Guilherme Barbosa

A música pop sempre esteve no auge do mundo, principalmente após o início dos anos 2000. A ascensão de nomes como Britney Spears, Beyoncé, Lady Gaga e Rihanna fez com que a régua de exigência em relação a cantoras que iriam surgir a partir dali fosse muito alta. Com o passar do tempo, a forma de se consumir música pela grande massa mudou. O TikTok, a rede social mais usada pela Geração Z, tem grande influência na indústria fonográfica, com o poder de ressuscitar grandes clássicos e fazer pequenos artistas se tornarem globais, como Olivia Rodrigo, por exemplo. Tate McRae também faz parte dessa nova leva de cantores, e isso fica evidente em seu novo álbum de estúdio, THINK LATER.

Desde pequena, a cantora canadense faz parte do ambiente artístico, seja na dança ou na música. Foi somente em 2023, após lançar Greedy – o lead single de seu novo álbum – que a cantora atingiu novos patamares. Até então, McRae havia estreado com o primogênito i used to think i could fly e tinha uma pequena base de seguidores. Ao viralizar com a música no TikTok, mesmo com uma carreira tão recente na indústria, a intérprete chegou no topo da playlist Spotify Global, onde permaneceu por várias semanas, e alcançou também o topo da parada musical Billboard Global 200.

Com a viralização de Greedy, a cantora intensificou a divulgação do single, desde performances em programas de TV e em premiações. Ela ainda investiu em um videoclipe clássico, com figurino esportivo de hóquei, bailarinos e muita dança. É perceptível a confiança que ela demonstra, muito confortável com as câmeras e servindo uma postura digna de diva pop que, de certa forma, se perdeu ao longo do tempo no cenário da música do gênero. A canadense foi alvo de diversas comparações, chegando a ser chamada de Britney Spears da nova geração. São tantas referências e paralelos que sua autenticidade acaba se perdendo, fazendo com que a confiança apresentada na canção não fique tão evidente no restante do álbum.

Durante as 14 faixas que compõem a obra de McRae, ela incorpora seu lado bad ass girl – a famosa garota má – para mostrar que está pronta para devorar todos os homens que aparecerem e para fazer com que o cara que a deixou se arrependa disso, mesmo estando presa a ele. Essa fórmula não é nada inovadora, por ser uma cartada coringa de quase toda cantora do cenário pop e já tendo sido utilizada diversas vezes na indústria, como nas canções How to Be a Heartbreaker, da Marina and The Diamonds; Blank Space, da Taylor Swift e Maneater, da Nelly Furtado.

A sonoridade do disco revela uma combinação de influências, indo de elementos clássicos do pop, como sintetizadores, até toques mais experimentais, como os componentes trazidos do R&B. Essa diversidade nas referências gera uma sensação convidativa e dançante ao trabalho, deixando-o confortável aos ouvidos dos consumidores do estilo musical. As letras não apresentam profundidade, mas expressam os sentimentos de McRae, demonstrando uma pequena fração da personalidade da artista.

Além de sua presença musical cativante, os visuais e a estética de Tate McRae desempenham um papel importante na construção de sua identidade artística única. Seja nos figurinos arrojados, na coreografia impecável ou na escolha de cenários, McRae transforma cada apresentação em uma experiência imagética envolvente. Os videoclipes de suas músicas são como extensões das narrativas e adicionam uma perspectiva intrigante ao trabalho, mostrando-a não apenas como uma cantora talentosa, mas como uma artista completa e influente em todos os aspectos de sua arte.

THINK LATER é um capítulo significativo na carreira de Tate McRae. Embora ceda temporariamente às tendências pop predominantes, ela também demonstra uma habilidade única de modificar padrões, criando momentos inovadores e resgatando referências de cantoras consagradas. O álbum em sua totalidade não é apenas mais um produto da era TikTok: ele tem sua singularidade e sugere que, mesmo em meio a um cenário musical em constante mudança, a intérprete está firmemente determinada a trilhar seu próprio caminho.

A ascensão meteórica de Tate McRae no mainstream atual é inegável, sendo considerada uma das vozes promissoras da nova geração. Contudo, no universo saturado de fórmulas comerciais que caracterizam o cenário da música atual, surge a inquietação sobre como ela irá equilibrar sua autenticidade diante das constantes pressões para se alinhar a padrões instantâneos e superficiais. 

