Isabela Nascimento 

Em maio de 2020, no meio da pandemia do coronavírus, a cantora britânica resolveu criar um álbum e documentar o processo criativo inteiro, enquanto relatava sobre a experiência de estar isolada da sociedade. “Como eu estou me sentindo agora“, tradução do título em português, contém 11 faixas que navegam em seus sentimentos mais íntimos. O reacender de uma paixão, a insegurança consigo mesma e com a sua carreira e as aflições de estar sozinha. Esse seria o primeiro disco que a artista abordaria de maneira profunda suas emoções, dando início a uma nova era de produções mais pessoais e cruas da Charli XCX.

Charli XCX: Alone Together, documentário lançado em 2021, mostra a criação do trabalho, ao mesmo tempo, que a compositora desabafa sobre o isolamento social e as sensações que começaram a aflorar nesse período. Ela conta em um dos seus relatos que trabalhar é a única coisa que a faz se sentir bem. Como estava cansada de ficar em casa sem fazer nada, Charlotte Aitchison começou a idealizar uma obra em cinco semanas como forma de se desafiar e de se ocupar naquele momento atípico.

Além de retratar a produção do álbum, o projeto também mostra vários desabafos da performer, muitos deles são sobre seu relacionamento com o desenvolvedor de videogames, Huck Kwong. A voz de Von Dutch, revela que, em sete anos de namoro, aquela foi a primeira vez que eles estavam vivendo juntos e como a pandemia fez com que eles se aproximassem mais. Antes disso, a britânica sentia que o relacionamento estava acabado, mas a chama foi acendida novamente.

how i’m feeling now foi lançado com uma temática bem definida, se destoando dos seus trabalhos anteriores. A obra é focada nas fases do amor, nas suas vulnerabilidades e também a vontade de festejar com seus entes queridos. O quarto disco de estúdio de Charli XCX é mais reflexivo, profundo e intimista, pois navega de uma forma única em seus sentimentos e expõe de maneira crua as dificuldades de seu antigo relacionamento.

No primeiro single, a cantora deixa essas emoções bem claras, já mostrando como o projeto seria. forever tem uma sonoridade eletrônica e com alguns elementos de Hyperpop. Na letra, a artista se declara para ex-namorado, dizendo que mesmo se um dia o romance acabar, ela o amará para sempre. Ela, também, desabafa sobre esse quase fim do romance e como estava em um lugar feliz naquele momento.

“Sim, agora precisamos esquecer isso/Dirigi o carro para fora da estrada/Preciso te dar tempo para amadurecer/Você não é um fantasma, você está na minha cabeça/Eu sempre vou te amar (te amar)/Eu vou te amar para sempre” – forever

A produção é encabeçada por Dijon, Bj Burton, Benjamin Keating e seu produtor de longa data, A. G. Cook. Charli e o profissional colaboram desde 2017, quando a britânica lançou a sua primeira mixtape, Number 1 Angel. A coisa mais interessante sobre a parceria é que mesmo depois de uma década trabalhando juntos, os amigos continuam fazendo músicas únicas e atemporais. A canção que deixa isso perceptível é party 4 u.

Agora, no começo de 2025, depois de cinco anos do seu lançamento oficial, a composição começou a ganhar uma popularidade que nenhuma faixa do álbum tinha até então. Nos últimos meses,  party 4 u ganhou mais de 50 milhões de streamings nas plataformas digitais, sem contar as trends e os vídeos criados nas redes sociais. O sucesso inédito pode ser surpreendente para os novos fãs, mas essa balada é uma antiga conhecida dos seus seguidores mais fiéis.

A primeira versão foi produzida por Sophie, e tocada no Nylon Japan’s 13th Anniversary Party, no Japão em 2017. Charli XCX contou em uma entrevista a Apple Music que em todos os projetos depois de sua criação, ela e seu produtor consideravam adicionar em seus trabalhos. “Toda vez que nos reunimos para fazer um álbum ou uma mixtape, ela é sempre levada em conta, mas nunca tinha achado um momento certo, até agora. Por mais bobo que pareça, era hora de dar algo em troca”, disse a performer.

A canção é fascinante do começo ao fim, pois narra o sentimento da artista de estar desesperadamente apaixonada por alguém, e só querer fazer uma festa a essa pessoa e ser amada por ele, mas não ter esse amor correspondido. As súplicas nos versos finais e o toque de  A. G. Cook, tornaram party 4 u atemporal, complexa e com uma carga emocional que apenas os dois poderiam nos trazer. O hit orgânico faz ainda mais sentido quando se olha por esse lado.

 Em comemoração ao aniversário do álbum, a britânica lançou um clipe digno para a composição. O vídeo foi criado quatro dias antes de ser divulgado, com os elementos do disco aniversariante, o visual intimista, uma filmadora e a vulnerabilidade acompanhada de detalhes atuais, fazendo com que seus fãs se sentissem mais uma vez próximos dela. A compositora finaliza o vídeo destruindo um outdoor com sua cara, talvez, indicando o fim do Brat summer, ou expondo o cansaço da fama recente.

Mas não é só de melancolia que how i’m feeling now é composto. Em entrevista ao Zane Lowe em 2024, a cantora contou que Brat seria um parente próximo desse álbum. Quando escutamos a música de abertura, pink diamond, inspirada no anel de Jennifer Lopez, não podemos concordar mais com a afirmação dela. A escolha dessa faixa para iniciar o trabalho dá uma pista aos seus projetos futuros e, ao mesmo tempo, explora o desespero de estar presa em casa.

Com uma batida pesada, digna de um Boiler Room, é a canção mais dançante do disco. É notável o toque de club music, com elementos mais experimentais, algo que a britânica gosta de misturar. Em seus versos, a artista repete como só queria estar em um clube e dançar com seus amigos a noite inteira. É impossível ficar parado ouvindo. Embora sua produção mais recente seja inspirada em baladas e festas,  ela tem o seu lugar ao sol na playlist de clube da cantora. 

how i’m feeling now explora sons agressivos e dançantes. Apesar de boa parte não fazer mais sentido, já que a compositora terminou com seu ex-namorado e a pandemia acabou, as faixas ainda fluem de uma maneira gostosa. anthems tem uma base animada, mas com um toque existencial. claws e 7 years exploram o mesmo tema, a  paixão, porém se distanciam na sonoridade. A primeira é mais animada com uma repetição de palavras, marca registrada da cantora, e a segunda é mais melancólica, tendo uma batida mais eletrônica desconstruída. Esses são os maiores exemplos da atemporalidade do disco.

Mesmo tendo sido lançado há meia década e em um momento atípico do mundo, o quarto álbum de estúdio de Charli XCX segue sendo um de seus maiores trabalhos. A obra é um conjunto único, que se destaca magnificamente. A presença de aspectos pessoais, algo que a performer não tinha feito antes e que veríamos em trabalhos futuros, trouxe um ar mais fresco e cativante. O projeto não só mudou as impressões das pessoas sobre ela, mas também alterou a forma como a própria iria produzir.

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Henrique Marinhos

Provando por ‘A+B’ que opera nas margens do mainstream, não por falta de talento ou oportunidade, mas porque simplesmente quis assim, Charli XCX tornou-se uma força motriz na Arte contemporânea. Um álbum. Um movimento. Um estilo de vida. BRAT é quase inadjetivável e não tem espaço para introspecções ou profundidades poéticas excessivas. É o agora.

Das noites de Londres para o mundo, o álbum não se limita aos clubes e raves ilegais em que se inspira. É uma injeção de ânimo ao acordar, um saudosismo em relação a década de 2000, um manifesto do próprio Id – conceito freudiano da natureza humana – e sua primitividade. A internet o abraçou com todo coração, tanto em seus momentos mais agressivos quanto vulneráveis, afinal, até cortar a ‘brisa’ encaixa no conceito.

O termo que costumava descrever uma pessoa teimosa ou malcriada, que não segue regras e trilha seu próprio caminho, consagrou-se como algo muito maior do que qualquer um esperava. Ele é representado por uma capa verde neon com fonte preta pixelada e transcende seu sentido. É, inegavelmente, a obra mais memorável de 2024, tendo como produtores principais A. G. Cook e EASYFUN, parceiros de longa data de XCX no PC Music.

Em uma entrevista à Vogue Singapura, Charli XCX conta que queria algo ofensivo, um tom de verde fora de moda para despertar a ideia de que algo estava errado. Ela queria provocar as pessoas e conseguiu. BRAT passa longe de ser só uma audição passiva. É um convite – ou melhor, um desafio –  a participar de uma narrativa transmídia, conectando diferentes plataformas e públicos, cruzando estéticas visuais, sonoras e comportamentais para criar algo maior do que a soma de suas partes, como bem dizia Henry Jenkins. 

Essa estética tão fora de moda acabou sendo o lançamento mais moderno de 2024, virou meme, trend, se tornou viral no TikTok e no X (antigo Twitter), e tudo isso não foi à toa. Orquestrar esses efeitos de sentido, criando uma rede colaborativa entre ela e seus fãs é uma jogada precisa, pensada, que vai muito além de soltar uma música e esperar que aconteça algo.

Depois disso, ela nunca mais poderia andar de metrô com seus fãs em SP, mas os palcos da ZIG estão reservados para quando quiser voltar. Seu alterego Partygirl veio ao Brasil e evocou a pirralha – tradução literal de brat – de 15 anos que conheceu um cara no MySpace e a chamou para tocar em suas raves ilegais em Londres, marcando o início de sua carreira.

Apesar de tudo que a mídia a faz sentir, em Von dutch, produzido por EASYFUN, Charli XCX sabe seu valor. O  batidão do primeiro single dita o tom sonoro e visual do álbum, a artista – com ‘A’ maiúsculo – repetidamente agride câmeras no clipe, as joga de escadas, sobe em asas de aviões, se lança em carrinhos de mala e ‘dá closes’. Longe de qualquer prepotência, ela sabe que pode fazer tudo isso porque “É óbvio, sou sua número um”.

Creditada como compositora de todas as faixas, Charlotte Aitchison  traz pensamentos rápidos, ‘bobeiras’ que falamos bêbados e exageros deliciosos que nos fazem rir. BRAT não é o lugar de procurar qualquer comparação com Clarice Lispector. Mas nem por isso deixa de ser extremamente inteligente. Não é surpresa alguma que provocar efeitos de sentido intencionais e usar a convergência midiática com tamanha maestria exige um trabalho extremamente minucioso, e traz resultados mais eficazes que lançar vários trabalhos em curtos espaços de tempo; cof, cof, Taylor Swift, Ariana Grande…

Tudo aqui é uma narrativa interligada, mesmo que introspecção e críticas não sejam o foco, podemos discorrer sobre elas por um período de tempo. Em suma, essa nova era explora as pressões da vida moderna, especialmente para mulheres que estão na casa dos 30. Temas como maternidade, amizade, fama e a constante busca por autenticidade são costurados ao longo das faixas e nos clipes, às vezes, com remendos, porém se propondo a quebrar os moldes da identidade feminina criados pelas expectativas sociais. No clipe de 360, dirigido por Aidan Zamiri, XCX chama todas as It Girls para provar seu ponto: Rachel Sennott, Julia Fox (mencionada em versos), Chloe Cherry, Gabriette (do Nasty Cherry) e Richie Shazam, ainda com a participação de A.G. Cook, produtor e precursor do PC Music.

