Vitor Evangelista

Sozinhos em um quarto escuro da noite paquistanesa e iluminados apenas pela luz neon em formato de flores e borboletas que beijam seus corpos, Haider (Ali Junejo) e Biba (Alina Khan) não conseguem encostar um no outro. A tensão que os envolve é forte demais para isso. Mas, quando o homem toma coragem e estica o braço a fim de pegar um copo d’água da mulher, uma faísca atravessa o ambiente, quebrando o vidro e, junto dos cacos, a barreira que existe entre ambos.

Essa é apenas uma pequena porção do que serve Joyland, filme presente na Competição Novos Diretores da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e representante do Paquistão no Oscar 2023. Primeira produção do país a integrar a seleção de Cannes, ele foi além das expectativas e venceu dois prêmios em terras francesas: o Grande Prêmio do Júri da seção Um Certo Olhar e a Palma Queer, destinada a obras que articulam temas e personagens LGBQIA+ com maestria. 

O motivo é a inserção central de Madame Biba, uma dançarina trans que emprega Haider e, no caminho, invoca sua atenção romântica. Com o triunfo de trabalhar diversidade e representatividade queer dentro de uma cultura cinematográfica não muito interessada nos assuntos, o exitoso Joyland é apenas o 12º filme submetido pelo Paquistão ao Oscar. Para começar, o homem faz parte de um clã familiar majoritariamente feminino e o patriarca, um senhor de idade avançada e bons modos inexistentes, clama pelo nascimento de um menino para continuar a linhagem e o sobrenome para futuras gerações. 

Haider é o irmão mais novo de Saleem (Sohail Sameer), que acaba de receber uma nova filhinha nos braços. Sem emprego e sustentado pela esposa Mumtaz (Rasti Farooq), o protagonista aceita a oportunidade de trabalhar num teatro de dança erótica. Para a família, ele mente dizendo que atuará como gerente do local, mas na verdade o cargo é de dançarino da fascinante Madame Biba, uma jovem artista que luta com unhas e dentes para conquistar seu local sob o holofote. 

Marcando a estreia de Saim Sadiq no comando de longas, Joyland nasce com a premissa de liberar seus personagens para os diversos desejos que inundam seus corações. As faíscas emitidas por Biba e Haider são peixe pequeno perto da labareda que lambe as ruas abarrotadas de gente e poeira. Para além da dupla, o filme vai abrindo as fechaduras e derrubando os cadeados que pesam os braços e ombros dos demais, seja por meio do êxtase do corpo, da alma e até da morte.

Afinal, recusar uma vida que não te pertence é motivo suficiente para partir em busca de um novo horizonte. A terra da alegria que dá nome ao filme é visitada em formato de parque de diversões, local onde Mumtaz estuda as possibilidades do amanhã. Observando o luar fluorescente do bairro em que mora, a maquiadora passa a mão por sobre a barriga, onde carrega, com sorte, o menino que dará prosseguimento à linha de sangue que o sogro tanto martela na cabeça de todos com que divide o teto.

Enquanto isso, seu marido está buscando sua própria maneira de limpar a mente dos preceitos e opiniões do pai. Haider, que sempre se enxergou como alguém passivo a tudo que enfrenta (desde o papel de irmão mais novo de alguém “superior”, até viver às custas do salário da esposa em uma cultura que valoriza o homem como provedor), olha para Biba e vê o mar se abrir ao seu comando. Costumeiramente ácida e nem aí para o que os outros pensam, a personagem é interpretada como alguém resiliente e inquebrável.

O papel desempenhado por Alina Khan, que tem no currículo o protagonismo do curta anterior do diretor, é uma cebola de vulnerabilidade e autocontrole. Uma mulher trans vivendo em uma sociedade que, além de condenar sua existência, duvida de quem ela é, Madame Biba foi colocada na ação de ativa pelo mundo que a moldou, comandando seus dançarinos, o gerente do teatro e o coração de Haider, enamorado pela liberdade que ela depreende. 

Tamanha é a paixão dele pela ideia de emancipação e auto suficiência que, na chegada dos finalmentes de Joyland, o diretor e roteirista Saim Sadiq abdica da figura de Madame Biba e, como o mundo em que vive, torna ela invisível, e liquidifica as ascensões sensoriais que ela e Haider lutaram para viver em harmonia. As liberdades do protagonista, colocadas em cheque a respeito do seu papel como homem, como comandante da família e como futuro pai, iluminam o centro do palco, sem espaço para que Biba, dona dos temas mais significativos da trama e regente do espetáculo, dance sem medo de quem assiste. 

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Vitor Evangelista

Paloma trabalha colhendo mamões em uma plantação, faz bico de cabeleireira, namora com Zé e, junto dele, cria a pequena Jenifer no interior do Pernambuco. Ela é espirituosa, bondosa e amada por todos da cidadezinha, e no fundo, tem um desejo próximo ao coração: se casar na igreja, vestida de noiva, com buquê e chuva de arroz. Mas, quando enfim toma coragem e chega ao padre com o singelo pedido, ouve um sonoro ‘não’. Por ser uma mulher trans, o sonho de Paloma não pode ser concretizado. 

Na trama, presente na seção Mostra Brasil da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo e inspirada por acontecimentos reais, quem interpreta Paloma é a grandiosa Kika Sena. Arte-educadora, diretora teatral, poeta e performer, graduada em Licenciatura em Artes Cênicas pela Universidade de Brasília (UnB) e mestranda em Teoria em Prática das Artes Cênicas pela Universidade Federal do Acre, Sena é pesquisadora nas áreas de gênero, sexualidade, raça e classe, e autora dos livros Marítima (2016) e Periférica (2017) e da zine Subterrânea (2019).

Sena fez história no mês de Outubro, quando se tornou a primeira pessoa trans a vencer o Troféu Redentor de Melhor Atriz no Festival do Rio 2022, premiação que também agraciou o longa com a honraria máxima da Première Brasil. O diretor Marcelo Gomes subiu ao palco e agradeceu, e depois da passagem de Paloma por Munique e pela Cidade Maravilhosa, a Mostra de São Paulo recebe de braços abertos esse que foi um dos finalistas para representar o Brasil no Oscar 2023.

A história, escrita a seis mãos por Gomes, Armando Praça e Gustavo Campos, é um mergulho no cotidiano de Paloma e nas tentativas de revolucionar sua vivência batalhando pelo mínimo de respeito e pelo básico de direitos. Embebidos pelo íntimo da protagonista e de seu amado, o pedreiro Zé (Ridson Reis), de cara somos apresentados à imagem de uma mulher apaixonada pela filha Jenifer (Anita de Souza Macedo), a quem carinhosamente se refere como ‘coração’, e pela vida que construiu ao lado do companheiro.

O sonho de casamento, que estampa tanto a sinopse quanto o belíssimo e refinado pôster do filme, surge como motivação e agente de consequência na direção de Gomes, cineasta que tem envolvimento nos roteiros dos recentes Acqua Movie e Divino Amor. Em Paloma, a força de Sena se dá no carisma e na primazia de esconder muito de suas verdadeiras emoções e empatias por baixo de um sorriso e uma expressão de entendimento tristonho.

Mas, quando o pavio está em completo estado de combustão, a artista convence como alguém levada para além do ponto de retorno. Afinal, para alguém querida e amada na cidade que habita, de que maneira ela deve encarar o cerceamento de sua individualidade e de seus almejos se não expressando angústia, medo e um bocado de raiva? A dita má fama que recai sobre o local assim que a notícia do matrimônio rompe a grande mídia é o suficiente para que a simpatia dos residentes se transforme no ódio presente na vida brasileira longe da ficção.

Transferindo violências para as vidas e os corpos que circulam Paloma, o filme ganha forma na amargura da felicidade, na virada do sorriso para as lágrimas e, principalmente, na descarga de terror que preenche a meia-hora final. Temas de exercício da religião, extensão da liberdade e desejo são a trinca que guia a mulher pelos campos de mamoeiros, trajetos esburacados e pelo deserto coletivo em que se localiza, assolada e atingida por todas as frentes, mas nunca em completo estado de devoração, como captura a fotografia de Pierre de Kerchove e ordena a montagem de Rita M. Pestana.

Diferente de um específico deserto particular que evoca margem para a existência do outro em estado de independência e permissão, o coletivo de Paloma é espaço para descascar um país imutável, impassível. E ela tem sede nesta seca. Sede de amor, de afeto, de trocas recíprocas e de respeito. Ela começa sua jornada clamando em um silêncio sorridente na estrada doce em que caminha, para logo se sentir literal e figurativamente atravessada pela amargura e pelo azedume, levando consigo todos aqueles que se emocionaram com sua história de feitos e invenções em nome do otimismo. 

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Enzo Caramori

‘‘Soy un amasamiento, sou um ato de juntar e unir que não apenas produz uma criatura tanto da luz como da escuridão, mas também uma criatura que questiona as definições de luz e de escuro e dá-lhes novos significados’’ – Gloria Anzaldúa

Um bando de lobas. Uma rota de amazonas de saltos altos, que sobem e descem um afunilado inferno dantesco, envolvidas por árvores ao mesmo tempo ferozes e acolhedoras a essas travessias noturnas nos labirintos do Parque Sarmiento. As entidades do mundo travesti de O parque das irmãs magníficas (2021) são putas, fadas, mães, demônias, santas e pássaras, numa Córdoba que não está nos mapas nem nos guias turísticos. Tanto nelas quanto no texto coexistem todas as contradições temidas por aqueles que separam o mundo em binarismos: fantasia e realismo; autobiografia e ficção; homem e mulher.

Nessa ficção, ressonante da própria vida da autora – a escritora e atriz Camila Sosa Villada – se desafiam todas as convenções em que o gênero, social e literário, se funda. Ao referenciar a época em que ela mesma era uma trabalhadora do sexo, enquanto fazia faculdade de Comunicação Social em Córdoba, Sosa Villada busca resgatar os laços que foram deixados para trás ao consolidar-se enquanto uma artista das telas e dos palcos argentinos.

Em seu fluxo de memórias, em que a realidade e a fantasia se misturam no registro da natureza mais íntima da travestilidade, se difundem novas éticas de comunidade a essas mulheres. Para elas, viver é habitar esses espaços comuns de cuidado, como na rosa morada de Tia Encarna, a matrona dessa família de laços não sanguíneos, que carrega em seu corpo mais de um centenário de dores, resistências e alegrias. Para sobreviverem ao massacre de suas existências, as garotas do Parque Sarmiento se defendem com ferocidade, mas, além disso, dispõem dos poderes da magia contida no devir travesti.

“Sou uma prostituta que anda pelas ruas de noite, enquanto as mulheres de minha idade dormem nas suas camas. Caminho pela rua, incluída nos planos da violência, mas também nos planos do desejo.”

Contando com lobiscates, uma personagem que vira um pássaro, homens sem cabeça voltados da guerra e uma casa com vida própria, poderia facilmente se pensar que O parque das irmãs magníficas é mais um exemplo literário do realismo fantástico latino-americano. No entanto, o romance de Sosa Villada é um registro emblemático que nega ser encaixado nos nichos da representação realista ou da literatura surreal. Sua potência em imaginar essas histórias, para além das estatísticas que atravessam mulheres travestis, está na restituição de um deslumbramento a identidades tão atravessadas pelos discursos aniquiladores do Estado, que limitaram o direito de pensar o gênero com um misticismo perdido das tradições locais.

O livro consegue unir sem esforços a brutalidade ao encanto em um texto caleidoscópico, enquadrando perfeitamente as experiências que, assim como suas personagens nas rondas da prostituição, toma os espaços de assalto – tanto da Literatura quanto das ruas escuras da noite de Córdoba. A maneira que esse bárbaro conto de fadas é tecido, com euforia e crueza, busca negar retratos eufemizados da feminilidade. Ao narrar, com imensa poesia, sobre a glória da amamentação trans, sobre as marcas dos corpos construídos por implantes de óleo industrial e sobre a vivência de mulheres grávidas inseridas nos ciclos do trabalho sexual, a escritora faz uma ação direta de combate.

Camila Sosa Villada é uma autodeclarada bárbara perante os parâmetros formais da composição literária. No livro, a escrita é uma performance do terror que atravessa a própria biografia da atriz. Assim, em O parque das irmãs magníficas, a relação com o corpo é intrínseca, já que a composição literária existe, para a autora, como uma forma de tomar de volta a si tudo o que lhe foi arrancado pelas violências em que fora mergulhada desde a infância até a vida adulta. De certa forma, o enredo, ao abranger inúmeros ritos de amadurecimento e as transmutações pelas quais as personagens são acometidas, carrega as nuances do que seria um alucinado romance de formação, sustentado em saltos altos e cílios postiços.

Para contar suas histórias, Camila Sosa Villada clama, ao mesmo tempo, por si mesma e por outras mulheres que também percebem a Arte enquanto uma relação preenchida de fé. No seu primeiro livro, La novia de Sandro, um apanhado de poemas antes publicados em um blog, ecoa a delicadeza de Wisława Szymborksa e o erotismo de Marguerite Duras. Em O Parque, é Carson McCullers que se remonta no registro do cotidiano de sujeitos marginalizados, pontuado por momentos breves de beleza. Já no seu mais recente livro de contos, Soy una tonta por quererte, Billie Holiday é a metáfora perfeita aos modelos de transgressão feminina seguidos por sua expressão, que também reflete o brilho da poesia de Pedro Lemebel.

“Com a cara tornada máscara, a mais bela de todas as máscaras, esses traços travestis mais reais que nossos próprios traços, concebidos para outro mundo, um mundo melhor, onde poder ser essa máscara.”

“A dor de uma era a dor de todas”. Na visão trans/travesti, que é a espinha dorsal de sua liricidade, não existe um eu dissociado do nós. Assim como Duras, que aciona em seus textos uma memória-mundo e visualiza o sentimento individual como algo costurado à experiência coletiva, a diluição da fronteira entre o público e o privado abre novas possibilidades de existência nas poucas páginas dessa narrativa. As mulheres de Las malas – título original de O parque – são descritas como um único organismo, cada uma como um conjunto de células de um estranho tipo de vida, no qual ecoam as vozes daquelas que não tiveram o direito de gritar.

O parque das irmãs magníficas não é realista, nem é fantasia. É maleável, em construção, um acelerador de partículas. É uma história que constitui uma nova forma de resistência que reivindica, no espaço da Literatura, vivências sempre catalogadas como não dignas de serem lidas e representadas, mas que sempre persistiram diante de todas as adversidades da violência social. Se a escrita é uma lente usada para se ver o mundo, o livro de Camila Sosa Villada solta um imperativo: o mundo deve ser conhecido pelas lentes travestis.

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Quando as canções natalinas não preenchem mais o ambiente e Mariah Carey libera o topo das paradas musicais, é sinal de que o último mês do ano acabou. Ao longo dos últimos 12 meses, o Persona acompanhou cada movimento do mundo da Música nas edições do Nota Musical, e para encerrar o ciclo embalado pelas mais diversas trilhas sonoras de 2021, é hora de ouvir o que o mês de dezembro tem a nos dizer.

