Mariana Bezerra 

A Incrível Eleanor, estreia de Scarlett Johansson na direção, foi lançado no início de 2025 no Festival de Cannes. Ainda sem data de lançamento nos cinemas nacionais, a primeira sessão do longa, no Brasil, aconteceu na 49ª Mostra de Cinema de São Paulo, como parte da seção Apresentação Especial. Como já ocorreu com outras atrizes que conquistaram renome na frente das câmeras, Johansson se posicionou, pela primeira vez, por trás delas. Aqui, a estrela de Hollywood concede um respiro às próprias personagens e se aventura em uma função responsável por orquestrar um resultado belíssimo, que surpreende pela delicadeza e pela simplicidade. 

A protagonista que dá nome ao filme é uma senhora de 94 anos interpretada pela talentosíssima June Squibb (Thelma – 2024). Ao lado de Bessy (Rita Zohar) – uma mulher judia e polonesa, sobrevivente do Holocausto – melhor amiga e colega de apartamento de Eleanor, elas formam uma dupla carismática e sem papas na língua. As duas provocam uma onda de gargalhadas contagiante logo nos primeiros cinco minutos de filme. Para além da comicidade, as grandes amigas carregam a beleza de uma relação entre mulheres que já atravessaram muitas fases da vida. Elas perderam seus maridos, estão lidando com a distância dos filhos e com o processo de envelhecimento, mas fazem tudo isso juntas, como se fossem duas adolescentes, até o momento em que Eleanor precisa lidar com a morte de Bessy. O ponto de partida da história, por si só, já aponta para algo que precisa de uma sensibilidade no roteiro, uma direção atenta, além de um elenco extraordinário para funcionar e, Eleanor the Great, no original, definitivamente cumpre todos os requisitos.

Sozinha no apartamento que antes era um lar compartilhado com a sua ‘família escolhida’, a protagonista se vê forçada a sair da Flórida e voltar a Nova Iorque para morar com a sua filha. A grande questão é que o texto, de Tory Kamen, é cirúrgico ao expressar o retrato extremamente comum de uma mãe que se distancia da filha durante a velhice, e de familiares que escolhem delegar a sua relação aos laços sanguíneos. E, quando isso acontece, é a estranheza que se manifesta. Nesse sentido, o ambiente também é um elemento que envolve conexão. Assim, os poucos cenários do longa oscilam entre os íntimos a Eleanor e os estranhos: aqueles que ela não conhecia e com os quais precisa se acostumar de uma hora para outra, uma dinâmica interessante que não passa despercebida.

Enquanto tenta processar o luto, a protagonista, acidentalmente, acaba em um grupo de apoio a sobreviventes do Holocausto. Nesse momento, sem entender o que estava acontecendo, ela se depara com pessoas que querem ouvi-la e isso era tudo o que ela gostaria de saber. Assim, brilhantemente, June Squibb, no auge dos seus 95 anos, põe na tela uma personagem complexa, que carrega a irreverência trazida pela longevidade sem que isso a torne caricata. A atriz, inclusive, comenta, em uma entrevista da NBC News, que um dos aspectos que mais a interessou no roteiro foi a forma como ele “não ri da idade”. 

Diante dessa possibilidade que parece tão tentadora de receber acolhimento, ao ser questionada sobre a sua experiência como sobrevivente, a personagem de Squibb começa a contar sobre a vida de Bessy como se fosse a sua. A protagonista parece, inconscientemente, tentar resgatar a presença da amiga ao materializar as suas lembranças para os colegas do grupo. Antes de migrar para os Estados Unidos, onde conheceu Eleanor, a polonesa foi escravizada, junto com o irmão, em um campo de concentração. Eles conseguiram fugir, mas o menino foi morto a tiros – 14, mais precisamente. As feridas abertas de um dos eventos mais cruéis da história da humanidade são retratadas de forma intensa sem que seja necessário mostrar soldados nazistas, armas e câmaras de gás. A narrativa e a memória são potências suficientes aqui. Esse é um tema que alude à herança familiar de Johansson e com o qual ela já trabalhou anteriormente como atriz, como é o caso do filme Jojo Rabbit (2019), de Taika Waititi.