A maternidade, por exemplo, surge de forma sensível em I Think About It All the Time, onde a cantora reflete sobre o desejo de ser mãe. “Mas finalmente conheci meu amor/E um bebê pode ser meu […] Se eu não ficar sem tempo/Isso daria um novo propósito à minha vida?”. Pensando sempre em sua carreira e conquistas pessoais frente às expectativas de terceiros, é uma das faixas que, sonoramente, mais destoam do tom de rave e hyperpop.

Paralelamente, existe So I, faixa feita em luto. “Sempre na minha mente/Todo dia, toda noite/Sua estrela é a mais brilhante de todas”. Nessa música, Charli se permite chorar e sentir tudo o que tem para sentir. É uma faixa menos acelerada e muito mais pessoal. É como se abrissem seu diário, citando seus momentos no palco e os pensamentos que a levam a fazer homenagem à Sophie, assim como Crash, dedicado à ela em 2021.

As nuances entre admiração e competição também são muito bem exploradas em Girl, So Confusing: “As vezes penso que você me odeia/Às vezes penso que te odeio”. Indireta ou não, associaram à Lorde. Seja pela tensão entre ser comparada constantemente ou pelo desafio de preservar a autenticidade no meio. Em mais uma polêmica, todo conflito se dissolveu nos versos do feat sugerido pela estrela de Melodrama. “Você me contou como estava se sentindo/Vamos resolver isso no remix”;  a troca de indiretas em stories teve uma interpretação dúbia.

O mesmo aconteceu com Sympathy is a knife, outra situação em que seus fãs foram na contramão à mensagem que XCX quis passar, tecendo uma crítica à polidez forçada e às rivalidades escondidas. Isso foi o suficiente para a fanbase, que mordeu a isca. O alvo da vez? a ‘loirinha’ mais polida do pop, Taylor Swift. A suposta dona de uma simpatia que parece amigável, carregada de intenções negativas junto a julgamentos ocultos disfarçados de elogios, reforçando o tema de vulnerabilidade em meio à fama. Mas logo os fãs se calaram (online e presencialmente). Em pronunciamento, Charli XCX afirmou ser contra manifestos que ‘enterravam’ sua possível rival, “A Taylor morreu”.

Cultivando profundo senso de nostalgia pela década de 2000, as referências à estética e cultura Y2K permeiam todo o álbum, se concentrando em faixas como Club Classics, literal e intencionalmente intitulada. A faixa evoca tanto o espírito despreocupado quanto a rebeldia e estética do período, sem celulares, só com a noite para viver. No entanto, como sempre, misturando-os com sons eletrônicos modernos desde o lançamento de 1999 feat. Troye Sivan.

O cantor australiano praticamente se manifesta como o público alvo principal de BRAT. De propósito ou não, a comunidade LGBTQIAP+ foi a que mais engajou, divulgou e sentiu todo processo cultural do álbum. Desde conceitos como adolescência tardia, liberdade para sermos quem somos, ou quaisquer outros espaços de libertação – que envolvam ou não aditivos a lá 365 –, o Id é, provavelmente, o conceito em que mais podemos associá-lo, por mais técnico e academicista que possa parecer.

Em termos freudianos, diferente do ego e superego, o Id representa nossos impulsos e desejos básicos, frequentemente em conflito com as expectativas sociais. Agressiva e conflitante, ela explora temas de desejo, quebra de limites, fala o que vem à mente, mesmo que acabe pesando o clima e ‘cortando a brisa’ ao perguntar o motivo de – com liberdade poética – querer comprar uma arma e atirar em si mesma de tanta vergonha.

No fim, BRAT é sobre si mesmo. Quando todos estão malucos em uma festa, ninguém se importa com quem você é, quais roupas está vestindo, como você dança, se está feliz, na sua própria bad trip ou preocupado com seu ex no telefone. Ninguém está ligando e você também não deveria, porque essa noite vai acabar. E quando essa euforia se dissipar durante o dia, tudo que você vai querer é que a noite chegue novamente.

BRAT não é um álbum perfeito e nem se propõe a isso. É um disco intencional e minucioso. Charli XCX merece tudo que tem conquistado e o que ainda está por vir. Ao escutarmos, pulamos algumas faixas, deixamos outras no repeat e isso varia para cada pessoa. Com o projeto, estamos de volta aos primeiros anos da década de 2000, lembrando do valor de estar presente e de viver cada instante plenamente.

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Gustavo Capellari

Em 23 de Junho de 2013, o selo e coletivo Personal Computer Music, mais conhecido por seu nome encurtado PC Music, disponibilizava seu primeiro lançamento musical, o single Bobby, da cantora GFOTY. A empresa foi fundada pelo produtor britânico A.G. Cook, que um ano antes já testava um protótipo de selo independente, a Gamsonite.

Embora Cook tenha sido essencial para a sua construção, quando ouvimos falar de PC Music, mais do que uma história linear ou um conceito fechado em uma empresa do Reino Unido, é aberta uma multiplicidade de significados, auras artísticas, gêneros musicais e estéticas (im)possíveis da pós-modernidade tecnocapitalista. O decênio do selo não pressupõe que as histórias das mais variadas subversões da música pop mainstream tenham começado apenas em 2013. A construção da PC Music e, juntamente, de gêneros musicais recentes como o hyperpop e o bubblegum bass, é produto direto e indireto da música que os antecede e da que é criada no mesmo período.

Dentre as influências, poderíamos citar a ascensão do uso de sintetizadores, a popularização do electropop, a plasticidade tecnológica do art pop de Björk, a idiossincrasia eletrônica de Aphex Twin e o ecletismo alternativo da indietronica. Já na EDM, é possível pontuar a mistura de estilos do UK bass, ou a forma pela qual o house passou de estilo de nicho das comunidades negras e casas noturnas de Chicago para se tornar um dos gêneros mais comercialmente relevantes da música eletrônica mundial.

Para entendermos o hyperpop, o digicore, o glitch pop e outras cenas e microgêneros relacionados, é interessante refletirmos sobre temporalidades: do mesmo modo que o passado é complexo, o presente também é, pois ambos são compostos por múltiplos eventos que se relacionam dialeticamente. Eventos concomitantes se interconectam e, ao mesmo tempo em que o passado influencia o presente, os eventos contemporâneos também moldam a forma como entendemos e concebemos nossa noção de pretérito (e de futuro). A música é influenciada pelo tempo social, mas ela também o influencia.

A noção de pop futurista poderia ser interessante para pensarmos sobre essas manifestações, mas seria facilmente confundida com o futurepop, um gênero específico que mistura a positividade do synthpop com a sonoridade industrial e visão gótica-apocalíptica da EBM (electronic body music). Embora a ideia de PC Music enquanto um gênero seja instigante, já que há de fato estéticas e sonoridades que são comuns à maioria de seus artistas, ela pode ser tratada como uma central de múltiplos gêneros e expressões artísticas que ultrapassam as fronteiras do pop comercial, o que se demonstra pela variedade de perspectivas que ela comporta.

Nesse sentido, o conceito de pós-pop poderia nos servir para refletir sobre as transformações da Música, dos gêneros e das ciberculturas ao longo do tempo, especialmente durante a década de 2010. O pós-pop não seria uma negação do pop, mas sim uma outra maneira de enxergá-lo, tanto que esses atos ainda são considerados, no geral, música pop. A PC Music não é a única a atuar nesse nicho, já que uma gama importante de artistas com grande relevância na cena experimental, como Arca, 100 gecs e FKA Twigs, não possuem vínculo direto com ela.

É interessante notar que, muitas vezes, mesmo quem não está dentro da PC Music também passa por ela de alguma forma. SOPHIE, cantora e produtora escocesa falecida em 2021, não era vinculada formalmente à produtora, mas colaborava frequentemente com A.G. Cook e GFOTY, por exemplo. Charli XCX, vinculada à Asylum Records, teve múltiplas faixas produzidas por EASYFUN, A.G. Cook e pela própria SOPHIE, além de ter colaborado com Hannah Diamond na música Paradise, do Vroom Vroom EP.

O caráter anglocêntrico da PC também deve ser levado em conta, já que há artistas de outros países e de outros idiomas que não têm a mesma visibilidade. Trata-se de um circuito técnico-artístico que se origina em um dos grandes centros do capitalismo, Londres, e não necessariamente questiona explicitamente o status quo – poderíamos dizer que a gravadora enquanto entidade artística e econômica dá luz a um pop aceleracionista e pós-irônico.

No senso comum, o uso exagerado do autotune na música pop é visto com maus olhos, pois sugeriria falta de talento vocal. No hyperpop, por outro lado, ele é uma das bases de construção sonora das composições. É um gênero pautado fortemente no exagero, na performatividade, no feminino e no andrógino – tanto que vê-se cada vez mais pessoas queer inseridas em suas próprias produções independentes de pós-pop.

Evidentemente, a PC Music não deve ser vista como a única grande impulsionadora dos processos de transmutação da música pop e eletrônica. Ainda assim, é necessário reconhecer o seu pioneirismo, especialmente na cena britânica e norte-americana, e as portas que foram abertas para que os artistas continuem exercendo a sua criatividade e o seu criar, seja dentro ou fora da gravadora.

A popularidade atingida pela PC, mesmo que não se dê no mesmo nível das grandes gravadoras, demonstra que projetos independentes, alternativos, avant-garde e/ou experimentais podem e devem ter seu espaço no mercado fonográfico. A Arte em sua era de reprodutibilidade técnica não é necessariamente uma mera massa homogênea de conteúdo facilmente digerível, amorfo ou sem personalidade, mas tem o potencial de transformar-se, deformar-se, reformar-se.

A criação musical, quando tem um caráter autocrítico, permite provocar e trazer novas experiências e visões por meio de ondas sonoras, que são o meio e também a mensagem. O impacto da PC Music vai além da Música em si – atinge casas noturnas, clubes, shows, instalações musicais, comunidades e até a forma como as produtoras e distribuidoras musicais se organizam e interpretam o processo de criar, promover e entregar a música a seus ouvintes.

Esse arcabouço ciberartístico desestabiliza nossas próprias construções conceituais sobre o mundo da Música. Afinal, o que é o pop? É o gênero que faz sucesso? O que vende? O que tem um apelo comercial, então mesmo se não fizesse sucesso ainda seria considerado pop? E onde entra o pós-pop da PC Music nisso? Talvez nem existam respostas definitivas para essas perguntas. O que chamamos de pop é uma construção abstrata, um conjunto vasto e heterogêneo de diferentes sonoridades e composições, que variam ao longo do tempo – o que é popular hoje é diferente do que era popular 10, 20 ou 50 anos atrás.