Será que a ousadia criativa de McRae será uma resistência ao efêmero ou haverá conformidade ao caminho mais trilhado em busca do sucesso imediato? Essas são questões que pairam diante do dilema enfrentado por novos artistas, e THINK LATER se torna um espaço para ver como Tate McRae vai lidar com as novas demandas da indústria musical.

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Henrique Marinhos

Em seu segundo álbum, Vício Inerente, Marina Sena apresenta uma evolução em relação ao seu álbum de estreia, De Primeira, que fez tanto barulho no cenário brasileiro em 2021. Com influências de gêneros como reggaeton, drill, trap e funk, a artista experimenta novas sonoridades e se arrisca em texturas eletrônicas, resultado de uma colaboração estreita com seu produtor Iuri Rio Branco, que a acompanha desde o início. Aqui, a cantora apresenta um som mais maduro e coeso, consolidando sua posição no cenário pop nacional.

A mineira multitalentosa se mostra ainda mais experiente e segura de si, capaz de criar sonoridades hipnotizantes e profundas que são marcadas pela inovação e pela busca por novas possibilidades estéticas a fim de incrementar seu repertório, que transita entre gêneros pouco explorados no mainstream nacional, como o reggaeton e o trip hop. Composta por doze faixas, Vício Inerente conta com parcerias importantes, como Fleezus, nome importante do brime paulistano e ídolo da cantora. No entanto, nem todas as canções apresentam o mesmo refinamento: algumas se mostram mais cruas que outras, como em seu debut, mas transparecem escolhas conscientes e ousadas dessa mistura.

A cantora não tem medo de se aventurar no cenário nacional e de explorar novas sonoridades em seu segundo álbum, afirmando que ser artista significa experimentar e ousar, sem medo de errar. Ela não se preocupa em seguir as convenções do mercado musical e está sempre em busca de novas possibilidades estéticas e sonoras, como disse à Folha de São Paulo. Tudo isso se concretiza em uma obra irreverente a todas as críticas infundadas e maliciosas. “Quero que as pessoas entendam de uma vez por todas que eu sou foda“, Sena diz.

Em De Primeira, a cantora apresenta uma série de letras sobre amor e relacionamentos, com um tom que oscila entre a sensualidade e a vulnerabilidade. As histórias retratadas nas músicas são, em sua maioria, vivências pessoais, traduzidas em canções pop chicletes e refrões cativantes, interessantemente construídos com muita naturalidade. As letras são marcadas pela utilização de gírias e regionalismos, o que confere ao disco uma certa proximidade tocante. Além disso, a produção do álbum é minimalista, com destaque para sua voz anasalada e para a presença de elementos percussivos.

O novo álbum de Marina Sena mostra que sua ambição não se limita às fronteiras de Minas Gerais, seu estado natal. Seu reconhecimento surgiu logo antes de se mudar para São Paulo. Como um grande sucesso, suas músicas se tornaram virais no TikTok, gerando muitos shows para a artista. Além disso, o álbum causou mudanças significativas na vida da cantora, a levando a se mudar de Taiobeiras, enricando e permitindo que ela conhecesse outras personalidades musicais, além de assinar um contrato com a Sony.

Porém, sua carreira, apesar do que muitos pensam, não começou De Primeira. Ainda em Montes Claros (MG), ela montou a banda A Outra Banda da Lua e mais tarde integrou o grupo Rosa Neon. Já com seu disco de estreia, a artista recebeu quatro indicações ao Prêmio Multishow 2021, ficando atrás só de Anitta, agraciada com cinco menções. 

A amizade de Marina Sena com os rappers Febem, Fleezus e  DJ Cesrv, após sua chegada a São Paulo e seu trabalho no álbum Brime!, inspirou os elementos de afrobeat, funk e trap presentes em seu novo trabalho. Sena o ouvia o tempo todo enquanto produzia seu novo trabalho, afirmando que é o que mais consome e está apaixonada. A participação de Fleezus na faixa Que Tal é o único dueto em todas as composições, demonstrando a importância do trabalho do trio em sua carreira. Ela também afirmou que, sempre que sai para algum rolê na cidade, vai assistir algum show do que considera a coisa mais fresca no cenário musical brasileiro. Esse frescor é bem traduzido na mistura de tantos gêneros em Vício Inerente.