A vida de Bessy, contada por Eleanor, chama a atenção de Nina (Erin Kellyman) uma jovem escritora, também de ascendência judia, que está cursando uma disciplina de jornalismo e decide usar o grupo de apoio como tema de um artigo. Muito rapidamente, ela se aproxima da protagonista, que, no início, precisa fingir ser tímida para recusar as tentativas de contato da estudante. Até porque, de tímida, Eleanor não tem nada. E como disse seu neto, Max (Will Price), ela viverá por volta de 100 anos. A impressão que fica é que ela fará isso de forma leve, justamente porque não carrega palavras não ditas dentro de si. No que diz respeito à morte, se ela é inevitável, falar a respeito é crucial para os que ficam.

Enquanto a jovem tateava no escuro tentando encontrar a melhor maneira de lidar com o luto, seu pai escolheu nem sequer admitir a existência dele. Roger (Chiwetel Ejiofor) é um jornalista famoso e renomado, que se afogou na vida profissional após a perda da esposa, o que tornou a sua filha ainda mais solitária e perdida diante da dor. Portanto, o laço de amizade com a personagem principal é algo ainda mais valioso e revolucionário para o processo de adaptação a uma realidade tão difícil de encarar. 

Quando a verdade sobre a vida dupla de Eleanor vem à tona, a narrativa se volta completamente para o sofrimento das envolvidas e quase nada para as consequências da mentira da protagonista. Esse aspecto pode ter sido sim uma drástica conveniência de roteiro, que, diferente da maioria delas, funciona, pelo menos em partes. Em alguns momentos, o texto peca por não aprofundar os conflitos éticos envolvidos, especialmente em se tratando da sensibilidade de uma das vítimas. Por outro lado, a solidão e sofrimento de Nina, a outra vítima dessa situação, são muito bem explorados e esclarecem o porquê a perda da amizade de Eleanor foi muito mais intensa do que a perda da fonte jornalística. 

A narrativa usa o luto como um terreno fértil para explorar sentimentos múltiplos e confusos. Apesar de ela ter se permitido abrandar um pouco demais determinadas situações, isso é justificado com conceitos subjetivos, assim a história consegue emocionar e retratar a beleza que deseja. A direção e o roteiro usam a universalidade para refletir sobre como enxergamos as pessoas e, principalmente, as mulheres idosas ao nosso redor. 

Há uma belíssima relação presente no fato de a própria June estar desafiando padrões e construindo um novo capítulo profissional na casa dos 90 anos. Nesse sentido, o longa ocupa o grande espaço que é a tela do cinema com a mensagem de que seres humanos estão produzindo suas histórias a todo momento, independentemente da idade. Ainda que trate da finitude, A Incrível Eleanor vai além: a vida não acaba quando termina, mas apenas quando a nossa história deixa de ser contada. 

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Costanza Guerriero

No primeiro semestre de 2023, as redes sociais foram invadidas por vídeos de composições simétricas, cores pastéis, filtros saturados e rostos inexpressivos. Ao som de Obituary, do compositor Alexandre Desplat, os internautas retratavam  os  seus dias cotidianos, no que parecia ser uma viralização do estilo característico do diretor Wes Anderson. O fascínio da mídia espontânea pelo visual característico do cineasta prova o encantamento que suas produções podem causar no telespectador, por meio da intrínseca relação que suas  narrativas encontram com sua estética. Asteroid City, a última obra de Anderson, entrega um pouco desse fascínio. 