Que o ano apelidado de 2020.2 seria repleto de ironias, nós já sabíamos. Mas quando Olivia Rodrigo explodiu suas decepções românticas nos ouvidos do mundo inteiro com o maior hit de 2021 logo em janeiro, ninguém poderia imaginar que terminaríamos o ano em dezembro ouvindo o outro lado da história. O trio de canções Crisis / Secret / Set Me Free parece ser a maneira que Joshua Bassett encontrou para se livrar das maldições liberadas por drivers license, e deixar a confusão com a nova estrela pop no passado.

Enquanto alguns aproveitaram dezembro para resolver suas últimas pendências do ano, outros usaram o mês para iniciar novos projetos e vislumbrar 2022. Este é o caso de Angèle, a artista belga que ganhou repercussão global depois de cantar Fever junto de Dua Lipa, e seu segundo disco, Nonante-Cinq. Em um synth-pop gracioso, fresco e melancólico, Angèle mostra o porquê é um dos nomes francófonos mais populares da atualidade – e porque pode ir muito além disso.

Na mesma direção, Arca continua com sua música ambiciosa e intensa. Em dezembro, a venezuelana indicada ao Grammy colocou no mundo não um, não dois, não três, mas quatro discos, que dão sequência ao seu aclamadíssimo KiCk i. Os admiradores de SASAMI também têm material para iniciar o novo ano, já que a promessa do metal norte-americano continua a preparar o lançamento de seu segundo disco, que vai suceder sua estreia homônima muito bem recebida pela crítica, com o single Say It.

Falando nos jovens, a estreia de No Rome, pupilo de Matty Healy, o frontman do The 1975, é parada obrigatória dos textos abaixo. O artista filipino começou a espalhar suas canções lo-fi pelo SoundCloud e hoje ecoa por aí o que ele chama de “shoegaze R&B” em It’s All Smiles, contando com a produção mais famosa da Música alternativa contemporânea. Outro destaque é a nova música de Ruel, que reflete sobre amadurecimento em GROWING UP IS ____. Enquanto isso, SZA terminava o ano com raiva de alguém e Khalid embarcou em uma viagem suave.

A atmosfera retrospectiva de dezembro também nos levou à memória daquele fatídico 29/12/2001, que levou a voz mais marcante do rock brasileiro alguns dias depois da data destinada à celebrar a sua vida. Cássia Eller é dona de uma presença muito poderosa para desfazer-se entre nós, e os 20 anos de sua morte e 59 de vida foram marcados por Espírito do Som. Ainda resgatando a memória da Música brasileira, nos lembramos de que completaremos 40 anos sem uma das nossas maiores estrelas. A inauguração das homenagens ao legado da eterna Elis Regina começou através do lançamento de Elis, essa saudade, disco que reúne gravações feitas pela artista entre 1979 e 1981.

Mas hoje, temos o prazer de apreciar e valorizar Maria Gadú. Um dos principais nomes da MPB contemporânea completou 35 anos no último dia 4 e celebrou a data através de Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor, álbum que traz regravações de grandes sucessos da Música Popular Brasileira e principais influências para a identidade musical da artista. Já para a banda de destaque no pop-rock brasileiro atual, falar de memórias é só mais um pretexto para manifestar sua típica descontração. É que o terceiro álbum da Lagum segue naquele antro de sinceridade, ironia e irreverência, características fortes da música do grupo mineiro. 

Um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil também tomou parte das comemorações de dezembro. Pabllo Vittar encerrou um ano de ouro em 2021, marcado pelo sucesso de Batidão Tropical, com I AM PABLLO, seu primeiro registro ao vivo, que ficou responsável por iniciar as celebrações de seus meteóricos cinco primeiros anos de carreira. Lá fora, o aniversário foi de 5 Seconds of Summer, que exatos 10 anos depois de seu primeiro show, festejou seus 10 anos de existência com a canção 2011, que relembra a história e reverência a amizade do quarteto australiano.

Só estava faltando o encerramento dos 20 anos de carreira de Alicia Keys, perfeitamente concluídos por KEYS. O novo álbum da rainha do neo-soul sucede o colorido ALICIA (2020) com muita ambição: como um disco duplo, 26 músicas as levam de volta às suas origens que construíram o sucesso absoluto de seu primeiro disco em 2001, para desbloquear sua criatividade e reimaginar suas próprias canções. Entre os lados intitulados Originals e Unlocked, o ouvinte de Alicia Keys pode entrar em contato com a cantora, compositora, pianista e produtora que foi um dos maiores fenômenos musicais do século – e que nunca saiu de perto de nós.

Quem também esteve presente foi Black Country, New Road. Enquanto o novo disco da banda britânica, que foi destaques do mês de janeiro, não é lançado, ela aparece aqui com o EP Never Again, apresentando quatro covers inusitados. Também na lista das melhores revelações do ano, Arooj Aftab convenceu até o Grammy com a preciosidade de seu álbum lançado em abril e nos abençoou em dezembro com sua performance no Tiny Desk. E para os brasileiros, a conquista do mês foi ver MC Dricka, que brilhou no lançamento de seu álbum em maio até na Times Square, apresentando o hino Gadinho de Faz Tempo no palco do projeto musical internacional COLORS.

Há sete meses, Luísa Sonza abalava o pop nacional com DOCE 22, e agora, foi vez de encerrar os lançamentos do projeto com ANACONDA *o*~~~. Já em junho, foi a vez de Doja Cat colocar em órbita Planet Her, e em dezembro, a novidade foi o clipe de Woman, o single da vez que aquece sua corrida até as premiações. Na mesma função, está a nova favorita do Grammy Billie Eilish, promovendo sua campanha para Happier Than Ever, com o vídeo de Male Fantasy. A esnobada do ano, infelizmente, foi Lorde, que segue sob o poder do sol desde agosto, e agora traz uma narrativa visual para Leader of a New Regime.

Assim, o que mais teve em dezembro foi presente de fim de ano. A Música brasileira ganhou o lançamento do disco de Elza Soares & João de Aquino, uma releitura de Nara Leão feita por Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia, e a descoberta de Lucidayz, o projeto solo indie-rock do artista sergipano Samuel Elijah. De fora, Moses Sumney, artista ganês-americano que aparece vez ou outra na trilha de Euphoria, trouxe a experiência espiritual de seu primeiro álbum ao vivo; Katy Perry e Alesso entregaram uma boa canção para uma noite animada; e Art School Girlfriend, pseudônimo da galesa Polly Mackey que apareceu por aqui pela primeira vez em setembro, realizou um tributo a Prince.

Seguindo com os mimos para os sobreviventes de 2021, Tame Impala apresentou a inédita No Choices, introduzindo a edição comemorativa de The Slow Rush, o quarto disco de estúdio da banda, indicado a Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020. Superchunk aproveitou os últimos dias do ano para fazer seu retorno com a canção Endless Summer, e Rostam remixou o seu segundo disco solo. Por último, a maior se fez presente: dois dias antes do Natal, Joni Mitchell presenteou o mundo com um vídeo especial de River, para encerrar a comemoração aos 50 anos de Blue.

Os votos finais do ano partiram de Rodrigo Alarcon, que em Rivotril e a Fé traz uma mensagem descontraída de compreensão para com quem viveu os momentos difíceis dos últimos dois anos. Da mesma forma, Anná e Flaira Ferro refletem resumem o espectro emocional dos últimos dois meses em Ô Ano Doido. E para mais um futuro fevereiro sem Carnaval, Ivete Sangalo e Carlinhos Brown nos servem música nova pra festejar em casa.

Sobre a vida em sociedade, BK’, como sempre, empresta sua música cirúrgica para analisar as relações que mantemos com o mundo ao nosso redor. A obra da vez é Cidade do Pecado, que traz uma identidade ainda mais urbana para o trabalho do rapper carioca. Precisa de um refresco depois disso? Pois aqui está a dupla Arnaldo Antunes & Vitor Araújo com o paradisíaco Lágrimas no Mar.

Por fim, restou à Mitski aumentar as expectativas para Laurel Hell, seu sexto álbum e um dos mais esperados de 2022 com Heat Lightning. Phoebe Bridgers – também conhecida por aqui como uma das artistas que mais trabalhou em 2021 – deu continuidade à sua tradição anual de direcionar os lucros de seus lançamentos natalinos à instituições humanitárias. A música do ano foi Day After Tomorrow, numa releitura do sucesso de Tom Waits.

Para o ano ou para esse post, se você chegou aqui, merece os parabéns e a nossa bonificação. É hora de colocar os fones para ouvir o último mês de 2021 e apreciar a última edição do Nota Musical como conhecemos hoje. Um novo ciclo está começando, e o Persona guarda muitas novidades para o próximo ano. O que não muda é nosso compromisso com a valorização da Arte, da Cultura e do Jornalismo, que só podem existir se a vida também for preservada. Cuide-se, pois contamos com a sua companhia para um grandioso 2022!

CDs

Pabllo Vittar – I AM PABLLO (Live)

A gente piscou e Pabllo Vittar começou a comemorar cinco anos de carreira. É isso mesmo: do single Open Bar ao álbum Batidão Tropical, muita coisa já mudou, e Pabllo conseguiu se consolidar como um dos maiores fenômenos pop contemporâneos no Brasil e no mundo. Mas, depois de lançar quatro discos de estúdio, três CDs de remixes e dois Extended Plays, a drag queen mais popular do planeta ainda não preenchia todos os tópicos disponíveis em uma possível ‘lista universal de afazeres dos cantores’, e o espaço reservado a um álbum ao vivo permanecia vazio.         

Foi então que nasceu o curioso trabalho I AM PABLLO (Live), disponibilizado na internet no último mês de 2021. Parte de um projeto audiovisual gravado no pavilhão Oca, em Ibirapuera, São Paulo, o primeiro registro ao vivo de Vittar dá pistas de uma turnê que promete ser a grande aposta internacional da cantora a partir de agora. Não parando por aí, ao mesclar os elementos água, fogo, terra e ar, que adquirem atmosferas próprias, com algumas influências absorvidas do K-pop, o espetáculo da artista maranhense também pretende inovar os formatos de shows realizados em solo nacional.       

De qualquer forma, está mais do que certo que alguns dos registros comemorativos, como o do próprio Open Bar, são nostalgia pura – e repaginada. Fora isso, o que mais se destaca no lado sonoro de I AM PABLLO são os vocais nitidamente bem trabalhados para a realização desse projeto bastante ambicioso. Para quem passou os últimos cinco anos criticando a voz da drag queen, será difícil sustentar as mesmas críticas com esse novo disco. “Não é à toa que eu sou a number one”: de fato, parece que Pabllo Vittar sempre soube do próprio potencial. – Eduardo Rota Hilário         

Angèle – Nonante-Cinq

Angèle é popstar. Um dos nomes mais populares entre as estrelas francófonas, a carreira da artista belga ganhou repercussão global após o dueto de Fever com Dua Lipa. Suas vozes, em contraste, destacam a melancolia inerente do timbre de voz aerado de Angèle, que parece enfeitiçar a mais dançante das faixas. Essa habilidade, por sua vez, se corporifica em seu segundo álbum, Nonante-Cinq, conduzindo a efervescência do synth-pop para uma atmosfera agridoce, enquanto versa sobre as desventuras do amor.

Encabeçado pelo single principal Bruxelles je t’aime – uma carta de amor sentimental para sua cidade natal –, Angèle rodopia pelas batidas à la Daft Punk ao longo dos acertos que compõem as doze canções do álbum, incluindo Libre e On s’habitue. Algumas referências, contudo, de tão óbvias, soam quase como imitação: Démons, que conta com a colaboração do rapper belga-congolês Damso, poderia facilmente ter saído diretamente do universo Astroworld de Travis Scott.

Como uma montanha-russa de emoções, aqui, tudo oscila. Entre o dançante e o emotivo do projeto, paira Solo, junto de seus sintetizadores glaciais, atingindo o máximo de melodrama na teatralidade de Taxi, construída pelas baladas de um piano acústico. Apesar do aparente otimismo dos singles divulgados anteriormente a sua estreia, é tecendo o drama que Nonante-Cinq ganha dimensão. – Ayra Mori

Arca – KICK ii, KicK iii, kick iiii e kiCK iiiii

Depois de no mesmo ano de 2020 ter sido indicada ao Grammy por seu álbum Kick i, publicado uma música de 62 minutos, além de 100 remixes de uma mesma faixa criados com uma Inteligência Artificial, a cantora e produtora venezuelana Arca resolveu encerrar 2021 mantendo o mesmo nível de ambição. O que quer dizer que ela resolveu colocar no mundo não um, mas quatro discos de uma só vez, todos numerados em sequência ao KiCk i, misturando espanhol com inglês e expressando toda a versatilidade dessa artista que desafia as convenções dos gêneros e de gênero. 

Dando o pontapé inicial, KICK ii é o mais acessível dos quatro, pelo menos em sua primeira metade, onde explora, a seu próprio modo, um dos ritmos latinos mais populares da atualidade, o reggaeton. Mas se engana quem espera que daí surja um trabalho convencional: o ritmo dançante vira música avant-garde nas mãos de Arca, dando espaço para as o rap frenético de Tiro, ou arrepiantes vozes lamentosas de Luna Llena. A segunda metade, inaugurada pelas vozes bizarras de Aranã, segue por caminhos mais abstratos e experimentais. E é no mesmo experimentalismo em que mergulha KicK iii, o mais insano da série, recheado de ritmos descompassados, frenético ao extremo, e que sequer dá um mínimo segundo para o ouvinte respirar. Conciliando as batidas caóticas à voz humana em texturas distorcidas, KicK iii se destaca com as faixas Bruja, Incendio, Skullqueen, e Rubberneck.

Seguindo caminhos bem mais amenos e oníricos, kick iiii aposta em uma atmosfera carregada de mistério. Lento e menos chamativo, o quarto volume da série acaba sendo ofuscado pela energia pulsante dos anteriores, mas encontra bons momentos atmosféricos em Boquifloja, em uma faceta mais pop na faixa Queer, e na arrepiante Hija. Surpreendentemente, o último volume, segue caminhos ainda mais minimalistas, encerrando a sequência de discos abandonando completamente o maximalismo dos primeiros volumes e explorando a música ambiente. kick iiiii evita o meio termo do disco anterior, criando atmosferas mais imersivas e abrindo espaço para uma faceta mais meditativa de Arca. Pu, Estrogen e Fireprayer se destacam além de Tierno, uma bela peça onde Arca é despida de todas as distorções vocais, finalmente revelando suas habilidades naturais. Do mais gritante ao mais sutil, do primeiro ao último volume, o projeto Kick é um raio-x das múltiplas camadas que compõem esse complexo ser chamado Arca. – João Batista Signorelli

Descontração já é a marca registrada da banda Lagum. No seu terceiro álbum de estúdio, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui), o grupo mineiro repete os feitos de Seja o Que Eu Quiser e Coisas da Geração (os dois primeiros) e cria uma experiência leve, bem humorada e divertida. Agora com alguns anos a mais de experiência, a Lagum encontra a dose certa entre o comercial e a liberdade para experimentar, e, ao longo das dez faixas, não abre mão da sua espontaneidade característica.

