Gabriel Oliveira F. Arruda

É bem possível que estejamos entrando em um período de ouro para as adaptações de videogames na Televisão: embora o Cinema ainda sofra para traduzir narrativas interativas para filmes de duas horas, vemos cada vez mais exemplos de como estruturas serializadas são capazes de realizar essa transição incólumes. Arcane, da Netflix, conseguiu transformar a poderosa mitologia de League of Legends em uma das melhores séries do ano, construindo uma trama emocionante sobre desigualdade e opressão em cima de um jogo de estratégia competitivo, enquanto a versão de The Last of Us para a HBO promete estar na vanguarda da temporada de premiações de 2023.

Porém, ainda em 2021 tivemos um novo e último capítulo para a série que provavelmente deu início à essa moda. Na quarta temporada de Castlevania, diversos arcos são concluídos e a busca de seus protagonistas para acabar com o mal de uma vez por todas chega ao seu final climático. A adaptação da icônica franquia de jogos da Konami que empresta parte do nome ao gênero metroidvania foi desenvolvida pelo estúdio Powerhouse, que desde então vem provando sua excelência no meio com projetos como O Sangue de Zeus e Mestres do Universo: Salvando Eternia. Após uma humilde primeira temporada com apenas quatro episódios, a trama do seriado rapidamente se expandiu para uma verdadeira saga de poder e mitologia vampírica.

Embora nem sempre tenha seguido a linha dos jogos que a inspiraram e seu próprio criador, o roteirista Warren Ellis, ter admitido nunca nem tê-los jogado, a série jamais deixou de homenagear seu material original, de pequenas e grandes maneiras, que evidenciam o amor de sua equipe pela obra. Ainda é muito cedo para decidir como é a melhor maneira de adaptar videogames (um meio obrigatoriamente interativo) para o formato audiovisual, mas Castlevania faz um ótimo argumento para o modelo episódico, tomando liberdades narrativas e visuais, usando as bases de sua estrutura como ponto de partida para contar histórias inteiramente novas.

Com o set-up perfeito ao final da primeira temporada, o segundo ano logo parte para águas desconhecidas ao apresentar a corte de Drácula (Graham McTavish), composta não só por grandes e temíveis vampiros-generais sedentos pelo sangue da vingança do Conde, mas também por dois humanos, Isaac (Adetokumboh M’Cormack) e Hector (Theo James), que têm suas próprias razões para auxiliarem o projeto de extinção da humanidade. Juntando isso à chegada de Carmilla (Jaime Murray), a misteriosa vampira da Estíria com seus próprios planos para a raça humana, e o núcleo político de Castlevania logo se torna um dos mais engajantes da série, repleto de maquinações e reviravoltas que revelam suas personagens e provém um insight mais profundo sobre seu antagonista principal e suas reais motivações.

O segundo ano do seriado revolve ao longo de dois eixos que se atraem para um único confronto e, embora o núcleo da corte de Drácula seja o que oferece maior dinamicidade, é na companhia de Trevor (Richard Armitage), Sypha (Alejandra Reynoso) e Alucard (James Callis) que a produção encontra seu verdadeiro coração melancólico. Inicialmente unidos apenas pela necessidade de matar Drácula antes que ele complete sua terrível missão, o trio ganha familiaridade conforme as pilhas de corpos de demônios se acumulam ao seu redor, e essa intimidade se faz mais evidente na maneira coordenada com que lutam nas elaboradas cenas de ação do que em qualquer diálogo.

Castlevania transforma essas cenas em expressões visuais macabras dos elos entre seus personagens através da animação da Powerhouse, altamente inspirada tanto pela estética de animes quanto pelas ilustrações da artista Ayami Kojima, tão inerentes aos jogos da série quanto suas próprias mecânicas. A série sempre teve uma inclinação para exagerar o efeito para acentuar suas causas, algo que até mesmo explica o porque vemos tão pouco de alegria na vida das personagens antes que elas sejam tiradas de lá; porque precisamos apenas da reação de Drácula à morte de Lisa (Emily Swallow) na primeira temporada para entender a dimensão de seu amor e, consequentemente, de sua perda.

Onde tantas outras adaptações de jogos tropeçam, Castlevania se sobressai: ao invés de tentar condensar horas de jogabilidade em algumas poucas cenas de exposição, a animação tenta ao máximo expressar a liberdade inerente a um meio interativo por meio da causalidade das ações de suas personagens, se interessando mais em diálogos que construam o aqui e o agora do que o passado imediato. Nas poucas ocasiões que somos submetidos a um flashback, há uma qualidade quase teatral no texto de fazer evidente sua tragédia antes mesmo que nós tenhamos tempo para processá-la por completo, culminando no final agridoce da temporada, em que, para mal ou para bem, o trio completa sua missão.

O conflito de pai e filho entre Drácula e Alucard amarra esse fim com os laços estabelecidos entre as personagens até então, além de suprir o potencial mítico da história, que faz questão de terminar não com glória, mas com um grito de terror e sofrimento. A beleza da animação contrasta com a brutalidade dos golpes dados e recebidos por cada um dos vampiros, ao ponto que é difícil dizer quem está vencendo ou perdendo. Em uma temporada marcada pela promessa de dar fim ao mal, Castlevania tem o bom senso de terminar em um silêncio antecipatório, já que muitas das peças continuam no tabuleiro e o jogo não parece nem um pouco perto de acabar.

Alucard, enquanto isso, lida com a solidão de seu novo endereço, preso entre a imponência terrível do castelo de Drácula e os mistérios enterrados do porão dos Belmont, numa metáfora pouco sutil de sua condição de meio-vampiro, mas que faz um bom trabalho em refletir sua existência partida e tortuosa. O filho do Conde aceita o pedido inusitado de dois estrangeiros para ensiná-los a enfrentar os vampiros que oprimem suas terras e, na busca por se separar da figura maníaca do pai, acaba redescobrindo seus próprios sentimentos sobre a humanidade.

Mas a estrela da terceira temporada não é ninguém menos do que Carmilla. A rainha da Estíria e seu pequeno Conselho das Irmãs formam o cerne do núcleo político deste capítulo, que se dedica a caracterizar o seu plano ambicioso para assegurar o futuro de sua raça. Muito longe da insanidade do antagonista anterior, Carmilla e suas companheiras têm planos mais elaborados, mas não menos cruéis, baseados em motivações tão compreensíveis quanto as dele. O relacionamento entre Lenore (Jessica Brown Findlay) e Hector é um dos pontos chave da sequência de maquinações que compõem o clímax tríplice da temporada.

Em julho de 2020, mais de um ano antes do lançamento da quarta e última temporada da série, um coletivo de mais de 60 mulheres e indivíduos não-binários denominado So Many of Us lançou uma carta aberta acusando o criador Warren Ellis de comportamentos inapropriados, manipulativos e predatórios durante sua carreira, se utilizando de sua influência como escritor para pressioná-las em relacionamentos. À época, ele já havia terminado seu trabalho nos roteiros da quarta temporada, mas a Netflix eventualmente confirmou que ele não faria parte da sequência planejada para a produção. 

Apesar do roteirista ter pedido desculpas publicamente (tentando convenientemente negar sua própria influência como autor best-seller), ele apenas entrou em contato com o coletivo em agosto de 2021 para iniciar o processo de reparação. Após o choque inicial das alegações e suas repercussões na carreira profissional de Ellis, os irmãos Sam e Adam Deats viraram a nova face pública de Castlevania. Responsáveis, entre outros aspectos, pela direção e produção dos episódios, eles foram a escolha perfeita para ocupar o lugar do roteirista na promoção da quarta temporada, dado seu amor pela franquia de games.

Muitas vezes elogiada por sua caracterização e variedade de personagens femininas bem como a apreciação do female gaze, aspectos desenvolvidos em muitas áreas de sua produção, a série não é apenas definida por seu roteirista. Ao mesmo tempo, não podemos (ou sequer devemos) separar o artista de sua obra, por mais difícil que seja aceitar a influência que Ellis teve na concepção de seu mundo e de suas personagens. Se tem uma constante em Castlevania, é a angústia de viver em um mundo traiçoeiro que se volta contra você, de repente e sem aviso.