Três meses após a estreia no Festival de Cannes, o longa chegou no Brasil em Agosto, fazendo pouco barulho em meio ao rebuliço de Barbie e Oppenheimer. A narrativa se passa, no início dos anos 1950, na pacata e desértica cidade fictícia que dá nome a trama, local marcado pela presença de uma cratera de meteoro. Lá ocorre a Convenção Júnior de Observadores de Estrelas e Cadetes Espaciais, na qual famílias se reúnem para prestigiar suas crianças cientistas prodígios. Tudo ocorre normalmente – ou melhor, “wesanderionamente” – até as personagens precisarem ser submetidas à quarentena pelo exército, após entrarem em contato com um extraterrestre.

Mais uma vez, Roman Coppola colabora com Wes Anderson na criação do roteiro, no qual exploram um ótimo equilíbrio entre elementos que de fato estavam  presentes na década de 1950, com seu modo de contar história, que pouco se preocupa com fatos reais. O clima de corrida espacial e expectativa de ir à Lua, na qual a geração boomer cresceu, é introduzida com as ideias de alienígenas e de crianças que possuem mais conhecimentos do que a própria inteligência das forças armadas americanas. A estética artificial e de elementos pouco credíveis são intencionais, e pode-se dizer que é o mais proveitoso de Asteroid City.

A tônica sideral é o que compõe, em partes, essa narrativa. Em partes porque a história sobre extraterrestres é, na verdade, uma peça de teatro, dirigida pelo personagem de Edward Norton (O Grande Hotel Budapeste). Não é estranho a Anderson dividir as cenas dos seus filmes como atos de uma peça teatral. Porém, dessa vez, além da demarcação explícita dos capítulos, também há cenas que se dedicam a mostrar os bastidores por detrás da obra dentro da obra. O que pode não ter funcionado muito bem nesse modelo é a excessiva troca de uma trama para a outra, marcadas por interlúdios do narrador, sendo um pouco difícil de se conectar com as personagens.

Bem como em A Crônica Francesa, a obra foca em diversos núcleos de personagens de maneira simultânea, mas diferentemente do antecessor, Asteroid City tem dificuldade em juntar todas essas histórias em um desfecho comum. A narrativa mais bem desenvolvida talvez seja o quase romance entre o fotógrafo de guerra Augie, bem interpretado por Jason Schwartzman (Três é Demais) e a atriz Midge Campbell, vivida por Scarlett Johansson (História de um Casamento). 

Em contraste a esse drama romântico, o tom cômico e particular do diretor é explorado no conflito de gerações, retratando crianças que se comportam mais como adultos do que os próprios pais, assunto já explorado pelo diretor em Moonrise Kingdom. Aqui são as crianças que resolvem todos os problemas enquanto seus pais não conseguem superar os próprios fantasmas. 

Além de Schwartzman e Norton, outros atores que já tiveram experiências anteriores com a direção de Anderson retornam para essa produção, como Tilda Swinton (Moonrise Kingdom), Adrien Brody (A Viagem para Darjeeling), Tony Revolori (O Grande Hotel Budapeste) e até mesmo Seu Jorge (A Vida Marinha). Willem Dafoe (O Fantástico Senhor Raposo) aparece em uma das cenas para apenas bater ponto com o diretor. O cineasta é conhecido por sempre trabalhar com um elenco de peso, e como visto, nessa obra não foi diferente. Dos atores que estrelam com ele pela primeira vez destacam-se Tom Hanks (O Pior Vizinho do Mundo) e Maya Hawke (Stranger Things). A escolha de Steve Carell (Querido Menino) foi para muitos inusitada, já que possui um estilo tão particular quanto o próprio diretor. Contudo, a combinação deu certo, mantendo a originalidade de ambos.

Fica óbvio que design de produção é um dos pontos de destaque no filme por se tratar, é claro, de uma obra de Anderson. O recurso em preto e branco é utilizado nas cenas que contam sobre os bastidores do teatro, enquanto as familiares e perfeitamente balanceadas cores no tom pastel são escolhidas para as cenas que contam a peça em si. Aqui também vai uma menção honrosa à designer de figurino Milena Canonero, que complementou a excentricidade do cenário montado, com figurinos que refletem a essência dos anos nos quais o longa se passa.

