriado antigo girava em torno de Fred, Daphne, Velma, Salsicha e seu cachorro falante Scooby-Doo, que investigavam casos enigmáticos e detetivescos. Com o auxílio da icônica Máquina de Mistério, os amigos percorrem pântanos, casas assustadoras e parques mal-assombrados para desvendar pistas e descobrir os vilões por trás dos crimes. Apesar de manter a mesma fórmula em todos os episódios, o público ansiava para os detetives tirarem as máscaras dos criminosos e, principalmente, ouvir a célebre frase: ‘Eu teria conseguido se não fossem por aqueles garotos enxeridos e esse cachorro idiota’. 

Produzido pela Warner Animation Group, Scooby! O Filme foge dos métodos clássicos de 1969 e conta a história de origem da equipe famosa para fundar a Mistério S/A. O novo trabalho da turma é impedir que um vilão liberte o cão Cerberus ao mundo real para pegar os tesouros que ele guardava. A narrativa dispersa do que fora apresentado em Scooby-Doo: O Mistério Começa (2009), mas nada que afete a apreciação do filme. O formato 3D, porém, pouco remete às adaptações faciais originais e pende mais para um estilo recente do Detona Ralph. 

O foco principal de toda a trama é a amizade de Scooby e Salsicha. Desde o início, a sintonia entre os dois é muito nítida e praticamente instantânea, mesmo que eles se separem no meio da aventura de 94 minutos. Ao se deparar com o empecilho que compromete a vida do amigo animal, o garoto não abre mão de proteger seu cachorro. O papel mais coadjuvante de Fred, Daphne e Velma reafirma o que muitos fãs já sabiam: a dupla de esfomeados é o coração de toda a equipe. 

As vozes originais das personagens são conhecidas pelo público, tendo a participação de Zac Efron como Fred, Amanda Seyfried com Daphne e Gina Rodriguez como Velma. Quem empresta a voz à Salsicha é Will Forte e Frank Welker (que também participa de outras produções dos detetives, como O Que Há de Novo, Scooby-Doo? e Scooby-Doo! Mistério S/A) dubla o cão. Na versão brasileira, obviamente, não podia deixar de faltar o nome de Guilherme Briggs para interpretar Scooby-Doo, herança deixada pelo próprio Orlando Drummond, voz clássica do dogue alemão aqui no país. O trabalho de Briggs é impecável e o ar nostálgico é inegável já que as vozes dos dois são muito similares. A dublagem do Salsicha criança (Alexandre Drummond, neto de Orlando Drummond), no entanto, é notoriamente forçada a desempenhar o mesmo estilo empregado por Mário Monjardim. 

Do começo ao fim, o enredo carrega easter-eggs das produções de Hanna-Barbera, a começar pelo vilão Dick Vigarista. O crossover com Corrida Maluca funciona imprevisivelmente bem, ainda mais quando Muttley está envolvido na caça ao tesouro protegido por Cerberus. No final das contas, o antagonista ainda permanece no eterno ‘pegue o pombo’, porém de uma forma modernizada e tecnológica. Além disso, os super-heróis envolvidos com a Mistério S/A são uma clara referência ao desenho de Dinamite, o Bionicão. 

Contudo, a aparição do Capitão Caverna é a mais conhecida, ainda que seu personagem não se mostre tão selvagem e pré-histórico quanto era antigamente. Há, ainda, menções subliminares, seja através da fala de um personagem ou por elementos icônicos e visuais, como Os Flintstones, Frankenstein Junior e João Grandão. Todas essas citações só reafirmam o quanto a época da infância ainda é muito marcante para aqueles que já cresceram. Quem sabe esse lançamento pode ser um sinal dos clássicos de Hanna-Barbera se juntando mais vezes nas telonas?