As três primeiras músicas de Vício Inerente já demonstram as diferenças em relação ao seus trabalhos anteriores, que eram muito característicos e mantinham uma solidez muito maior em seus versos e melodias. Enquanto isso, o mais recente marca principalmente um trabalho experimental, com inspirações de artistas como Rosalía, Doja Cat, Nathy Peluso, Djavan, Gal Costa e Jards Macalé. Ambos tiveram seus propósitos alcançados, em sucesso e conceito.

Como uma fatídica história de crescimento profissional em metrópoles, a intensa experiência que Vício Inerente traz é uma proposta mais do que pessoal, e há quem se identifique. Assim como seu antecessor, o disco marca uma trajetória e uma personalidade que a artista trabalha com muito esmero, transbordando sua marca. Confiante e sem medo de errar, seu sonho é ser uma das representantes da música pop brasileira para o mundo, levando a música nacional para todo o planeta. E que, entre erros e acertos, continue nesse caminho que tem se aberto à ela.

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Felipe Nunes

Quem nunca teve medo de uma boneca durante a infância que atire a primeira pedra. Por meio de lendas, séries e filmes, a vertente do terror associada aos brinquedos ficou enraizada no imaginário coletivo popular cultural. O fruto disso foram as célebres sequências envolvendo bonecos sobrenaturais, como a franquia de Chucky e a de Annabelle. Se, no passado, estas obras foram as responsáveis por aterrorizar as crianças, agora, o brinquedo da vez – robô, na verdade – é M3GAN – uma boneca androide que é tão maldosa quanto seus antecessores, mas que, pela primeira vez, não é alvo da possessão de nenhum espírito maligno e sim da própria tecnologia da qual foi criada.

A história central de M3GAN gira em torno de Cady (Violet McGraw), uma jovem garotinha que fica órfã ao perder seus pais em um acidente de carro e é encaminhada para a casa de sua parente mais próxima, sua tia Gemma (Allison Williams). A nova tutora não almejava ter as responsabilidades de cuidar e educar uma criança pré-adolescente e que, como qualquer outra dessa faixa etária, carece de atenção, zelo e – o mais difícil para a mais nova ‘mãe’ -, afeto. Da mesma forma, a sobrinha também não sonhava em passar por essa avalanche sentimental, saindo da casa que vivia e da escola que estudava, sem nunca mais ver os pais com quem sempre conviveu.  

Tia e sobrinha unidas pelo infortúnio do destino. O gancho inicial da produção serviria muito bem para um longa dramático, em que ambas precisam aprender a viver suas novas realidades juntas. Porém, o filme rapidamente subverte essa narrativa e aniquila qualquer resquício dessa impressão. Ao invés de arcar com o compromisso de cuidar de Cady, Gemma tem uma ideia: aprimorar um projeto robótico e fazer com que ele cuide da sua sobrinha. Isso porque ela precisa inovar um brinquedo para empresa que trabalha, assim como também tem a necessidade de que alguém cuide da familiar. Por isso, investe no protótipo e tenta resolver dois problemas com uma única solução. Dessa forma, a grande vilã M3GAN (Model 3 Generative Android ou Androide Gerador do 3º Modelo), interpretada por Amie Donald e dublada por Jenna Davis, é criada no primeiro ato.

Como na maioria das obras cinematográficas de terror, o ato inicial de M3GAN é incumbido de ambientar a trama. Tudo parece fluir com o desenvolvimento da boneca animatrônica: Gemma tem mais tempo para se dedicar ao trabalho sem se preocupar com a criação da sobrinha, já que a boneca é quem cuida de tudo. À princípio, a jovem Cady não vê problema nisso, porque finalmente tem alguém para cuidar dela e escutá-la. No entanto, uma grande reviravolta começa, aos poucos. À medida que fica na companhia do brinquedo, a personagem de Violet McGraw fica cada vez mais dependente emocionalmente dele e transfere para o robô o carinho que nutria pelos seus falecidos pais. Enquanto supre a carência de Cady, M3GAN é sobrecarregada com a chuva de informações que uma criança em desenvolvimento pode transmitir e solicitar ao decorrer de seu dia a dia na era tecnológica. 