Nesse clima agridoce, a quarta temporada estreou em março de 2021 com mais 10 episódios de violência sangrenta e melancolia gótica, encontrando tantos os heróis quanto os vilões em estado de crise: Trevor e Sypha mal conseguem conter as tentativas de ressuscitar Drácula, ignorantes dos planos cada vez mais impossíveis de Carmilla, auxiliada a contragosto por Hector. Alucard, mais sozinho do que nunca, tenta manter as pessoas longe do castelo enquanto atende um pedido de ajuda urgente. Todos estão exaustos e toda vitória parece apenas atrasar o inevitável num mundo regressando cada vez mais e sem sinal de que vai parar.

Seguindo a linha das temporadas anteriores, a maior força do final de Castlevania continua sendo sua habilidade de tecer tramas e personagens complexas ao redor de umas das outras, trançando seus arcos narrativos para cruzarem no ponto de maior impacto, quando a audiência está preparada e ansiando para o espetáculo de animação que se seguirá. No entanto, nos últimos capítulos do seriado essa insistência em segurar o melhor para o final se prova detrimental para a conclusão de alguns de seus arcos secundários, que chegam ao fim sem a pompa adequada à qualidade de seus personagens.

Embora regularmente introduza visuais cativantes e mais alguns personagens marcantes, como a valente humana Greta (Marsha Thomason) e o hilário vampiro londrino Varney (Malcolm McDowell), que complementam as narrativas já estabelecidas, Castlevania foca em retornar às suas origens e ao cerne dos defeitos de seu mundo catastrófico, fechando seu ciclo com familiaridade, apesar de ainda guardar algumas surpresas e revelações em sua reta final. Castlevania: Nocturne, revelada durante a Semana Geeked 2022, promete explorar algumas dessas ramificações, agora focando em futuras gerações de vampiros e caçadores de monstros.

Apesar da história de Castlevania inevitavelmente girar em torno de Drácula e das batalhas e maquinações que irão decidir o futuro de vampiros e humanos, seu melhor personagem se desenvolve muito longe de tudo isso. Isaac, que ao final da segunda temporada havia jurado prosseguir (e até mesmo expandir) a vingança do Conde, parte em uma jornada que, espelhando aquela que Lisa imaginava para seu marido no início da série, irá fundamentalmente mudá-lo. Motivado por seu sofrimento, é difícil para Isaac ver algum futuro para a humanidade que não seja a destruição, e com razão: o personagem nunca deixa de ser moralmente complexo e os grandes acontecimentos que mudam sua perspectiva são sempre diálogos com pessoas tão complexas quanto ele – e, quase sempre, pessoas negras.

Elas mostram a ele que, apesar do mal, ainda há espaço para gentileza e bondade na raça humana, e que não há sentido em querer seguir uma história que não seja a sua. Ao final da terceira temporada, Isaac segue um desses conselhos e confronta um feiticeiro que havia escravizado mentalmente toda a população local para construir uma cidade, usando uma magia que curiosamente toma a forma de uma coroa de espinhos. Enfrentando-o com seu próprio exército de Criaturas da Noite, Isaac é capaz de resistir e quebrar o feitiço, ganhando acesso a um espelho capaz de levá-lo à Estíria e se vingar da traição de Carmilla e Hector.

E no que é talvez a jogada mais acirrada do roteiro até então, ele não o faz. Ao invés disso, seu motivo para eliminar Carmilla não é tão diferente do de nossos heróis para matar Drácula. Mais da metade de sua participação na série se dedica a revelar uma condição humana ainda mais profunda que a dor ou a crueldade: a esperança. Quando Hector acha que Isaac está lá para matá-lo, ele facilmente rebate que “Vingança é algo para crianças”. Em sua última cena antes da conclusão climática da série, ele nos presenteia com um sorriso sincero e a promessa de que, aconteça o que acontecer, ele irá viver.

“Recentemente, comecei a pensar no futuro… o que, para mim, é uma novidade, porque nunca pensei que eu teria um. É assim que nos pegam, Hector. Eles nos convencem de que não há futuro. Só existe um eterno agora, e o melhor que podemos fazer é sobreviver até o amanhecer e fazer tudo de novo. Isso não é jeito de viver. E descobri, com alguma surpresa… que estou interessado em viver.”

Castlevania é uma narrativa sobre um mundo violento e cruel, infestado por monstros e abominações de todos os tipos e espécies. Em seu início, achamos que esse mal pode ser eliminado, que podemos combatê-lo e extirpá-lo da terra de uma vez por todas se apenas derrotarmos o próximo chefe, se passarmos para a próxima fase e chegarmos ao final do jogo. Em seus momentos mais derradeiros, a série abraça a estrutura típica de videogames e se delicia em entregar algumas das sequências mais sangrentas da animação recente. Mas, quando a poeira baixa, apenas isso não é suficiente.

No final das contas, temos que fazer as pazes com um mundo complexo e volátil se quisermos salvá-lo. O mal se recusa a ficar morto, e algumas pessoas continuamente tem que enterrá-lo, de novo e de novo. As personagens são consumidas por essa repetição maníaca, pelo menos inicialmente, mas logo tem que perceber que também há, de certa forma, paz nela. Em seus últimos momentos, Castlevania se presta a não se contentar com as soluções simples e deixa as ações de seus heróis e vilões falarem por si só, sem nunca esquecer de nos deixar sentir empatia por ambos.

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Nathalia Tetzner

Dois pilotos competindo no limite da capacidade humana, em uma disputa eletrizante que a Fórmula 1 não proporcionava aos torcedores há anos. O que poderia dar errado na tão esperada 4ª temporada do seu seriado documental na Netflix? Tudo. Fazendo jus ao resultado de 2021 da categoria mais cobiçada do automobilismo, F1: Dirigir Para Viver fornece uma visão arquitetada dos eventos que marcaram o esporte para sempre. Para não colocar a culpa inteira sob a produção, os fãs criaram uma expectativa imensa que, por si só, já seria difícil de alcançar.

Um dos principais personagens dos bastidores desde os primórdios da série, Christian Horner, chefe de equipe Red Bull, ganhou ainda mais tempo de tela. Porém, se engana quem acreditou que ele se limitaria a falar sobre o seu pupilo Max Verstappen finalmente tendo a chance de lutar pelo título de Campeão do Mundo, ao lado de Lewis Hamilton. Dessa vez, ele foi o grande narrador dos episódios e o criador da realidade paralela da ‘intensa rivalidade interna’ entre Daniel Ricciardo e Lando Norris. Fonte? As vozes da cabeça de Horner, já que os pilotos da McLaren até debocharam da situação. 

A verdade é que o inimigo de Ricciardo e Norris vestia vermelho e abusava de um motor mais potente que o deles: a Ferrari chegou para disputar o terceiro lugar do Campeonato de Construtores. Levando em conta o prêmio em dinheiro, recompensa pelo resultado, é nítido que a única briga da equipe de cor mamão-papaia seria com os dois carros italianos na pista. Certo? Errado. A 4ª temporada de F1: Dirigir Para Viver escolheu enfatizar um enredo imaginário, no qual o sofrimento de Daniel Ricciardo entristece quem já está acostumado com o sorriso largo do australiano.

O segundo episódio, Ás na manga, é difícil de digerir e aceitar. A montagem passou belos 30 minutos criando uma atmosfera que tendia a atingir seu êxtase a qualquer momento. Não foi isso que aconteceu. A realidade nua e crua é que o ápice só foi retomado em Sobrevivendo, depois de dois capítulos sobre assuntos completamente desconexos. Nos resta imaginar o quão emocionante seria poder assistir, de forma coesa, a trajetória da McLaren até a sua dobradinha no Grande Prêmio da Itália e a redenção de Ricciardo nos momentos finais.

Se o Campeonato de Construtores dita quais equipes terão os maiores recursos para montarem os melhores carros do grid, o Campeonato de Pilotos é o que atrai a maior atenção dos fãs e das mídias. O embate entre Lewis Hamilton, sete vezes Campeão do Mundo, e Max Verstappen, sete anos em busca da chance de também entrar para a história do esporte, foi abordado da maneira mais confusa possível pela série da Netflix. Citando múltiplas vezes os circuitos do Bahrein, da Hungria e de Mônaco, grande parte das corridas decisivas apareceram por poucos segundos. 