Tentar colocar a gravadora em um molde, seja pop ou eletrônico, seria retirar o potencial de inovação, diferenciação e diversidade que se observa em coletâneas como Month of Mayhem e PC Music, Vol. 3. Longe de estar morta, a PC Music, ao se renovar e testar outras possibilidades e artisticidades, com projetos como o de Hyd – parceira de SOPHIE que é o rosto do projeto QT e estreou sua carreira solo em 2021 –, pôde demonstrar que o seu encerramento marca apenas o presságio para novas iniciativas de inovação musical que estão por vir.

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Enzo Caramori

Em todas mitologias, existem rotas desconhecidas que até mesmo os mais vividos viajantes e argonautas nunca se atreveram a traçar em seus mapas envelhecidos, especulando apenas o que seriam esses tão grandiosos perigos. Pode-se logo pensar que o medo esteja nas ondas de um mar revoltoso, mas a verdadeira violência é a de se prender em órbitas obsessivas do mais temido feitiço: o desejo. Vários são os poetas – talvez os maiores excursionistas desse percurso – que, esquecendo-se do poder de reconfiguração da paixão, perdem-se, tentando capturá-la com objetividade, em suas profundezas.

A artista estadunidense Caroline Polachek é uma das viajantes que também não encontrou o seu destino, até mesmo porque seu maior objetivo está no próprio ato da busca. Em seu novo e triunfal álbum, Desire, I Want To Turn Into You, Polachek constitui uma cartografia do desejo na forma da música pop. Nela, diferentemente de outras narrativas em que o ser apaixonado quer tomar controle e dar nome ao que sente, a cantora prefere ser transportada pelo êxtase do sentimento. As excursões feitas nas doze faixas do esperado sucessor de Pang são ruminações, balbucios e expressões fundadas pela letargia, que mais criam imagens do que a paixão pode ser do que realmente um dizer concreto. 

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A fragmentação do discurso amoroso em múltiplas peças mostra o quebra-cabeça teórico montado pela artista a partir de modelos sem uma forma fixa. As harmonias e os elementos melódicos repetem-se, camuflados, entre as músicas; os versos – minimalistas porém nada literais – não possuem uma ligação nem uma linearidade uns com os outros. Como se dispostas aleatoriamente, suas composições mostram a vontade de propor uma visualidade pela simplicidade poética de suas letras. “Uma terna criatura / Uma febre / Encantadora, fluorescente”, exerce a tentativa sinestésica de capturar o desejo pelo reino das sensações e do inconsciente, no qual Polachek navega.

Nessa fixação a um vasto universo de imagens, a criadora de Pang traduziu a pintura surrealista Aniversário, de Dorothea Tanning, no sonho brutal de Door, que inaugurou sua carreira solo depois do grupo Chairlift. Já para Desire, o olhar arqueológico da autora procura, para dentro e fora de si, os mais variados símbolos: pinturas rupestres de bisontes, cornucópias romanas, quimeras, sombras platônicas e as lendas mitológicas de Minotauro e Teseu. E diferentemente de seu antecessor, as habitações agora são demasiadamente quentes para saias xadrez e espartilhos.

Em Smoke, é a efervescência gutural de um vulcão jorrando lava, representado por batidas e graves tectônicos — feitos do produtor executivo do álbum, Danny L Harle — que traduzem o descontrole e a violência de um corpo que busca o outro. O som de Harle, que situa-se em um bubblegum pop aéreo misto de um techno cartunesco, aqui ganha uma substância extremamente terrena e sóbria. Na mesma paleta de tons quentes, a faixa Sunset reside sob o sol de Barcelona, na qual o produtor Sega Bodega abandona o deconstructed club das baladas underground europeias para compor acordes fervilhantes em um violão flamenco. A canção situa a possibilidade de se estar perto, se não já envolvido, pela intimidade e pelo suor da luxúria.

Na clara dubiedade do título, da vontade de tanto debruçar-se quanto tornar-se o desejo, é onde a tese de Desire reside acesa. Polachek propõe charadas e mitologias entre o abismo de estar, ao mesmo tempo, extremamente conectada e distante com o outro. Essa falsa proximidade, colocada principalmente pelo isolamento social da quarentena, serve como uma fantasia escapista para a compositora, na qual é possível encontrar uma segurança na impermanência que, no fundo, busca um lugar para pouso. 

Bunny is a Rider é a recitação dessa energia, na qual as instrumentações surpreendem por sua complexidade, tomada por um ritmo com uma pitada tropical e por seu potencial pegajoso na sonoridade pop. Bunny foi o primeiro single do projeto, que assusta em suas batidas assíncronas e robóticas e em seus elementos inesperados, como o grunhido remixado da filha recém-nascida de Danny. Em um groove despretensioso, a faixa é quase uma reinvenção da deliciosamente confusa After Party, de Don Toliver, só que por uma estrela pop atmosférica e imaginária. No single, Polachek é atrevida e viciosamente indisponível e  – por que não? – offline.

Polachek, ainda longe de uma materialidade e sendo mais um conceito do que, realmente, uma presença, concebe, no título da música Pretty In Possible, um enigma (seria ‘‘no possível’’ ou ‘‘impossível’’?). A faixa guarda a lírica cerebral característica da vocalista, diluída no fluxo de consciência de sua composição, transeunte na progressão de tiques mecânicos que ganham uma leveza solar no instrumental de Harle. Seja pela incógnita ou pela ameaça de devorar, a canção traça a direção do projeto, enquanto parece, sonoramente, com algo que encaixaria-se no minucioso e rutilante Details, de Frou Frou, com um misto da aura sugestiva de Candy Perfume Girl.

É como se fosse capturada a sensação de vertigem que precede um viajante diante de águas desconhecidas, ou de um cantor frente à aproximação de seu refrão que, em Pretty In Possible, nunca chega. Nem o Oráculo possui pistas para seu fim, levando a percursos inesperados entre arranjos acústicos e eletrônicos que dão espaço à emulação de texturas e imagens sutis de erotismo: “Com o seu batom na minha coxa / Beba as lágrimas até elas secarem”.

Mais extrovertido que Pang, Desire possui seus momentos de introspecção que são, em meio do êxtase na maioria das canções, como a recaída de uma euforia sensual que retrai-se para dentro da casca de sua própria estranheza. Crude Drawing of An Angel é um episódio onírico, sexual e esquisito – do mesmo nervo de Die 4 You, de Perfume Genius e de Watching You Without Me, da obra prima de Kate Bush – que aposta em um storytelling com pistas de voyeurismo. Esse olhar mais sombrio mira a finitude das coisas em Hopedrunk Everasking. Na mesma sensação de quietude e magia, Polachek observa tudo com extrema efemeridade, enquanto reflete que os séculos, sentimentos, rumores e noites são cíclicos mas, para iniciarem-se novamente, precisam em algum momento encontrar o seu fim.

No entanto, assim como qualquer humana — mesmo que, muitas vezes, tal condição é destituída para ser pensada como uma ninfa, uma fada ou uma sereia —, Caroline Polachek sonha com a imortalidade. I Believe tem o tom épico e grandioso de um hit do pop italiano dos anos 1980, com seus sintetizadores radiantes, mudanças inesperadas de acordes e a gigantesca presença da voz da estadunidense, que traz a lembrança vocal das canções de Celine Dion. Tudo parece ter sido retirado de um baile disco do próprio universo do álbum, desde as samples orquestrais retiradas de bancos sonoros da internet até o seu próprio arquétipo de diva.

A diva é uma construção essencialmente feminina, ligada a uma maturidade e a um senso de paixão que pode levar à afetividade extrema ou à destruição. No espaço imaginativo dessa figura mística e imaterial é onde se processa o luto da morte de Sophie Xeon, produtora de uma música eletrônica imortal e futurista, além de extremamente pessoal, poética e plástica. O potencial dramático, somado a energia luminosa das pistas de dança, ganha o potencial de elegia nos vocais crescentes de I Believe, que parecem querer alcançar Xeon, aonde quer que ela esteja, e chegar ao infinito: um lugar transformativo de ideias, corpos e existências que um dia a pioneira já conquistou.

Em Blood and Butter, a paixão é um contágio pelo qual Polachek está sufocada, ecoando enunciados em torno do desterramento de quem ama. O instrumental colide a organicidade de gaitas de fole e melodias folclóricas – parecendo terem sido tiradas do The Sensual World, o libidinoso e folclórico álbum de Kate Bush — a uma base eletrônica delicada que poderia ter saído do techno pop da Madonna em Ray of Light. Tudo é extremamente desejante e, mesmo que ainda abstrato, a canção é onde se resplandece seu discurso mais declamatório e confessional. Transtornada pela possibilidade de entregar-se ao outro e reconfigurar-se inteiramente perante o desejo, Polachek puxa tudo para perto de si, para que se sinta o seu perfume e sua fome de quem vive de nada além da libido, num ímpeto mais do que corpóreo e até creepy de imprimir-se na pele do outro, lacerando-a como uma tatuagem.

Se em sua coletânea irreverente dos mais variados elementos míticos e históricos, a mente criadora poderia ser classificada como enciclopédica, talvez a artista prefira ainda a Wikipedia. Conectar-se ao antigo e ao arcaico é um dos meios que a faz encontrar materiais brutos e substratos para a sua própria escultura do desejo, mas ainda assim prefere não perder sua contemporaneidade. Em sua poesia, toma conta o ritmo ininterrupto do monólogo de Molly Bloom, o final da leitura moderna da Odisseia, por James Joyce, só que talvez já um pouco afetado por fábulas cibernéticas. Esse anacronismo dorsal que atravessa Desire tece seu magnum opus: Billions. 

Sexting como se tivesse, metricamente, compondo sonetos e guardando amantes dentro de sua boca, como pérolas. A viajante mergulha em um hedonismo dionisíaco em Billions, o testemunho total de Desire. A linha do baixo e os timbres são hipnóticos e tântricos, algo entre a sensualidade rítmica de Venus as a Boy, as produções de Timbaland nos anos 1990 e a ressonância de gongos em rituais de culto à sexualidade e à natureza. Existe, talvez como em nenhuma outra faixa do álbum, uma universalidade em suas imagens, em que todas as possíveis argumentações do desejo são diluídas nos vocais espiralares da cantora, que se apresenta como uma iniciadora, quase xamânica, às liturgias do corpo. Enigmática, sexual e complexa, Polachek coloca sua voz em um massivo exercício de distorções que atingem seu ápice cerimonial no fim da canção, em um coro de crianças que, dando fim a sua viagem mas não ao seu querer, entoam como um mantra: “nunca me senti tão perto de você”.

