A 29ª edição do Festival É Tudo Verdade ocorreu entre os dias 03 e 14 de Abril de 2024, com programações que perduraram até dia 30. Entre mostras online e presenciais, o maior evento de reconhecimento às produções documentais exibiu 77 obras de diferentes países e diretores. Além das tradicionais categorias diversas que envolvem o cronograma do festival, este ano, ainda foram celebrados o centenário do brasileiro Thomaz Farkas e as obras do britânico Mark Cousins. 

Mergulhado em uma multiplicidade de temáticas, o evento alimentou o Cinema com uma curadoria recheada de nomes prontos para a ascensão. Imagens delicadas, relatos sensíveis, terras distantes e até mesmo pontos crus demais para o habitual palatável marcaram presença em salas de cinema de São Paulo e do Rio de Janeiro.

Considerado um dos maiores festivais culturais da América Latina, o It’s All True – nome dado para repercussão internacional – acontece desde 1996 e foi criado pelo crítico de cinema  Amir Labaki. Desde então, sua potência reconhece obras com um júri especializado que as premia em categorias específicas, além de tecer comentários sobre seu impacto social e estético. 

Uma das categorias é a Competição Brasileira de Curtas-Metragens. Em sua composição, filmes de até 30 minutos dirigidos por cineastas brasileiros fazem parte da mostra competitiva. Este ano, racialidade, identidade sertaneja, ancestralidade indígena e outras pautas ganharam protagonismo, com As Placas são Invisíveis levando o título. Com olhar apurado, a editoria do Persona explora as minutagens dos participantes e suas reflexões. 

Curtas-metragens

Aguyjevete Avaxi’i (Kerexu Martim, 21′, 2023)

A diretora Kerexu Martim registra a retomada do plantio das variedades do milho tradicional do povo Guarani M’bya – ou “milho verdadeiro”, como eles chamam – na aldeia Kalipety. O cultivo havia se perdido com a degradação da área, consequente de décadas de monocultura de eucalipto. O alimento é considerado uma comida sagrada, deixada por seus ancestrais, por isso, a retomada e preservação da prática é tida como muito importante para manter a memória viva para a geração atual.

Para a cultura do povo Guarani M’bya, o milho indígena é respeitado pelo o que oferece: fortalece os corpos, leva felicidade para o espírito e alegra as crianças. O curta mostra como a aldeia se reúne, desde o plantio até a colheita, com rituais, bênçãos e comemorações em que eles pedem força e coragem para manter o cultivo e sabedoria para não deixar a tradição sumir. – Giovanna Freisinger

A Noite das Garrafadas (Elder Gomes Barbosa, 25′, 2023)

Historicamente, a Noite das Garrafadas  foi fundamental para a abdicação do trono de Dom Pedro I. Troca de ministérios, repressão aos opositores do governo e revolta por parte da população são alguns dos motivos que levaram ao estopim que expulsou o monarca do Brasil. O ato obteve participação de escravos e ex-escravos, mostrando os principais indícios de rebelião entre o povo brasileiro acerca do colonialismo português. 

No curta-metragem A Noite das Garrafadas, dirigido por Elder Gomes Barbosa, há um paralelo entre a revolta do século XIX e a vida dos trabalhadores autônomos presentes na Rua da Quitanda, no Rio de Janeiro. Com o uso de projeções, sons e narrações, o cineasta compara a opressão vivida no Brasil Imperial às mazelas do sistema capitalista. Utilizando a sociedade carioca como personagem do curta, Gomes Barbosa evidencia problemas históricos do país que são repetidos e vistos através dos séculos.  – Guilherme Machado Leal

Sertão, América (Marcela Ilha Bordin, 18’, 2023)

Desde a época da escola nos é ensinado que o Brasil começa a partir da chegada de Pedro Álvares Cabral, assim como a América se inicia com Colombo ou os outros tantos navegadores que pisaram nesse continente. Recentemente há um movimento que vai contra esse conceito e denominação, mas é com Sertão, América que ele é trabalhado de forma mais singela e próxima de nós residentes desses pedaços de terra.