Além disso, a falta do ponto de vista de Verstappen é quase um pecado para um documentário sobre o ano de 2021 da Fórmula 1. O piloto holandês se recusou a ser entrevistado pela produção depois de três anos sendo pintado como vilão: “Eles falsificaram algumas rivalidades que na verdade não existem. Então, eu decidi não fazer parte disso e não dei mais entrevistas depois disso, porque então não há nada que você possa mostrar”, afirmou. Enquanto ele e Hamilton davam tudo de si em velocidades altíssimas, os seus respectivos chefes de equipe estrelavam um circo nos bastidores.

Característica original de F1: Dirigir Para Viver, a ultrapassagem dos limites da pista para abordar a política do automobilismo sempre foi o ponto forte da série. No seu quarto ano de exibição, as incontáveis cenas de Christian Horner andando a cavalo com a sua esposa e de Toto Wolff, o chefe da equipe Mercedes, aproveitando um café da manhã com a família, fazem parecer uma tentativa desnecessária de humanizar dois lados opostos. De início, é interessante observar o atrito entre eles, no entanto, se torna extremamente cansativo ouvi-los bater na mesma tecla durante grande parte do tempo.

Caras e bocas direcionadas para as câmeras durante a corrida, como dois verdadeiros showmen, declarações polêmicas para a imprensa e um sorriso sarcástico a cada vez que subiram ao pódio. Embora Horner e Wolff tenham sido, de fato, a maior rivalidade do paddock, não foram os únicos competidores dentro e fora da pista. Sequer foram eles que cederam a maior quantidade de suor pela ascensão das suas respectivas equipes. Estrela do melhor episódio da 4ª temporada, Uma montanha para escalar, Günther Steiner foi quem mais se sacrificou em acordos externos para tentar ressuscitar a Haas.

Para falar da sua trajetória, Steiner não levou a equipe de filmagem para uma fazenda ou uma mansão – ele a levou para escalar uma montanha. No sentido literal e figurado, a Haas fez de tudo para subir no Campeonato de Construtores e sair da última colocação. Alívio cômico desde a 1ª temporada, Steiner enfrentou os apuros e os sufocos de liderar o time norte-americano, com muito sarcasmo, provando que F1: Dirigir Para Viver acertou em acompanhar todas as medidas arriscadas tomadas por ele.

O público também pôde descobrir que a estreia de dois novos pilotos na direção da Haas, Mick Schumacher (o sobrenome já diz tudo) e Nikita Mazepin (herdeiro de uma das maiores empresas de fertilizantes do mundo), não foi o seu maior ato de desespero: o time topou tudo por dinheiro e posou para catálogos de vendas, desde saunas até barcos de brinquedo. Momentos engraçados à parte, a sequência de episódios Algo a provar, Dores de crescimento e Dança com Wolff resumem o melhor da conquista de George Russell ao pontuar com a Williams, a pressão sob os pilotos jovens e o desejo de todos pela vaga de Valtteri Bottas na Mercedes.

A banda sueca ABBA já dizia: o vencedor leva tudo. No passado, Christian Horner era quem acabava com sangue nos olhos. Hoje, a vestimenta preta e o olhar sombrio contam que Toto Wolff teve a sua própria ‘história de origem de vilão’. Em 2021, Lewis Hamilton e Max Verstappen mereciam um final de temporada justo, assim como os fãs do documentário da Fórmula 1, que deveriam ter sido contemplados com uma 4ª temporada bem menos arquitetada. Verstappen foi coroado Campeão do Mundo pela consequência de uma decisão (no mínimo) controversa do diretor de prova Michael Masi. F1: Dirigir Para Viver foi presenteada com um enredo dos sonhos, porém, não trouxe o espírito natural e emocionante dos seus anos anteriores.

Sendo mais apoiada na expectativa do que na entrega, a montagem rápida e confusa não superou o ápice atingido pela 3ª temporada. Entre tantos assuntos não abordados e que fizeram falta, a Aston Martin, a aposentadoria de Kimi Räikkönen, a reviravolta de Hamilton em Interlagos e o Campeonato de Ultrapassagens teriam sido boas adições à narrativa. Já passou da hora de bater o martelo: você, F1: Dirigir Para Viver, poderia ser o grande vencedor e levar todas as honras por exibir um ano histórico para o esporte. Porém, se perdeu e, para retornar ao topo, terá que correr muito.

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Ludmila Henrique 

As pessoas definem o passado como um acontecimento deixado para trás, um evento constituído por esquecimentos perdidos e, outras vezes, encarregado de voltas eternas às mesmas memórias. A nostalgia presente nele é recorrente em diálogos sobre o primeiro beijo, desavenças no período escolar, ouvir pela primeira vez um solo de guitarra durante um show de rock, ou talvez, o dia do baile de formatura. Outrora, para certas almas, o passado se encontra incorporado em uma pessoa, e às vezes, em um lugar. Em Cobra Kai, após 32 anos das finais do campeonato All Valley de karatê, os destinos de Johnny Lawrence (William Zabka) e Daniel Larusso (Ralph Macchio) se esbarram novamente nos tatames do torneio. Mas dessa vez, unidos como aliados.  

O desfecho da terceira temporada deixou os espectadores famintos pela continuação, já que os roteiristas Josh Heald, Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg permitiriam deixar numerosas questões em aberto para essa nova fase do seriado. A volta de John Kreese (Martin Kove) na liderança do dojo Cobra Kai, a saída de Robby Keene (Tanner Buchanan) do reformatório, a viagem de Larusso para Okinawa e a luta final entre os alunos do karatê Miyagi-Do em conjunto com os alunos do Eagle Fang, culminaram para que a sequência se tornasse a melhor  em questão de escrita da trama – até o momento.

Apesar da grande espera, obviamente a dinâmica entre Lawrence e Larusso não funcionou de uma temporada para outra, ainda que os dois estejam dispostos a se unirem para derrotar John Kreese no campeonato final e retirar ele do posto de líder do Cobra Kai. A primeira aula deles trabalhando juntos foi nada mais, nada menos, do que desastrosa. Além das diferenças individuais, ambos ensinaram princípios e filosofias distintas para seus pupilos. Os alunos do dojo Miyagi-Do aprenderam a se defender e a encontrarem um equilíbrio interior, enquanto os antigos aprendizes do Cobra Kai, que juraram lealdade ao sensei Lawrence e se uniram ao Eagle Fang, foram instruídos a acertar primeiro, utilizando sempre uma sequência de ataques quase perfeitos.

Levou um tempo para perceberem que a melhor alternativa para o desenvolvimento dos alunos seria a troca de professores. Os integrantes do Eagle Fang foram treinados por Daniel, enquanto os alunos do Miyagi-Do foram liderados por Johnny. Na teoria, esse plano tinha tudo para funcionar, porém, ambos tiveram que lidar com a rivalidade que foi construída entre os próprios discípulos. Uma rivalidade ensinada e repassada através dos senseis, viabilizando uma certa descrença na metodologia de ensino que o outro mentor aplicasse. 

Enquanto Daniel Larusso e Johnny Lawrence procuram superar suas diferenças, a mente engenhosa de John Kreese (Martin Kove) não parou de funcionar nem por um segundo. Sabendo que a união inevitável de seus rivais poderia ser letal para sua derrota no final do campeonato, Kreese procurou reforços. Gradualmente foi apresentado para o público quem iria se tornar o aliado de John nessa jornada. A figura de Terry Silver (Thomas Ian Griffith) já estava sendo prevista pelos fãs desde a terceira temporada, justamente por ser uma personalidade muito presente na narrativa do personagem interpretado por Kove.

Em Karatê Kid III – O Desafio Final, Terry Silver teve sua primeira aparição como antagonista do filme, sendo apresentado como co-fundador do dojo Cobra Kai e ex-soldado do exército americano, lugar na qual ele conheceu seu amigo e aliado, John Kreese. Posteriormente à vitória de Daniel e Sr. Miyagi (Pat Morita) no torneio All Valley em 1984, Kreese perdeu seu status como sensei e consequentemente seus alunos, o fazendo desapossar seu dinheiro investido na academia e também seu dojo. Terry foi a personalidade que estendeu a mão para ajudar Kreese a se reerguer e também a mente por trás do plano de quebra de amizade entre Larusso e Sr. Miyagi. A ideia inicial era se aproximar de Daniel e debilitar seu equilíbrio interno e, consequentemente, com o emocional já abalado, o enfraquecer fisicamente. 