Ser liderada pelo caos da emoção é algo que dirige Polachek para o paradoxo de ser extremamente corpórea ou intensamente etérea, escrevendo versos sem pretensão, como se a cabeça estivesse nas nuvens. Essa variação temática de um  ímpeto de despossessão do corpo e da vontade carnal de habitar a si mesmo é a metáfora máxima – mesmo que não seja dita pelas passagens de seu álbum – da perda da inocência: algo tão físico mas, ao mesmo tempo, inteiramente conceitual. O desejo é, antes, lava. Depois pó, depois nada.

A ilustração mais verdadeira das vias de Desire, I Want To Turn Into You, entre os diversos símbolos acionados para esse universo de luxúria, são as subterrâneas e labirínticas linhas de metrô sem um sentido fixo; para as quais o olhar distante da cantora, na capa do projeto, funciona como um aviso. Adentrar-se ao movimento do desejo é entender que, durante a rota, a transmutação de si é algo inevitável, mas são justamente o que essas mudanças podem instigar – erupções, incêndios e cicatrizes – que a fazem de refém a esses caminhos. Todavia, o desejo é um perigo cauteloso, que anuncia e pede permissão para atingir as fragilidades humanas. A essas perguntas, Caroline Polachek sempre responde, em bom e alto tom, um deleitoso e vertiginoso ‘‘sim”. 

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Bruno Alvarenga

Alejandra Ghersi Rodriguez moldou sua carreira como Arca de forma selvagem e extrema. Seu estilo característico envolve texturas eletrônicas distorcidas projetadas para engolir e incomodar, além de visuais igualmente extravagantes, cuja temática mistura tecnologia e androginia de forma majestosa. Mesmo antes de dar à luz ao seu primeiro trabalho de estúdio, o disforme Xen (2014), a cantora, compositora e produtora de Caracas já vinha dominando seu território com outras composições autorais, além de parcerias com grandes nomes da indústria musical, como Kanye West, FKA twigs, Björk e Kelela.

No entanto, de maneira surpreendente, após o lançamento de KiCk i (XL Recordings, 2020), álbum que contou com as parcerias de SOPHIE, Shygirl, ROSALÍA e novamente Björk, Arca revelou o lançamento de outros quatro álbuns, completando o grandioso Kick. O projeto completo foi concebido como uma quebra explosiva contra a categorização e uma formulação artística da existência não-binária. Em KICK ii (XL, 2021), segundo capítulo da série, Arca segue o caminho a partir do seu álbum anterior.

A faixa de abertura, Doña, demonstra uma combinação abstrata e caótica entre misteriosos vocais sintetizados e sussurros em loop com uma majestosa manipulação de abstratos ruídos eletrônicos. Sobreposições totalmente irregulares, carregadas de texturas sujas, intencionalmente desordenadas e cortantes, criam uma atmosfera que poderia ter saído  diretamente de um jogo de Resident Evil: “Olá a todos/Para quem isso possa ser de interesse/É hora de entrar no fim/Escondido em uma caixa por esses outros”. Arca dá o tom com essa sonoridade familiar, que, no entanto, logo é quebrada pelo embalo hipnótico das próximas músicas.

Em Prada, Ghersi se aproxima novamente com a cultura latina, evidenciando uma combinação única e criativa de cúmbia e reggaeton, como uma clara extensão da proposta vista em KLK, parceria com ROSALÍA; e Mequetrefe, ambas do álbum KiCk i. Através dos versos e do distinto tratamento dos vocais, a canção revela um grito de liberdade sexual e desejo, dominância e submissão, junto à quebra dos papéis de gênero, como é notável no trecho “Eu te dou/Então você me dá, a/Por trás, ei”. 

Lançada conjuntamente com a faixa anterior, como um single que revelou os incríveis visuais e estética propostos para essa nova era, Rakata revive de forma contagiante o instrumental apresentado anteriormente em KLK, e Arca também. Cheio de energia sedutora e impulsiva, a música, que revive versos de sua unreleased Furruco, revela um magnetismo natural em relação à normalização do ato sexual sem constrangimentos e barreiras, com um final festivo que soa como brasas ardendo.

Em parceria com o produtor alemão Boys Noize e o DJ e produtor venezuelano CardoPusher, Tiro revela um estrondo deliciosamente caótico que navega em melodias explosivas – que remetem ao trance dos anos 90 – em contraste com vocais ardentes e dispersos, em que artista venezuelana desfia a geografia de seu país de origem de forma singular e atraente. A faixa também encerra a tríade de abertura do álbum que desconstrói e experimenta a energia sedutora do reggaeton: “Dá uma loucura, dá uma loucura/Chupa essa pepa como um mango bajito/Dá devagarinho, então você acelera/Quebra esse quadril/Ah, que divertido!/Até os ossos colidirem”.

Com Luna Llena, Arca apresenta uma melódica inversão do som desconstruído anteriormente, através de uma linda e potente performance vocal. A música possui uma carga dramática e emocional que remete à bela melancolia presente em seu homônimo de 2017. Conduzida de forma mais lenta com ritmos que flutuam em uma atmosfera sonhadora, a faixa é um destaque específico e está entre as músicas mais potentes da carreira de Ghersi até hoje. Ademais, Luna Llena pode também ser vista como uma homenagem e referência a sua amiga e colaboradora escocesa SOPHIE, falecida em 2021 após sofrer uma queda enquanto apreciava a vista da lua cheia.

Lethargy quebra o ritmo e conduz o ouvinte à segunda metade do álbum. Com batidas que exploram graves profundos mesclados com melodias de piano de forma lenta e abafada, a faixa revela uma maior profundidade sonora com vocais processados e samples de respirações ofegantes e claustrofóbicas. Após Arca consolidar a obra em um formato consistente, a partir de Araña o álbum se desmancha intencionalmente em mutações. Com instrumentais irregulares e batidas sombrias, é retomada a energia obscura anunciada pela faixa de abertura, Doña.

As influências de seus EPs anteriores Stretch 1 & 2 (UNO, 2012) são nostálgicas e descontroladamente construídas a partir de um ritmo duro e instável, que se contorce, balança e desliza sem controle como as pernas de uma aranha enquanto come e suga os líquidos de sua presa, como evidenciado em “E vire, volte, e toque”. A seção final apresenta um a capella, com um misto de vozes e entonações profundas e emotivas, formando um coro personificado das múltiplas personalidades de Arca ao longo de sua carreira e evolução como artista, seguido de uma explosão final.

A faixa seguinte, Femme, contribui ainda mais para a construção da abordagem sombria do restante do álbum, com batidas opressivas muito similares a sua mixtape de estreia &&&&& (XL, 2013). Muñecas, parceria com Mica Levi, mostra como a artista venezuelana constrói sua essência puramente experimental na Música. Lentamente, a faixa se molda com melodias submersas que mesclam vozes sobrepostas e letra cíclica, como uma oração: “Todas as minhas bonecas”.

Em Confianza, combinando vocais distorcidos e melancólicos com um turbilhão de inquietantes sons de piano, Arca demonstra mais uma vez a singularidade que é capaz de proporcionar em cada música ao abordar intimidade e vulnerabilidade de forma anárquica. Os últimos 30 segundos da faixa soam como um angelical e satisfatório fechamento para o set, mas, logo em seguida, o desconforto crescente da segunda metade do álbum se dissolve em Born Yesterday.

Feita para grudar na cabeça, a faixa traz os vocais poderosos e melódicos de Sia para demonstrar amor, infidelidade e conflitos internos, com um toque pulsante de piano e misteriosos sintetizadores, marca registrada da artista venezuelana. O primeiro single lançado para o KICK ii era, na verdade, uma faixa demo de 2013, escrita por Sia para Katy Perry, e que integraria seu álbum Prism. A canção acabou sendo descartada, até cair nas mãos de Arca.

Definitivamente, Born Yesterday não era o que os fãs esperavam de Ghersi, porém os retalhos instrumentais e poéticos se encaixam ao propósito profundamente pessoal da obra. A artista demonstra mais uma vez a capacidade de transitar entre estilos musicais de forma sempre imprevisível, mesmo que anticlimática. Por fim, Andro retoma e se encaixa à atmosfera crua da faixa inicial, com sintetizadores subterrâneos e um embalo absorvente que conduz o ouvinte ao espetáculo final do set.

Arca, uma verdadeira Diva Experimental, segue um caminho tortuoso ao dar continuidade ao seu Kick primogênito, e novamente nos leva a mergulhar numa viagem de texturas sonoras ríspidas dentro de seu complexo mundo. Adentrando esse universo de possibilidades, a artista utiliza seus próprios sentimentos como principal componente conceitual. As canções discutem vivência queer, sexualidade, gênero e ancestralidade com uma ternura sensível e particular, que apesar de sedutora e “acessível”, talvez não atraia ouvintes não familiarizados com seu estilo único.

Em KICK ii, Ghersi se lambuza ao experimentar novas possibilidades e brinca com ritmos, como evidenciado nas faixas de abertura do álbum – Prada, Rakata e Tiro –, em que ela estreita sua relação com suas raízes latinas de forma mais profunda. Ainda assim, enquanto a primeira metade do CD encanta e surpreende pela imensidão de ideias e domínio criativo impecável da artista, conforme se aproxima da conclusão, especialmente após Araña, as músicas soam arranjadas de maneira irregular e encaixadas como possível material não entregue no álbum anterior.

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I’m sorry, the old Melhores Discos do Mês can’t come to the phone right now. Why? Oh, ‘cause he’s dead!

Brincadeiras e referências taylorswifitianas à parte, o Melhores Discos do Mês realmente pediu aposentadoria. Porém, não vamos deixar esse buraco sem um substituto: sejam bem-vindos à primeira edição do Nota Musical.

Todo começo de mês publicaremos um listão dos melhores e piores lançamentos musicais do mês que passou. Tem CD, tem EP, música e até clipe. Em textinhos de até três parágrafos, a Editoria e os colaboradores do Persona levam até você os méritos e deméritos do que rolou no mundo da música.

Janeiro abriu a segunda temporada da pandemia com o delicioso COR, da dupla ANAVITÓRIA. Depois foi a vez da internet ficar obcecada com Olivia Rodrigo, sua carteira de motorista, e o drama digno de malhação com seu ex, Joshua Bassett e a loirona Sabrina Carpenter. Selena Gomez mandou um cállate puta e anunciou Revelacíon, um EP totalmente em espanhol.

Arlo Parks, ‘apadrinhada’ por Billie Eilish, presenteou o mundo com o primeiro grande disco do ano: Collapsed in Sunbeams. E no penúltimo dia do mês, perdemos a talentosíssima SOPHIE, um dos grandes nomes da música do século 21. O Nota Musical de Janeiro presta suas homenagens à ela. Ícone trans, gênia da produção eletrônica, e um dos pilares da PC Music. Rest in power. 

SOPHIE – Product

Muito antes da dupla 100 gecs aterrorizar a internet com a barulheira eletrônica e vocais destorcidos de seu debut, SOPHIE já pavimentava o caminho para a revolução eletrônica. A faixa BIPP e os lançamentos subsequentes usavam de instrumentos digitais e sintetizadores distorcidos para imitar sons do mundo real parecidos com látex, bexigas, bolhas, metal, plástico e elásticos. Tudo isso usando sua Monomachine de estimação, um complexo aparelho sintetizador e sequenciador, sem perder a sonoridade pop. 