No quesito fotografia e personagens excêntricos, Asteroid City é um exemplo perfeito para compreender que é impossível assistir a um filme do Wes Anderson sem se lembrar de outro filme do Wes Anderson. Apesar da falta de profundidade na história em si, a obra acaba funcionando como uma espécie de metalinguagem, no qual o diretor reverência a fusão das Artes do Teatro e do Cinema. Ainda que seja uma produção que não chegou aos holofotes da temporada de premiações, é um bom entretenimento e até mesmo, objeto de estudo para os novos fãs do cineasta que chegaram, via redes sociais, buscando o encanto estético que seus filmes apresentam.

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Estamos cansados de saber sobre o avanço da influência artificial e seus impactos na realidade cotidiana – não soa incomum se apaixonar por alguém que conhecemos através de uma tela virtual. Por mais que pareça a um primeiro olhar, o filme Ela não foca na evolução tecnológica e seus efeitos nas interações humanas. De fato, o diretor Spike Jonze deu vida a um romance entre humanos e máquinas, mas ao finalizar a experiência da obra, é possível notar que esse não é o seu tema principal. Her (no original) nada mais é do que um retrato subjetivo da solidão, sentimento esse compartilhado por todo e qualquer ser humano.

Completando 10 anos de lançamento em 2023, o longa que levou o Oscar de Melhor Roteiro Original em 2014 cutuca aquela ferida dolorosa que, por algum motivo, não consegue cicatrizar: a ausência daquilo que ainda permanece. O enredo se ampara na história do personagem Theodore (Joaquin Phoenix, de Coringa), um homem solitário que vive em uma Los Angeles futurista, está na casa dos 40 e lida com a tristeza ocasionada pelo seu divórcio. O emprego de Theo, por si só, também é uma sátira à sua realidade. Ele escreve cartas manuscritas para clientes que desejam enviar mensagens à pessoa amada; assim, fica claro que a sociedade desaprende a se relacionar de forma espontânea. Logo, a solidão ganha espaço na vida do protagonista quando as suas necessidades não são mais atendidas pela quantidade e qualidade das relações sociais dentro de seu convívio.

Claro, como seres humanos, precisamos de um ambiente social seguro para sobreviver. De maneira simples, após seu divórcio, Theodore se envolve emocionalmente com um sistema operacional chamado Samantha (com a voz de Scarlett Johansson), que tem a habilidade de desenvolver personalidade e consciência de acordo com seu tempo de uso. Essa inteligência artificial também experimenta o florescimento de emoções humanas. No entanto, ela tem a capacidade de se relacionar com milhares de indivíduos simultaneamente, o que amplia suas possibilidades de se apaixonar. Quando questionada sobre a quantidade de pessoas que ela ama, Samantha menciona que está ‘amando’ 641 pessoas ao mesmo tempo, incluindo Theo.

A paleta de cores é um elemento visual fundamental que contribui significativamente para a atmosfera e as emoções do filme. Com a predominância de cores quentes, mas também em tons pastéis, são evocadas sensações de conforto e familiaridade em meio a um cenário tecnologicamente avançado. Os ângulos da câmera realizados pelo diretor de fotografia  Hoyte van Hoytema também são escolhidos cuidadosamente para destacar a solidão de Theodore. Muitas vezes, ele é enquadrado no centro da tela, destacando mais ainda a dimensão de seu isolamento perante os outros personagens da trama.