Um dos grandes motivos das lutas finais de Karatê Kid serem tão marcantes, sempre surge de um pretexto anterior. A velha proposta entre os senseis, de cessar as batalhas e adiarem a luta até o final do campeonato de karatê, não é nem um pouco original. Mas ainda se aplica muito bem para o spin-off de um dos maiores clássicos dos anos 80, e, pela primeira vez, essa oferta foi imposta na série, prometendo batalhas ilustres e impensadas pelos espectadores.  

Com as alianças formadas, a dinâmica entre os alunos também foi afetada. Parte dos estudantes eram rivais e participaram da grande luta no West Valley High em lados opostos, mas agora, eles precisam encontrar uma forma de estabelecer uma convivência harmônica e deixar as diferenças de lado. Porém, com o final da terceira temporada, foi confirmada a ida de Robby Keene para o Cobra Kai liderado por John Kreese e surgiram algumas especulações das prováveis consequências dessa união.

Diferente do ano anterior, Keene se encontra cada vez mais lúcido dos eventos que ocorreram após sua liberação da condicional. É claro que ele não está feliz com a situação e têm passado os dias como um lobo solitário, adotando cada vez mais um caráter sério e desconfiado. Sabendo dessa situação, outra presa estava sondando o garoto por um bom tempo. Havia uma onda de incertezas sobre como o jovem iria se sair nesse novo dojo – já que ele foi o primeiro aluno da nova geração do Miyagi-Do – e também por Terry e John serem especialistas em lavagem cerebral de adolescentes. Mas, apesar dessa aproximação, Robby parece focado em seguir seu próprio caminho para derrotar o Miyagi-Do e o Eagle Fang, ao invés de ser um novo fantoche para Kreese, assim como seu pai foi. 

Assim como nas outras temporadas, parte das gravações segue majoritariamente em Los Angeles, cidade no estado da Califórnia e em várias cidades do estado da Geórgia – Atlanta, Marietta, Union City, Conyers e Peachtree City. A fotografia da série se manteve familiar, não se diferenciando das sequências anteriores. Mas evidentemente, pelo início das filmagens ainda serem no contexto da pandemia de covid-19, houve uma preferência por cenários ao ar livre para construção da trama. Justamente por isso, o ponto chave dos treinos entre o Eagle Fang e os alunos do Miyagi-do foi ambientado no clássico jardim do Miyagi-Do dojo, originalmente casa do Sr. Miyagi (Pat Morita). 

Fora as rivalidades que já foram estabelecidas durante três temporadas do seriado, obviamente, os roteiristas acharam um espaço para um novo conflito. O personagem Anthony (Griffin Santopietro), filho mais novo de Daniel Larusso, ganhou destaque nesta quarta, sendo um gancho principal para a narrativa do novato em West Valley High, Kenny Payne (Dallas Dupree Young). Embora seja um rosto novo na trama, a trajetória de Kenny já garantiu confrontos e reviravoltas de grande relevância para a série. Temas como bullying e cyberbullying estão presentes em sua construção, desde os primeiros minutos de sua aparição na franquia. Mas o mais surpreendente é que grande parte dessas ações contra o calouro foram executadas pelo mini-Larusso e seus amigos. 

Todo o desenvolvimento de Payne na série é nostálgico. A situação onde Kenny e Anthony se encontram é muito similar com a narrativa de Daniel e do Johnny no primeiro filme de Karatê Kid. Ambos são interessados na mesma garota, o que desencadeou uma disputa entre eles. Contudo, ainda que semelhantes, o final foi bem diferente do prosseguimento do filme. As similaridades entre Daniel e Kenny se resumiram apenas no triângulo amoroso, e grande parte desse afastamento de narrativa foi propiciado pela presença de Kreese e Tery na vida de Payne.

Da mesma forma que Kenny e Anthony, outros personagens se encontram apaixonados na série. Depois de três temporadas, finalmente o casal Carmen (Vanessa Rubio) e Johnny aconteceu, personagens que se conheceram na primeira fase do seriado e tiveram uma química desde o início. Eles já haviam saído algumas vezes e era óbvio o interesse dos dois, no entanto, alguns acontecimentos, como a lesão de Miguel e o fato de Lawrence ser o sensei dele, fizeram que o namoro demorasse mais do que o esperado.

Keene e Tory Nichols (Peyton Roi List) também se aproximaram nesta temporada, de forma nova, mas não surpreendente. Até o momento, eles apareceram poucas vezes como aliados no enredo da série, mas sempre foram um dos casais mais aguardados pelo público. Ainda que recente, a química entre Robby e Nichols é perceptível logo de cara. A interação entre os dois é algo muito além do que apenas um flerte, ambos possuem um vínculo diferente das suas ligações anteriores com Miguel Diaz (Xolo Maridueña) e Samantha Larusso (Mary Mouser). Que eram relacionamentos claramente unidos pela amizade e a paquera inicial, mas também pela situação da primeira opção deles – que para Diaz era Sam e para Sam era Miguel – não estarem disponíveis naquele momento. 

Outros casais também foram apresentados no decorrer do seriado. Os queridinhos, Miguel e Samantha, não tiveram grandes momentos de tela – tirando o baile de formatura – nesta quarta fase, diferente dos anos anteriores. Mas depois das brigas e das conciliações, os dois seguem sendo um par e parecem ter criado um laço forte desde a terceira temporada. Fora eles, também temos a confirmação do namoro entre Demetri (Gianni DeCenzo) e Yasmine (Annalisa Cochrane), um relacionamento que surgiu de forma inusitada e pouco explorada na série até o devido momento. E por fim, para alegria de muitos, foi dada aos poucos a premissa da reconciliação entre Falcão (Jacob Bertrand) e a personagem Moon (Hannah Kepple), que acabam se aproximando no torneio final. Mas a volta do relacionamento em si, continua sendo algo a se esperar nas próximas sequências de Cobra Kai.

Falando sobre musicalidade, é impossível não enaltecer o trabalho realizado pelos compositores Leo Birenberg e Zach Robinson. Já nos primeiros segundos de It’s Karate Time, somos diretamente transportados para o universo de Karate Kid ou simplesmente para outro filme dos anos 80 que haja heavy metal, hard rock e pop em sua trilha sonora. Os solos de guitarra, bateria e teclado se assemelham a grandes clássicos da época, como You’re The Best, Young Hearts e Cruel Summer. A nostalgia desses clássicos em combinação com um som atual descreve exatamente o que Cobra Kai procura trazer para o público: um encontro entre gerações.

Um diferencial de Cobra Kai, é o modo que a soundtrack denuncia a personalidade e o gosto musical de seus personagens. Nos momentos de tela de Johnny Lawrence – um ex-valentão, com personalidade forte e às vezes meio babaca – bandas como Poison, Twisted Sister e Queen são recorrentes na construção da série, principalmente nas cenas de brigas em bares ou quando conduz o seu Dodge Challenger pela grande Los Angeles. Agora, nas cenas de Daniel, é possível perceber uma outra versão das músicas 80’s. São baladas melódicas e românticas, extremamente compatíveis com o perfil de Larusso. A banda Chicago, liderada pelo Peter Cetera, é um exemplo de artista que percorre em sua mixtape e também um grande marco nas listas de love songs do YouTube.

Esse encontro de gerações não se encerra apenas nos anos 80, ela também está presente em artistas dos anos 2000. Vencedora em 2004 do reality American Idol, a cantora e compositora Carrie Underwood realizou uma ilustre participação na série, ao cantar o The Moment of Truth durante o torneio final de karatê. A cantora do hit Before He Cheats adicionou um frescor para a música originalmente escrita pela banda de rock Survivor. Canção já presente na franquia de filmes do Karatê Kid e com a nova colaboração, se encaixou perfeitamente na cena apresentada.