A obra gira em torno da criação do Parque Nacional da Serra da Capivara, no coração do Piauí. A diretora Marcela Bordin opta por trabalhar a temática através de quem vive nos entornos da área de preservação e qual o entendimento dessas pessoas sobre sua ancestralidade. A fotografia analógica dá traços de Portinari para a obra e, aliada à narração extremamente bem escrita e pensada, evidencia que, antes de americano, aquele povo foi – e sempre será – sertanejo. – Guilherme Veiga

Utopia Muda (Julio Matos, 20’, 2023)

Narrativas sobre democratização já foram contadas várias vezes por diversas lentes e perspectivas diferentes. Em Utopia Muda, no entanto, o registro da história da Rádio Muda – meio de comunicação livre operado no interior de uma caixa d’água na Universidade Estadual de Campinas, a Unicamp –, traz um frescor graças ao fato de ilustrar a coletivização de uma forma tão palpável.

Com o auxílio do acervo pessoal do diretor Julio Matos, três décadas de funcionamento sem o reconhecimento do Estado são expostas como uma ferramenta de atuação eficaz pela defesa da liberdade de expressão. Diante de suposições sobre a criação da rádio, entre elas, até mesmo a possibilidade de ameaça ao tráfego aéreo, o documentário resgata e evidencia a atemporalidade de um instrumento democrático desenvolvido dentro do espaço público acadêmico. – Nathalia Tetzner

A Edição do Nordeste (Pedro Fiuza, 20′, 2023)

Inspirado no livro e peça A Invenção do Nordeste, o diretor Pedro Fiuza reedita cenas de 28 longas e curtas brasileiros, de 1938 a 1980, de grandes cineastas como Glauber Rocha, Nelson Pereira dos Santos e Leon Hirszman. Essa lista é composta por obras que retratam o Nordeste sob diferentes aspectos e que foram essenciais para a fundação do imaginário da região e do seu povo. 

“Para inventar uma região, é preciso inventar uma cultura – de preferência com ajuda do cinema”, diz parte da sinopse do curta. Através de recortes de filmes, Fiuza reflete sobre e critica o papel que o cinema cumpriu, e ainda cumpre, no processo de construção da identidade nordestina. A Edição do Nordeste destaca como a opressão vem também através da generalização, no caso, perpetuando arquétipos sociais que restringem um povo diverso a estereótipos, através de imagens como a do sertanejo, do cangaceiro e do cabra-macho. – Giovanna Freisinger

Até Onde o Mundo Alcança (Daniel Frota de Abreu, 27’, 2024)

A história do Brasil é um telefone sem fio. Nosso processo de criação não nos foi assimilado, mas, sim, imputado a partir de forças maiores, mais autoritárias e sanguinárias. Gravado principalmente na Holanda, Até Onde o Mundo Alcança passa o pente fino no processo de colonização brasileira, em especial da região de Pernambuco, e se transforma em uma metáfora que documenta o modo de documentar.

A produção acompanha um ornitólogo que busca por canto de pássaros em uma região devastada por uma mineradora e um grupo de etnobotânicos que estudam a fauna pernambucana durante a invasão holandesa de Maurício de Nassau e os efeitos do colonialismo na história brasileira e na forma como ela foi representada. Misturando o estilo documental com o ficcional, o diretor cria uma atmosfera única e poética que evoca o questionamento se realmente sabemos quem somos e de onde viemos. – Guilherme Veiga

Serão (Caio Bernardo, 15’, 2023)

Serão, curta-metragem dirigido por Caio Bernardo, consegue refletir uma realidade, infelizmente ainda inata a grande parte dos brasileiros, através da perspectiva de uma família localizada no Cariri paraibano. Realizar esse feito é difícil – ainda mais em poucos minutos – porém, Bernardo tira de letra ao se aprofundar em um cotidiano marcado por trabalho árduo e a esperança de dias melhores. 

O ambiente que o documentário escolhe como registro acaba funcionando como um microcosmo da sociedade em que vivemos. Alternando entre a prática secular e perigosa da extração manual de cal, e as investidas da indústria têxtil, Serão faz o telespectador refletir sobre o quanto as promessas de trabalho realmente proporcionam novas perspectivas, ou apenas ajudam a nos acorrentar em um ciclo vicioso de tentativas de subverter a máquina cruel que move o mundo capitalista. – Nathalia Tetzner

As Placas são Invisíveis (Gabrielle Ferreira, 24′, 2024)