Eis o diferencial do filme, que tem o roteiro assinado por James Wan e Akela Cooper: a tecnologia e a sua relação com o desenvolvimento infantil. Uma obra futurista de terror que mistura comédia e ficção científica parece ser uma combinação improvável. Esses elementos destoantes, que até então pareciam formar uma junção desarmônica, se unem em uma nova abordagem cinematográfica com fortes raízes no subgênero ‘terrir’. Por essa razão, a grande aposta do longa é  fazer o telespectador, principalmente aquele que ama cultura pop, rir e sentir medo ao mesmo tempo. Sentimentos conflitantes, mas que exalam a sensação tida assistindo a nova obra da produtora Blumhouse.

As risadas são garantidas pelas inesperadas ações de M3GAN, que vão desde uma dança do TikTok, logo antes do assassinato de um cidadão, até a playlist excêntrica que transita entre Titanium, de  Sia e David Guetta, e Wrecking Ball, de Miley Cyrus. Já o medo é ambientado com as mortes que a boneca promove a cada pessoa que, de acordo com suas impressões robóticas sensoriais, oferece algum tipo de risco à Cady. Na verdade, o medo da vilã não é que alguém arrisque a integridade física e mental da personagem interpretada por McGraw e sim interfira na doentia relação que ambas criaram. Por isso, com um jeito animalesco e amedrontador, ela executa qualquer pessoa ou animal que vire um obstáculo em seu laço com Cady. 

A produção brinca muito bem com essas diferentes facetas. Porém, em muitos momentos, a obra escancara o seu viés mercadológico e isso não agrada – essencialmente, quando negligencia assuntos que mereciam atenção ao enfatizar a publicidade que se reverbera dentro e fora da ficção. Diversas questões importantes são levantadas – como a relação de crianças com o luto e os danos da utilização de brinquedos e equipamentos tecnológicos em excesso – mas, todos os pontos são abordados de forma totalmente superficial. Embora o gênero a qual pertence não seja focado exclusivamente na construção dos personagens e no desenvolvimento das temáticas sobre as quais discorre, M3GAN falha em sustentar as situações que apresenta e se perde na proposta disruptiva que a todo momento tenta destacar na composição narrativa.

Já a direção de Gerard Johnstone é assertiva e equilibrada. O arco de M3GAN e toda sua construção vilanesca é um dos acertos da obra, desde as cenas iniciais da criação da boneca até as catárticas mortes provocadas por ela. Tudo isso vem com a representação de uma personagem que não é humana, mas que atrai a atenção de quem assiste e, mais do que isso, revela os porquês que a fizeram ser quem ela é: um robô androide assassino, mas com uma aparência totalmente doce e meiga. Um dos diferenciais da produção é desmistificar a ideia de que, para ser assustador, é necessário ser grotesco e monstruoso imageticamente. Com isso, a produção enfraquece as analogias que poderia sofrer com seus antecessores, como os brinquedos Chucky, Billy (de Jogos Mortais) e Annabelle.

O roteiro de M3GAN pode ser definido como suave, no mínimo. Quando esperamos ver um filme de terror, definitivamente não imaginamos acompanhar uma história como a desenvolvida por Wan e Cooper, que, inegavelmente, é muito mais cômica do que amedrontadora. As perseguições da boneca trazem a adrenalina e o medo conhecidos pelo gênero, mas o texto dos personagens quebra qualquer chance imersiva que a obra poderia oferecer. 

No entanto, considerando que a trama transita também para a ficção científica, é imprescindível enfatizar o bom trabalho da dupla de roteiristas no núcleo de engenheiros robóticos. Isso porque seria fácil  dificultar a compreensão dos diálogos por parte dos espectadores que não pertencem ao nicho. Os dois não se perdem em jargões técnicos e termos rebuscados, o que é extremamente recorrente em filmes com essa proposta tecnológica e científica.