Seguindo com a narrativa dos personagens, o alecrim dourado de Johnny Lawrence, Miguel Diaz, encontra-se muitas vezes em segundo plano nesta quarta fase do seriado. Miguel não perdeu sua importância na série e continua sendo o antagonista carismático que ele sempre foi, porém, por ser um dos focos principais desde a primeira temporada, os roteiristas procuraram fortalecer a narrativa de outros personagens que anteriormente eram como peões no enredo de Diaz. Miguel aparece em cena muitas vezes questionando sua trajetória de vida e também preocupado em relação ao seu futuro, como as admissões na faculdade, o próprio torneio e também algumas questões familiares, como o namoro recente entre sua mãe e Lawrence, fora as perguntas sobre suas origens e a falta da presença de seu pai em sua vida.

Todavia, diferente de Miguel, Samantha parece muito direcionada nos seus objetivos, que no caso seria ficar mais forte e vencer Tory no campeonato. Seu foco principal é proteger sua família, amigos e a si mesma. No início ela questionava os métodos de ensinamento de Johnny, mas, com o tempo, ela passa a entender que aprender o estilo de luta do Eagle Fang é uma ótima oportunidade de aprender novas formas de atacar e também de vencer a batalha final. Seu convívio com Nichols continua não sendo um dos melhores, o que é bem compreensível depois da sequência de confusões que aconteceram desde o momento que elas se conheceram. Ainda que haja muitos atritos na relação das duas, certas deixas dos roteiristas nos fazem acreditar que essa rixa entre elas está por acabar, ou talvez, de agravar ainda mais essa situação.

Falando em destaque e evolução entre os personagens, temos a menina dos cachos de ouro, Nichols, como foco principal. A loirinha fez de tudo e um pouco mais nessa temporada. Além de sua aproximação com Robby e as brigas com Sam, a jovem foi uma das personalidades mais importantes para a trama da série. Ela sempre está envolvida com um conglomerado de acontecimentos ruins e procurou resolver eles de maneira solitária, mas, dessa vez, foi apresentado para o público uma versão mais aberta de Tory, com suas questões e também sucinta a pedir ajuda de terceiros. O ato de requisitar ajuda não a fez menos durona por isso – já que estamos tratando da vida de uma adolescente – na verdade, essa atitude compartilhou uma das várias camadas que personagem tem e que foi muito acolhida pela audiência, justamente por ser aproximar a trajetória de Nichols com a realidade do público alvo.

Outro personagem importante nessa temporada é Eli Moscowitz. De todos os papéis apresentados, o desenvolvimento de Eli é um dos mais trabalhados no seriado. De bom moço para garoto problema, Falcão passa por bons bocados ao tentar se redimir pelas suas ações não muito legais com os alunos do Miyagi-Do. Apesar de Jacob Bertrand ser perfeito para o papel de valentão – além de ilustre em uma das cenas mais pesadas da terceira temporada – seu personagem, Hawk, retorna a ter certas indagações e inseguranças sobre si mesmo, algo que não é presente no roteiro desde o lançamento do seriado.

Uma das concepções mais interessantes sobre Falcão, é o fato dele ter passado pela famosa jornada de herói presente nas histórias em quadrinhos. Ele percorre os três pontos principais desse tipo de narrativa. De garoto tímido para herói, de herói para vilão e de vilão para sua redenção. Uma escrita clichê, mas que foi executada da melhor maneira possível. Outra particularidade de Moscowitz foi a circunstância dele ser a única figura da trama a ter participado dos três dojos principais. Ele inicia como aluno do Cobra Kai, transita pelo Eagle Fang e encerra sua jornada no dojo Miyagi-Do, lugar na qual ele já atacou diversas vezes. 

Sua saída de carro-chefe do YouTube Premium para uma das maiores plataformas de streaming do mundo foi benéfica em muitos sentidos. O investimento realizado na terceira temporada pela Netflix garantiu um sucesso estrondoso de audiência. Entre dezembro e janeiro, a nova sequência tornou-se uma das produções mais assistidas no streaming, acumulando cerca de 2.4 bilhões de minutos vistos ao redor do mundo. Os produtores executivos Josh Heald, Jon Hurwitz e Hayden Schlossberg conseguiram, com a história de Johnny e Daniel, ultrapassar grandes nomes da Netflix, como a série de fantasia The Witcher (1.8 bilhões).

O sucesso da narrativa não se limitou em apenas garantir números altos de visualizações do público, mas também se fez presente em premiações. Após ser indicada para seis categorias no Emmy 2021, a quarta temporada de Cobra Kai, lançada no final de dezembro, foi uma das indicadas ao prêmio de Melhor Elenco de Dublês em Série de TV no SAG Awards 2022 e disputou a estatueta com grandes projetos, como Loki  e Falcão e o Soldado Invernal, lançadas pela plataforma de streaming Disney+ e também a famosa sul-coreana,  Round 6, que levou o prêmio.

Uma coisa que os produtores de Cobra Kai sabem fazer perfeitamente é causar intrigas e rivalidades. Porém, a quarta fase da série foi muito marcada pela conciliação e autoconhecimento dos personagens. Assim como as palavras de Daniel no início da temporada: “Muitos de nós éramos inimigos, mas as rivalidades não precisam ser eternas”. E dessa maneira, o enredo de Cobra Kai se afirma. Apesar de ser comum algumas séries perderem a força após três temporadas, isso não ocorreu aqui. De forma surpreendente, a produção da Netflix desencadeou um roteiro nada óbvio e garantiu o desenvolvimento de, no mínimo, mais duas sequências.

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Caroline Campos

Foram 42 episódios. 42 longos, dolorosos e excruciantes episódios distribuídos em quatro longas, dolorosas e excruciantes temporadas para June Osborne dar o primeiro passo oficialmente fora de Gilead. Depois de rastejar até o seu quarto ano, já era hora de The Handmaid’s Tale tomar coragem e assumir uma nova perspectiva fora do pesadelo autoritário do país que um dia foi os Estados Unidos. No entanto, quando se trata de O Conto da Aia, até a tão sonhada liberdade é capaz de deixar um gosto amargo na boca.

June conseguiu, sim, mas a certos custos. A trajetória da personagem de Elisabeth Moss havia atingido seu maior pico no final da terceira temporada, quando organizou o Vôo dos Anjos e acabou baleada no meio de uma floresta. Resgatada por suas aias fiéis na primeira cena de 2021, é a partir daí que a trama finalmente volta a caminhar para a direção certa e decide por fim no ciclo tenebroso de sofrimento da heroína americana. Certo, mas e agora?

Nem June, nem Offred – a pessoa a quem somos apresentados na quarta temporada de The Handmaid’s Tale é alguém totalmente nova. A liderança nata da protagonista foi explorada ao extremo, especialmente enquanto se escondia e se recuperava com as companheiras na casa de Esther Keyes, a jovem e talentosíssima Mckenna Grace. June toma gosto pelo sangue de seus violentadores e se reconhece de vez como Mayday só para, de forma quase anticlimática, ser capturada de novo e, ainda, denunciar a localização de Janine, Brianna, Alma e as outras aias fugitivas.

Felizmente, os roteiristas da série comandada por Bruce Miller souberam medir o tempo restante dentro de Gilead, saindo rapidamente do cativeiro e nos apresentando enfim ao cenário de guerra que Chicago se tornou, uma das últimas cidades que ainda resistem aos Comandantes e suas palavras bíblicas. Apesar do arco sem grandes contribuições que os rebeldes representaram, são as interações June-Janine que prendem a atenção em meio aos escombros do passado. A pobre e caolha personagem de Madeline Brewer ganha um esperado vislumbre da vida antiga, só para ser mastigada e esquecida, novamente, pelo restante da temporada.

O que de início parecia uma fuga coletiva das aias principais, logo se transforma numa caminhada solitária que June é obrigada a fazer rumo ao Canadá. Utilizando como fio condutor o laço de amizade entre June e Moira, The Handmaid’s Tale desata os nós que a segurava e explora de forma mais clara os refugiados em um país que, mesmo desaprovando o regime vizinho, não faz nada de concreto para combatê-lo. Ao longo das três temporadas anteriores, a série deu poucas explicações a respeito da situação diplomática de Gilead e, agora, através de Mark Tuello, podemos entender o porquê que o resto do mundo não intervém naquela sociedade.