Her martela um constante questionamento: o quão verdadeiramente estamos sozinhos? As pessoas deixam marcas em nós, quase como tatuagens emocionais que nunca desaparecem. Como ao fim em que Theo, em contrapartida com seu emprego de escrever mensagens de amor para desconhecidos, expressa em uma carta para sua ex-esposa Catherine (Rooney Mara, de A Ghost Story): “Haverá um pedaço de você em mim, sempre“. É quase impossível se relacionar com alguém e não carregar consigo algum vestígio de amor, alegria ou mesmo mágoa. O que arde é o processo de aceitação desses tantos resquícios permanentes. 

Essas cicatrizes emocionais e resquícios de relacionamentos passados são representados de maneira poderosa no longa. Apesar de Theodore estar incomodado com a lembrança de um casamento fracassado, ele não consegue superar os vestígios dessa relação. O protagonista acaba tentando preencher o desconforto com distrações e gratificações momentâneas, como seu relacionamento com Samantha, que oferece um refúgio temporário para a solidão.

No entanto, não tem como fugir da realidade – ela está presente e explode constantemente na alma do personagem. Her insiste em recordar o quão frágeis e medrosos ainda somos quando temos que lidar com as próprias emoções de maneira real: Theo se perde em prazeres efêmeros ao invés de enfrentar o doloroso processo de aceitação, e isso fica claro quando o protagonista rememora lembranças da paixão em seu casamento. Logo, ele descobre que relacionamentos superficiais não podem preencher o vazio deixado por quem já sentiu o que é o amor. E que o mesmo amor jamais será sentido novamente.

Essa realização, porém, não é motivo para desesperança. Ele compreende que teve a sorte de conhecer de perto o que é amar e, embora nunca possa reviver o amor que compartilhou com sua ex-parceira, ainda existe a possibilidade de encontrar outros amores em sua jornada. Amizades e novos relacionamentos também podem ser significativos de maneiras diferentes dentro da imensidão desse sentimento, e enquanto estiver nesse momento breve que é a vida, ele deve permitir-se sentir a felicidade.

Her, mesmo após uma década de seu lançamento, mantém uma relevância notável por ressoar profundamente com os sentimentos mais intrínsecos da vida humana. A obra é um lembrete atemporal de que, apesar de todas as mudanças externas em nosso mundo, as questões essenciais da vida e da humanidade ainda são muito pertinentes para a compreensão da racionalidade.

O filme captura de forma sensível a busca universal pela conexão e pelo significado nas relações humanas e nos relembra que, apesar dos avanços tecnológicos, nossa necessidade de amar, compreender e pertencer permanece inalterada. Ela instiga uma reflexão sobre o que realmente significa ser humano e como as complexas emoções, desafios e alegrias que experimentamos nas relações ainda são tão relevantes hoje.

A obra transcende as expectativas convencionais sobre a relação entre humanos e tecnologia, afinal, estamos todos familiarizados com a crescente influência da inteligência artificial em nossas vidas diárias. Contudo, Spike Jonze nos conduz a uma jornada emocional profunda que vai muito além do mero avanço tecnológico. Her é, acima de tudo, um espelho de nossas próprias solidões e anseios, um retrato sincero do humanismo que reside em todos nós. No desfecho do filme, a pergunta fundamental de Jonze não parece mais ser se as máquinas podem um dia amar, mas sim se elas poderão ser mais capazes de amar do que um ser humano.

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Nathan Sampaio

Há 10 anos, os filmes de super-heróis eram muito nichados, em um período em que apenas fãs de quadrinhos, crianças e alguns poucos curiosos se interessavam por essas adaptações. Poucos eram os longas que furavam a bolha, como Superman – O Filme (1978), Batman (1989) e Homem-Aranha (2002). Porém, tudo mudou em abril de 2012, pois Os Vingadores (The Avengers) chegava aos cinemas mundiais, representando o que seria o princípio de uma era. 