Na verdade, SOPHIE era mais que pop: assim como seus colegas da PC Music, a artista ajudou a consolidar o hyperpop como a tendência para o fim dos anos 10 e para um futuro, ainda, sem data de validade. Com a filosofia de que os softwares de produção e os sintetizadores deveriam ser vistos como sem limites, nenhum som era impossível ou absurdo demais. A era pós-internet já está entre nós há algum tempo e a regra é clara: o artificial dobra a realidade e ganha quem parecer mais sintético intencionalmente. Mas, por incrível que pareça, nesse mundo photoshopado e plastificado da PC Music, a genialidade se mostra extremamente humana. – Jho Brunhara

SOPHIE – OIL OF EVERY PEARL’S UN-INSIDES

O lançamento de It’s Okay To Cry foi muito mais que a primeira “aparição pública” de SOPHIE, ou a primeira canção cantada por ela mesma. Através da música, a artista se assumiu como uma mulher trans para o mundo. A balada com um final explosivo e uma letra sobre libertação é, sem dúvidas, uma das mais importantes da carreira e um dos maiores legados deixados pela cantora.

Em seu primeiro álbum (Product é considerado um compilado), e, infelizmente, seu último em vida, SOPHIE se consagrou como o futuro da música. Prevendo e lançando estéticas e tendências sonoras desde muito antes, a cantora, produtora e compositora sempre foi uma força a ser reconhecida. Ponyboy e Faceshopping capturam exatamente o que é pertencer à pós-modernidade e a essência propositalmente sintética do hyperpop. E Immaterial, igualmente forte em transcender o pop, não poderia ser mais cirúrgica: “eu posso ser o que eu quiser”. Muito obrigado, SOPHIE. Você será para sempre a lua que ilumina nossas noites. – Jho Brunhara

CDs

Arlo Parks – Collapsed in Sunbeams

Tudo parece perfeito demais para ser verdade. Inaugurando a corrida pelos grandes discos do ano, Arlo Parks entra em cena com uma estreia cheia de poesia. A cantora, compositora e poetisa britânica derrama corpo e alma em seu primeiro disco de estúdio, que explora as nuances de um neo-soul e bedroom pop em tons terrosos, quase pacato, mas cheio de camadas sonoras. É um trabalho riquíssimo. Parks, que tem apenas 20 anos, já demonstra enorme maturidade artística e, sem sombra de dúvidas, deve fazer ainda muito barulho nos próximos anos.

Mas foco no presente: Collapsed in Sunbeams tem muito a ser apreciado. O trabalho é, em grande parte, uma parceria com o compositor e produtor Gianluca Buccellati, que rende frutos incríveis. Black Dog é um deles, observando de perto o impacto de transtornos mentais numa pessoa amada e o sentimento de impotência que isso causa. Outros momentos, como a noventista Too Good (produzida por Paul Epworth, responsável por Rolling in the Deep, hit da Adele), são mais leves, mas não menos dolorosamente realistas. – Leonardo Teixeira

ANAVITÓRIA – COR

Desde que Trevo ganhou o mundo alguns anos atrás, a dupla de avoadas do bem, ANAVITÓRIA, conquista admiração pelo charme e pela meiguice de suas composições. Elas vibram em outra frequência, correm descalças pelos palcos dos shows com os cabelos ao vento e as saias bufantes. Em COR, disco que chegou junto dos primeiros badalares de 2021, o duo nem se esforça para fugir dos conceitos artísticos que consolidaram-nas em cena.

A abertura mais sisuda de Amarelo, azul e branco, acompanhada da sabedoria de Rita Lee, parece demarcar o trabalho para novas direções, mas tudo volta ao ‘normal’ logo na faixa seguinte. Cantarolando sobre a política de viver livre e criando as já manjadas metáforas com a natureza, as artistas passeiam por trilhas já desbravadas no passado. Tudo soa seguro demais, familiar demais. Mas, da metade pro final dos quase cinquenta minutos do registro, as coisas melhoram. 

Em Terra, um conto de apaixonados separados pela saudade, chega o momento onde Vitória rasga o véu entre o mundo da realidade e da canção, sussurrando “já faz um tempo desde aquela vez”, com a sinceridade sangrando na garganta, e fazendo tudo valer a pena. É um alento metalinguístico, um acariciar tátil. Ela canta ao nosso ouvido uma sensação de clausura e lembrança. É verdade, Vitória, faz bastante tempo desde aquela vez. – Vitor Evangelista

Taylor Swift – evermore (Deluxe Version)

Após quinze músicas que contam com todos os tipos de sentimentos e diferentes ritmos,  Taylor Swift finaliza o álbum evermore com uma frase: a dor que sentia não duraria para sempre. Apesar do lindo final feliz, a cantora ainda tinha algumas coisas para falar, e então resolveu presentear seus fãs com mais dois tracks: right where you left me e it’s time to go.

Em right where you left me, o início, que fala sobre amizade, nascimento, casamento e outros acontecimentos ao longo da vida, logo é confrontado com o momento relatado da protagonista. Estacionada no tempo, vemos que ela está presa no instante do término de seu relacionamento. A narrativa super visual nos permite assistir a cena que Taylor descreve enquanto ouvimos a música, imaginando detalhadamente como se realmente estivéssemos no restaurante, exatamente onde a pessoa foi deixada. 

E então em it’s time to go, Taylor decide finalmente partir. Com uma melodia simples e calma, a última faixa é como uma conversa entre amigos, um desabafo e um conselho ao mesmo tempo. A loirinha novamente retrata diversos aspectos da vida, mas dessa vez em uma reflexão sobre desfechos. Seja em um divórcio ou demissão, ela comenta como nós sempre sabemos quando temos que partir. E então se despede de seus ouvintes lembrando que às vezes ir embora é a coisa certa a se fazer. – Mariana Chagas

Ludmilla – Numanice (Ao Vivo)

No início de 2020, Ludmilla saiu da sua zona de conforto pop e funk e nos presenteou com dois lançamentos no gênero pagode. A Boba Fui Eu, uma nova versão da sua parceria com Jão, e Faz Uma Loucura Por Mim, um cover da rainha brasileira do gênero, Alcione. As músicas caíram nas graças do público e meses depois, como prometido, lançou um EP inteiro com suas canetadas – composições próprias – que mostrou a versatilidade da artista que consegue transitar entre diversos gêneros brasileiros com maestria e entregando trabalhos de qualidade.

Derivado do EP Numanice, a cantora lançou no dia 29 de janeiro o Numanice (Ao Vivo) nas plataformas digitais junto do show completo no Youtube. Gravado ao ar livre num dos cenários mais conhecidos do país, o Pão-de-Açúcar, o espetáculo e o seu álbum reúnem 14 músicas, juntando os sucessos do material lançado em estúdio com sucessos consagrados que o público já conhece. Segundo a cantora, o projeto surgiu da sua vontade em registrar um “pagodinho de respeito”, já que nasceu nesse meio, e não fez feio.

Reunindo parcerias especiais como Thiaguinho, Bruno Cardoso, Vou Pro Sereno, Di Propósito e o rapper Orochi, a cantora mostrou que consegue segurar um show mesmo sem plateia. O álbum já está disponível em todas plataformas musicais para a sorte de quem esperava por um lançamento desde o querido A Danada Sou Eu. – Giovanne Ramos

Danna Paola – K.O.

Danna Paola não é só uma excelente atriz, cariño. A mexicana já começou 2021 com K.O. (Knock Out), um álbum cheio de personalidade, mostrando toda a sua potência musical. Tudo começa pela capa impecável, cheia de tons avermelhados e elementos visuais que remetem às suas raízes latinas. Sua versatilidade é algo realmente admirável. A artista se arrisca em diversos ritmos e, em todos eles, ela entrega uma obra-prima.

Em Contigo, é perceptível uma similaridade com o sample de Downtown, de Anitta. A brasilidade também é nítida em TQ Y YA e em Friend de Semana. A primeira tem uma pegada funk e é uma celebração ao Mês do Orgulho LGBTQI+. Na segunda, Paola divide a voz com Luísa Sonza e a cantora espanhola Aitana. Tendo a sensualidade latina mais evidente, No Bailes Sola nos teletransporta para a Cuba de Dirty Dancing 2: Noites de Havana. 

Não só em batidas distintas que ela aposta seu trabalho, mas também em instrumentos diferentes. Seu potencial vocal é colocado à prova com as notas clássicas de um piano em Amor Ordinario e a serenidade das cordas de um violão acompanha a parceria da cantora com Mika em Me, Myself. Todas essas multifacetas de Danna Paola em K.O. tornam o álbum um dos grandes lançamentos deste mês (quem sabe, até mesmo do ano) e uma referência extraordinária para a música latina. – Júlia Paes de Arruda

Diogo Nogueira – Samba de Verão_Sol 

2021 começou com Diogo Nogueira trazendo seu Samba de Verão e a saudade de uma roda e uma cervejinha gelada ao seu som. Esse novo trabalho contará com três álbuns: Sol, Céu e Lua. As músicas escolhidas pelo cantor para fazerem parte do setlist do primeiro disco, Sol, ajudam na construção imaginária de um ambiente praiano bem ensolarado típico do Rio de Janeiro (cidade da gravação). As faixas são capazes de emocionar, como é o caso de Andança, gravada em homenagem a madrinha Beth Carvalho; e ainda deixam o gostinho de quero mais pros próximos álbuns que estão programados.

Unindo inéditas à grandes composições brasileiras, o álbum fica ainda melhor trazendo participações especiais para agregar ao projeto. O grupo Fundo de Quintal no medley Fada/Cheiro de Saudade e os partideiros Mingo, Mosquito, Juninho Thybau, Gabrielzinho de Irajá e Baiaco em Pretas Brancas e Morenas/É Lenha/Amor Verde e Rosa reforçam ainda mais a ideia de uma roda de samba. Vem vacina, pois eu quero curtir um Samba de Verão do Diogo Nogueira na praia. – Ana Júlia Trevisan

Ashnikko – DEMIDEVIL

A rapper norte-americana em ascensão, Ashnikko, vêm ganhando espaço no cenário pop desde o sucesso mundial do seu single Stupid no TikTok em 2019. Posteriormente em 2020, a cantora emplacou novamente nas paradas em todo o mundo com seu hit Daisy, onde conta a luta de uma anti-heroína empoderada no combate ao patriarcado. Agora em 2021, a cantora nos presenteia com seu primeiro mixtape, DEMIDEVIL, um álbum cheio de mensagens feministas e contra o machismo.