A produção do Hulu sempre deixou muito claro, mas, parafraseando June, homens fracos realmente fazem o mundo girar. Quase todos os personagens masculinos da série possuem pouco aprofundamento ou relevância emocional, com exceção do irreverente Joseph Lawrence que, desde que surgiu em cena, é uma incógnita muito difícil de ser lida. Mesmo que sejam ótimos personagens e importantíssimos para o andamento da trama, há pouca margem de interpretação para Nick Blaine, Fred Waterford e Luke Bankole. E se esperávamos por um defensor de mulheres na figura de Tuello, o tombo foi grande, já que o homem pareceu se compadecer mais com Serena Joy do que com suas vítimas.

E, por falar nela, a nova gravidinha de The Handmaid’s Tale sofre novamente com um mal incurável: sua personalidade dividida. Claro, a culpa não é de Serena, mas se torna extremamente cansativo assistir a personagem dar dois passos para frente e 20 passos para trás. O talento irrefutável de Yvonne Strahovski pode até ajudar a construir uma base sólida para sua vilã, mas suas idas e vindas indecisas em relação ao marido perderam o impacto com o passar do tempo. Oprimida, sim; opressora, indiscutivelmente. 

Até quando está no Canadá, June não consegue se livrar de seu casal de algozes e, dessa vez, o fantasma da injustiça a assombra mais do que qualquer outra coisa. Já sabíamos que não seria fácil para a personagem superar as sequelas dos 7 anos destruídos em nome de Deus, mas seja pela força de Moss ou pela sagacidade da série, o que a quarta temporada entrega é impressionante. June Osborne está irada e exige justiça, nem que ela mesma tenha que buscar.

Claramente, não era isso que Moira e Luke esperavam quando se reencontraram com a ex-aia. Desde que desembarca na vida de refugiada, ela deixa claro que não abrirá mão de sua raiva – e quem tira a razão dela? The Handmaid’s Tale pode ter perdido a mão quando explorou em demasia o abuso de suas personagens, mas, nessa quarta temporada, parece que a série vem tentando se redimir ao se embrenhar mais fundo nas diversas formas que o trauma se manifesta. 

Morno, o relacionamento da protagonista com Luke, que finalmente exige uma dose maior do ator O-T Fagbenle, mais serve para mostrar os reflexos na vida sexual de June do que para acrescentar em algo na narrativa fraca do marido. Fagbenle se esforça, mas é difícil conquistar personalidade para uma fatia de pão ofuscada pelas mulheres à sua volta. Em contrapartida, a verdadeira eletricidade surge com Moira, que é confrontada por uma pessoa bem diferente de quem um dia foi sua melhor amiga.

A June que nasceu em um quarto de hospital enquanto rezava incessantemente por uma cadavérica Ofmatthew não consegue suportar o cheiro da normalidade e, apesar das decisões e atitudes questionáveis, nos recusamos a sair do lado dela. Que ela tenha sua vingança. Que ela inale as cinzas de seus inquisidores. Assim como ela, como todas elas, estamos sedentos por sangue. E O Conto da Aia se aproveita disso para entregar aquela cena.

É ao som de You Don’t Own Me, de Lesley Gore, que o final do poderosíssimo episódio 10, O Bosque (The Wilderness), deixa sua marca no imaginário de The Handmaid’s Tale. Fred Waterford foi um monstro, um estuprador, um fraco. Nem o charme de Joseph Fiennes conseguiu imprimir algum tipo de humanidade naquele responsável por tirar tudo das mulheres que cruzavam seu caminho. Ele sempre pertenceu ao Muro, e foi sua tão querida Offred que o arrastou despedaçado, mutilado e apavorado para bem longe do Deus que justificava suas ações.

Catártica e corajosa, a quarta temporada da produção reconquistou os votantes da Academia e a queridinha The Handmaid’s Tale garantiu 21 indicações no Emmy 2021. Além da óbvia indicação de Elisabeth Moss em Melhor Atriz em Drama e da obra em Melhor Série de Drama, o elenco encheu as listas de Atuação Coadjuvante. Entre as atrizes, os nomes escolhidos foram Madeline Brewer com sua doce Janine; a insuperável Ann Dowd, que entrega em Tia Lydia a personagem mais complexa da série; Yvonne Strahovski como Serena e Samira Wiley, dona do carisma apaixonante de Moira.

O já vencedor Bradley Whitford e seu indecifrável Comandante Lawrence agora têm a companhia de O-T Fagbenle e Max Minghella na categoria de Melhor Ator Coadjuvante em Drama, mesmo que a diferença de profundidade entre os três seja gritante. Entre as atrizes convidadas, Alexis Bledel e Mckenna Grace também não deixaram Emily e Esther passarem despercebidas e se firmaram em Melhor Atriz Convidada em Drama. Drama para cá, drama para lá, o maior deles talvez seja a falta do nome de Elisabeth Moss em Direção.

Liz Garbus garantiu a sua fatia de indicação pela direção do último episódio da temporada, O Bosque, mas Moss, responsável por dirigir três dos dez episódios da série, ficou de fora. Sob sua tutela, O Cruzamento (The Crossing), Testemunho (Testimony) e Progresso (Progress) – terceiro, oitavo e nono, respectivamente – são especialmente intrigantes, mas não foram o suficiente para que a atriz fosse lembrada em outras categorias além de sua June e de sua produção. Além disso, o único lembrado em Melhor Roteiro em Drama foi Lar (Home), que conta com a assinatura de Yahlin Chang.

Agora, depois dessa sobrevida que abençoou The Handmaid’s Tale, resta orar para que o Deus dos cancelamentos faça o seu papel e finalize a série na já confirmada quinta temporada. Sair de Gilead revigorou uma trama que sofria com a falta de impacto e com uma crueldade excessiva que perdeu o papel de sensibilizar, acostumando o espectador com os horrores de uma sociedade dominada por homens medíocres. No entanto, optar por alongar ainda mais essa nova perspectiva pode terminar de enterrar a produção que abalou o Emmy 2017. Está na hora de deixar June Osborne em paz.

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Ana Júlia Trevisan

O ano era 2019 e os fãs da série One Day at a Time se revoltavam no Twitter por conta do cancelamento feito pela Netflix. Após muitos pedidos para a renovação, foi entregue uma bem sucedida terceira temporada mostrando que o streaming ainda tinha força e conteúdo para continuar produzindo a queridinha dos assinantes. O cancelamento parecia improvável pois, além dos motivos já citados, o terceiro ano se finaliza com um gancho perfeito para uma nova temporada da série que foi abandonada.

Em meio a tantos pedidos, o canal americano de televisão, Pop TV, se encarregou da missão de dar continuidade ao seriado que traz de forma leve assuntos como imigração, homofobia, ansiedade, depressão e religião. Não era possível prever as mudanças, apenas aguardá-las na torcida para que a série não entrasse num trem descontrolado rumo ao abismo e ao esquecimento característicos das séries salvas.

A quarta temporada se inicia com transformações gritantes, que vão desde a abertura até a iluminação do seriado. A primeira, um dos traços mais viciantes da série, ganha cara nova e completamente diferente da original. A vinheta repleta de fotos do cast era cantada pela divina cantora cubana, Gloria Estefan, que conseguia trazer a essência do programa. Já a nova abertura tem poucos segundos de duração, com cores vibrantes, quase neon, que não contrastam com a trama. A iluminação ganhou brilho, deixando de lado aquelas cores de tons mais terrosos, típico de representação latina, trazendo mais vida à série.

A redução na duração dos episódios desagradou apenas os entusiastas do programa que querem sempre mais e mais conteúdo. Em relação ao roteiro, o tempo foi bem utilizado, evitando que a série se arrastasse em alguns plots de cenário único, como o carro que foi utilizado. Os apreciadores também foram surpreendidos com a periodicidade semanal. Renovada para 13 episódios, eles foram exibidos um por um ao decorrer das semanas, diferente de sua antiga casa, Netflix, que disponibilizava toda a temporada para ser maratonada em um único dia.