O projeto surgiu com uma ideia desafiadora e ousada: a Marvel Studios propôs a realização de um longa-metragem para cada herói, para que, no final, pudesse uni-los em um grandioso filme crossover. Essa prática era raramente vista no Cinema e, por isso, era um risco apostar nesta vertente. Felizmente, os realizadores, Avi Arad, Kevin Feige e Jon Favreau, acreditaram no potencial do projeto e o fizeram, após os cinco filmes precursores, Homem de Ferro, O Incrível Hulk, Homem de Ferro 2, Thor e Capitão América: O Primeiro Vingador.

No enredo de Os Vingadores, Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Capitão América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Viúva Negra (Scarlett Johansson) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) precisam unir forças para impedir que Loki (Tom Hiddleston), irmão de Thor, invada o planeta Terra e domine a humanidade. Porém, essa não será uma tarefa fácil, já que nenhum deles trabalhou em uma super equipe antes. Além disso, o vilão possui artefatos cósmicos chamados “joias do infinito”, as quais irão dificultar – e muito – a vida dos protagonistas. 

A trama é básica, e, talvez por isso, seja tão efetiva. Afinal, o filme não perde tempo com um enredo complexo e que teria chances de prejudicar o projeto, mas os realizadores apostaram em uma história segura, uma aventura clássica de heróis, o que foi muito bem executado. Mesmo possuindo um roteiro simples, Os Vingadores  é divertido, cativante e empolgante, e isso torna-o encantador.

Os personagens são outro elemento muito forte do longa, ajudando-o a alcançar outro patamar de qualidade. Todos são muito diversos, com características únicas e modos de agir diferentes: a união deles é perfeita, pois todos têm uma função importante na trama e ninguém está nela sem razão. Steve Rogers é o líder nato do grupo, Natasha Romanoff, a espiã que consegue extrair informações do vilão, Bruce Banner e Tony Stark são a inteligência, Thor e Gavião Arqueiro possuem conhecimento do vilão e do seu plano. Logo, percebe-se a importância e a excelente utilização de todos os heróis.

É impossível elogiar os personagens sem comentar de seus intérpretes, já que todos os atores se encaixaram perfeitamente nos papéis, e por isso seus rostos se tornaram tão conhecidos. Chris Evans mostra um personagem bem idealista, mesmo fora de seu tempo. Scarlett Johansson e Jeremy Renner constroem um mistério em volta de seus passados e uma ótima dinâmica entre si, enquanto Chris Hemsworth e Mark Ruffalo representam personas mais sérias, mas que se desconstroem em eventuais piadas. Por fim, Robert Downey Jr. é sarcástico, debochado e desconfiado de toda a situação. 

Quando os atores contracenam, o filme brilha pelos conflitos de ideias, comentários sarcásticos, críticas ao próprio universo e pela dinâmica invejável entre eles. É interessante assistir Os Vingadores e observar o quanto os heróis cresceram ao longo dos anos e as suas relações mudaram, demonstrando, assim, o avanço da gigante história criada pela Marvel.

O vilão também é excelente: Loki é ameaçador, perigoso e tem uma presença muito forte em tela. Porém, ainda assim, ele consegue ser cativante, sendo sarcástico, irônico e muito carismático. Muitos desses méritos vem de seu intérprete, Tom Hiddleston, que se entregou ao papel e o adora fazer, tornando seu personagem um dos mais queridos da franquia. 

É interessante evidenciar que a maioria desses heróis não estavam inseridos no imaginário popular, diferente de Superman e Batman, personagens que já eram parte da cultura pop há décadas. Dos Vingadores fundadores, apenas Hulk era conhecido, devido ao seu seriado para TV nos anos 70 e 80. Isso tornava a tarefa de realizar o longa ainda mais desafiadora – afinal era necessário vender um grupo de heróis totalmente anônimos, algo que eles conseguiram com muito êxito. 