Sua nova produção conta com as parcerias de Grimes, Princess Nokia e Kelis, além de referências à música pop dos anos 2000, como uma releitura inusitada de Sk8er Boi, hit atemporal da cantora Avril Lavigne. A mistura entre rap, pop e heavy metal, nos apresenta letras que falam sem pudor sobre o empoderamento feminino, enquanto Ashnikko ainda nos mostra que mesmo sua personalidade forte, é também sensível quando trata-se do amor. DEMIDEVIL não venho apenas como um manifesto feminista, como também é uma amostra do que Ashnikko tem a trazer de novo para a cultura pop. – Gabriel Brito de Souza

ZAYN – Nobody Is Listening

Depois do rebuliço de Icarus Falls, ZAYN parece ter entendido que às vezes menos é mais. O que falta ser compreendido pelo artista, entretanto, é que a simplicidade não precisa ser rasa e que o real significado da expressão reside em compreender a riqueza que pode ser lapidada do essencial quando saímos da superfície. Seu último lançamento, Nobody Is Listening, é uma tentativa cheia de boas intenções que se afoga em mesmice e hesitação, resultando em um dos álbuns mais oscilantes dos últimos tempos.

Entramos no disco já pisando em altos e baixos, topando com o projeto de rap insosso e raso de Calamity, que ainda apresenta uma parte cantada melancólica, interessante e muito bem mixada mas que é inaproveitada. Qualquer efeito que a abertura pudesse produzir é perdido ao se chocar com o single Better e com Outside, que com ritmos bons e instrumentos legais que marcam de leve um R&B combinam muito bem com a voz cheia de técnica e os sentimentos de ZAYN, mas não com o prelúdio do disco. Essa monotonia arrogante ainda se estende a Vibez – a sex song da vez, cuja única função é marcar mais uma (cansativa) vez a necessidade que o ex-One Direction tem de mostrar que é gente grande -, Unfuckwitable, Connexion e quase todas as canções do meio do álbum.

Mas nem tudo é perdido e Tightrope é o exemplo perfeito do que quero dizer, mostrando que ZAYN é completamente capaz de encontrar equilíbrio quando arrisca caminhar mesmo que seja – perdão pelo trocadilho – em um corda bamba. Entre um refrão pop e uma letra um pouco mais interessante do que as outras, ela prepara o caminho para o encerramento que o álbum encontra com o R&B puro e destemido de River Road, que nem parece ser do mesmo artista perdido que começou o álbum. Juntas, as duas faixas são as que correspondem melhor ao ZAYN que esperávamos ver em Nobody Is Listening. No fim das contas, o que fica é a esperança de que o artista junte coragem o suficiente para mergulhar em mares desconhecidos e emergir com descobertas realmente novas. – Raquel Dutra

Videoclub – Euphories

É viajando na temática oitentista que o Videoclub se fortalece em Euphories, criando uma narrativa animada e divertida que mistura os sintetizadores da antiga década com narrativas atuais e eternas. Entre o velho e o novo, a dupla consegue criar sua identidade, trazendo influências de grandes nomes como Duran Duran, sem nunca abandonar seu próprio estilo. A personalidade, impressa em cada uma das músicas, traz um frescor para o álbum que poderia cair facilmente na mesmice.

Sem se perder, Adèle Castillon e Matthieu Reynaud unem esforços e nos presenteiam com melodias aveludadas e intensas que crescem a cada novo play. Amour Plastique abre o disco francês cumprindo com seu papel de nos inserir naquele universo neon fantasioso, nos fazendo mergulhar de cabeça na atmosfera de Euphories. E sem medo de fazer um tipo de som que pode parecer datado, eles refrescam o ritmo e o trazem, de forma jovem e segura, para o novo século. – Ana Laura Ferreira

EPs

Jazmine Sullivan – Heaux Tales

Cabem um milhão de mulheres em Heaux Tales, o mais recente registro de estúdio de Jazmine Sullivan. É com esse intuito, de englobar narrativas e pontos de vista dos mais diversos, que a cantora e compositora da Pensilvânia conduz o trabalho, que é gigantesco demais para um EP. Tome Put It Down como exemplo. A faixa descreve a mais antiga das tramas – uma relação unilateral, em que um das partes se doa totalmente e, mesmo sabendo que o outro não retribui a atenção, se contenta com migalhas e procura motivos pífios para manter essa dinâmica problemática. Longe de qualquer juízo de valor, Sullivan é uma contadora de histórias nata. 

A tracklist intercala reflexões sobre amor, auto estima, sexo e consumismo com interludes (algumas faladas, outras declamadas) que dão liga à experiência. Doze anos após sua estreia, Jazmine é veterana na cena e mostra saber muito bem aonde quer chegar. Arranjos minimalistas e crus complementam sua incrível voz, que consegue abraçar o significado total das composições. De modo que em Lost One, quando ela pede para um amor perdido que “por favor, não se divirta muito sem mim”, o ouvinte não tem outra escolha, a não ser suplicar junto a ela. – Leonardo Teixeira   

RuPaul – RuPaul in London EP

As temporadas recentes de Drag Race nem tem mais vergonha de admitir que RuPaul publiciza tudo que pode. Então, era óbvio que viria algo junto da estreia da segunda temporada de Drag Race UK. Ao passo que, no show original, atualmente no 13º ano, a dona do império escancara regravações nos capítulos de estreia, na franquia inglesa ela precisava de outra saída.

Então nasceu o EP RuPaul in London. São meros quinze minutos de duração, distribuídos em 5 músicas remixadas. Nada de novo ou original vem daqui, mas as faixas são pedidas ideais para limpar a cabeça e bater cabelo sem sinal do amanhã (assim que o Lockdown da capa acabar, é claro). ConDragulations, cantada no Drag Race dos EUA, ganhou um remix por Jrob aqui. – Vitor Evangelista

Davi Moraes – Todos Nós 

Estávamos prestes a completar um mês de isolamento quando chegou a notícia que faria doer o coração dos amantes da música brasileira. Aos 72 anos, Moraes Moreira, um dos maiores gênios do Brasil, partia para o plano espiritual. A pandemia não permitiu que as homenagens fossem feitas a altura ao homem que com suas composições escreveu o mais importante álbum nacional e com seus cordéis ganhou uma cadeira na Academia Brasileira de Letras. Seu filho Davi Moraes começa o ano de 2021 com o pé direito. Iniciando uma parceria com a Biscoito Fino, Davi lançou um EP em homenagem ao pai.

As quatro músicas contam com grandes parceiras de Moraes e de longa data de Davi, como Carlinhos Brown, Marina Lima e Joyce tornando ainda mais especial a homenagem ao mestre. O EP traz o sentimento de saudade logo na primeira canção: Aos Santos. O trecho “Você foi embora, me deixou aos prantos” nos coloca no lugar daquele filho que está cantando. Mas, a emoção maior fica com O Cantor das Multidões. Canção biográfica, traz a terra natal de Moraes, o encontro com os Novos Baianos e o mais importante, seu carisma com as multidões. É impossível não ir às lágrimas com a brasilidade das músicas. Todos Nós arrepia na mesma intensidade que transmite afeto e prova que Moraes Moreira deixou muitos ensinamentos a Davi. – Ana Júlia Trevisan 

Nando Reis e Duda Beat – DUDA BEAT & NANDO REIS 

Com a pandemia, as lives viraram parte do nosso cotidiano, trazendo um show para disfarçar a monotonia dos dias quarentenados. A Devassa apostou em festivais online, com muita música brasileira e doações para os profissionais dos bastidores. Foi nesse festival que nasceu a deliciosa parceria entre Duda Beat e Nando Reis, rendendo um EP com canções já eternizadas nos dois universos e que ganharam um novo estilo, prazeroso de se ouvir com essa dupla.

Logo em All Star, abertura do disco, fica claro que as músicas de Nando parecem ter sido feitas para a voz de Duda. A combinação de carisma, talento e vocal deles é tão babadeira que os próprios brincam que agora são “Nando Beat e Duda Reis”. As músicas da cantora também parecem ser conhecidas há muito tempo na voz do Infernal. Espero que esse EP seja apenas o começo do duo que tem tudo a ver, outras canções interpretadas por eles nas lives tropicais da Devassa, como Luz dos Olhos, merecem o carinho de uma gravação. – Ana Júlia Trevisan

Death Cab for Cutie – The Georgia EP

Alguns anos atrás, quando a ideia de uma pandemia não passava de ficção científica, a banda Death Cab for Cutie veio à São Paulo tocar no Popload Festival de 2018. Esse era o primeiro show deles no Brasil. Todavia, poucos minutos antes da entrada do grupo ao palco, uma assessora tomou o microfone e anunciou que o vocalista havia tido complicações médicas e teria de cantar e tocar sentado. Ben Gibbard, visivelmente abalado, abriu o coração, e as injeções que levou não impediram-no de criar um sensível espetáculo ao lado dos outros integrantes.

The Georgia EP, formado por covers de artistas da Georgia, transmite com exatidão a maneira ímpar como Death Cab for Cutie encara a arte da música. Melancólico, sarcástico e apaixonado por cantar em primeira pessoa, o registro, embora curtíssimo, renova os ares do grupo. The Georgia EP é um trabalho comemorativo à vitória democrata na eleição dos EUA, homenageando o Estado da Georgia, que azulou. Os destaques são Waterfalls (canção de TLC), sincera de tudo, e a alegórica The King of Carrot Flowers, Pt. One. – Vitor Evangelista

Músicas

Aly & AJ – Listen!!!

Após viralizarem no TikTok com a clássica Potential Breakup Song, o duo pop Aly & AJ embarcou em um novo ciclo musical com Listen!!!, segundo single do novo (e até agora não nomeado) álbum. As irmãs Aly e AJ Michalka vem entregando regularmente faixas sólidas com os EPs Ten Years (2017) e Sanctuary (2019), mas 2021 irá marcar o primeiro álbum de estúdio da dupla desde Insomniatic, de 2007.

Depois da marcha lenta e romântica de Slow Dancing, Listen!!! marca um retorno feroz às raízes líricas das irmãs Michalka, que cantam novamente sobre a decepção do amor em frente à indiferença, com a frágil esperança de poder encontrar um caminho para casa. Elas cantam: “Que o seu coração nunca me ouviria/Aqui me sinto uma refém/É óbvio que há algo faltando (Faltando)/Eu posso estar perdida, mas sei o caminho de volta”.

O duo é acompanhado dessa vez pela guitarrista Nancy Wilson da banda Heart e do músico Jack Tatum de Wild Nothing nos sintetizadores, elevando a faixa com pitadas dos anos 90 sem deixar de lado o synthpop aperfeiçoado em seus dois EPs anteriores. Listen!!! é, como seu título revela, um single que implora para ser ouvido. – Gabriel Oliveira F. Arruda

Olivia Rodrigo – drivers license

De tempos em tempos, emissoras como Disney e Nickelodeon revelam fenômenos musicais massivos. Em 2021, foi a vez de Olivia Rodrigo e seu single de estreia, drivers license. A protagonista de High School Musical: The Musical: The Series debutou direto no topo da Billboard Hot 100 e quebrou dezenas de recordes ainda na semana de lançamento. O sucesso foi imediato: sob metáforas instigantes, pianos e percussões melancólicas, é quase indiscutível que drivers license é um dos melhores debut singles dos últimos anos no cenário pop adolescente. 