Das canções, cinco são inéditas. Enquanto duas das previamente lançadas, NINGUÉM ME ENSINOU e EU E MINHAS PARANOIAS, são elétricas e estimulantes ao refletirem sobre as angústias da identidade e da juventude, outras abaixam o tom para pensarem nas memórias ainda por vir, como na calma DESCOBRIDOR, para declararem os desejos em uma relação, como na curta PLAYGROUND, ou para revelarem o fim da mesma, como na dançante VEJA BABY. Das frenéticas guitarras e baterias aos calmos violões e vocais, do pop à MPB, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) transita entre sonoridades e temas, e a falta de um conceito só torna o álbum ainda mais espontâneo.

No novo lançamento, um dos pontos mais altos da Lagum se repete: a banda diz na lata o que tem para dizer. Sem rodeios, metáforas ou muitas figuras de linguagem, as composições do vocalista Pedro Calais são até literais, o que, se não impressionam pelas letras trabalhadas, encantam pela sinceridade. Como ele mesmo afirmou, a banda só deixa as coisas fluírem e que “se dava vontade de falar coisas engraçadas, trágicas, a gente falava”. Ao final, além de genuinamente divertido e animador, MEMÓRIAS (de onde eu nunca fui) também foi uma bela homenagem ao trabalho de Tio Wilson, percussionista da banda que faleceu em 2020: o álbum foi a última participação do baterista, que teve suas partes, gravadas na pré-produção, mantidas e respeitadas. – Vitória Lopes Gomez

No Rome – It’s All Smiles

Nascido Guendoline Rome Viray Gomez, em seus 24 anos de idade, No Rome é cantor, compositor, produtor e pupilo de Matty Healy. Das Filipinas até o Reino Unido, foi compartilhando faixas lo-fi no SoundCloud que a colaboração entre ambos surgiu, logo levando Rome a assinar com a gravadora independente de Healy, Dirty Hit – casa de beabadoobee, Rina Sawayama, The Japanese House e Wolf Alice, espécie de meca da Música alternativa contemporânea. Para ele, contudo, a fabricação do álbum de estreia foi produto de anos, consumado, por fim, durante o isolamento do musicista em sua cidade natal, Manila.

Nos primeiros segundos da faixa de abertura, Space-Cowboy, Rome revela o que ele nomeia de “shoegaze R&B”. Como o próprio nome diz, o gênero combina precisamente os dois opostos numa hibridização camaleônica das distorções texturizadas ao groove suave. As influências são ambiciosas, dando caráter ao melodrama emocional simples da composição que ganha dimensão através da produção excelsa. São dez músicas co-produzidas com BJ Burton (Bon Iver, Kanye West e The Japanese House), conferindo resquícios de seu trabalho passado, familiar em ITS *N0T* L0V33 (Winter In London).

A mentoria de Healy se reflete por todo álbum – por vezes, mais pontuais do que deveriam. Apesar da habilidade inegável de Rome, por trás de muitas referências devotas, alguns curtos instantes soam genéricos, como em I Want U, onde até a harmonia vocal dos companheiros é similar. Adentrando uma paisagem noturna carregada de sintetizadores, explodem Issues (After Dark) e Remember November / Bitcrush*Yr*Life, como experiência cinematográfica que It’s All Smiles é. E bom, a espera valeu a pena. – Ayra Mori

Maria Gadú – Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor 

O novo álbum de Maria Gadú já traz em sua apresentação um título estrondoso. O impacto é ainda maior com a informação que Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor é o nome da canção de Márcio e Lô Borges, e o carro chefe de Pietá – importante álbum de Milton Nascimento. A aposta da cantora foi grande e a expectativa para o quarto disco de estúdio era maior ainda.

Contando apenas com regravações de outros gigantes da Música Popular Brasileira, Quem Sabe Isso Quer Dizer Amor foi lançado na véspera do aniversário de Gadú e veio moldando a personalidade da artista. Isso porque, mesmo lidando com conhecidas da grande plateia, Gadú deixa sua assinatura em cada faixa e permite que o trabalho esteja mais próximo do autoral do que de covers. 

Um móbile no furacão de Paulinho Moska, Abololô de Marisa Monte e a indiscutível Lindo Lago do Amor de Gonzaguinha ganham destaque entre as 12 músicas. Mas, o absolutismo fica, de longe, por conta de Admirável Mundo Novo e Faroeste Caboclo. A primeira de Zé Ramalho vem para reforçar a posição política da artista e sua produção individual concretiza as crenças da cantora. Já a maior (e desafiadora) música de Renato Russo chama a atenção em qualquer contexto que se insira por conta de seus quase dez minutos de duração. O diferencial na atual gravação vem pelo tom no qual a história do João de Santo Cristo é apresentada. – Ana Júlia Trevisan

Elza Soares & João de Aquino – Elza Soares & João de Aquino

De voz inigualável, repertório inquestionavelmente rico e expressão artística arrebatadora: assim é – e sempre foi – Elza Soares. Mas esses traços bem definidos conseguem se acentuar ainda mais quando a Mulher do Fim do Mundo se entrega de corpo e alma à Música. Desse modo é Elza Soares & João de Aquino, disco gravado na década de 1990 ao lado do violonista que também dá nome à obra, em sessão única feita no extinto estúdio carioca Haras. Agora disponível pela gravadora Deck, o mais recente lançamento da eterna Deusa-Mãe esperou cerca de 25 anos para ver a luz do mundo.    

No fim, toda espera valeu a pena! Desde Drão, composição de Gilberto Gil que assume o posto de abertura elevada, quase divina, somos fisgados por uma química inventiva arquitetada de maneira fabulosa entre Elza e João. Em alguns casos, como Hoje, as habilidades vocais da Cantora do Milênio atingem em cheio os ouvidos – e corações – mais sensíveis. E, em faixas como Devagar Com a Louça, a liberdade interpretativa digna de grandes nomes torna-se, talvez, o maior motivo para uma inevitável fascinação do público – o que não ofusca, no entanto, o talento de João de Aquino.

Ainda nos destaques, a escolha do imortal Meu Guri, de Chico Buarque, mesclado com a Ave Maria No Morro, de Herivelto Martins, com certeza merece alguma atenção. Já em Juventude Transviada, o nome de Nilo Chagas pode surpreender os observadores mais atentos, já que essa faixa traz também um pouco de Lamento da Lavadeira, música composta por ele ao lado de Monsueto e João Vieira Filho. Mas nada, enfim, é capaz de substituir a experiência de ouvir na íntegra um álbum de tamanha qualidade. Certo é que, Como Uma Onda, João de Aquino e Elza Soares podem nos dominar.  – Eduardo Rota Hilário 

“Obrigado por sintonizar em Scenic Drive, estamos aqui hoje à noite para fornecer a vibração para sentar, relaxar e aproveitar o passeio”. Depois de ouvirmos um motor de carro ligando e uma rádio sendo sintonizada, a voz de Alicia Keys surge na primeira faixa do disco, e anuncia o início de Scenic Drive (The Tape), terceiro álbum na carreira de Khalid. Com apenas 23 anos, o artista demonstra uma grande ambição musical, e desde o início Scenic Drive (The Tape) é enquadrado como uma experiência musical e uma experimentação de sentimentos na escuta. Mas em alguns momentos, nas faixas Voicemail (feat. Kiana Ledé) e Backseat, o disco se deixa levar por sua suavidade, permanecendo calmo demais, e beira um fim de viagem.

Apesar dessa abertura conceitual e de uma perfeita ligação das canções durante suas transições, o disco esbarra em suas próprias referências, nas quais Khalid satura as metáforas sobre bancos de carros, estradas e viagens solitárias – mas, no fim, o álbum não deixa de ser sobre isso também. O ponto alto do disco está em Brand New (feat. QUIN) e Present. Ainda assim, se você procura algo para relaxar ou que sirva de trilha sonora para uma viagem tranquila, Scenic Drive (The Tape) é uma boa pedida. – Bruno Andrade

Moses Sumney – Live From Blackalachia

“Isolamento vem de ‘insula’ que significa ilha”, nos recebe uma voz robotizada à experiência espiritual de Live From Blackalachia, terceiro álbum de Moses Sumney. Gravado ao vivo nas montanhas de Blue Ridge, no verão de 2020, o palco do cantor foi nada menos que as colinas de uma paisagem verde solitária. Junto de sua banda, Sumney encontra na vastidão da natureza a liberdade. E como é linda a liberdade.

Sobrecarregado pelo “culto à personalidade” linkado à vida artística de Los Angeles, foi em 2017 que Sumney se refugiou em Asheville, uma cidade na Carolina do Norte. Atraído pelos arredores naturais do novo lar, debaixo do céu limpo, da floresta e da fauna, ele reencarnou quatorze faixas selecionadas de seus álbuns anteriores, Aromanticism (2017) e græ (2020). Há uma continuação orgânica dos temas já explorados por esses registros, permeando gênero, raça e identidade. Quem somos, como somos e como somos vistos pelo mundo: “Minhas asas são produzidas/E, e eu também”.

Despido das harmonias vocais de fundo, na segunda metade de Live From Blackalachia, Sumney soa como a pessoa mais solitária do mundo. Doomed é conduzida pelo jazz cósmico dos saxofones chorosos de Serena Wiley e Brian Horton, somados ao trombone melancólico de Derrick Johnson. Cada sopro suscita uma dor. Uma sensibilidade dolorosa que cresce gradativamente no peito, até se tornar inconsolável na pureza da voz de Sumney. – Ayra Mori

Elis Regina – Elis, essa saudade

Elis Regina é uma das maiores saudades que um país pode ter. É por isso que, às vésperas dos 40 anos de morte da eterna Pimentinha, as já aguardadas homenagens à imortal artista brasileira davam seus primeiros passos a todo vapor – e a coletânea Elis, essa saudade, lançada em pleno dezembro, é prova óbvia dessa realidade. Com produção executiva e repertório assinados pelos jornalistas Danilo Casaletti e Renato Vieira, o lançamento da Warner Music reúne gravações feitas entre 1979 e 1981, e com certeza receberá a atenção dos fãs mais ferrenhos. 

Não que sucessos como O bêbado e a equilibrista, ou versões ao vivo de Águas de março e Upa, neguinho, por exemplo, sejam motivo do entusiasmo puro da novidade, mas alguns elementos ‘novos’ acabam se tornando, sem dúvida, bastante animadores. É o caso de uma versão menos conhecida de Alô! Alô! Marciano, anteriormente indisponível nas plataformas digitais, ou do carro-chefe Pequeno exilado, música de 1980 gravada com o cantor gaúcho Raul Ellwanger, e até então inédita em formato digital. Seja como for, o CD – físico ou on-line – já vale a pena por conta dessas duas pérolas.

Unindo os títulos dos álbuns Essa Mulher e Saudade do Brasil, Elis, essa saudade é, antes de tudo, celebração e memória. Ou, quem sabe, uma forma de ilustrar os versos “Ah, como essa coisa é tão bonita/Ser cantora, ser artista/Isso tudo é muito bom” – que, um pouco descontextualizados neste texto, cabem com maestria na figura de Elis. Na verdade, a compilação recém-lançada é também um sinal de que nenhuma homenagem basta para as lendas infinitamente humanas, mas simbolicamente infindáveis. Sendo assim, que Elis Regina cante sempre, profunda e íntima, ao pé do ouvido de nossos corações. – Eduardo Rota Hilário  

Rostam – Changephobia Remixes: Part I + II

Após seis meses do sensível “pop torto” de Changephobia, Rostam Batmanglij, ex-integrante e fundador da banda Vampire Weekend, divulgou na íntegra a coletânea de remixes do segundo álbum de sua carreira solo. Dividido em duas partes, sobrevive, nas reinterpretações, a aura mágica das versões originais, que continuam evocando um ambiente agridoce, quente e colorido. As colaborações do projeto contam com nomes potentes, fruto da relação estreita do próprio Rostam com a cena indie pop de Los Angeles – o multi-instrumentista tem no catálogo a recente produção de Immunity (2019), de Clairo, e Women in Music Pt. III, das HAIM.

Lançada em 1º de dezembro de 2021, a primeira parte da coletânea conta com a remixagem de A. G. Cook (que produziu faixas de Charli XCX, Caroline Polachek e SOPHIE) na cinética Kinney, até a versão reducionista de A. K. Paul, que desacelera o tempo em These Kids We Knew. Já a segunda parte inclui a interpretação vibrante de 4Runner por EASYFUN, que é conduzida pelas batidas metálicas comuns do hyperpop, e o suave sintetizador de From the Back of a Cab por Ben Böhmer. Ao passar pelas nove faixas alternativas, o impulso para se ouvir Changephobia mais uma vez, cresce. – Ayra Mori

Arnaldo Antunes e Vitor Araújo – Lágrimas no Mar 

Em 2020, Arnaldo Antunes não poupou em colocar o dedo na ferida com seu potente O Real Resiste. O show deste trabalho criou um vínculo entre o cantor e o pianista Vitor Araújo – pernambucano de 32 anos. O encontro entre a juvenil musicalidade e a experiência de ex-Titã tomou forma no êxtase de Lágrimas no Mar.

O resultado é um álbum que beira o paradisíaco. Com o potente instrumental que atravessa feito lança cada verso, e com canções intimistas que remetem ao mar, o duo apostou numa apresentação mais cinzenta para intensificar a transversalidade do disco. O repertório vai de gravações conhecidas pelo público, como a unânime Como 2 e 2 (Caetano Veloso); música que já fizeram parte de shows do Arnaldo, como Fora de Si (1995) e Longe (2009); e inéditas batizadas de Enquanto Passa Outro Verão, Lágrimas no Mar, Umbigo e A Não Ser. – Ana Júlia Trevisan

Alicia Keys – KEYS

Ao completar 20 anos de carreira, Alicia Keys decidiu revisitar suas raízes e brincar com as suas possibilidades contemporâneas em KEYS, seu oitavo disco. Para a maioria dos espectros musicais, essas intenções podem parecer completamente inconciliáveis, mas para o da experiência de Alicia Keys, foi a ideia mais natural de projeto para a atual etapa de sua vasta carreira como cantora, compositora, produtora e pianista. O disco é duplo e suas divisões são muito bem definidas: no lado A, ela relembra suas matérias-primas originais em canções inéditas, e no lado B, desbloqueia lampejos criativos ao reimaginar a produção de suas próprias músicas. 