Conhecida por sua sagacidade e suas piadas inteligentes, One Day at a Time mantém a forma e tem sua grande sacada já nos primeiros segundos. Alex, filho mais novo de Penélope e um dos protagonistas da série, abre a season alfinetando o streaming onde a série era exibida: “There’s nothing good on Netflix anymore” (É como se não tivesse mais nada que presta na Netflix). O caçula também se destacou por ter a melhor evolução. O seguimento de Papito se faz de maneira interessante, além da evolução da personagem, acompanhamos também seu crescimento, vemos ele iniciar um namoro e cometer pequenos erros comuns de adolescentes. Assistir aquele personagem que a gente possui o sentimento de ter pego no colo traz a sensação que One Day at a Time está envelhecendo como vinho.

De forma não invasiva, é tratada a solidão de Penélope e como isso a atormenta. A linha tênue entre não precisar de homens e adorar estar na companhia deles, ver os filhos crescendo, entrando em relacionamentos e planejando sair de casa para cursar a faculdade. Ela e Lydia conseguem roubar toda a quarta temporada. Dizer que Rita Moreno brilhou é óbvio, porém necessário. A maneira que a atriz encarna a Abuelita torna a personagem ainda mais viva e atemporal, garantindo a indicação da atriz ao Critics Choice Awards. Lydia, nossa queridíssima Abuelita, com seus comentários infames e precisos mantém o favoritismo de muitos pela irretocável personagem, ¡Dale!

Penélope com sua narrativa concisa, consegue construir um episódio inteiro praticamente sozinha, como o segundo, que mostra a engraçada jornada na compra de um novo sofá. Há prós e contras sobre o estrelato de seu papel em One Day at a Time. O maior pró, sem dúvidas, foi a oportunidade de mostrar ela como uma mulher mais forte, com tempo de tela merecido para atuação. O contra foi que não conseguiram equilibrar esse tempo, deixando outras personagens importantes para o enredo de escanteio, não sendo aproveitadas em sua totalidade. Como foi o caso de Elena, minimizada a um relacionamento e com a personalidade pautada, de maneira fútil, em ser LGBT+, a personagem perdeu seus importantes discursos.

A temporada quatro trouxe plots que já haviam mostrado ter potencial mas tinham sido esquecidos por seus criadores, como é o caso do Schneider e seu namoro com Avery que seguia  a passos lentos na temporada anterior, mas prosperou de forma concreta e planejada esse ano. Uma pena One Day at a Time ter sido cancelada antes de ser finalizada e a evolução do casal pausar pela metade. A produção ainda conserva personagens importantes como o Berto, companheiro já falecido por quem Lydia ainda dedica, por vezes de forma cômica, todo seu amor.

A Pop TV não seguiu exatamente aquilo que foi proposto na temporada anterior, certamente pela verba reduzida, mas isso não impediu uma continuidade otimizada. Tudo que não foi exportado da Netflix foi explicado o porquê no enredo, assim não deixando pontas soltas na história. Citações e miragens com o Max fazem público torcer para a previsível volta dele. E é graças ao acerto do canal em criar o plot da volta, que os encontros que Penélope teve com outros caras se tornam completamente esquecíveis.

Acostumados a assistir tudo de uma vez, tivemos que esperar episódios semanais até vir a bomba. One Day at a Time foi cancelada antes dos 13 prometidos irem ao ar, deixando de novo o seriado sem um final digno e pra piorar, dessa vez, sem um final para as histórias que já estavam em andamento no ano. O cancelamento foi um choque, ainda mais vindo da produção que conseguiu administrar a pandemia, criando a versão animada para continuar mesmo com gravações interrompidas por conta do vírus.

O episódio do desenho foi uma saída genial para o contexto de distanciamento social. Com narração feita pelos próprios atores, a série trouxe os primos já conhecidos pelo público, mas que talvez não fosse mais aparecer por conta dos cachês. Lançado em junho, saiu com um bom timing  para as eleições presidenciais dos Estados Unidos, tema do episódio, que foi um dos acontecimentos mais comentados pelo mundo. O discurso final de Penélope é importante e de arrepiar, os 20 minutos são deliciosos de assistir, porém não é um final para a série.

Apesar de terem produzido uma temporada recheada de altos e baixos, One Day at a Time não perdeu sua essência que entra em casa, senta no sofá e faz parte da família. Talvez a quarta temporada não tenha trazido aquele fascínio que víamos na Netflix, mas as diferenças foram em suma proveitosas e agregaram no enredo. Sem dúvidas foi entregue um material superior ao esperado, com diálogos familiares que conversam com o público, ajudando na identificação da vida cotidiana do telespectador.

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Vitor Evangelista

“O quão funda tem que ser essa cova?”, pergunta um adolescente sarado, para o que outro jovem trincado responde: “bem funda, aqui é Riverdale!”. O que isso quer dizer, você pode se questionar, assistindo à quarta temporada do programa? Eu me prontifico a responder: absolutamente nada, não tem sentido algum. O que, por si só, virou costume em Riverdale, a falta de sentido, coesão e continuidade, e, mesmo assim, o seriado exala um charme inigualável, adocicado para nos viciar.

A jornada de Riverdale na TV não começou como sinônimo de fracasso ou mediocridade, muito pelo contrário. Quando estreou na The CW em 2017, a criação de Roberto Aguirre-Sacasa ditou tendências na maneira em que a televisão se moldou nos anos seguintes. O Mundo Sombrio de Sabrina passou a ser chamada, pejorativamente, de ‘Riverdale com bruxas’, e a recém-nascida Fate: A Saga Winx não demorou a ser apelidada de ‘Riverdale com fadas’.

O que qualifica uma ‘Riverdale’ vem da fraqueza e da deficiência em contar uma boa história. Elementos básicos da escola de cinema, como desenvolvimento de personagens, progressão narrativa e até o simplório recurso de caso da semana, acabam por sofrerem da negligência de quem produz e escreve o seriado. A quarta temporada grita bingo na tabela da mediocridade: Cheryl (Madelaine Petsch) fica 10 episódios presa num núcleo enfadonho que envolve fantasmas, apenas para intercalar com a narrativa de Veronica que, tendo seu próprio enredo, só necessita se encontrar com Cheryl lá pela metade do ano.

Camila Mendes ainda busca nuances na hora de dar vida à Veronica Lodge, mas a exaustão da rixa com o pai Hiram transparece no semblante da atriz. O mesmo vale para o talento da série, Lili Reinhart. A doce e “psicopata” Betty Cooper bate cabeça a temporada toda, além de Riverdale forçar uma linha vilã da loira, explicitamente repetindo seus genes de assassino, mas nunca colocando em prática as linhas do roteiro: Betty é um monstro na boca dos outros, mas na hora do ‘vamos ver’ ela não passa de alguém frustrada com o que a cerca.

Listando apenas os defeitos e rombos de Riverdale, um título com amor à série parece antagônico e injustificável. E então entra em cena o fator sentimental que o seriado aflora, por pior que sejam os diálogos, as ações e o jogo de câmeras e closes, ao mesmo tempo, aquelas bobagens são irresistíveis. Quando a música sobe, os olhos fulminantes se procuram e os créditos pipocam logo depois do logo azul neon surgir, misterioso, não existe opção que não seja clicar no “Próximo Episódio” no player da Netflix. Assim como o terrível jingle-jangle que os jovens se alucinam por, Riverdale virou uma droga do lado de fora das telas.

Em momento algum isso significa que, assistindo e acompanhando esse live-action da Turma do Archie, as críticas somem e os olhos são fechados para a imensidão de problemas que rondam os personagens, nada disso. A qualidade primária do ano 4 é a fuga de uma ‘trama do ano’, que mais prejudicava Riverdale do que o contrário. Na temporada inicial e reduzida, o assassinato de Jason Blossom era instigante o suficiente para nos manter entretidos ao longo dos 13 capítulos.

O ano 2, já inserido na horrorosa febre dos mais de vinte episódios, foi frouxo e molenga na hora de desenvolver os crimes do Capuz Negro, o que era claro até no processo criativo, quando os roteiristas finalizaram o caso lá pelo meio do enredo, mas voltaram atrás nos 45 do segundo tempo e concluíram porcamente, sem embasamento ou qualquer noção do que funcionaria dentro daquela realidade. Esse foi o primeiro dos sinais de desgaste do seriado. A terceira temporada fracassou quando flertou com o sobrenatural, e nunca consumou a relação. Vale lembrar que isso rolou paralelo à estreia de Sabrina na Netflix, desenvolvida pelas mesmas pessoas de Riverdale e, teoricamente, ambientadas no mesmo universo.