Outro ponto que merece destaque é o conjunto de intérpretes. Allison Williams, que ganhou a merecida atenção com o ótimo Corra, dirigido por Jordan Peele, defende sua protagonista com total entrega em M3GAN. Ainda que não tenha um roteiro que a favoreça, ela abarca todas as singularidades que Gemma carrega: a vontade de não ser mãe, o desejo de alcançar sua estabilidade profissional e o luto pela perda de sua irmã e seu cunhado. Já Violet McGraw sabe muito bem como passear pelas camadas de sua personagem. A menina gera empatia no ato inicial e mostra vulnerabilidade, irrita nos insultos e agressões que tem com sua tia no segundo ato e faz o público admirar sua coragem no final da trama. Além das protagonistas, é essencial destacar o trabalho de Amie Donald como intérprete da boneca e Jenna Davis como dubladora, junto de Jen Brown (Tes), Kira Josephson (Ava) e Ronny Chieng (David). 

O longa usa e abusa da linguagem publicitária que demonstrou desde os teasers, trailers e divulgações, ancorando-se, principalmente, na cultura pop e no mar de possibilidades que pode ofertar quando memes, canções e referências de outros filmes são trazidos à narrativa. Contudo, a estratégia, promissora no quesito divulgação, torna-se cansativa e entediante para quem acompanha os desdobramentos da boneca-robô assassina. A sensação é que cada cena terá um elemento caricato ou de merchandising para que a trama se auto sustente em uma proposta engraçada e publicitária, como um ciclo que não para de se retroalimentar.

O fim, como é típico em obras de terror que almejam sequências, não é uma finalização amarrada e sem brechas. Muito pelo contrário, a conclusão mostra que Wan e Cooper têm planos para a nova bonequinha do terrir. M3GAN já foi feito para ter continuação e só expõe o que já mostra no começo: é uma história inovadora de um brinquedo matador que possui diversos caminhos narrativos quando se tem a internet como plano de fundo. Se o sonho de Wan era modernizar seu trabalho em uma proposta disruptiva, ele conseguiu. Mas sacrificar a narrativa de sua história realmente valeu o preço pago?

Entre risos e sustos, a produção cumpre algumas de suas promessas, como a de inovar o terrir e o slasher com foco em bonecos assassinos. Ao mesmo tempo, se perde na sua própria linguagem, linha narrativa e nos elementos externos que tenta incluir de forma totalmente exagerada. Aqui, o menos realmente seria mais. A sequência tem infinitas possibilidades de corrigir esses erros e uma delas é explorar ainda mais a tecnologia, as temáticas que envolvem a relação de pais e filhos com esse meio e os danos que o excesso pode causar não somente às crianças, mas também aos adultos. Além disso, M3GAN pode tomar cuidado com o excesso de humor e focar no medo que tanto atrai quem é fã de obras de terror, enfatizando ainda mais que uma boneca de aparência meiga também pode ser perigosa.

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Laís David e Mariana Chagas 

Uma marca dos anos 2000 foi a introdução do YouTube na  indústria da música. Além do grande consumo de videoclipes, a plataforma foi palco para a descoberta do que viriam a se tornar grandes nomes da música, como Justin Bieber e Shawn Mendes. E foi este o berço de Madison Beer, que lança em 2021 seu álbum de estreia, Life Support.

Originalmente de Nova Iorque, Madison ganhou destaque em 2012 ao divulgar covers de músicas soul na internet. Assim, ela conseguiu rápida ascensão e, em menos de um ano, foi contratada pelo empresário Scooter Braun e lançou seu single de estreia, Melodies. O bubblegum pop não alcançou bons números nos charts e levou à demissão de Beer. Apesar do ocorrido, Madison não desistiu e lançou seu EP As She Pleases de forma independente. 

Com seu terceiro single, Home With You, a cantora ficou no top 20 das rádios americanas de pop, se transformando na primeira artista mulher e independente a atingir tal feito. Ela conseguiu atingir bons números e uma nova equipe. 3 anos depois, com muito mais maturidade, mas mantendo sua originalidade e talento, a jovem entrega aos fãs o tão esperado Life Support.