Assim, Originals apresenta faixas do disco totalmente fundamentado nas influências Alicia, como o gospel e o soul, que quando percorrem o piano junto de suas mãos, criam uma música essencialmente contemporânea e fresca. Em diálogo direto com a artista que conhecemos em 2001 através da estreia aclamada de Songs In A Minor, ela apresenta sua habilidade em criar o R&B mais atual e bem referenciado da atualidade (mantendo o posto que é seu desde o início do novo milênio) com primor em Love When You Call My Name. Já em Is It Insane, ela nos lembra de seus talentos como vocalista e intérprete, enquanto Daffodils e seu fundo folk constroem a demonstração perfeita de uma musicista plena. Além disso, ela também traz colaborações de nomes como Kanye West para Plentiful, e expressa sua amizade com Brandi Carlile em Paper Flowers – um dos melhores destaques de KEYS. 

Quando chegamos em Unlocked, obviamente, o impacto não é o mesmo. Mas a segunda parte de KEYS também guarda as suas próprias inéditas, músicas que Alicia concebeu já na identidade imaginada para o segundo disco, ao invés de passarem pelo processo contrário. Nestas, estão o destaque das produções originais de LALA – primeiro single do álbum que traz a participação de Swae Lee – e Come For Me – resultado grandioso de uma colaboração entre Keys, Khalid e Lucy Daye. Ao final das 26 faixas, o impacto de Alicia Keys se mostra o mesmo que encantou o mundo há 20 anos atrás: não existe uma porta que suas chaves não possam abrir. – Raquel Dutra

EPs

Joshua Bassett – Crisis / Secret / Set Me Free

Por ironia do destino, se em janeiro ocorreu o nascimento do fenômeno Olivia Rodrigo, dezembro fecha com o lançamento de seu ex-namorado Joshua Bassett, o suposto remetente das cartas de coração partido de SOUR. O jovem artista, que além de cantar é um dos protagonistas da série de High School Musical, liberou Crisis / Secret / Set Me Free, com direito a três clipes, poucos meses depois de seu EP autointitulado.

Pela primeira vez se referindo diretamente ao espetáculo de horror que vivenciou seguido do lançamento de drivers license, Bassett cria uma narrativa de maturidade no novo e curto trabalho. Abrindo com Crisis, ele canta sobre como sua ex-amada nunca desperdiçou uma crise, aproveitando para capitalizar por cima do namoro que acabou. Além das trivialidades que se tornaram clichês do pop, ele denuncia seu estado de saúde, revelando que sofreu ameaças de morte.

A sequência com Secret é o máximo de sacana que o EP se permite ser, na insinuação de que a pessoa sobre a qual ele canta esconde um segredo, e talvez tudo que ela cantou não seja a mais absoluta das verdades. O fim, pelos versos da saudosista Set Me Free, é o momento de Joshua respirar e implorar por conclusões. “Você não pode levar tudo de mim (me liberte)/E não preciso das suas desculpas (me deixe em paz)”, ele canta, com verdade na voz. – Vitor Evangelista

Black Country, New Road – Never Again

Enquanto o aguardado disco Ants From Up There não chega, a banda britânica Black Country, New Road resolveu lançar, com exclusividade para os compradores de discos de vinil (mas que pode ser encontrado no YouTube), um EP reunindo quatro inusitados covers de canções populares. A trupe que concilia a guitarra ao saxofone e ao violino levou ao estúdio suas próprias versões de duas canções do ABBA, uma do MGMT e outra da Adele, que já vinham realizando em suas apresentações ao vivo de um tempo para cá. 

Mamma Mia e Chiquitita compõe o lado A do disco, trazendo toda a energia e as firulas instrumentais já tão características do grupo. A empolgação e a total dedicação do vocalista Isaac Wood em Mamma Mia compensam as suas limitações vocais ao deixar seu estilo mais falado de cantar para uma canção mais melódica, e Chiquitita traz a mesma serenidade e a carga emocional crescente dos singles recentes, Bread Song e Concorde. O mesmo vale para Time to Pretend, primeira faixa do lado B, seguida de uma Someone Like You simples de voz e piano, mas que ao trazer vários dos membros do grupo cantando juntos, transmite a agradável sensação de uma boa confraternização entre amigos. – João Batista Signorelli

Beach House – Once Twice Melody: Chapter 2

Que tudo chega ao fim é certo – mas nem sempre. No segundo capítulo do álbum Once Twice Melody, dividido por 4 partes, a finitude das ordinariedades parece ser usurpada através da repetição. São quatro faixas inéditas que sucedem o plano metafísico criado pela dupla de dream pop Beach House, integrada por Victoria Legrand e Alex Scally, no primeiro EP lançado em novembro de 2021. Conjura-se uma confusão psicodélica conduzida por devaneios coloridamente cinematográficos que se materializam somente através do som. Ainda, nada é palpável.

O capítulo se inicia com o Éden futurista de Runaway, orientado pela voz transumana de Legrand sob efeito do vocoder. Em sequência, a atmosfera de ESP evoca um sonho tranquilo acompanhado pelas notas clássicas da guitarra elétrica, enquanto New Romance carrega consigo as reminiscências sintéticas de My Bloody Valentine. Over and Over encerra o EP através de uma experiência sinestésica que entranha o lirismo da composição junto a reverberação dos vocais que se fundem caleidoscopicamente com os sintetizadores, tornando-os em coisa única – é impossível distinguir o orgânico do robotizado. São brilhos, imagens quentes e sons que se entregam inteiramente a um cenário fantástico, “E então/Esses dias se vão (de novo e de novo)”. – Ayra Mori

BK’ – Cidade Do Pecado

Em Grande Sertão: Veredas (1956), João Guimarães Rosa questiona, através do personagem Riobaldo, a existência do diabo, e escreve a seguinte sentença: “O diabo não há! É o que eu digo, se for… Existe é homem humano”. Na obra O mestre e Margarida – terminada em 1940, porém publicada postumamente em 1966 –, o russo Mikhail Bulgakov também questiona a existência do diabo, mas dessa vez o insere fisicamente na União Soviética, fazendo alusões a um mundo tão cruel que já ocupa o lugar do próprio inferno. Agora BK’ também entra na lista: debruçando-se sobre os pecados que rodeiam a civilização, Cidade Do Pecado é uma pequena viagem de pouco mais de 16 minutos, distribuídos em 5 canções nas quais somos apresentados a sensação aniquiladora de submissão, imposta pela metrópole aos indivíduos.

Na canção Último Baile Antes da Guerra, BK’ se une a MC Marcelly e ao rapper Nochica para contar a história de um indivíduo envolvido com a criminalidade, sem perspectivas de vida, e mescla afrobeat com batidas típicas do hip-hop. Com produção de JXNV$ (nome artístico do DJ e produtor Jonas Profeta, colaborador frequente nos trabalhos do rapper), Cidade Do Pecado traz, ainda, participações da cantora Mayra Andrade e do rapper niLL. Sobre o disco, BK’ disse: “Eu vejo o EP Cidade Do Pecado com muito foco no desejo e nas formas como você se perde na vida urbana, no que se deixa levar por ela e em como, ao tentar existir, você deixa de existir”. – Bruno Andrade

Músicas

5 Seconds of Summer – 2011

Exatos 10 anos depois de seu primeiro show, a banda 5 Seconds of Summer comemora sua década de existência com 2011. Na canção, o quarteto formado por Luke Hemmings, Michael Clifford, Calum Hood e Ashton Irwin relembram os sentimentos e as dificuldades no início e durante os anos de carreira, e se agradecem por chegarem até aqui unidos. O grupo australiano tem cinco álbuns juntos – Luke e Ashton também lançaram trabalhos solo -, e, mesmo depois de terem amadurecido cada vez mais sua sonoridade, culminando no adulto CALM, o single se assemelha às faixas de 5 Seconds of Summer, álbum de estreia da banda, de 2014. Não só na letra, mas também em sua essência, 2011 celebra o aniversário, o progresso e as conquistas pessoais e profissionais de 5 Seconds of Summer com muito carinho e nostalgia. – Vitória Lopes Gomez

Anná e Flaira Ferro – Ô Ano Doido

Assumir a função de ‘cronista de seu tempo’ costuma ser uma decisão bastante inteligente para muitos artistas. Em alguns casos, trata-se até mesmo de uma necessidade. Seja como for, dentro dessas e outras possibilidades, Anná soube expressar muito bem, em forma de Música, uma sensação quase coletiva de quem vivenciou e, a propósito, sobreviveu ao bizarro ano de 2021: “ô ano doido que mexeu fundo com a gente/ô ano doido que meteu fundo na gente”. Sendo uma composição autoral da multiartista mocoquense, Ô Ano Doido ainda ganhou a calorosa companhia da cantora recifense Flaira Ferro em sua gravação.

Mas as colaborações não param por aí. Isso porque a produção musical, as programações e o coro do terceiro single do vindouro álbum Bra$ileyrah também carregam o nome de Amanda Magalhães, cantora com quem Anná dividiu a faixa Me Cuidar em setembro de 2021. Não satisfeito, Ô Ano Doido cria ainda diálogos com Tom Zé, Valesca Popozuda e Claudinho & Buchecha, dentre outros artistas que inspiraram essa curiosa mistura de frevo com funk. No fim, os divertidos versos de Anná lembram inclusive a “esperança equilibrista”, que sempre soube “que o show de todo artista/tem que continuar”. – Eduardo Rota Hilário       

Phoebe Bridgers – Day After Tomorrow

Enfim, o Natal chegou (e já passou). Com ele, como uma espécie de Papai Noel magrela e de cabelos platinados, Phoebe Bridgers lança sua rendição natalina de Day After Tomorrow, sucesso de Tom Waits em 2004. A canção dá continuidade à tradição anual da cantora que restitui o lucro dos lançamentos natalinos a instituições humanitárias. Os covers incluem If We Make It Through December (2020) de Merle Haggard, 7 O’Clock News / Silent Night (2019) de Simon & Garfunkel, Christmas Song (2018) de McCarthy Trenching e Have Yourself a Merry Little Christmas (2017).

Produzida em conjunto com Tony Berg e Ethan Gruska, toda a receita do último cover foi destinada ao Local Integration & Family Empowerment Division of the International Institute of Los Angeles, que presta assistência a imigrantes, refugiados e sobreviventes de tráfico humano em suas novas vidas no sul da Califórnia. “Eu não estou lutando por justiça/Eu não estou lutando por liberdade/Eu estou lutando pela minha vida/E mais um dia neste mundo aqui”, canta Bridgers com sua melancolia autoral, amplificando as dores de uma festividade que pode ser tão solitária quanto feliz. – Ayra Mori

Superchunk – Endless Summer

Superchunk está de volta, e com um novo álbum na praça. O quarteto de indie rock formado em 1989 lançou o single Endless Summer, faixa que compõe Wild Loneliness, o novo disco da banda. Quase como uma versão alegre dos Pixies – ou talvez uma versão expandida dos Pixies de Here Comes Your Man –, Superchunk mantém em Endless Summer as guitarras cruas, com poucos efeitos, e dá à letra um tom cantarolável, ao mesmo tempo envolta de uma aura que abraça indivíduos desconfortáveis, abandonados com o fim da onda punk dos anos 1970. 

Mantendo-se fiel ao que sempre foi desde o início – Superchunk (1990) –, o grupo parece manter as letras evocativas, carregadas de críticas muito bem direcionadas – essa, sim, uma herança deixada pelo punk rock –, como na canção What a Time to Be Alive, faixa-título do álbum anterior, carregada de piadas sarcásticas sobre a era Trump.

Wild Loneliness trará diversas participações especiais – incluindo Owen Pallett e Mike Mills, do R.E.M. –, e tem seu lançamento previsto para 25 de fevereiro de 2022. No refrão do novo single, ouvimos Mac McCaughan perguntar: “Este é o ano em que as folhas não perdem a cor?”. Não sei, veremos. – Bruno Andrade

Ruel – GROWING UP IS ____

Como qualquer artista sob os holofotes desde cedo, Ruel precisou crescer também em frente a eles. O cantor britânico-naturalizado-australiano, agora com seus 19 anos, lançou seu primeiro single aos 15 e amadureceu sua sonoridade desde então. Não precisa nem olhar tanto assim para trás, a mudança é perceptível já nos últimos projetos do artista: do primeiro álbum, Free Time, de 2019, até seu lançamento seguinte, o EP Bright Lights, Red Eyes, de 2020, a evolução na musicalidade é perceptível. Não só profissionalmente, mas Ruel também teve de crescer e se entender como pessoa, e, no single GROWING UP IS ____, reflete sobre esse processo.

A canção é o primeiro lançamento do cantor desde o EP de 2020. Ele, no ano distante, usou seu tempo para “descobrir o tipo de pessoa que ele quer ser” e o questionamento acerca do amadurecimento se estende na faixa. “Crescer é estranho, dormir com amigos, quebrar um coração/Questionar tudo que você achava”, ele canta, acompanhado do ritmo intenso da canção. Passando da adolescência para a fase adulta, GROWING UP IS ____  ilumina essa fase de Ruel. – Vitória Lopes Gomez

Ivete Sangalo e Carlinhos Brown – Mexe a Cabeça

Diante de tantas incertezas, esperar por um carnaval à la tempos passados em 2022 parece ser, antes de qualquer coisa, uma ilusão muito ingênua e utópica. Mas isso não quer dizer que precisamos ficar desprovidos de lançamentos musicais característicos, já que festejar sozinhos, em casa, pode se tornar uma necessidade preventiva e um escapismo temporário. É, portanto, totalmente compreensível que Ivete Sangalo e Carlinhos Brown tenham lançado, em dezembro, a parceria Mexe a Cabeça, de qualidade tão boa quanto o sucesso Cadê Dalila, de 2009 – que teve Brown como um dos compositores, e Veveta como intérprete.  

Destacando agora a voz dos dois artistas, o novo single dos cantores baianos foi composto por Ivete Sangalo, Gigi, Ramon Cruz, Radamés Venâncio e Samir Trindade, e adota um espírito genuinamente carnavalesco. Ao lado de Sorte Grande, Flor do Reggae e Festa, por exemplo, Mexe a Cabeça provavelmente carregaria consigo a nostalgia de outros carnavais, mesmo sendo uma música extremamente nova e de repercussão ainda limitada. De qualquer forma, o que nos resta hoje é imaginar como ficaria essa canção no meio de confetes, serpentinas e a muvuca eufórica de um trio elétrico, ou de um salão bem lotado. – Eduardo Rota Hilário 

Lucidayz – Abstinência

Se, por alguma razão, misturassem O Terno com Jorge Ben Jor, não seria difícil afirmar que um de seus possíveis resultados seria algo próximo da canção Abstinência, de Lucidayz. Esse é o nome que recebe o projeto solo do sergipano Samuel Elijah, cujo single marca uma nova fase, mergulhada em referências ao indie rock nacional, e ainda trazendo elementos circenses. Tanto a canção quanto seu videoclipe complementam a narrativa evocada por Elijah, na qual ambos destacam-se pela mistura de expressões artísticas.