A trilha sonora é o que deixa tudo mais envolvente em Scooby!. A mistura de estilos e de artistas é encaixada perfeitamente em sua respectiva cena. O álbum teve a participação da cantora Ava Max, cuja música, On Me, tem um clipe produzido durante a quarentena, com transições entre as cenas dos filmes. Não é estranho perceber que você ouviu algo parecido antes, já que a batida se assemelha às canções do trabalho mais recente de Ed Sheeran, No. 6 Collaborations Projects, como a sensual South of the Border e a romântica Put It All On Me. A menção honrosa da trilha vai para a música de encerramento, Summer Feelings, interpretada maravilhosamente por Charlie Puth e Lennon Stella. A combinação do timbre de Puth e Stella, juntamente com um ritmo dançante, torna a canção cativante, nos transportando para um dia de verão em Los Angeles. Uma sugestão perfeita para ser ouvida durante uma viagem de carro para a praia.

Scooby! O Filme nos deixa claro o quanto abandonar a infância é algo doloroso, mas que as recordações dos desenhos que nos acompanhavam ainda permanecem firmes e fortes. A direção de Tony Cervone, aliada ao roteiro de Adam Sztykiel, Derek Elliott e Matt Lieberman revigora o poder da nostalgia e dos sentimentos dormentes que sempre nos deixam felizes. A saudação à série antiga, ainda que mínima, reforça a ideia principal de que a amizade supera até mesmo nossos obscuros medos. E se uma frase pudesse definir todo o filme, a escolhida seria: ‘se estenderem pra você a mão da amizade, aceite’. 

O post Com Scooby!, a memória da infância não tem fim  apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Ana Laura Ferreira 

O medo e a curiosidade humana são elementos que sempre andaram lado a lado. Partindo do terror até os filmes de true crime,  os espectadores se fascinam pela euforia, criando sucessos de audiência como Criminal Minds e CSI. Porém, quando o audiovisual decide abordar casos reais, nem sempre tem a delicadeza e o suficiente respeito para contar a história de vítimas reais. Esse é o caso do recém chegado a Netflix: Ted Bundy: A irresistível face do mal (Extremely Wicked, Shockingly Evil and Vile), com Zac Efron na pele do inescrupuloso assassino.

Diferentemente das mais de seis adaptações da história de Bundy, como a série documental Conversando com um serial killer, dessa vez um novo ponto de vista é abordado. Acompanhamos a perspectiva da atual namorada de Ted, Liz (Lily Collins), sobre os acontecimentos, mudando assim o foco dos homicídios para a vida particular do assassino. É então apresentado um homem amoroso e cuidadoso com sua família, um excelente exemplo de ‘homem de bem’, de forma a romantizar e estereotipar a imagem de Bundy.

Sem espetacularizar suas transgressões, o roteiro pouco se importa em contextualizar a vida do assassino ou de seus crimes. Partindo de um período muito próximo à prisão de Ted e fazendo grandes saltos temporais, a narrativa aparenta ter como único propósito idealizar a imagem de Bundy como um homem charmoso e intrigante. Aliado a um excesso de euforia proporcionada pelo roteiro, estes elementos criam uma mal intencionada dúvida acerca de sua inocência.

O serial killer confesso é então exposto sob a visão daqueles à sua volta, que conheciam uma versão do criminoso. Quase que como em uma dupla personalidade, é questionado durante todo o filme a real existência de dois Bundys: um assassino sequencial e um estudante de direito comprometido com sua profissão e  família. Entretanto, essa visão distorcida dele tem como finalidade causar no espectador o mesmo que o real Bundy causava na sociedade americana nos anos 1970.

O fenômeno psicológico conhecido como hibristofilia, considerado por alguns uma patologia, consiste na romantização e na paixão que algumas pessoas sentem a cerca de criminosos. Essa manifestação foi amplamente vista nos tribunais em que Bundy estava presente. Dezenas de mulheres apaixonadas pesa persona de Ted amontoavam à corte americana acreditando fielmente na inocência do assassino. E assim como aquelas mulheres, o filme nos força a criar a mesma relação com o personagem de Efron.