Os méritos de Os Vingadores não residem em sua história, até porque esta é recheada de clichês. Os pontos altos do filme estão na união dos personagens e no visível carisma, que provém tanto dos atores quanto do universo construído. Logo, o que era mais desafiador e arriscado na proposta inicial se tornou o ponto mais forte da produção: a preparação dos personagens e a construção do mundo. Isso porque todos os protagonistas foram muito bem trabalhados em suas respectivas histórias solo, e todos os itens importantes para a trama já estavam estabelecidos, fazendo com que o enredo fosse mais ágil e focado no que importava: a interação e conflito entre eles. 

Os Vingadores também ajudou a moldar uma história que viria a durar mais de 10 anos, sem expectativa de acabar. Muitos dos elementos presentes aqui retornaram na franquia, como a relação conflituosa entre Homem de Ferro e Capitão América, que culminaria em Capitão América: Guerra Civil; a dinâmica entre Thor e Loki, que voltaria a ser explorada em Thor: O Mundo Sombrio e Thor: Ragnarok; e o mais importante de todos: as joias do infinito. Delas, resultaram dois épicos filmes, Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato, fechando todo um arco iniciado em 2012.

A estrutura de Os Vingadores funcionou tão bem que passou a ser repetida em todos os longas da Marvel Studios, formando, assim, o que se conhece hoje como Marvel Cinematic Universe, o MCU O uso desse universo compartilhado é o que torna o estúdio um dos mais renomados atualmente – afinal, a empresa montou uma história gigantesca, envolvendo centenas de personagens, tudo em um único mundo, complexo e muito vivo. 

Outros estúdios também tentaram aplicar esse mesmo conceito, objetivando o mesmo prestígio e sucesso da Marvel, como o InvocaVerso e o Monsterverse, ambos pertencentes a Warner Brothers. Há ainda o Dark Universe, tentativa da Universal de criar um mundo com diversos monstros da Literatura clássica, o qual fracassou no primeiro longa. Nota-se que Os Vingadores foram os responsáveis por criar essa tendência de universos compartilhados no Cinema, algo que se reflete até hoje em diversos projetos. Porém, o longa-metragem também foi responsável por popularizar os super heróis nas telonas e na cultura pop.

Antes de Os Vingadores, apenas alguns filmes de heróis alcançaram a fama, e, muitas vezes, isso ocorria porque esta já vinha junto com o personagem, por sua popularidade em quadrinhos ou animações. O longa, porém, alçou heróis desconhecidos do grande público ao estrelato, e hoje, 10 anos depois do seu lançamento, todos fazem parte do imaginário popular, podendo ser até mais populares do que os heróis clássicos, como Superman ou Mulher-Maravilha. 

Após o imenso sucesso da obra, diversos estúdios buscaram ter seus próprios heróis. A Warner Brothers criou seu mal estruturado universo compartilhado com os personagens da DC Comics, o Amazon Prime Video investiu na desconhecida HQ The Boys e a Netflix lançou séries como O Legado de Júpiter e The Umbrella Academy, entre outras produções. 

Pode-se dizer que, atualmente, a indústria cinematográfica vive a era dos heróis, na qual a maioria dos filmes lançados nas salas de cinema são voltados a essa temática. O frenesi não se aplica apenas aos estúdios, já que a busca do público também está voltada para essa vertente, tornando assim, as histórias de super-heróis as mais lucrativas nos dias de hoje. Os Vingadores é um filme icônico, seja pela catarse ao ver o crossover entre vários heróis da Marvel Comics ou por sua qualidade invejável e cativante. Todas as qualidades e acertos do longa ainda repercutem, criando tendências na indústria cinematográfica e projetando o MCU para lugares cada vez maiores na indústria do entretenimento. 

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Vitória Lopes Gomez

Mais de uma década depois de sua primeira aparição no Universo Cinematográfico da Marvel, e ao som de Smells Like Teen Spirit, finalmente vemos Natasha Romanoff virar a Viúva Negra. Nos 11 anos desde a estreia da personagem em Homem de Ferro 2, o estúdio não aproveitou o que tinha em mãos e renegou a assassina de aluguel à coadjuvante, mas deu mais tempo (e motivo) para que a injustiçada conquistasse o público. Com a pandemia e o fechamento das salas de cinema, a enrolação da empresa adicionou mais 14 meses à espera até inevitavelmente ceder ao Disney+. Antes tarde do que nunca, Viúva Negra ainda é pouco para a despedida que a Vingadora merece.