Em Abstinência, enxergamos um artista que sabe fazer música, elencando elementos poéticos com certa naturalidade. Seu lado teatral resplandece na própria letra da música, onde ouvimos: “Então ela o seduzia/E o derrotava/Então passavam os dias/Não regenerava”. A grande ironia é que o single, embora esteja recheado de sentido lírico e carregado de referências retrô – o próprio ambiente circense já evoca uma certa marcação temporal –, soe extremamente contemporâneo. – Bruno Andrade

Tame Impala – No Choices

A banda Tame Impala é fã das edições comemorativas e The Slow Rush, quarto registro de estúdio e indicado como Melhor Álbum de Música Alternativa no Grammy 2020, já tem data marcada para ganhar sua versão Deluxe. The Slow Rush Deluxe será lançado dias após o aniversário de dois anos de seu antecessor e incluirá, além das canções originais, versões estendidas, remixes e duas faixas inéditas. Uma dessas b-sides já chegou com antecedência: descartada da edição original do álbum, No Choice lembra as primeiras sonoridades do grupo australiano, como a do álbum de estreia Innerspeaker, e atualiza a essência inicial da Tame Impala. Fazendo a ponte entre as eras da banda, o single, com sua aura envolvente e psicodélica, dialoga também com The Slow Rush. – Vitória Lopes Gomez

Art School Girlfriend – I Would Die 4 U

Por trás do pseudônimo Art School Girlfriend, está Polly Mackey, cantora, compositora, produtora e multi-instrumentista galesa que navega entre a melancolia sufocante de sintetizadores sônicos que imergem o lirismo entranhado de suas composições. “Eu morreria por você”, ela murmura em seu tributo atmosférico de I Would Die 4 U, canção original de Prince. Mas mesmo homenageando o legado real do príncipe da opulência, ela reverte completamente a sonoridade da primeira versão, transfigurando-a numa Purple Rain densa, não mais enérgica.

O primeiro lançamento desde o álbum de estreia Is It Light Where You Are, a faixa carrega as memórias góticas da formação musical de Mackey, introduzida pelo shoegaze e new wave. Sua voz baixa é acompanhada pelos vocais de Marika Hackman, ambos afogados pelos toques eletrônicos de sintetizadores emotivamente sombrios. Ela não se acomoda na sombra do insuperável, igualando-se, com um fascínio etéreo. – Ayra Mori

Rodrigo Alarcon – Rivotril e a Fé

Começar um videoclipe com livros de Hilda Hilst, Angela Davis, Gabriel García Márquez e outros nomes notórios da humanidade não é para qualquer um. Quando essa obra retrata, então, uma música que lembra intensamente a fase mais pop de Rita Lee, a situação acaba melhorando ainda mais. Essa é a realidade de Rivotril e a Fé, novo single solo de Rodrigo Alarcon e também sucessor de Taquetá Vol.1, EP lançado na primeira metade de 2021, ao lado das cantoras Ana Müller e Mariana Froes.   

Com uma letra que faz referências a Gilberto Gil, o mais recente lançamento de Alarcon com certeza recorda que ninguém atravessa a pandemia de modo neutro e intacto. “Me acostumar com a tragédia acima da média/É o novo normal, vão dizer/Eu só queria um abraço, o mais simples contato/Mas nem isso eu tô podendo ter”, diz a composição assinada por Rodrigo, Luiz Bellini e Niela Moura. Curioso é que seu clipe retrô, em formato de propagandas, nem parece retratar as angústias de alguém que viveu um caos inesquecível – o que talvez seja pura ironia. – Eduardo Rota Hilário    

Cássia Eller – Espírito do Som

A Música brasileira nunca mais foi a mesma desde que a voz transcendental de Cássia Eller emudeceu. O fatídico 29 de dezembro de 2001 é lembrado com dor por todos os admiradores da malandra garotinha do rock, que nos deixou no auge de seus 39 anos. Mas, o último mês do ano tem sabor agridoce quando se trata da cantora, isso porque ela também completava sua revolução solar no dia 10. Inesquecível e insuperável, Cássia é diariamente homenageada por sua legião de fãs e seu mês doze não passa despercebido.

Em celebração aos 59 anos da artista, o engenheiro de som Bruno Giorgi restaurou a canção Espírito do Som. A gravação inédita do blues aconteceu em Brasília no ano de 1985, a música integrava o setlist do show Dose Dupla. Junto à voz e ao violão de Cássia está o novo arranjo feito por Chico Chico, filho da cantora e cabeça do projeto. Além do primogênito, Rodrigo Garcia e Pedro Fonseca também fazem parte da banda que acompanha a saudosa Cássia Eller. – Ana Júlia Trevisan

Bad Suns – Peachy

Com o lançamento do quarto álbum da banda Bad Suns se aproximando, Apocalypse Whenever, o título do trabalho, ganhou sua quinta prévia: Peachy é o último dos cinco singles, que vêm sendo disponibilizados desde setembro de 2020. Neste, a banda mantém a aura animada e vivaz das outras faixas do álbum e os destaques são as bases e riffs das guitarras elétricas, que despontam na canção e lembram musicalidades anteriores do grupo, que não estavam tão presentes no último projeto. A estética anos 80 da sonoridade também é refletida no clipe e na capa de Peachy, que, como a Bad Suns anunciou, já é a do Apocalypse Whenever. – Vitória Lopes Gomez

Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia – Amor Nas Estrelas

Para poder realizar a releitura de um sucesso de Nara Leão, um artista precisa ter muito talento, confiança e coragem – e isso é o que não falta para este trio musical super habilidoso. Unidos em novo single, Márcia Tauil, Roberto Menescal e Ana Lélia dão brilho próprio a Amor Nas Estrelas, composição inegavelmente bela de Roberto de Carvalho e Fausto Nilo. E isso ocorre em grande parte por conta do “arranjo inusitado” de Jonatas Pingo, além de alguns versos traduzidos para o Inglês: conjunto de elementos que dá roupagem expressiva e única à canção.           

Sem dúvida, as trocas coesas feitas entre Ana e Márcia transmitem uma suavidade e elegância que nos cativam do início ao fim. Já a participação de Roberto Menescal, nome por trás da guitarra do single, é com certeza um destaque à parte, tendo em mente a inquestionável relevância e contribuição desse artista para grande parte da Música brasileira. Com tantos acertos acumulados, Amor Nas Estrelas torna-se, então, uma dádiva de fim de ano – e ouvir essa obra em primeira mão é um privilégio que agradeço aqui, agora, publicamente e de coração. – Eduardo Rota Hilário

SASAMI – Say It

“Sinto que, quando ouço a música, visualizo uma hot femme com um lança-chamas místico envolto por chamas azuis emocionais, dançando sozinha em uma discoteca industrial no espaço sideral”, é a definição de Sasami Ashworth (a.k.a. SASAMI) sobre Say It, um hino furiosamente dançante que dá sequência às prévias do álbum Squeeze, a ser lançado em fevereiro de 2022. E se na estreia homônima a cantora, compositora e produtora norte-americana já apresentava inclinações sutis ao noise rock, as três faixas do sucessor, anteriormente compartilhadas – The Greatest, Skin a Rat e Sorry Entertainer –, mergulham de cabeça nas distorções claustrofóbicas do metal.

Ashworth se designa como uma divindade folclórica japonesa, Nure-onna, uma serpente com cabeça de mulher sedenta por sangue humano, que reage violentamente contra aqueles que a incomodam. Cresce a atmosfera industrial da percussão estourada sobre a base de uma guitarra suja, construindo uma fúria apocalíptica intensificada por seus vocais sussurrados. “Não quero agonizar, apenas diga”, efervesce Ashworth que proclama uma raiva abismal justa diante da incomunicabilidade de uma outra pessoa. Ela grita, ela quebra o silêncio, ela exige respostas. – Ayra Mori

Alesso e Katy Perry – When I’m Gone

Em uma publicação no Twitter, Katy Perry prometeu dar tudo o que seus fãs queriam em sua nova canção. Com uma pegada eletrônica e dançante, se a cantora cumpriu com o ‘tudo’ ou não, ela certamente garantiu a trilha sonora para uma noite animada. O single, intitulado When I’m Gone, é uma parceria com Alesso e faz parte do repertório de Play, seu show em residência. Junto do DJ e produtor musical e com um videoclipe lançado duas semanas depois, a mistura entre o pop e o EDM do single faz Katy Perry se entregar – com direito a coreografia, troca de figurinos e estética futurista – e entregar uma faixa eletrizante e divertida. – Vitória Lopes Gomez

SZA – I Hate U

Aparentemente, SZA está com raiva de alguém. Aos 32 anos de idade, Solána Imani Rowe, conhecida pelo seu nome artístico, figura no topo das paradas desde sua estreia com Z (2014), seguido pelo aclamado CTRL (2017). Depois de algumas participações especiais em álbuns de colegas – além de possuir uma canção na trilha sonora de Querido Evan Hansen (2021) –, SZA surge com a música I Hate U, single inédito lançado em 3 de dezembro de 2021. 

I Hate U analisa as dificuldades de um término, através de passagens musicais relativamente obscuras. Mas nada soa sombrio – é quase como um desabafo. As afirmações contraditórias (“Eu me sinto tão comum, triste, quando você está perto de mim/Trate-me como veludo cotelê, me desgaste”) mostram a complexidade da voz narrativa – não sabemos ao certo se essa é uma canção totalmente autobiográfica ou apenas uma colcha de retalhos de diversos momentos, vividos ou não por SZA – em entender sua própria condição dentro do relacionamento. A cantora utiliza uma cadência de rap que põe em evidência um fluxo de consciência, novamente acenando para a dificuldade de seus pensamentos. A canção é uma viagem sentimental, e às vezes soa brutalmente sincera. – Bruno Andrade

Mitski – Heat Lightning

Assistimos o retorno de Mitski se debatendo num teatro vazio, vimos toda uma floresta queimar no pulsar nostálgico de sintetizadores eletrônicos e, agora, testemunhamos sua rendição aos relâmpagos das 4 horas. Terceiro single de Laurell Hell, Heat Lightning sustenta a alta expectativa sobre o aguardado sexto álbum. A cada novo lançamento fica mais declarado que o sucessor de Be The Cowboy tem tudo para ser um dos maiores registros de 2022 – assim como seu antecessor em 2018.

Co-escrito com Dan Wilson, a composição de Heat Lightning é um cântico à madrugada. Da insônia, os sentimentos afloram-se, junto da culpa. Aqui, Mitski encontra a maneira de se redimir dessas angústias, flutuando pela instrumentação crepuscular da faixa: “Eu precisava de canções de amor sobre relacionamentos reais que não são lutas de poder a serem vencidas ou perdidas. Eu precisava de músicas que pudessem me ajudar a perdoar os outros e a mim mesmo. Eu cometo erros o tempo todo. Não quero colocar uma fachada de que sou um modelo, mas também não sou uma pessoa ruim. Eu precisava criar esse espaço, principalmente para mim”. – Ayra Mori

Luísa Sonza e Mariah Angeliq – ANACONDA *o* ~~~

Luísa Sonza e seu Doce 22 apareceram em inúmeras – mas inúmeras mesmo – listas de melhores álbuns de 2021. Não à toa, afinal o disco desnuda a montanha-russa que é a compositora. A produção ainda trouxe uma novidade para o cenário fonográfico brasileiro. Ao invés de preparar o terreno com singles e depois lançar o álbum completo, Luísa (gênia!) optou por liberar o álbum com algumas faixas a menos, para serem lançadas mês a mês e ainda render muito açúcar nesse doce.

A faixa da vez foi ANACONDA *o* ~~~. A música, que conta com a participação da norte-americana Mariah Angeliq, foi composta na mesma época que Sonza escreveu Braba. Após um período de maturação, a letra provocativa ganhou espaço na revolução de sentimentos e palavras da cantora. Um dia depois do lançamento de ANACONDA *o* ~~~, foi disponibilizado um videoclipe da mesma no YouTube. – Ana Júlia Trevisan

Clipes

Doja Cat – Woman

Somando 8 indicações ao Grammy 2022 para o aclamado terceiro disco de sua carreira, Planet Her, a cantora e rapper Doja Cat volta para reivindicar seu trono no videoclipe da faixa de abertura do álbum lançado em junho. Depois de 6 meses de espera, Woman, um dos maiores hits do disco, finalmente recebeu merecidamente o seu acompanhamento visual, que traz visuais arrojados para a canção que celebra a feminilidade. 

Reunindo referências afrofuturistas com um toque do Egito Antigo, o clipe abre com um clima seco e escaldante, com direito a cores quentes, luzes alaranjadas e areia. Mas logo na metade, a chegada do rap também marca a chegada da cor azul, da água, e de tons mais escuros. O clipe incorpora bem seus figurinos criativos envolvendo as tranças de Doja, e até raízes de árvores, além da narrativa enigmática, amargada por um discreto mas inconveniente product placement da Beats. – João Batista Signorelli

Joni Mitchell – River

Em 2021, o disco Blue, de Joni Mitchell – cantora oito vezes vencedora do Grammy –, completou 50 anos de existência. Não é exagero afirmar que Blue é um dos álbuns mais marcantes dos anos 1970, e certamente um dos maiores de todos os tempos. Como comemoração ao meio século de vida, a música River ganhou um clipe especial, lançado dois dias antes do Natal. O videoclipe é composto por animações em preto e branco, com passagens que lembram uma tinta em aquarela, que começa a ganhar cor conforme o vídeo se aproxima do fim.

No comunicado que acompanhou o lançamento do single – reproduzido ao final do clipe também –, Mitchell escreveu: “River expressa arrependimento pelo fim de um relacionamento… mas também é sobre estar sozinho na época de Natal. Uma canção de Natal para as pessoas que estão sozinhas no Natal! Precisamos de uma música como essa”. Embora River tenha sido interpretada como uma canção de Natal moderna, retrata, também, o término de um relacionamento, na forma mais singela e íntima possível, de modo que somente Joni Mitchell poderia ter feito. – Bruno Andrade

Billie Eilish – Male Fantasy

Ainda bem que Billie Eilish descobriu outra face da sua arte e, novamente, dirigiu o clipe de Male Fantasy. É incrível que ela viva suas letras, principalmente uma tão melancólica quanto essa, o que deixa a letra em uníssono com a performance desde o primeiro verso. Billie está presa sob o estereótipo social de que mulheres devem satisfazer as fantasias dos homens. 

E esse é um lugar de pura solidão onde qualquer meio de se distrair também reafirma a opressão: Sozinha em casa, tentando não comer/Me distrair com pornografia. Cada canto da casa em que ela senta para refletir seu sofrimento simboliza os becos sem saída que a nossa mente encontra ao tentar escapar das exigências masculinas que alcançam qualquer pedacinho das mulheres. Não há saída. Há apenas a tristeza de existir dessa forma. – Nathália Mendes

Lorde – Leader of a New Regime

California? Secrets from a Girl? The Path? Nada disso! De surpresa, Lorde lançou o curto videoclipe (dirigido pela própria ao lado de Joel Kefali) de Leader of a New Regime, espécie de interlúdio que compõe seu Solar Power, um dos discos mais divisivos de 2021. Não havia maneira melhor de fechar o ano senão presenteando os fãs com imagens luxuosas e contemplativas, à beira-mar.