Pertencente a competição brasileira de curtas-metragens da 29ª edição do Festival É Tudo Verdade, As Placas são Invisíveis explora uma exclusão social secular: a falta de estudantes negros na universidade pública. A produção nacional dirigida por Gabrielle Ferreira traz como protagonistas cinco jovens mulheres negras e seu embate por permanência em uma das instituições mais prestigiadas e embranquecidas do Brasil, a Universidade de São Paulo (USP) 

O filme foi gravado em 2015 e carrega muito da luta acerca das cotas raciais em seu contexto, já que a visível integração de pessoas negras na universidade vinha incomodando a confortável posição elitizada e era pauta recorrente na luta do movimento estudantil. Além disso, as meninas ouvidas são parte desse incômodo por estarem lá através da política aprovada dois anos antes, a Lei de cotas.

Apesar de urgente e bem afirmada, não é só na temática que vive a glória da produção. A escolha de imagens que intercalam as personagens expondo suas vivências e elementos estruturais do espaço, criando a alusão com placas físicas e metafísicas, completa a narrativa quando se trata de composição. Sob a ótica singular e o relato sensível de quem segue tendo que lutar o dobro ou o triplo por uma formação, As Placas são Invisíveis mostra que a segregação racial no âmbito acadêmico é enraizada como uma tradição. – Jamily Rigonatto

Nem Todas as Flores da Falta (Carlos Adriano, 22′, 2024)

Mesclando poesia ao horror de uma guerra incessante, Nem Todas as Flores da Falta é uma produção poética-política-experimental em que Carlos Adriano explora os detalhes escondidos em meio à destruição. Dor, morte e sofrimento são entremeados por intervenções artísticas, floridas e ilusórias. O diretor nos deixa entre Gaza e Israel, no caminho onde a poesia transforma tristeza em beleza, sem esquecer do horror. 

É um filme atual, contextualizado, mas que se torna indigesto. Ao levar flores ao desespero de Gaza, Adriano bombardeia o espectador com horror e repentinos atos de suavidade. Embora apresente uma perspectiva que referencia grandes nomes da sétima arte, colocar flores como testemunhas da fúria israelense também altera seus perfumes, envenenando-as com o cheiro do horror. Afinal de contas, o curta explora o inóspito, fragmentando-se a cada passo num cenário de Guerra. – Ágata Bueno 

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Guilherme Veiga

Falar em Cinema Brasileiro é naturalmente evocar Glauber Rocha. E é inevitável falar sobre Glauber Rocha sem lembrar de Deus e o Diabo na Terra do Sol. Isto está longe de ser uma máxima unicamente brasileira, pelo contrário: indo de Martin Scorsese, adentrando em Godard, passando por Bong Joon-Ho e chegando em Quentin Tarantino; todos exaltam a importância do cineasta e do Cinema Novo para a Sétima Arte, às vezes, mais do que nós mesmos. Após a restauração do longa no Festival de Cannes deste ano, a obra retorna ao seu país de origem, na Apresentação Especial da 46ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

O diretor aqui traça uma própria dialética tendo como cenário o sertão. Por mais que o título da obra apresente um maniqueísmo, o seu verdadeiro foco está nas últimas palavras dele, a Terra do Sol. Embora já tenha sido representada como esse limbo, essa terra de ninguém, em outras produções do imaginário brasileiro, como em Vidas Secas, é através do longa que nos é impressa uma representação mais palpável de como a definição de Purgatório – esse espaço vazio entre céu e inferno – logicamente, residirá na intersecção entre os dois. No caso, em nossa própria existência em terra.

Assim como em outras obras que tratam a região do sertão, o descaso é o principal predador do povo que vive no local. Aqui, o Estado, além de omisso, é nefasto. Resta à população angariar seu resto de esperança em espectros antagônicos, o (falso) messianismo, que representa Deus, e o cangaço, representando o Diabo. Porém, o diretor, em uma releitura muito mais lúcida da Teoria da Ferradura que sequer existia na época, mostra que os conceitos, além de próximos, são bem mais complexos do que se imagina.

A história segue os pecadores Manuel (Geraldo Del Rey) e Rosa (Yoná Magalhães). Após o homem cometer um assassinato, ambos buscam a salvação em meio a insalubridade do sertão, ora na religião, ora no cangaço. Deus e o Diabo na Terra do Sol é muito consciente ao tratar a redenção além da estrutura de roteiro da qual estamos acostumados pós jornada do herói. No mundo real, não existem heróis, por mais que custemos acreditar. Cada pessoa tem seu meandro de bem e mal bagunçados no próprio ser, e o filme acerta e muito ao explorar a via-crucis desse processo.