Essa aproximação e comoção causada pelo longa se dá em boa parte pelo primoroso trabalho do ator. Ao assumir o papel do criminoso, ele tinha a difícil missão de interpretar fielmente um dos mais famosos serial killers dos EUA. Zac Efron entrega um dos melhores trabalhos de sua carreira trazendo verossimilhança e dissimulação à sua versão de Bundy sem perder, nem por um segundo, o fascínio que seu personagem apresentava. Fazendo jus ao subtítulo do filme, o ator mostra uma face difícil de ser contestada graças a sua imponente forma de se expressar para aparentar inocência.

Entregando até mais do que o roteiro pedia, Efron mostra seu talento ao recriar com perfeição cenas reais de Bundy. Porém, seu trabalho fraqueja ao ultrapassar o limite da frieza. Diferente do real criminoso, que era extremamente controlado e sabia como manipular suas expressões faciais para se manter estático em condições adversas, o ator acaba por cair em clichês quebrando a realidade de sua criação. Um choro em certos momentos e a agonia por uma paixão não correspondida são o calcanhar de Aquiles do ator.

Tendo como ponto mais forte seu elenco, as coadjuvantes Lily Collins e Kaya Scodelario são de suma importância para criar um ambiente crível dentro da narrativa. Interpretando Carole Ann Boone, uma ex-colega de trabalho de Ted, Kaya mostra uma mulher encantada pelo charme do criminoso, capaz de fazer tudo possível para provar sua inocência. Infelizmente, o pouco tempo de tela, unido a falas fracas e inexpressivas, tornam Carole Ann superficial, ingênua e pouco atrativa, se restringindo a ser apenas um fantoche de Bundy.

 Em contrapartida o roteiro favorece mais Lily Collins. Responsável por assumir o papel de Liz Kendall e em uma difícil tarefa de entregar medo, descrença, e aflição, a atriz oferece tudo que foi pedido e ainda mais. Diferente de outras personagens do filme, Liz consegue transmitir angústia da forma mais pura possível, nos puxando para dentro de seu sofrimento. Ela, melhor que ninguém, consegue nos prender dentro da narrativa e nos fazer entender a inquietude de viver entre as incertezas sobre a inocência de Bundy. 

Outro ponto elogiável é sua filmagem despretensiosa, feita quase que inteiramente com a câmera na mão, que dá ao longa um ar de documentário e agrega valor à obra. Sua direção de fotografia e de cenário também se destacam ao criar uma ótima ambientação setentista. Entretanto é na trilha sonora que o filme falha ao tentar mantém o nível de qualidade. Com músicas animadas em momentos inadequados – como a fuga – que levam o espectador a torcer pelo criminoso de forma irracional, ajudando a criar a aura de inocência que permeia o filme. Detalhe esse que o torna extremamente desrespeitoso com as reais vítimas do serial killer.

Irresponsabilidade é uma das palavras que pode melhor adjetivar o longa que conta com uma falha comunicação entre seu consumidor e a real gravidade das atrocidades cometidas por Bundy. Apoiado na glamourização criada por filmes hollywoodianos acerca de serial killers, filmes como Zodiaco, fomentam a ideia de superioridade de tais criminosos com a finalidade de otimizar, romantizar e amplificar suas histórias. Sem se preocupar com as consequências de tais atos,  filmes, séries e livros se aproveitam de atrocidades a fim de atrair público, tornando estes absurdos mais palatáveis. 

A falta de responsabilidade que permeia a história contada em Ted Bundy: A irresistível face do mal é apenas um exemplo de uma indústria que não se preocupa com suas ações. Inconsequente e pouco atrativo dentro do gênero true crime, o filme causa indignação em quem já conhece o caso e uma equivocada comoção em quem ainda não teve contato com tal. E na tentativa de se destacar, o longa apenas reconta de forma imprudente a história de um criminoso conhecido por ser “extremamente perverso, chocantemente mau e vil”.

O post Ted Bundy: A irresistível face do mal e a glamourização dos serial killers apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.