Na letra, Ella sussurra: “Ninguém, ninguém mesmo, vai ser líder de um novo regime?/Liberte os guardiões do cenário de esgotamento psicológico”. Como o terceiro trabalho de estúdio provou, a figura de Messias divino não cabe mais à Lorde de hoje em dia, mas ela continua sua jornada introspectiva de transformar poesia em melodia. – Vitor Evangelista

Performances

MC Dricka – Gadinho de Faz Tempo – A COLORS SHOW

O último mês do ano também é tempo de conquistas, e uma prova disso é que MC Dricka se consagrou como a primeira funkeira a participar do projeto internacional de Música intitulado COLORS. Para sua apresentação na plataforma musical que divulga talentos e novos artistas de todo o globo, a dona do EP Acompanha resolveu cantar Gadinho de Faz Tempo, single que aborda a inutilidade do sofrimento durante términos de relações – ou, como canta a própria Dricka, “sofrer é coisa de momento”.        

Gravada em estúdio minimalista, de fundo alaranjado, a performance da MC, como era de se esperar, dá destaque total à canção que é apresentada. E não resta dúvida de que ver a sétima personalidade brasileira a ocupar esse espaço é motivo de muita esperança para as Artes nacionais, que merecem atingir o mundo inteiro. No fim, gostando ou não, esta acaba sendo mais uma das inúmeras provas de que o funk brasileiro toma proporções cada vez mais globais – e, por que não, de respeito. – Eduardo Rota Hilário             

Arooj Aftab no Tiny Desk

Dentro das ruínas de um antigo convento no Brooklyn, a voz de Arooj Aftab ecoa como um choro doloroso. A performance conta com a seleção de três canções que integram Vulture Prince, último álbum da paquistanesa radicada em Nova York – listado como um dos melhores do ano de 2021. A voz da musicista, sua banda e, claro, uma mesinha, são suficientes no cenário intimista criado para uma das mais sublimes apresentações do Tiny Desk.

O dedilhar das cordas inauguram Suroor, sem jamais descentralizar os vocais derramados de Aftab. Acompanham-na a harpa celta de Maeve Gilchrist, o violão clássico de Gyan Riley, o violino de Darian Donovan Thomas e Shahzad Ismaily no baixo e sintetizador. Em sequência, Mohabbat se redireciona do groove melancólico anterior, explorando a dor da separação que arde lentamente sobre a delicadeza dos instrumentos: “Essa tristeza se iguala a toda tristeza do mundo”, canta  em urdu.

Aftab conclui sua performance com maestria, entrelaçando a nostalgia tradicional do ghazal às feridas contemporâneas de uma nova geração como uma prece. Saans Lo é sua pungente rendição final. Sua voz ressoa mesmo após os últimos minutos da canção, quando a tela já está preta, em silêncio. Cresce uma solidão estranhamente reconfortante. – Ayra Mori

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Caroline Campos e Vitor Evangelista

Quatro meses atrás, o Persona entrou em contato com o emocionante longa Luana Muniz – Filha da Lua. Naquele agosto, mês que celebra os documentários brasileiros, tivemos a oportunidade de, além de conferir as sutilezas e conhecer a jornada da personagem-título, entrevistar seus dois realizadores. Em uma breve conversa terça-feira antes do almoço, Rian Córdova e Leonardo Menezes relataram desde os processos de criação do filme até o que o futuro os reserva daqui para a frente.

A dupla, que já tem experiência na Arte de documentar a vida de ícones da comunidade queer do país, demorou um pouco para ver Luana Muniz nas telonas, visto que o filme estreou de fato em 2017, no atual Festival LGBTQIA+ do Rio de Janeiro, mas só pôde ser apreciado pelo público em 2021. “A gente sabe um pouco das questões que envolvem o descaso da Secretaria de Cultura Federal em relação a processos da Cultura – o incêndio da Cinemateca é um dos exemplos mais recentes – e a gente fica muito feliz que finalmente o filme vai poder chegar nos cinemas”, conta Leonardo. 

Apesar dessa demora para a concretização do sonho de colocar Muniz no posto de estrela de Cinema, os diretores revelam felicidade diante do crescente número de pessoas trans e travestis em posição de poder no Brasil de 2017 para cá. “Faz a gente relembrar a importância de ter histórias sobre travestis e transgêneros como protagonistas no Cinema nacional”, complementa o cineasta. E se tem algo que Luana Muniz se qualifica como, com certeza é no papel de protagonista. A mulher, que faleceu em 2017 devido a complicações de uma pneumonia, infelizmente não chegou a ver sua trajetória nas telonas, mas, como os relatos que compõem o filme mostram, sua presença será sentida enquanto sua mensagem for compartilhada.

Luana Muniz era comprometida com a verdade, define Rian. A dupla conheceu a artista por conta de sua aparição no Profissão Repórter – onde ela esbravejou pelas ruas cariocas que “travesti não é bagunça!” –, mas eles se aproximaram mesmo no processo de criação do filme Lorna Washington: Sobrevivendo a Supostas Perdas, que colocava foco na jornada da transformista e amiga próxima de Muniz. “A luta dela era por esse reconhecimento de tratamento digno, que por conta do Brasil ser uma sociedade machista e homofóbica, elas passaram, especialmente Luana, por todo esse processo de opressão que as travestis passam no Brasil”. De fato, Luana construiu sua história da maneira que quis.

Sua potente rede de proteção ganha foco ao longo dos quase oitenta minutos do documentário, e como ilustra a direção, foi fundamental para a construção da imagem da mulher. Essa característica se torna até estética, ao passo que Muniz primeiro nos é apresentada por terceiros para só então dar as caras na telona. O cuidado em ouvir esses personagens, em sua maioria mulheres trans e travestis, foi primordial para a produção. Sendo dirigido por dois homens cis, Luana Muniz – Filha da Lua teve o tato de iluminar as mulheres que, assim como a protagonista, batalham por uma vida digna. “Criar uma história coletiva, claro que é sobre a Luana e a vida dela, mas de certa forma é uma história compartilhada pelo fato da Luana ter sido essa referência na vida de tantas e tantos”.

Assim, o que era para ser um filme para homenagear uma vida em plena atividade, se tornou um documentário póstumo que não se acanha em celebrar a trajetória controversa de sua estrela. Como Luana faleceu na reta final das filmagens, Leonardo Menezes e Rian Córdova mudaram os rumos da produção e abriram uma nova leva de gravações para trazer especialmente esse “olhar para trás” das vidas que foram fortalecidas pela artista e, de quebra, não deixar o nome Luana Muniz se perder no limbo da frágil memória brasileira – até porque, para Rian, o interessante é contar histórias novas pouco visibilizadas, e não reproduzir biografias batidas.

E quando se trata de Luana, ambos os realizadores se recordam de sua figura com muito carinho. “Ela não mudava pelo fato da câmera estar ligada ou desligada. Ela era quem ela era, quer você goste ou não”, relembra Leonardo, enquanto Rian complementa: “Eu acho que ela ficaria orgulhosa e feliz de ver que a força dela inspira tantas pessoas ainda. A Luana vive de fato uma saga de heroína onde a gente fica torcendo para que ela vença no final”. Seja pela alcunha de Filha da Lua, Rainha da Lapa ou Guardiã das Travestis, o fato é que resgatar a memória de Luana Muniz em pleno 2021, no país que mais mata pessoas trans do mundo, é um ato de coragem e uma reafirmação da importância histórica da dona daquele Casarão rosa na avenida Mem de Sá.

Pesquisando, a gente se deparou com o documentário Lorna Washington: Sobrevivendo a Supostas Perdas, também dirigido por vocês dois. Como funciona esse trabalho em equipe? Como vocês separam as tarefas?

Leonardo: “É um trabalho complementar, eu assumo as partes técnicas, gravação, montagem final, e o Rian faz a parte de idealização do roteiro, contatos, pré-entrevistas. Nos dois filmes, Rian ficou mais com o roteiro, e depois nós comentávamos como seria a narrativa presente no filme, com se encaixam os momentos. Fazer a Luana aparecer no filme um pouco tarde depois das pessoas falarem sobre ela; fazer esse recorte cronológico no filme, primeiro conhecer ela e depois sua história e ver os impactos na vida dos outros. Nos dividimos, sempre alguém está fazendo algo mas enquanto cinema independente nós dividimos tarefas”.

Se vocês pudessem escolher alguma outra figura marcante para documentar, qual seria e por quê?

Leonardo: “Vou misturar um pouco das duas na resposta. Agora, a gente está olhando para projetos que retratam mais coletivos e grupos do que especificamente uma pessoa. A gente está olhando, por exemplo, para um projeto sobre relação entre gerações LGBT, então a gente está retratando isso com filmes, e a gente já captou grande parte do material. Até porque a pandemia deixou isso um pouco mais difícil. Então a gente gravou tanto no La Cueva, era a balada mais antiga do Brasil, que a gente espera que reabra, está fechada há quase um ano e meio, é uma balada que existe desde 1964 aqui no Rio e era majoritariamente frequentada por pessoas mais idosas, LGBT, então claro é um espaço que requer todo um cuidado nessa reabertura que a gente espera que reabram. Lá, aconteceu as primeiras edições da festa V de Viadão, uma festa majoritariamente mais jovem, com pessoas em torno de vinte e poucos anos, mas as primeira edições foram no La Cueva, então tinha essa mistura entre pessoas de vinte e poucos anos com pessoas de sessenta, setenta anos, na mesma festa, e a gente achava isso muito interessante, de poder retratar essa intergeracionalidade LGBT, até porque pouco se fala sobre a terceira idade LGBT. Então mostrar isso numa conexão com frequentadores mais jovens.”

Quais são seus próximos passos, em dupla ou individuais?

Leonardo: “Outro que a gente também está olhando é para a cena transformista do Rio de Janeiro na época pré-pandemia, faz uma relação também intergeracional entre a Turma OK, que é um clube LGBT muito antigo, desde a década de 50 existe aqui no Rio, ainda em funcionamento, depois da estreia vamos para lá foi vai ter uma apresentação da Lorna em homenagem a Luana Muniz, e ao mesmo tempo a gente vai mostrar o Drag-se que é um movimento de drags que começou no início da década passada aqui no Rio e elas também se apresentavam muito no a Turma OK, então a gente vai cruzar essas histórias, e o movimento entre as drags mais antigas e as drags mais recentes. 

E a gente está também tocando um projeto sobre a revista Sui Generis, que foi uma revista LGBT que estreou na década de 90, ficou dez anos publicando e teve diferentes personalidades na capa, como Renato Russo, Marina Lima, Cássia Eller, Pedro Almodóvar, por aí vai, então a gente quer retratar um pouco desses bastidores da cena LGBT dos anos 90, que se fala muito, já tem filmes que retratam cena LGBT dos anos 60, São Paulo em Hi-Fi, a década de 70, Dzi Croquette, anos 80, mas sobre os anos 90 ainda tem poucos então a gente está tentando mais esses projetos”. 

Luana Muniz – Filha da Lua passou pelos cinemas brasileiros no segundo semestre de 2021.

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Vitor Evangelista

RuPaul, por favor, está demais! Sem folga, a máquina Drag Race mastigou e nos entregou mais uma edição de sua infinita coleção de franquias. Dessa vez, é hora de analisar a segunda temporada de Drag Race Holland, uma das primas europeias do show. Setembro de 2021, mês de encerramento desse ciclo, foi histórico para a comunidade trans, que assistiu a duas mulheres serem coroadas como as Próximas Super Estrelas Drags. Kylie bradou vitória na América, enquanto a Holanda foi o lugar do triunfo de Vanessa Van Cartier.

Mãe drag de Envy Peru, a vencedora do ano passado, Vanessa se tornou a terceira mulher trans vencedora de Drag Race, a primeira belga e a primeira mulher a ganhar na Europa. Um amor de pessoa, centrada, boa nos desafios e com visuais impecáveis na passarela, Cartier fez por merecer seu local no hall das grandiosas, por mais que a temporada que a colocou lá sofreu um bocado com sabotagens, roubalheiras e julgamentos nada fundamentados. 

Uma das primeiras mulheres trans a competir no antigo continente, Vanessa abriu o coração durante os oito extensos e intensos capítulos, ocasionalmente tomando os holofotes, por sua história de vida e sua posição quanto ao ódio que recebeu ao longo da transição, e o período das cirurgias. Protagonista nata de Drag Race Holland, no episódio do Makeover (quando as meninas moldam alguém à sua imagem), Vanessa recebeu o parceiro como tela em branco e protagonizou uma das histórias de amor mais lindas captadas pelas câmeras da franquia de RuPaul.

Quem acabou com a medalha de prata foi a sempre polida My Little Puny. Competente e completa, o que acabou lhe tirando o Cetro e o cheque foi a falta de uma narrativa forte dentro da Corrida, o que, nos últimos anos, se mostrou um fator importantíssimo para a finalização do ciclo de Drag Race. O pico de Puny aconteceu na passarela em que homenageou o pai, um famoso cartunista holandês que faleceu por complicações do alcoolismo. Eternizada por uma interpretação carregada de paixão e dor da drag queen, a mensagem de cura e carinho do reality show foi perpassada através da figura paterna da competidora.

O que Puny tinha de merecedora da Final, a terceira integrante do pódio tinha de ladra. A jovem Vivaldi, embora trouxesse um ar de frescor para a arte drag, se mostrou indisciplinada e delinquente ao esconder um celular nas malas e usá-lo ao longo da competição, algo expressamente proibido pelas regras do programa. Quando confrontada pela futura vencedora Vanessa, Vivaldi perdeu o chão e borrou as calças, com medo da represália.

Essa que não veio de modo algum, já que o apresentador Fred Van Leer deu bronca nela no palco, mas, mesmo assim, não lhe disse Sashay Away, mantendo a trambiqueira no páreo. Sem o pulso firme de RuPaul (que anos atrás mandou Willam, uma das candidatas à Coroa, embora depois de burlar as regras), Fred e Drag Race Holland mostraram na prática que estão longe da seriedade de Mama Ru. O que é uma pena, considerando que esse ano na Holanda demonstrou mais controle e noção de como sua Corrida das Loucas deve se moldar.

Menos caótico que o ano inicial, 2021 escalou um elenco muito mais talentoso e carismático que antes, com tanto talento que a favorita ao prêmio teve de ser eliminada antes da Final, tudo para que o caminho de Cartier fosse fácil e brilhante com a trajetória de Dorothy pelas ruas de Oz. Keta Minaj, a vencedora moral de Drag Race Holland, viu seu favoritismo na forma de 3 insígnias ir pela descarga ao ser mandada embora em detrimento da permanência de Vivaldi que, reiterando, havia quebrado as regras de isolamento do programa na semana anterior. 

Eliminada também contra Vivaldi, a Miss Simpatia Tabitha começou a temporada mandando sinais confusos. De primeira, a veterana se mostrou contra a participação de uma mulher trans na Corrida, repetindo o mesmo tipo de comentário que a própria RuPaul destilava um par de anos atrás. Porém, a ilha de edição do show parece ter apagado qualquer traço de preconceito nas filmagens do confessionário da drag, que embora fosse um tanto amarga com o elenco, encontrou o meio-termo entre o elogio e a crítica ácida.