A era teve início conturbado. Contratada agora pela Epic Records, Beer lançou Dear Society em 2019, na esperança de poder divulgar a obra completa ainda em 2020. No entanto, a pandemia atrasou o calendário original de lançamento e, para Madison, o plano era esperar uma época mais oportuna para o lançamento ser seguido por uma turnê. Os meses passaram e, sem expectativas do fim do isolamento social, pareceu ser mais honesto divulgar seu material ainda em 2021. Sem dúvidas, ela fez a escolha correta. Life Support é um dos melhores debuts dos últimos tempos.

O grande nome por trás da produção detalhista do disco é Leroy James Clampitt, conhecido no meio artístico como Big Taste. O neozelandês produziu todo o álbum junto de Madison, que também assina como co-compositora e co-produtora das 17 faixas. Para uma artista de sua idade e alcance, é difícil exercer tanto controle criativo a ponto de produzir suas próprias canções. É talvez esse toque que deixa a obra tão introspectiva – muita das vezes, Life Support parece mais uma porta para o diário das angústias triviais de Madison do que apenas músicas pop mainstream. 

Diagnosticada com transtorno borderline em 2019, Beer sempre foi muito aberta sobre sua saúde mental e não teve medo de introduzir a temática no álbum – e é por isso que a canção Effortlessly soa tão angustiante. A letra detalha a primeira experiência de Madison com medicamentos psicotrópicos – o sentimento de impotência ao perceber que ações cotidianas exigem de você mais do que você pode oferecer é assustador. Longe de vocabulários complexos ou alegorias confusas, é na simplicidade que Beer conquista seu martírio: “me machuque para que eu sinta/eu costumava fazer essas coisas tão facilmente, de alguma forma”.

O mesmo tema é discutido em Stay Numb and Carry On. Reiterando o título da música como um mantra, ela aborda seu transtorno de personalidade borderline seguido dos momentos de anedonia que a seguem.  Com uma das produções mais agitadas, Beer parece desistir de encontrar meios saudáveis de lidar com seu próprio vazio. Em um álbum recheado de sentimentos, a faixa foge da curva ao discutir a falta deles: “eu me tornei insensível/meu coração não pode evitar, mas me pergunto onde está o sentimento/então só fico entorpecida e sigo em frente’’.

Sour Times soa como uma versão madura de Home With You. Se a primeira foi uma tentativa juvenil de se afastar de um pretendente incômodo, a última interpola esse conceito em uma carta franca de incapacidade emocional. Com o sample perceptível de Tame Impala, a canção se distancia de uma balada comum e utiliza de percussões sintéticas para demonstrar o peso de não estar preparada para se envolver emocionalmente com alguém. 

Durante toda a sua carreira, Madison foi alvo de escândalos em torno de sua imagem pública. As controvérsias – de cirurgias plásticas até uma possível similaridade com Ariana Grande – a acompanham desde sua adolescência e, como detalhado em todo disco, formaram seu caráter. E ela não hesita em mostrar sua insegurança na obra: Stained Glass, primeiro single promocional do álbum, é o auge lírico de Madison. É emocionante escutá-la se comparando com um vitral, que em toda sua ternura, não mostra profundidade entre suas cores.  É uma mensagem de promoção de empatia, e, de longe, uma ótica sobre a cultura do cancelamento que tanto a perseguiu. 

Uma das sonoridades notáveis do álbum é a grande influência retrô dos anos cinquenta. Emotional Bruises é uma balada doo-wop, similar a suas contemporâneas mainstream Love on the Brain de Rihanna e This Love de Camila Cabello. Madison disserta sobre um amor abusivo de forma inventiva, como uma contagem regressiva anunciando o fim do relacionamento. A narrativa transforma a canção em um take cinematográfico onde não se vê a hora do fim: “porque esta é a quinta vez que eu te aceito de volta/é a quarta vez que temos uma recaída/é a terceira segunda chance que eu dei a você’’. 

Uma das partes interessantes da produção das músicas é que Madison utiliza de diversos artifícios sonoros em suas composições. Iniciando com um som de papel rasgando, o primeiro verso de Emotional Bruises ecoa o som de uma carta sendo escrita e desfeita, em resposta à letra sobre ela não saber como pôr seus turbulentos sentimentos em palavras. E quando ela cita o nome do álbum, Life Support, é a sirene do monitor cardíaco que carrega o fim do verso. 