Glauber entrega um singelo retrato do sertanejo e de como ele absorve suas indagações. O texto, também dele, juntamente com Walter Lima Jr., é extremamente inteligente ao despir o povo de toda sua dualidade moral, visto que seus conflitos internos têm infinitas dimensões, e inseri-lo em um western spaghetti com tempero brasileiro. Em um mundo de miséria, fome e violência, sobreviver é tão perigoso que tais discussões, na prática, nem acham tempo para analisar seus lados da moeda. Ao trazer esses pontos através de uma perspectiva puramente religiosa, o cineasta enriquece ainda mais a mensagem que quer passar, evidenciando o quanto a prisão em caixas morais é prejudicial.

Além de roteiro, o diretor, em parceria com Sérgio Ricardo, também é responsável pelas composições musicais da obra. Quando somente a imagem não consegue expressar com certa clareza a mensagem de Deus e o Diabo na Terra do Sol, são as ótimas letras – intercaladas com as Bachianas de Villa-Lobos – que a desenham. Outros aspectos técnicos também brilham, como, por exemplo, a fotografia. Driblando as adversidades técnicas da época e invocando mais uma vez o embate entre forças antagônicas, Waldemar Lima entrega um preto e branco riquíssimo em detalhes, o qual, ao mesmo tempo em que esse yin-yang ressalta as expressões sofridas, sua espiral, quase em um fenômeno da física, dá cor à história.

As atuações também são outro ponto fora da curva. Sem elas, seria impossível transmitir a mensagem do longa com o devido peso. Othon Bastos (Império, O Bicho de Sete Cabeças) da vida a Corisco, o sanguinário sucessor espiritual de Lampião – e que também é a marca registrada da obra – de forma sublime, adicionando várias camadas em um estereótipo que há tempos foi marginalizado. Geraldo Del Rey (O Pagador de Promessas) e Yoná Magalhães (Tieta, Roque Santeiro) conseguem construir muito bem os personagens centrais da história, moldados através de sofrimento e dúvida.

Deus e o Diabo na Terra do Sol, para muito além de um retrato do sertanejo, é também um raio-x da sociedade brasileira que ainda perdura, mesmo analisando um ponto de vista extremamente específico dela. O sertão está muito longe de virar mar e o mar ainda não virou sertão (pelo menos, não por enquanto). Infelizmente, ainda rejeitamos o Deus negro e aceitamos ser comandados pelo Diabo loiro, nas mais diferentes concepções que tais conceitos podem ser aplicados. Porém, a única coisa que ainda nos faz ignorar a ameaça de viver e nos permite seguir em frente por esse solo árido da existência é a esperança.

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Vanessa Marques

Uma história de amor e guerra no sertão nordestino. Há cinco anos, Velho  Chico, do autor Benedito Ruy Barbosa (Rei do Gado e Pantanal), chegava ao horário nobre da Globo. A telenovela, marcada por uma tragédia em sua reta final, rompeu a hegemonia dos centros urbanos para levar o sotaque baiano e a paisagem sertaneja para as noites dos lares brasileiros. Com o forte apelo estético de Luiz Fernando Carvalho (Capitu), o melodrama desfrutou de uma tríade de peso: elenco, direção de arte e trilha sonora. Ambientada na cidade fictícia de Grotas do São Francisco, a narrativa reuniu a imagem de um Brasil esquecido e devastado pela seca — enquanto as águas do Rio São Francisco banhavam os conflitos de três gerações das famílias Sá Ribeiro e Dos Anjos.

A primeira fase foi uma obra sensível e impecável. Entre os ares de tropicália e libertinagem da década de 1960, o jovem Afrânio (Rodrigo Santoro) é forçado a deixar sua vida na capital para assumir as rédeas do império rural de seu falecido pai, o Coronel Jacinto Sá Ribeiro (Tarcísio Meira). Além do comando das terras e da política da região, o antigo Coronel Saruê deixa ao filho uma rivalidade declarada com o íntegro Capitão Ernesto Rosa (Rodrigo Lombardi). O anti-herói de Santoro vai, pouco a pouco, fazendo a transição do universitário carregado de ideais para a postura férrea que o seu destino lhe impõe. Nesse ínterim, ele se casa com Leonor (Marina Nery), união que dá luz a uma primogênita chamada Maria Tereza, para o desgosto da matriarca Dona Encarnação (Selma Egrei).