Sua trajetória pode não ter sido a mais polida e consistente no quesito visuais, mas a diversidade artística do elenco da temporada dois fez bonito e não deixou faltar nenhum “arquétipo drag”. Nas passarelas, The Countess inspirava e surpreendia toda semana. Sua falta de habilidade na atuação e na comédia, todavia, acabou naufragando uma jornada mediana. Também empregada de Fred em 2020, a loira foi poupada em uma Dublagem nada inspirada contra Ivy-Elise Monroe, em mais uma das roubadas do apresentador.

Salvando The Countess pelo histórico na competição, Fred mostrou ser mestre em usar dois pesos e duas medidas. Quando uma Keta Minaj, com 3 insígnias pesando no peito, foi eliminada perante uma desrespeitosa e cheia de críticas negativas Vivaldi, o track record não foi fator determinante. Mas, quando a favorecida era uma colega sua, uma drag branca e magra, e a eliminada era uma das únicas competidoras asiáticas da franquia, a resposta foi mandar embora a segunda, dando desculpas esfarrapadas.

Ivy-Elise é da família de Miss Abby OMG, competidora de 2020 e a primeira brasileira participante de Drag Race. Assim como sua parente, Ivy desapontou na performance e, o que Abby tinha de confiança, a irmã esbanjava em medo e temor. Afinal, boas Dublagens não salvam alguém que falha consecutivamente em todas as demais tarefas que o programa repassa. 

A falha também manchou a segurança de Love Masisi, filha drag de Vivacious e primeira haitiana a competir em Drag Race, eliminando-a após uma performance nada cômica de Grace Jones no Snatch Game. Para piorar, na hora de provar que sabia todas as palavras e se livrar da eliminação, Masisi insistiu em manter uma máscara que cobria o rosto, quase impossibilitando os jurados de avaliarem sua sincronia labial. Sem um momento à la Valentina, Fred anunciou, sem surpresas, que Love Masisi partiria da competição.

A jovem Reggy B parecia ter fogo em suas performances energéticas, mas, diferente de The Countess e Vivaldi, a juventude e o estranhamento do ambiente competitivo acabaram eliminando-a logo na segunda semana. O posto de primeira exilada da ilha ficou com Juicy Kutoure, presa na armadilha de um Show de Talentos ruim. A mudança na habitual passarela de apresentação cultural (normalmente um look inspirado em sua cidade natal) deu um choque nas competidoras, forçadas a saírem da zona de conforto logo na estreia.

Como um todo, a segunda temporada de Drag Race Holland soube remendar os erros crassos de 2020. Ciente de seu papel dentro da franquia, o filhote de Fred Van Leer agora empolga pelos motivos certos (visuais de cair o queixo e humor pontual), por mais que a imparcialidade dos jurados acabe tostando a paciência de quem assiste mais uma das zilhões de séries que carregam o legado de RuPaul Charles. 

Entre um elenco que misturou a moçada com as experientes, sai coroada Van Cartier, alguém que, sem dúvidas, tem todas as ferramentas para usar essa plataforma para melhorar e muito o mundo artístico e também o social. Na Dublagem pela Coroa, ao som de This Is My Life de Shirley Bassey, a vida se curvou à poesia do amor. Vestida como uma guerreira Amazona, Vanessa celebrou a mulher que é, libertando-se de todas as violências impostas à ela e, no processo, sendo festejada, exaltada e eternizada.

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Vitor Evangelista

De cara, não tem como mentir: escrever sobre RuPaul’s Drag Race é uma tarefa e tanto. Afinal, são horas e horas de episódios extensos, sem contar o Untucked e seus bastidores, os programas de recapitulação (oficiais e não-oficiais) e, é claro, a internet. As drag queens presentes nas temporadas são pessoas de verdade, tem dramas, conquistas e presença forte no mundo real, sempre expandindo a narrativa do programa para além dos televisores. 2021 se empanturrou da Corrida das Loucas e, depois de viajar da Espanha à Oceania, Mama Ru olha para as segundas chances dentro da América, no sensacional All Stars 6.

Desde a reformulação do formato em 2016 e da exibição da segunda edição do spin-off estadunidense, a ideia da redenção das rainhas perdedoras não se saia tão bem. A receita de 2021 foi escalar um elenco mediano (em termos de histórico na Corrida original), maior que o habitual (13 queens, ao invés das costumeiras 10), sem qualquer grande favorita dos fãs (Gottmik e Gigi Goode, estamos esperando por vocês) e preencher os episódios com espontaneidade e imprevisibilidade.

O resultado foi o melhor All Stars desde a saga de Alaska. A coroação de Kylie Sonique Love, uma drag originalmente da 2ª temporada, apenas atesta o verdadeiro efeito benéfico da competição paralela e seu poder imensurável de redenção, conquista e entrega. Ao vencer a Coroa, o Cetro e os cem mil dólares, Kylie se tornou a segunda mulher trans vitoriosa de Drag Race, e a primeira a ser coroada pela própria RuPaul. Um feito e tanto para quem, anos atrás, debochava de pessoas trans e declarou que nunca autorizaria a entrada delas na competição.

Mas se engana quem pensa que Mama Ru realmente mudou seu pensamento arcaico e preconceituoso. Ela só aprendeu a domá-lo. No ano em que Drag Race abriu ainda mais as portas ao mundo, fazendo ponte aérea da América do Norte à Oceania, RuPaul Charles entendeu que pessoas queer, sempre presentes na cena drag do mundo real, deveriam enfim ser bem-vindas à cena drag de seu reality show. 

Por isso, grandes nomes de 2021, como Gottmik, Inti, Vanessa Van Cartier, Bimini Bon-Boulash e a própria Kylie Sonique se tornaram grandes estrelas na competição e na mídia. Já era hora de pessoas trans ou não-binárias receberem seus holofotes de direito. A vencedora pode não ter tido a Corrida mais impecável em termos de vitórias, mas o triunfo de Kylie mostra a visão cada vez mais clara que o All Stars diz muito mais respeito ao passado (ou a um acerto de contas), do que uma condecoração atual. Se fossemos julgar a trajetória de agora, Ra’Jah O’Hara estaria cem mil dólares mais rica, sem dúvida alguma. 

Ano passado, o All Stars 5 introduziu novos conceitos na produção, mas a escalação de um elenco mela-cueca acabou com qualquer chance de êxito. Dessa vez, a equipe de produção cavou bem na mitologia de Drag Race e trouxe de volta 13 rainhas de renome (ou quase). Kylie Sonique Love foi eliminada no quarto episódio de uma temporada exibida em 2009. Lá, ela se revelou uma mulher trans no Reunited e, desde então, mudou de nome e construiu sua carreira como um ícone na comunidade e alguém que abraçou o holofote da competição, colhendo frutos que foram além de sua péssima performance no Snatch Game original e seu ótimo Lip Sync de Two of Hearts.

A única vitória dela no AS6 aconteceu no episódio seis (quebrando a tradição da vencedora sempre ser Top nos cinco primeiros desafios), num momento inédito em quase quinze anos de programa. No desafio de atuação que parodiava as obras de Ryan Murphy (RuMerican Horror Story: Coven Girls!), Kylie ficou com o papel da Suprema Jessica Lange e, presa em sua própria cabeça, foi ajudada por Michelle Visage. 

A jurada se levantou da cadeira de direção e mostrou na prática o que Sonique deveria fazer e como fazê-lo. É claro que sua trajetória foi além da mãozinha que recebeu de Visage no único episódio em que ganhou, fato é que Kylie já chegou no All Stars 6 com pinta de vencedora. Ao entrar no Ateliê, vestida de vermelho látex e com a peruca loira característica, ela ousou: “Ooh garota… Chegou uma mulher!” (Ooh girl, you got female). 

A frase foi uma alusão direta ao chamado das queens no começo da série original, recepcionadas por um “Girl, you got she-mail”, antes de Ru passar a tarefa do dia. She-mail, em inglês um trocadilho para o e-mail (correio eletrônico), também usava a sonoridade para fazer graça do termo shemale, que é pejorativo às pessoas trans. Ao retornar para a competição exorcizando esse demônio, Sonique virou a página de um passado transfóbico de RuPaul. À partir da sétima temporada, o “She-mail” foi substituído, depois de várias pessoas trans repudiarem o termo usado no programa de TV. 

Quando o assunto é uma boa segunda impressão, Ra’Jah O’Hara deve estar presente na conversa. A drag queen, originalmente parte do elenco da 11ª temporada, passou de vilã para favorita dos fãs. Seu histórico passado era de uma pessoa raivosa, cheia de opiniões e nem um pouco solícita a ouvir aqueles em seu redor. A volta por cima veio, com ela vencendo 2 desafios, entregando visuais de cair o queixo e assumindo o posto de narradora da season.

O carisma de Ra’Jah alavancou sua persona, que tinha tudo para vencer a Coroa se não fosse o imediatismo (e o atraso) da franquia em colocar uma mulher trans no panteão das drags vitoriosas. Porém, como os anos de Drag Race provaram à exaustão, não é preciso um Cetro no braço para que alguém colha os louros de uma passagem magnânima pela TV (ou nesse caso, streaming, já que o All Stars 6 foi exibido pelo novíssimo Paramount+).

A redenção de Ra’Jah é a maior na história do programa, que tem o histórico de continuar odiando suas vilãs (como Jaremi e Gia Gunn), ou relegá-las ao ostracismo de uma corrida ruim (Roxxxy Andrews). A doce competidora que adotou o roxo como sua cor de assinatura confeccionou todas as roupas que levou, foi o maior destaque do Show de Variedades no número do vestido feito em 1 minuto e venceu 2 desafios de costura (com os visuais excelentes do Baile Azul e a fantasia burlesca do Drag Tots). 

Além de seguir à risca os conselhos de Ru, em principal no Snatch Game na pele de LaToya Jackson e no Pink Table Talk, Ra’Jah abriu o coração e falou sobre temas sensíveis envolvendo a infância e a relação com a mãe. Ela é a figura mais brilhante do All Stars 6 simplesmente por cumprir a tabela do que uma temporada de Grandes Estrelas significa. Chegando com fama de maldita, surpreendeu episódio atrás de episódio, mostrando que momentos ruins não nos definem.

Quem experienciou um diferente tipo de redenção foi Ginger Minj. Retornando para sua terceira tentativa de vencer o prêmio, a Sapa Fashion se tornou a primeira drag queen a participar de duas temporadas diferentes do All Stars já nesse formato definitivo de eliminações por batons. Depois de quase ser coroada no lugar de Violet Chachki, Minj competiu no AS2, onde saiu pela porta dos fundos. Nessa volta triunfal ao Ateliê, ela revelou que, em 2016, não estava pronta para competir novamente, e se sentiu obrigada a fazê-lo. Agora, cinco anos mais tarde, ela brilhou.

Vencendo o Snatch Game imitando Phyllis Diller e o Desafio de Leitura, Minj ainda impressionou com o Lip Sync de Phone, da Lizzo, e acabou enriquecendo muito depois de vencer as Batalhas de Dublagem. Pelas 2 que ganhou, faturou 50 mil dólares, metade do valor do prêmio da temporada. Porém, na 3ª tentativa de ganhar a Coroa, Ginger Minj não se mostrou muito diferente do que foi no passado: uma drag engraçadíssima, com olhar certeiro para o humor e um gosto engessado na Moda. No All Stars 6, ela vestiu roupas elegantes e inesperadas, mas nada que justificasse sua vitória. Depois de Shangela, Manila, Latrice e Jujubee, Ginger provou que a terceira vez não dá certo para ninguém.

A derrota em dose tripla também foi sentida por Eureka! Com ponto de exclamação e tudo, a drag tirou o O’Hara do nome, mas continuou sendo a Rainha Elefante de sempre. Espalhafatosa, falastrona e extremamente amável e carismática, a agora estrela da HBO tentou a todo custo impressionar RuPaul e os jurados, mas a falta de vitórias acabou manchando qualquer chance de sentir o peso da Coroa na cabeça. Sua surpreendente eliminação na semifinal foi um dos momentos de maior tensão da temporada, mas o escape do “joguinho” trouxe alívio para alguns, e frustração para tantos outros.

Anunciada logo no trailer do All Stars, a nova dinâmica da competição aparecia em todo final de capítulo, com a drag eliminada da semana sendo tentada com a possibilidade de retornar à competição. Acontece que, nove semanas à dentro, “o jogo dentro do jogo” demorou tempo demais para tomar parte na narrativa. Baseado em nada mais, nada menos, na famosa Ruvenge (quando uma queen retorna à competição e outra sai), o game within a game se mostrou uma injustiça descabida. Por muitos fatores.

O Rudemption Lip-Sync Smackdown, como foi carinhosamente batizado, aconteceu no décimo episódio, e constituía-se de uma Batalha, ao melhor estilo Mortal Kombat. Ao contrário dos Fatalities do jogo original, em Drag Race as competidoras eliminadas iam se enfrentando, duas de cada vez, pelo prêmio de voltar à Corrida. As dublagens, diferente do que rolou no LaLaRaRuZa do All Stars 4, aconteceram durante a temporada, às escondidas. Então, semana seguida de semana, depois que o episódio normal “acabava”, rolava um Lip Sync.

E no All Stars 6, Lip Sync é sinônimo de Silky Nutmeg Ganache. A drag da season 11 passou por muito apuro desde sua temporada original, ganhando fama de mal educada, nada trabalhadora e difícil de conviver. Na volta ao Ateliê, a Doctor Reverend se mostrava acuada, quietinha e nada parecida com a personalidade falastrona que colocou Miley Cyrus nas costas brincando de cavalinho segundos depois de reconhecer o disfarce da cantora.

Refém de como o público a receberia dessa vez, Ganache foi eliminada logo na terceira semana, em um dos momentos mais chocantes da temporada. Não que sua performance até então tivesse sido digna de permanecer na competição, mas a saída prematura de um ícone (por bem ou mal) de Drag Race como Silky mostrou que o All Stars 6 não estava para brincadeira. E seu retorno na Batalha de Lip Syncs criou um universo inédito na franquia até então.

Claro que o formato, por si só, já era novíssimo, mas a trajetória de Silky no episódio foi o bastante para quebrar a internet. Adversária atrás de adversária, ela ia derrotando todo mundo. Silky mandou Jiggly, Yara, A’keria, Scarlet, Jan e Pandora para casa, totalizando seis Dublagens vencidas na sequência. O número de Barbie Girl, onde batalhou sozinha visto a desistência de Davenport, se concretiza como um dos mais memoráveis da mitologia de RuPaul. 

De forma geral, o capítulo do Rudemption Lip-Sync Smackdown foi um balde de entusiasmo na temporada (e em Drag Race como um todo), além de ser o episódio mais legal em anos da repetitiva franquia de RuPaul Charles. Quem diria que Silky Nutmeg Ganache, que recebeu um “Meh” da apresentadora depois de desapontar ao som de No Scrubs, se tornaria uma lenda das dublagens em 2021? Quando sua maré de sorte acabou, um gosto agridoce ficou na boca, mas Silky dificilmente continuaria até a Final como Eureka! o fez, fechando sua jornada de retorno à Corrida em uma nota alta e de louvor, mesmo com a derrota ao som de Since U Been Gone. 