A profundidade lírica de Rodrigo remete a narrativa detalhista de Taylor Swift e as letras autobiográficas de Lorde: íntimas, profundas e quase sinestésicas. O sucesso massivo é parcialmente abastecido por dramas pessoais de Rodrigo, mas não deixa de ser justificável – o rito de passagem (quase unânime) de ter seu coração partido é retratado de forma singular. O destaque da canção é sua ponte: as camadas de vocais em harmonia e a produção certeira são muito bem posicionadas na música. Para um single de estreia, drivers license cumpre até mais do que promete e coloca Olivia em destaque para um futuro de sucesso. – Laís David

Joshua Bassett – Lie Lie Lie

Muito antes da carteira de motorista de Olivia Rodrigo tombar o mundo adolescente do entretenimento, seu amigo e colega de elenco Joshua Bassett havia planejado o lançamento de Lie Lie Lie para o começo do ano. Um post do Instagram, datado de dezembro de 2020, já dava uma prévia do novo som do ator e cantor, protagonista da série de High School Musical. Lie Lie Lie chegou entre a brilhante faixa de Rodrigo e a insossa de Carpenter, os integrantes desse suposto triângulo amoroso.

E então drivers license chegou, e o resto é história. O que rolou é que Lie Lie Lie parece uma resposta fabricada ao hit da garota, e ainda soa soberbo e de língua afiada, mas a música em momento algum se mostra inventiva, inteligente ou mesmo interessante, como Anyone Else, single mais antigo de Bassett. Ele planeja lançar seu EP em março, e uma parceria com Sabrina Carpenter já foi confirmada. A esperança é que as novas canções sejam mais ousadas que essa Lie Lie Lie. – Vitor Evangelista

Sabrina Carpenter – Skin

Desde o lançamento de drivers license, há boatos de que a “loira” citada por Olivia Rodrigo na música fosse Sabrina Carpenter. Tais suposições fizeram com que o nome da cantora e atriz fosse muito comentado nas últimas semanas. E, se ela já estava sendo altamente citada, a jovem virou de vez o centro de atenções ao lançar seu último single, Skin. 

Escrita por Sabrina e mais dois compositores, a música foi produzida por George Seara e conta com um ritmo que vai se fortificando durante os primeiros versos até atingir o ápice no refrão.  A melodia, assim como de suas outras músicas, é do tipo que, por mais que você não goste de primeira, você vai se viciando enquanto escuta e, quando percebe, já está cantando junto.

Liricamente, a canção gerou uma grande polarização. Enquanto muitos acreditavam que Sabrina estava certa de mostrar seu lado da história, a maioria pareceu discordar da posição que a cantora tomou. As discussões foram tantas que Sabrina precisou desativar os comentários no Youtube e se pronunciar no Instagram, explicando que a canção não é apenas sobre a situação desagradável com a outra cantora, mas sim sobre outros aspectos de sua vida. Seja qual for a inspiração, Skin continua sendo um ótimo presente para os fãs da artista. – Mariana Chagas

Charlotte Cardin – Daddy 

Triângulos amorosos são um grande clichê na cultura pop. Desde a dúvida de quem Ilsa escolheria no clássico Casablanca até a controvérsia de millennials entre Selena Gomez, Miley Cyrus e Nick Jonas, o público parece estar saturado de histórias repetitivas de amores proibidos. Mas é em Daddy, segundo single do álbum da canadense Charlotte Cardin, que se resgata o sentimento de estar preso entre as péssimas escolhas em sua juventude: uma delas, claro, é decidir entre dois diferentes pretendentes. 

Os ríspidos vocais de Cardin e os arranjos sublimes distanciam a canção de qualquer outra do Top 40. A nativa de Montreal sabe muito bem usar sua voz como próprio instrumento dentro da produção minimalista e recheia a música de harmonias viciantes. O single é precursor do primeiro álbum da artista que, se for minimamente coeso com Daddy, tem tudo para ser um dos melhores do ano. – Laís David

Selena Gomez – De Una Vez  

Após uma década da versão em espanhol de A Year Without Rain, Selena nos presenteou com a agradável surpresa de ver ela interpretando uma mais canção no idioma. De Una Vez é uma música forte, que fala sobre se recuperar das dores de um amor que já não existe mais. E todos elementos presentes no fantástico clipe colaboram para a criação de uma história de cura e superação. Os cenários usados no vídeo parecem mostrar os estágios passados pela cantora, narrando sua própria história.

Artista completa, Selena também se atentou para símbolos da cultura latina. Flores são usadas pela cantora remetendo um dos maiores ícones do México, Frida Kahlo, e também combinam com sua personalidade. O amuleto de coração usado por Gomez é a cereja no topo do bolo, usado para fins de cura na cultura mexicana, faz pleno sentido com a letra da canção. As cores saturadas usadas na capa do single conferem com o estereótipo americano criado na representação latina.

O clipe parece ser uma despedida de Selena com o passado, rompendo com todo trabalho já feito. Há uma parte que ela queima polaroids no fogão, e podemos associar isso com sua última era, Rare, que contava com várias fotos do estilo para divulgação. Após todo processo, vemos uma Selena mais tranquila e segura de seu talento. Não sabemos muito sobre o EP que está vindo por aí, mas é certo que podemos esperar algo grandioso da artista. –Ana Júlia Trevisan

Billie Eilish e ROSALÍA – Lo Vas A Olvidar 

Íntima e profunda, a balada de Billie Eilish e ROSALÍA nos faz perguntar como vivíamos antes de ter ambas as vozes em uma única produção. As diferentes entonações, complementares e poderosas, criam camadas e mais camadas na sonoridade bem marcada que mescla os estilos das duas. E como um furacão, no meio do caminho entre WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? e El Mal Querer, está Lo Vas A Olvidar.

A canção, que embala o segundo episódio do especial de Euphoria na HBO, se torna ainda mais forte com o clipe simples e sombrio que a acompanha. Os sentimentos de aperto e desespero se edificam até serem finalmente libertos com toda a soberania das vozes de Eilish e ROSALÍA. Pessoal, tocante e imersivo, o single sabe como nos persuadir a adorá-lo, o que fazemos com bom gosto. – Ana Laura Ferreira

Justin Bieber – Anyone

Após atravessar a era não vingada Changes, Justin Bieber desencantou e mostrou seu verdadeiro eu. Letras mais leves e até mesmo piedosas fazem o cantor se destacar, o que fica cada vez mais evidente: o fato dele estar passando por uma fase autêntica e psicologicamente estável. Holy, Lonely e agora a cativante Anyone, são a tríade em que Bieber apostou. E Anyone veio pra ficar.

O cantor quis começar 2021 com o pé direito e já apresentou Anyone no primeiro dia do ano, em primeira mão para seus fãs em uma live. De praxe, a música alcançou o topo mundial no Spotify no lançamento, e ainda permanece no top 10 da plataforma. O videoclipe já acumula mais de 45 milhões de visualizações. Com uma produção que não desapontou, o vídeo se passa nos anos 70, onde Justin interpreta um boxeador inspirado em Rocky, filme estrelado por Sylvester Stallone – e o que mais impressionou o público – Bieber sem nenhuma de suas tatuagens. 

Ele também chegou a emplacar sua tríade musical no top 10 do Itunes Estados Unidos, um feito um tanto quanto difícil para qualquer artista, e que, com certeza, já supera as tais “Mudanças”. “A música nos ajudou a superar muita coisa em 2020, e para mim, pessoalmente, foi um instrumento de cura e transformação. “Anyone é uma canção especial, inspiradora e cheia de esperança. Ela estabelece o tom para um ano novo mais iluminado, repleto de novas possibilidades”, disse Justin. Parece que os mais baixos que altos da vida do canadense não foram capazes de o parar. – Giovana Guarizo

Joshua Bassett – Only a Matter of Time

Depois de lançar Lie Lie Lie no meio do mês, Joshua Bassett finalizou janeiro com música e clipe de Only a Matter of Time. Uma das faixas que fará parte de seu vindouro EP, o jovem cantor continua batendo na tecla de mentiras e boatos de um finado relacionamento. Tematicamente muito perto do single anterior, Only a Matter a Time é melhor resolvida, ao menos.

A composição, embora ainda liricamente fraca, se encontra mais suavemente com a doce voz do artista. O clipe é simples mas potente em adereçar as dores latentes do garoto, que canta num único corte, próximo às paisagens terrosas de uma linha de trem. Ainda na pira do triângulo amoroso, Joshua Bassett se mantém na boca do povo. Agora é esperar pra ver se o EP viverá à altura dessa tempestade. – Vitor Evangelista

Lauren Jauregui e Pabllo Vittar – Lento (Brabo Remix)

A ex-integrante da girl band Fifth Harmony, Lauren Jauregui, lançou em 2020 o single Lento, uma das músicas que marca o início de sua carreira solo. Com o sucesso da faixa entre os fãs, a cantora já havia lançado um remix com o cantor porto-riquenho Rauw Alejandro, antes do anunciado com a parceria da drag queen e cantora brasileira Pabllo Vittar, o que trouxe ainda mais destaque para a faixa.

Rebuscando na sua origem cubano-americana, a cantora trouxe na versão original o típico ritmo das músicas latinas e um toque sensual, o que torna a música tão sedutora aos ouvidos. Já no remix em colaboração com Pabllo, os produtores Brabo trouxeram ao fundo batidas do brega, gênero musical brasileiro que, quando incorporado às vozes de Lauren e Vittar, deixam Lento ainda mais envolvente. – Gabriel Brito de Souza

FKA twigs, Headie One e Fred again.. – Don’t Judge Me

Após o cancelamento da turnê do álbum Magdalene (2019) por conta da pandemia da COVID-19, a cantora, compositora e dançarina FKA twigs transformou seu tempo de isolamento social em novas músicas, produzidas de forma remota. A artista utilizou o Facetime para colaborar com diversos produtores, inclusive El Guincho (El Mal Querer, de Rosalía). Esse processo criativo resultou em um novo disco, ainda sem nome, cuja primeira amostra vem no single Don’t Judge Me, versão estendida do interlúdio Judge Me, faixa presente na mixtape GANG, do rapper Headie One e do produtor Fred again..

A música teve seu lançamento acompanhado do vídeo dirigido por Emmanuel Adjei (Black is King, de Beyoncé e Dark Ballet de Madonna), que em três atos faz um retrato meticuloso da experiência negra no Reino Unido. O vídeo traz, além de FKA twigs e Headie One, vários influentes artistas britânicos negros, que contrastam com a Fons Americanus no Tate Modern, escultura de grandes dimensões que retrata e critica o tráfico de escravos no Atlântico. O diretor descreve a obra audiovisual como uma luta contra forças invisíveis de julgamento e opressão. – Carlos Botelho

The Cast of RuPaul’s Drag Race Season 13 – ConDragulations

A recente decisão de dividir o grupo de competidores em dois episódios tem beneficiado e muito as narrativas do reality show competitivo RuPaul’s Drag Race. A 13ª temporada começou diferente das demais, mas não demorou para que as 7 primeiras queens do ano cantassem e dançassem na passarela, regravando com seus próprios versos a canção ConDragulations.