Fora a cadência do dialeto nordestino, os personagens possuem os corpos e rostos suados, castigados pelo sol escaldante do sertão. O retrato político da seca e da concentração fundiária emerge no nascimento de Santo dos Anjos. Os seus pais, Piedade (Cyria Coentro) e Belmiro (Chico Diaz), são retirantes que fogem das mazelas do semiárido e buscam uma vida nova nas margens do Velho Chico. É na igreja do Padre Romão (Umberto Magnani) que o menino, enfraquecido pela longa viagem, recebe o sopro de vida do batismo. Logo, o núcleo dos Anjos é acolhido na fazenda do Capitão Rosa e de sua esposa, Eulália (Fabiula Nascimento), que haviam adotado a pequena Luzia.

Poucos anos mais tarde, o romance juvenil de Santo (Renato Góes) e Maria Tereza (Julia Dalavia) brota em meio ao rancor e à violência do conflito familiar. O encanto e a sinergia da dupla “novata” de atores ganham a ternura do espectador, pintando o grande pano de fundo da narrativa. Mas a união desejada do casal é inaceitável na visão do Coronel Afrânio, que envia Tereza para um colégio interno. Lá, ela descobre estar grávida do amado, tal qual é praxe no ramo noveleiro. Assim, o assassinato de Belmiro, que seguiu o mesmo fim brutal do heroico Ernesto Rosa, entrecorta o panorama daquela guerra que já se tornava ancestral. Diante da separação arbitrária, os dois amantes tomam rumos distintos, com o fio condutor do rio emblemático. 

Velho Chico perpassa o tempo embalada em poesia visual e brasilidade, com destaque para a trilha sonora de Caetano Veloso (Tropicália, tema de abertura), Gal Costa, Maria Bethânia, Alceu Valença, Geraldo Vandré (Requiém para Matraga) e Novos Baianos. Era a primeira vez que uma novela tinha pouquíssima “cara de novela”. Num salto para 2016, Maria Tereza (Camila Pitanga), casada com o deputado Carlos Eduardo (Marcelo Serrado), retorna à cidade natal, na companhia do filho, Miguel (Gabriel Leone). Porém, é certo que, a partir do segundo ciclo, o folhetim perdeu o vigor. O que fora uma brilhante saga familiar virou uma trama irregular, arrastada e lenta. 

Santo (Domingos Montagner), agora marido de Luzia (Lucy Alves), é um líder progressista da terra, o oposto do Coronel Saruê (Antônio Fagundes), que se transforma em uma figura caricata, retrógrada e inflexível na velhice. Beirando o cômico, Fagundes entregou um Afrânio sem resquícios do homem libertário da juventude. Já Miguel rouba a cena com sensibilidade e postura humanista, mas também protagoniza uma relação especial com Olivia (Giullia Buscacio). O reencontro de Tereza e Santo custa a acontecer, postergando a típica revelação da paternidade. Irandhir Santos é outro nome que enriquece o tom lírico da nova geração, no papel de Bento dos Anjos, irmão mais novo do agricultor.

Elencando realismo mágico, temática ambiental e crítica social, o romance  de Ruy Barbosa — escrito por Edmara Barbosa e Bruno Luperi — terminou com a melancolia de um incidente que embaralhou ficção e realidade. Após o falecimento do ator Domingos Montagner, afogado no Rio São Francisco, a produção se reinventou para honrar o legado do intérprete de Santo, mantendo a sua presença no desfecho da trama. Dias antes, o personagem estava desaparecido na extensão do rio, sendo resgatado, quase sem vida, por uma tribo indígena do local. Fatalmente, a vida imitou a arte, no sentido mais fatídico da palavra.

Apesar dos golpes do destino e da relativa baixa audiência, Velho Chico ocupa o alto patamar da teledramaturgia, o mesmo de O Bem Amado e Gabriela. Indicada ao Emmy Internacional, a novela passou a compor o catálogo internacional da Rede Globo no ano de 2018. Embora não tenha sido deslumbrante do início ao fim, o clássico do sertão provou com sangue e lágrimas a máxima de Euclides da Cunha: “o sertanejo é, antes de tudo, um forte.”

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