Depois do retorno nada surpreendente de Eureka! à competição, quem caiu na armadilha da eliminação foi Trinity K. Bonet. Original da 6ª temporada e uma das queens mais amadas do público, TKB encarou o All Stars com respeito, tanto pela grandiosidade da competição, quanto por si mesma, entendendo seus limites, forças e fraquezas. O que acarretou em um histórico colorido, com 2 importantes vitórias e 4 aparições nas Piores da Semana. Esse último fator acabou sendo decisivo no momento de sua injusta, dolorida e criminosa saída do Ateliê.

Muitos anos depois de ganhar o título de Assassina de Dublagens, TKB encontrou espaço para colocar a pauta da HIV na tela do maior programa LGBTQIA+ do mundo, educando a audiência e mostrando na prática como é viver com o vírus. Em adição aos temas que discutiu, a drag de Atlanta surpreendeu com visuais arrojados (a reedição do visual da promo da season 6), performances avassaladoras (a Beyoncé no Rusical) e o melhor Lip Sync da temporada, contra Laganja Estranja ao som de Physical de Dua Lipa.

Quem não brilhou em nada, porém, foi Pandora Boxx, outra das drags do clube da 3ª vez competindo. A primeira rainha de comédia da franquia retornou apática e não conseguiu vencer um único desafio, sendo eliminada no episódio que a santificou lá em 2009, o Snatch Game. Fosse essa qualquer outra temporada, Pandora receberia a bota logo de cara, mas a produção manteve-a no páreo, dando deixas importantes para que a veterana performasse suas qualidades mais notáveis (em especial a personificação de Carol Channing no Rusical e a atuação carregada como Myrtle Snow em RuMerican Horror Story).

No grupo das sabotadas, não tem ninguém mais injustiçada que a coitada da Jan. Recém-expelida da 12ª temporada, ela voltou com sede ao pote mas pecou na primeira regra do All Stars: sem tempo de se assistir na TV em 2020 e, consequentemente, aprender com os erros, Jan pisou no Ateliê para cair nas mesmas iscas que a fez perder contra Gigi Goode e Jaida Essence Hall no ano passado. Finalmente quebrando seu ciclo vicioso de derrotas e saindo como a Top das Tops no Rusical do Super Bowl, Jan assistiu sua “narrativa” dentro do AS acabar antes mesmo da metade, o que nunca é bom sinal.

Sinal esse captado por A’keria C. Davenport, que falhou em uma porção de desafios e, quando ofertada com a possibilidade de retornar, decidiu pela recusa. Parte de vencer e obter sucesso em Drag Race repousa na saúde mental de quem compete (como Veronica Green bem provou em sua participação relâmpago no UK 3). A escolha de Davenport demonstra a ciência de queen de suas próprias limitações, o que não a impediu de entregar passarelas de outro mundo, nunca decepcionando neste quesito. 

Se A’keria conseguiu chegar à Final da 11ª temporada para não passar da metade aqui, Scarlet Envy mal cruzou a linha de chegada em suas duas participações no show. Ocasionalmente feita de tonta, a drag de NY foi julgada como salva semanas seguidas só para ter seu batom escolhido em um desafio onde não merecia ser mandada embora. Ao lado de Jan, Envy provou que RuPaul tem suas favoritas e suas desprezadas. O que é uma pena, considerando seu ponto de vista artístico e os visuais que apresentou no All Stars 6.

Yara Sofia retornou, ajudando a apagar da memória do público o pavoroso All Stars 1, mas não tinha muito a fazer. Assim como Jiggly Caliente, a segunda mulher trans a integrar o elenco de 2021, um recorde para a franquia. Refém de sua péssima habilidade como costureira, ela foi mandada embora logo na estreia, no segundo capítulo da premiere dupla. O posto de primeira a sair, porém, ficou com a Mãe Peruca, Serena ChaCha. 

Proveniente da 5ª temporada (e também humilhada lá), a drag queen retornou como saco de pancadas mais uma vez. Sem qualquer chance de triunfar em Drag Race, sua performance confusa no Show de Variedades apenas esclareceu para os desavisados o quão complicada a Corrida é: em um único deslize, percepções antigas de sua Corrida original podem ser um fator decisivo na hora de escolher o batom eliminatório. Além, é claro, de protagonizar uma polêmica fora das telas com A’keria. 

A melhor edição de Grandes Estrelas desde 2016 não consegue este posto por acaso. Para além de um Show de Variedades (note como o nome não tem mais “Talento”), e de eliminações injustas (Scarlet, Jan e Trinity), o All Stars 6 soube entregar o que falta há muito em Drag Race: imprevisibilidade. Seja na brilhante corrida de Symone, no carisma monstruoso de Lawrence Chaney, nos crimes das finalistas de Down Under e no fogo de Carmen Farala, a franquia tem pecado em construir tensão e dúvida no percurso de coroar uma de suas participantes. 

Com a vitória de Kylie, em adição ao marco para a comunidade trans e a recompensa à uma das figuras mais antigas do show, a equipe de produção mostra que o All Stars pode e deve ser concorrido, maluco, delicioso de acompanhar e um bocado emblemático. O elenco esticado e o número inchado de capítulos pode ter causado um cansaço desnecessário, mas a concretização de uma Final com direito à música country, entrevistas emocionantes e um escorregão transformado em cambalhota fez tudo valer a pena.

A escalação de um elenco sem grandes favoritas foi um acerto; o maior senso de justiça possível na hora das liberações foi um acerto; mas a performance incrível e redentora de Ra’Jah O’Hara foi O acerto. O All Stars conseguiu abençoar até as Lip Sync Assassins, estendendo sua aura de cura e recomeço frente aos fãs para drags como Laganja Estranja, Coco Montrese, Brooke Lynn Hytes, Jessica Wild e até Mayhem Miller. 

Para o futuro, que RuPaul saiba escolher suas rainhas, que RuPaul não force narrativas ou fabrique vencedoras e que RuPaul mande o Snath Game of Love para o Inferno. Com uma possível promessa da aguardada temporada que reúne apenas antigas vencedoras, um Grandes Estrelas Internacional e mais uma porrada de spin-offs estrangeiros em produção, RuPaul’s Drag Race vai muito bem, obrigado, e o All Stars vai melhor ainda. 

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Vitor Evangelista

Dividido entre a Competição Novos Diretores e a Mostra Brasil, o documentário Transversais é um dos filmes imperdíveis da frutífera seleção da 45ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo. Coletando depoimentos e a vivência de 5 pessoas residentes do Ceará que tem contato com as vivências trans, a produção escrita e dirigida por Émerson Maranhão dá protagonismo à comunidade que é constantemente ignorada pela Arte.

É claro que, em anos recentes, houve uma crescente no nível de produções protagonizadas por pessoas trans, mas essa movimentação ainda não se mostra o bastante para que esses indivíduos se sintam vistos, ouvidos, representados. Quem diz isso é Lara, menina trans filha de Mara Beatriz, mulher cis que viu seu mundo se transformar quando a garota começou a transição.

Única pessoa cisgênero entrevistada em Transversais, a identidade protetora de Mara é uma asa de acolhimento para a filha para com o mundo e com quem assiste aos quase noventa minutos do documentário. Sem expor a adolescente, Maranhão primeiro nos aclima na situação familiar de Lara, mostrando pelas palavras da mãe a maneira como sua identidade de gênero se reflete na dinâmica da casa. Mais tarde, o diretor convida para falar o pai, que mantém essa rede de proteção, denotando o papel dos indivíduo cis na luta por diretos da comunidade.

Comunidade essa muito bem representada pelos 4 entrevistados que compõe, junto de Mara, o quinteto fantástico de Transversais. Samilla Marques é funcionária pública, Erikah Alcântara é professora, Caio José é enfermeiro e Kaio Lemos é antropólogo. Essas pessoas, todas trans, sentam-se frente às lentes de Juno Braga e Linga Acácio e abrem o coração, detalhando o processo de autodescobrimento, relações familiares, amorosas, de trabalho. Tudo o que faz delas o que são.

Transversais, no exercício de dar voz à letra T da comunidade LGBTQIA+, mostra esses indivíduos na íntegra: pessoas comuns, que acordam cedo, vão trabalhar, almoçam, tomam banho e andam de bicicleta. As brechas que recheiam o roteiro, construído inteiramente por cima da fala dos entrevistados, são questões de militância, de revolta e da luta por direitos. 

Mas, a riqueza mora nas particularidades de cada história. Seja por um episódio de expulsão escolar sofrido por Lara, seja na relação de uma das entrevistadas com o falecimento da mãe, o filme se aprofunda em lágrimas carregadas e em olhares implícitos. Sem a necessidade de fazer quem assiste chorar pelo espetáculo da tristeza que estampa capas de jornais, Transversais se dá bem por, finalmente na mídia e na Arte, tratar pessoas trans como pessoas, sem estereótipos, estigmas ou qualquer tipo de narrativa fabricada.

É fato que se o filme estendesse sua duração e explorasse com maior profundidade as rotinas de cada um dos entrevistados, o resultado seria ainda mais positivo. Mas, considerando o plano geral da Cultura no Brasil e o tratamento que as pessoas trans recebem, a mera existência de Transversais, que engatinha a inserção desses indivíduos nas telonas, já é um presente e uma dádiva. 

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Caroline Campos e Vitor Evangelista

Luana Muniz viveu uma vida coletiva. Isso não é apenas dito, mas também mostrado pelo filme que carrega, além de seu nome, uma alcunha muito singular: Filha da Lua. Travesti, ativista, atriz, prostituta e Rainha da Lapa. Bocuda, intensa, carismática e protetora. Sob as lentes de Rian Córdova e Leonardo Menezes, o mundo conhece e se despede daquela que já deveria estar marcada na memória de um país ensinado a odiar minorias. 

No mês em que é celebrado o Dia do Documentário Brasileiro, Luana Muniz – Filha da Lua busca o sóbrio no lugar do quimérico. Unidos na direção, os cineastas revisitam momentos da vida da artista, partindo do hoje para retomar as cicatrizes que formaram a armadura dessa guardiã da comunidade LGBTQIA+. Mas se engana quem pensa que os 78 minutos de rodagem pintam Luana como uma santa padroeira.

Longe do lugar comum em que aterrissam os filmes póstumos, o longa abraça todas as facetas da impressionante mulher, que ficou famosa uma década atrás quando desceu a porrada em um cliente e bradou a frase que ganhou as manchetes da Globo: “travesti não é bagunça!”. O texto de Córdova mantém a objetividade acima do floreio ao escrever a figura de Luana em um trabalho quase jornalístico, buscando fontes e guiando-as em entrevistas precisas e complementares entre si. 

O material começou a ser angariado quando a dupla de diretores filmava Lorna Washington: Sobrevivendo a Supostas Perdas, documentário de 2016 que estrela aquela que foi a maior parceira de palco de Luana Muniz. A partir daí, os órfãos de coração da icônica Rainha da Lapa tentam colocar em palavras quem, de fato, foi a mulher que acolheu, guiou e, quando necessário, meteu o cacete em quem cruzava seu caminho. Apesar do leque rico de entrevistados, é Luana quem conta sua própria história. Antes de falecer, em 2017, a artista eternizou nas câmeras de Rian Córdova e Leonardo Menezes um pouco do caminho inóspito, agressivo e desafiador que precisou enfrentar. 

Antes de ter sido a “travesti que posou ao lado do Padre Fábio de Melo”, Luana Muniz foi presidente da Associação dos Profissionais do Sexo do Gênero Travesti, Transexuais e Transformistas do Rio de Janeiro, fundadora do Projeto Damas, que capacita pessoas trans para o mercado de trabalho, e dona do Casarão rosa localizado na Av. Mém de Sá, nº 100. Foi em seu palácio da Lapa que a mulher se tornou uma mãe para a população vulnerável que o habitava. Prostitutas, pessoas soropositivas, membros da comunidade LGBTQIA+, pessoas em situação de rua – resgatar a memória de Luana é resgatar a memória de cada um.

O que Luana Muniz – Filha da Lua economiza em técnicas cinematográficas, esbanja na construção imagética e textual de sua protagonista. A vida e o legado de Luana são objetos de estudo dos diretores, que hierarquizam seus personagens, dando ao espectador lampejos históricos. Muniz, obviamente, é a estrela do show. Filmada sempre paquerando a câmera, ela se vê acompanhada de suas grandes amigas, Claudette Colbert e Lorna Washington.

Mesmo com as três nunca aparecendo juntas, o documentário costura suas falas e percepções a partir de um vínculo emocional poderosíssimo. Claudette, transformista que aparece desmontada como Cláudio, desempenha a função de apresentar-nos uma Luana antes da Lapa, enquanto Lorna percorre o lado artístico que comandava números musicais, peças de teatro e filmes globais. A dança temática, que vai de uma adolescência difícil nas calçadas da ditadura até o início da vida de Luana como uma artista completa, enche o escopo do filme para que o roteiro encontre deixas pontuais para a inserção de novas figuras.

A cantora Alcione, madrinha e apoiadora do projeto mantido no Casarão, é o grande elo do público para com essa narrativa. A presença da Marrom é um atestado de fé de Filha da Lua, e os breves depoimentos da cantora apenas reforçam o que já estava claro: Luana Muniz viverá para sempre na memória de todas as pessoas que tocou. Uma delas, por sinal, é o ator Luis Lobianco, que relembra, arrependido, das noites na Lapa em que a observava de longe, com um receio respeitoso de se aproximar. Depois do falecimento da artista, Lobianco dedicou toda a temporada de sua peça Gisberta a ela.

Pontuais, alguns dos outros relatos ilustram os momentos em que a mídia estampou Luana por todos os lados: o repórter Felipe Suhre comenta o burburinho do Profissão Repórter; o Padre Fábio de Melo compartilha os bastidores da infame foto. Mas, dentre todos, é o daquele quarteto de mulheres confidenciando a vida no Casarão o mais expressivo e cheio de significado. Juntas, Vanessa Muniz Brasil, Aretha Rayalla, Luiza Muniz e Eva Macpherson atam nós sentimentais, revivem episódios e sorriem. 

E é na companhia delas, e apenas delas, que Rian Córdova e Leonardo Menezes visitam, por fim, o túmulo da Guardiã da Lapa. Sem chororô nem ganchos melosos, afinal, quem disse que Luana Muniz morreu? Seja na praça que carrega seu nome ou nos grafites que estampam seu bordão, seja no relato de suas garotas ou em um documentário que traz o melhor e o pior de uma vida de batalhas, a presença da Filha da Lua ronda o centro carioca e, se apurar bem os ouvidos, ainda é possível ouvir um sonoro “vai pro inferno!” ecoando nas esquinas da Cidade Maravilhosa.

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