A batida foi envolvente e o refrão, inesquecível, por mais que a composição geral da faixa não fuja muito do discurso que RuPaul vende por mais de uma década. Gottmik discutiu sua identidade como homem trans, mas escolheu cantar num flow lento, o que deixou sua parte minúscula perto das demais. Kandy Muse arrotou um verso inaudível, mas fez isso usando o melhor look do grupo. LaLa Ri é carisma vivo e seu timbre é um deleite à parte.

Olivia Lux surpreendeu pelos maneirismos de Mariah e os vocais adocicados, fazendo valer o lugar nas Melhores da Semana. O destaque de tudo, é claro, fica com Symone, a pose, as caras e bocas, o brilho nos olhos, impagável. Tina Burner é um palhaço talentoso, mas sua composição pareceu abarrotada naqueles vinte segundos disponíveis. Elliott abriu um espacate e rimou se divertindo no look Sylvia Design. Se ConDragulations for o gosto do ano 13 de Drag Race, estaremos bem servidos. – Vitor Evangelista

The Cast of RuPaul’s Drag Race Season 13 – Phenomenon

Depois de ConDragulations, chegou a vez de Phenomenon. Reservada ao episódio daquelas que perderam a Dublagem da estreia, a composição e coreografia deram um banho de qualidade e talento no primeiro grupo. Denali começou matando a pau, cheia de confiança e irreverência, comprovando com fatos seu lugar como vencedora do desafio.

Joey Jay deixou sua marca na competição, e a partir de agora uma drag queen sem peruca será imediatamente ligada à imagem da ‘gay ass bitch’. Kahmora Hall tentou, e esse é o máximo de reconhecimento que podemos dar à sua parte da canção. Rosé, autointitulada um palhaço fashion, foi a mais diferente do grupo, e sua conclusão é a mais apetitosa das 6 composições.

O refrão de Phenomenon apenas reafirma a capacidade de crescimento e evolução de arte drag e do papel de RuPaul, sedimentando isso na cultura pop e além. Tamisha Iman transmitiu cirurgicamente seu espírito de lutadora e mesmo a rigidez de seu flow fez sentido no plano maior. Utica merece todo amor e reconhecimento apenas por ser quem é, ‘se mexendo até o topo’. Novamente, se Phenomenon prever o progresso do ano 13, mal posso esperar pelo espetáculo completo. – Vitor Evangelista

Ariana Grande, Doja Cat e Megan Thee Stallion – 34+35 (Remix)

A tática de lançar um remix após o lançamento de um álbum é milenar no mundo da música. Agora, na era do streaming, é ainda mais comum que um artista tente dar continuidade a um disco por meio de lançamentos avulsos (e de certa forma, desnecessários) – é o que Ariana Grande tenta fazer com 34 + 35 (Remix) (feat. Doja Cat & Megan Thee Stallion). Não se engane: 34+35, segundo single do álbum positions, já era auto suficiente antes do lançamento de seu remix. Grande sabe muito bem construir uma melodia cativante em uma letra explícita e auto explicativa (“Você pode ficar acordado a noite toda?/Me fodendo até o dia amanhecer”’) 

A combinação de um arranjo de violinos e uma grande produção pop já é frequente na discografia de Ariana. O problema é que a profundidade de 34+35 para por aí. O featuring com as duas maiores estrelas do rap de 2020 soa mais como uma manobra publicitária e não faz sentido dentro da canção – a adição de Doja Cat é até suportável (seu verso em motive, canção que sucede 34+35 em positions, é divino), mas nem o ótimo flow e personalidade energizante de Megan Thee Stallion conseguem conquistar o ouvinte. A ponte da música, parte mais divertida da canção, foi cortada por inteiro para dar espaço a um rap confuso e nada inteligente. A versão original é, sem dúvidas, muito melhor. – Laís David

Selena Gomez e Rauw Alejandro – Baila Conmigo

Seja no ápice da autoconfiança ou no fundo do poço emocional, é difícil não se render ao charme e à sinceridade da arte de Selena Gomez. Na fase que a artista mais se aproxima de nós ao explorar a riqueza de suas raízes latinas, não seria diferente. O single De Una Vez capturou nossa simpatia pela nova era, que se solidifica ainda mais como um possível grande acerto com Baila Conmigo.

De forma complementar ao autoconhecimento terno pregado na canção precursora, agora Selena brinca com o reggaeton ao lado do rapper porto-riquenho Rauw Alejandro. O ritmo dançante se combina à uma letra apaixonada e o conjunto da obra é um hit que transpira a essência do nosso verão – literalmente, porque quem assina o clipe é o brasileiro Fernando Nogari, que dirigiu Gomez remotamente e gravou parte das cenas no Ceará com atores e dançarinos brasileiros.

A destreza graciosa da artista em sua segunda língua e seu cuidado em levar a identidade e representação latino-americana para além dos ritmos e elementos visuais só nos deixam uma resposta possível: Selena, estamos bailando contigo como nunca. – Raquel Dutra

MOD SUN e Avril Lavigne – Flames

Por mais que Flames seja uma canção de MOD SUN, o foco de divulgação e marketing voltou-se à figura e à marca emo de Avril Lavigne. A cantora, distante desde seu Head Above Water, de 2019, retornou esse ano com estética neon e vocais rasgando paixão e incendiando as tais chamas que nomeiam a canção.

Tudo dá certo, por mais genérica que Flames possa aparentar. A capa simples, o cabelo verde limão e as mechas arco-íris são o indicativo de uma experiência sensacional e queimando nostalgia por míseros dois minutos e meio. O videoclipe não se envergonha de mimetizar os anos 2000, os figurinos carregados e o túmulo que abre a obra gritam os sons de Lavigne de vinte anos atrás. Quem sabe ela não retorna numa pegada assim para um CD? Por enquanto, nossa função é deixar Flames no repeat. – Vitor Evangelista

Lana Del Rey – Chemtrails Over the Country Club 

A dupla bem sucedida Lana Del Rey e Jack Antonoff está mais que pronta para uma nova investida, que já tem nome: Chemtrails Over the Country Club. O single, de mesmo nome do álbum a ser lançado em 19 de março, é uma amostra perfeita do que vem por aí, com as melhores qualidades musicais da cantora. Del Rey, que virou parte intrínseca da cultura pop da nossa geração, sofreu um gigantesco backlash durante a pandemia por sua polêmica máscara de tule e por um post sobre os protestos do movimento Black Lives Matter.

Cancelamentos à parte, a antes ferrenha opositora de Donald Trump decidiu partir para uma militância mais sutil contra os apoiadores de direita e a filosofia lelé-da-cuca, como mostra a própria letra e o clipe de Chemtrails. A realidade é que a internet de tempos em tempos pega uma celebridade para Cristo, e Lana, que não se esconde atrás de assessorias e personagens perfeitinhos, pagou o pato da vez. Se Norman Fucking Rockwell! já foi intensamente humano, Deus queira que as polêmicas que antecedem Chemtrails façam dele, também, mais uma obra-prima. – Jho Brunhara

Clipes

Harry Styles – Treat People With Kindness 

Vem sendo uma boa época para os fãs de Harry Styles. O sucesso de seu último álbum, Fine Line, lhe rendeu muito prestígio em 2020 e como agradecimento ele nos presenteia com o clipe de Treat People With Kindness logo nas primeiras horas do novo ano. A batida animada e empolgante, unida a letra esperançosa, abre caminho iluminado à escuridão da quarentena. Mas o grande destaque do vídeo fica mesmo com sua participação especial.

Fazendo a alegria de todos, Phoebe Waller-Bridge, a amada Fleabag, entra em cena tomando conta de nossa atenção. Dançante, literal e sentimentalmente, o single é um frescor que envia boas emoções a quem o assiste, e apesar da estética dos anos trinta, fotografada em preto e branco, a canção exala alegria suficiente para colorir nosso imaginários. É em meio a grandes expectativas que TPWK se consolida em moldes hollywoodianos, dando uma nova camada ao mais recente álbum de Styles. – Ana Laura Ferreira

The Weeknd – Save Your Tears

2021 começou e a era After Hours não acabou. The Weeknd ainda aposta no conceituado personagem do ano passado, e com razão, afinal o que não faltam são hits dentro desse trabalho. Dessa vez, ele finalmente lançou o videoclipe da faixa Save Your Tears, tão pedido pelos fãs.

O lançamento foi assunto no Twitter durante todo o dia de estreia. O motivo? O grande número de easter eggs presentes no audiovisual. O clipe se inicia com um The Weeknd de rosto totalmente coberto por plásticas e procedimentos estéticos, cantando para uma plateia mascarada. O que parece é uma crítica aos padrões de beleza das celebridades e o fato do personagem querer ser aceito e respeitado pela indústria. Os movimentos de dança lembram o já citado Coringa e as pessoas mascaradas o filme De Olhos Bem Fechados. Além desses, outros temas foram abordados na obra, a qual já acumula mais de 95 milhões de visualizações e cresce cada vez mais nos charts e nas plataformas de streaming. 

Achou que não ia ter shade pro Grammy? Achou errado. Em uma parte do vídeo, o cantor aparece arremessando a cobiçada estatueta dourada. Depois de tudo que Abel enfrentou para ser reconhecido pela premiação, era previsível uma revolta. O importante é que essa revolta chegou carregada de talento, como se vê por esse trabalho. Mas o que ele merece ainda o aguarda: o Halftime do prestigiado Super Bowl. – Giovana Guarizo

MC Tha – Renascente (Onda, Oceano e Despedida)

Abram os caminhos novamente! O melhor álbum de 2019, Rito de Passá, ainda dá belos frutos. Dessa vez, MC Tha presenteia o mundo com uma trilogia visual sobre encontros, desencontros e reencontros. A primeira faixa a ganhar clipe foi Onda, colaboração com Jaloo e Felipe Cordeiro. Acompanhada da sempre presente simbologia da Umbanda, assistimos uma história de amor entre os orixás Oxum e Oxóssi, interpretados por Tha e Jaloo.

Em Oceano, Tha segue sozinha e protagoniza o desencontro. Com uma das letras mais bonitas do disco e visuais impecáveis do vídeo, somos imersos na narrativa da cantora. Em Despedida, talvez a maior música da carreira, o fecho traz também a sensação de despedida do disco. Não um adeus ruim ou doloroso, mas de gratidão. Rito de Passá está envelhecendo como o melhor dos vinhos, e a trilogia Renascente só nos deixa ainda mais ansiosos pelo próximo trabalho de Thais. – Jho Brunhara

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