Além da sonoridade do álbum, é fácil de perceber que os vocais de Madison são vigorosamente inspirados em artistas como Lana Del Rey e Ariana Grande. O maior exemplo é em Blue, produção à la Jack Antonoff. Usufruindo de metáforas com maquiagem e cores, ela traça linhas entre os objetos e relacionamentos que estão fadados a acabar. Já Default é tão curta que soa como um interlude que permeia o álbum, remetendo aos tons angelicais que marcaram o início da discografia de Del Rey, além de uma pitada da escuridão adolescente do universo de Lorde em Pure Heroine.

Uma das táticas artísticas que Beer introduziu em seu álbum é a ideia de que compor uma música é muito mais que escrever sobre relacionamentos falhos, amores incondicionais ou uma briga inconsequente. É também viajar por histórias e percorrer caminhos distintos, o que a artista faz muito bem em Homesick. Substituindo-se por um eu-lírico alienígena adotado por pais humanos, ela mostra muito bem o sentimento de não se encaixar bem em um ambiente e, em êxtase, partilhar desse sentimento com alguém. São temas corriqueiros, mas que fogem do senso comum com as alegorias descritas pela cantora.

Madison também é uma ávida consumidora de cultura pop – suas citações transbordam em sua obra, como foi com a referência certeira de Clube da Luta sob o violão sereno de Tyler Durden. Em Life Support, Madison não deixou escapar a chance de encaixar uma homenagem ao seu desenho favorito, Rick e Morty – fã assumida, é com um trecho da série que ela finaliza Homesick. Ela também referencia Matrix em Follow the White Rabbit, canção menos interessante da obra. O baixo repetitivo e os vocais dos versos que antecedem o refrão soam ásperos demais comparados às outras faixas de Life Support e poderiam ser melhor trabalhados com uma produção diferente.

E carregando o lugar de maior hit do álbum graças ao TikTok, Selfish é o diálogo mais sincero da artista. Nada fica de fora quando Madison confessa que passou quase dois anos ao lado de seu parceiro, mesmo sempre sabendo, no fundo, que não deveria estar ali. “Eu não deveria te amar, mas não pude evitar”. O momento mais interessante é, ironicamente, quando a canção acaba. Madison a finaliza com um grande suspiro – o ouvinte parece sentir o alívio que foi trazido por esse desabafo.

Além da parte mais sentimental, três faixas abastecem o lado alegre do álbum. Good in Goodbye, Baby e Boyshit são os hits radiofônicos da obra. Good in Goodbye, primeiro single de Life Support, exibe grande personalidade, apesar de parecer uma mistura de Ellise e Melanie Martinez. Baby é a canção que carrega menos autenticidade – as harpas e harmonias não compensam a letra clichê e destoam das outras composições mais inteligentes. Boyshit é a mais sagaz entre as três e o destaque pop: “você pode ter um jeito com as palavras/mas eu sou uma mulher /eu não consigo te entender/porque não falo essa linguagem merda de moleque”. Foi uma grande escolha para single e poderia até substituir Good in Goodbye como carro-chefe do CD.

Everything Happens for a Reason finaliza o disco em um grande tom de melancolia: a produção simplista e quase country mostra seu verdadeiro potencial vocal, muitas vezes escondido entre superproduções, synths e vocoders. Com uma pegada de despedida, Beer parece aceitar que tudo ocorre por um motivo. Em geral, Life Support é um ótimo começo para a carreira de Madison e tem tudo que um debut precisa: hits radiofônicos, baladas comoventes e composições originais. 

Life Support é uma jornada entre a adolescência e a maioridade, o amor e a indiferença, a dor e a autoestima. A dicotomia de Beer ajuda a construir uma obra que expõe com tanta veracidade o que é estar vivo. Para uma artista que sempre sofreu com a exposição digital, Madison consegue provar sua individualidade sem exageros e toma partido em suas próprias narrativas. Não é perfeito – e nem tenta ser. É apenas a exposição de sua própria vulnerabilidade e um grito por socorro que, ao fim, parece ser ouvido.

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