A predisposição de Riverdale em não encerrar arcos e matar vilões é outra das preguiçosas atitudes de quem escreve a obra. Afinal, vale mais a pena colocar Edgar e a Fazenda em aguardo, enquanto o pau come solto com outra trama, até que seja conveniente para o passado bater à porta e causar ainda mais na vida desses jovens que fingem ter 17 anos, com corpos de 25 e cabeça de 30.

O roteiro funciona no tranco e na síndrome da amnésia. A bela homenagem ao pai de Archie, interpretado pelo falecido Luke Perry, abre a temporada num tocante e sensível virar de página para o ruivo. O que acaba escanteado na mesma medida, quando Andrews vive num mundo à parte, colocando máscara e descendo o cacete em bandido armado de 40 anos. Isso se mantém na quarta temporada, essa ideia de que cada um dos protagonistas vive em seriados diferentes, em tom, clima e acontecimentos.

Archie (KJ Apa) é um vigilante que daria orgulho ao Arrow. Veronica comanda uma boate clandestina e guerreia com o pai desde 2017. Betty é uma estagiária de Mindhunter, caçando serial killers na marra, enquanto Jughead (Cole Sprouse) muda de escola e interpreta um crime real cheio de literatura e traições maquinadas por escritores burros. Sobre Cheryl, Toni, Reggie e Kevin, nem se fala. A 4ª temporada de Riverdale acha um jeito de criar um império de pornô de cócegas (spoiler: e consegue levar isso muito à sério).

O drama de rivalidade com os estudantes de Stonewall, junto da discórdia dos alunos com o diretor Honey e o mistério das fitas cassetes são flácidos e nada memoráveis pela indisposição da série em dar profundidade aos antagonistas. Riverdale só conhece dois cenários: ou constrói vilões burros e complexos como papelão reciclável (os 3 casos citados acima), ou repete a mesma história desde o começo (a treta de Ronnie com o pai). Não existe meio-termo. 

A culpa que intitula o texto nasce dos outros. O rolar de olhos, a cara de bunda e a frequente ‘sério que você assiste isso?’, que vem quando Riverdale é assunto de conversas banais, causa um estranhamento incomum. A existência do termo prazer culposo, ou guilty-pleasure, hierarquiza a qualidade das obras que consumimos logo de imediato. Se apaixonar por Crepúsculo ou acompanhar Rebelde, atividades consideradas ‘menores’ e ‘ruins’ (normalmente tidas como ‘femininas’) pelo coletivo pensante menospreza quem genuinamente sente coisas consumindo-as.

O que é injustificável em uma porção de instâncias. Não existe consenso de algo ser ‘bom’ ou ‘ruim’, o gosto é relativo e a crítica parte do individual. Segundo, consome quem quer, e ficar cheirando o rabo de séries e filmes que te desagradam só para ter o lugar de reclamar ou fazer chacota é puro pleonasmo. Por que diabos alguém consumiria com tanto ímpeto algo tão antagônico aos próprios gostos pessoais? Riverdale não almeja se firmar com uma produção de primeira, nem é o tipo de série que ganha prêmios por excelência.

Riverdale é ciente de seu formato, limitações e escolhas. É autossuficiente e lucrativa. É cheia de furos, buracos e inconsistências, mas também é cheia de paixão e carinho. Ela gera, em quem assiste, raiva e emoção, um sentimento de casa e conforto. A quinta temporada está no ar, prometendo fechar o arco que o coronavírus impediu, e ainda com um salto temporal, mergulhando na vida adulta da galera. Afinal, pra quem já pintou e bordou no Ensino Médio com tramas de ‘faculdade’, a série sabe que não precisa se repetir. Continuaremos estressados com decisões tontas e revelações frouxas, mas ora, Riverdale é isso mesmo.

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Vitor Evangelista

Com o buzz político das denúncias de abuso de Hollywood, passando pelas declarações polêmicas do presidente Donald Trump, a primeira parte da 4^a temporada de Unbreakable Kimmy Schmidt discute feminismo e atualidades com propriedade. Calcada num roteiro ácido e com timing cômico impecável, a série de Tina Fey mais uma vez diverte mas sem nunca fazer deixar de refletir.

Numa estratégia inédita, a Netflix lançou seis episódios do novo ano logo depois de anunciar o encerramento da série, juntamente com um filme para finalizar a história de Kimmy, Titus e cia. Com apenas metade da leva normal de capítulos, o novo ano trata das questões de gênero que incendiam os Estados Unidos desde que a atriz Aria Argentino foi a público e denunciou as monstruosidades que o produtor e magnata Harvey Weinstein cometia com uma série de atrizes e profissionais mulheres da terra dos famosos.

O grande diferencial de Unbreakable Kimmy Schmidt é a maneira como toca no delicado assunto de abuso e da superioridade masculina no meio. Enquanto Big Little Lies aborda o tema de forma seca e abrupta, e The Handmaid’s Tale externaliza o ódio, a comédia de Tina Fey subverte tudo que foi mostrado até então, ironizando os ocorridos.

Unbreakable Kimmy Schmidt narra as desventuras e os perrengues que a personagem-título, vivida magistralmente por Ellie Kemper, enfrenta após passar anos presa num bunker com um lunático religioso que pregava o fim dos tempos. Kimmy sai do abrigo subterrâneo e parte para Nova York, para tentar viver o tempo perdido nas mãos do Reverendo (Jon Hamm, sarcástico e fenomenal).

Na Grande Maçã, ela vai morar com o dançarino gay Titus Andromedon (Tituss Burgess, no melhor papel do seriado) que aspira estrelar um musical da Broadway. Kimmy também lida com uma inquilina amargurada pelas mortes de ex-maridos, Lilian Kaushtupper, e também uma socialite com um marido ausente, Jacqueline Vorhees.

Juntos ao longo de três temporadas, o quarteto é rodeado das situações mais constrangedoras e que sempre trazem uma reflexão para o cenário atual – tanto o norte-americano quando o mundial. O quarto ano se inicia com Kimmy trabalhando na gerência de uma companhia high-tech, Titus tentando superar o ex-namorado, Lilian lidando com o luto e Jacqueline querendo começar uma carreira de sucesso.

Piadas com Weinstein, Spacey e até Cosby já eram esperadas. E, quando entregues, não decepcionam e só adicionam qualidades e méritos ao roteiro um tanto sádico que o show apresenta a cada novo episódio.

Mais uma vez quem rouba a cena são os coadjuvantes do seriado. Titus (Tituss Burgess) continua sendo o personagem mais bem escrito e que figura as melhores situações. O falso seriado com o ator Greg Kinnear, a peça de teatro escolar, a apresentação na sala de roteiristas, todos plots fenomenais sempre melhorados pela acidez magnética do ator.

Jacqueline White (Jane Krakowski) também continua em sua jornada de redescobrimento e empoderamento. A loura descendente de nativos americanos protagoniza talvez o maior descaramento do seriado ao levar para Hollywood um homem branco, sem talento algum, para trabalhar e logo de cara ele já descola diversos jobs.

Porém, seu ponto alto desse quarto ano é a dinâmica com a ex-enteada Xan (Dylan Gelula), e o papel da mãe e da mulher no mundo de hoje. Lilian (Carol Kane), no início um tanto avulsa quanto a seu papel no novo ano, se mete em intrigas familiares e promete protagonizar momentos memoráveis ao lado dos filhos de seu falecido namorado.

Ellie Kemper continua adicionando camadas à sua Kimmy e, mesmo que num apanhado geral, ela seja a personagem menos interessante – a falta de malícia sendo a principal prerrogativa –, é ela quem dita o tom e o discurso que essa primeira parte enfatiza: as mulheres se impondo e não aceitando menos do que lhes diz direito. É preciso rasgar os rótulos: mulher, rica, negro, gay, velho. Kimmy Schmidt pinta figuras humanas, suscetíveis a falhas e, principalmente, dispostas a evoluir para um bem futuro.

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