O longa começa onde Capitão América: Guerra Civil parou: procurada internacionalmente por violar o Tratado de Sokovia, Natasha (Scarlett Johansson) está foragida, assim como os outros heróis do Team Cap. Ela até tenta se manter fora do radar, mas quando uma maleta com frascos misteriosos chega em suas mãos – e vem acompanhada de um vilão à la Soldado Invernal para recuperá-la -, ela se vê obrigada a reencontrar a irmã, Yelena (Florence Pugh), e confrontar os traumas do seu passado.

De cara, o prólogo já anima e nos joga na história onde queremos estar. A reviravolta na calma e agradável infância de Natasha (aqui, Ever Anderson) e sua irmã mais nova manda as duas de volta à Rússia, direto ao treinamento para virarem agentes secretas. Embalados por uma releitura que amplifica a mensagem do clássico da Nirvana, os perturbadores créditos iniciais são angustiantes ao saltarem da até então domesticidade para a crueldade da organização que fabrica as Viúvas Negras.

Em pouco tempo, a atmosfera tensa e sinistra que o passado da Vingadora evoca já está mais do que justificada e dá o tom ideal para Viúva Negra – só que não o segue. Corta para o presente (que é passado, na linha do tempo do MCU) e logo cai a ficha: 21 anos se foram em 15 minutos e já assistimos Natasha passar pela traumática preparação e virar a Viúva Negra que conhecemos. Se a Marvel demorou quase uma década só para acreditar que a personagem de Scarlett Johansson se sustentaria em um filme solo, talvez fosse pedir demais que a história de vida completa da agente seja destrinchada como merece.

Com o devido reconhecimento, toda a trajetória de Natasha renderia produções mais do que interessantes, seja em longas no cinema ou em séries no streaming. Infelizmente – e não só pela demora da empresa -, as migalhas do passado em Viúva Negra destroem as chances de a testemunharmos jovem, em treinamento e até tentando escapar da organização. Ainda que as agentes possam – e mereçam – produções inteiramente dedicadas a elas, a descrença da Marvel e o roteiro no tempo errado dão um ultimato para Natasha Romanoff.

Depois de sonhar alto, é melhor aceitar a desilusão e abraçar o que as duas horas seguintes de Viúva Negra têm a oferecer – afinal, essa é a despedida da Vingadora. O passado ficou para trás, mas a encomenda enviada por Yelena força a espiã a viajar a Budapeste e confrontar partes dele. Depois de anos separadas, o reencontro com a irmã mais nova é eletrizante e vai das lutas e cenas de ação aos papos emocionais com direito a drink em família.

Como Natasha descobre, ela não conseguiu matar Dreykov (Ray Winstone), o diretor do programa que treina as Viúvas, e ele continuou capturando meninas inocentes para servirem a seu dispor. Na iniciação, a tortura a qual submetia as recrutadas não era só psicológica e física, mas ele também as manipulava quimicamente para garantir sua influência. Então, Yelena, que também foi forçada ao treinamento e virou uma das maiores assassinas da organização, recorre a Natasha: os frascos enviados contém o antídoto para a subjugação química e, nas mãos certas, podem libertar as Viúvas do domínio de Dreykov.

Se a atuação já conhecida de Scarlett Johansson sempre sabe medir entre a frieza e a vulnerabilidade, a personagem de Florence Pugh se destaca. Yelena Belova é tão durona quanto a irmã mais velha, mas descontraída, teimosa e divertida, não demora para roubar a cena. Entre implicâncias e confidências, as duas são a dupla perfeita: atormentadas pelos traumas em comum e acostumadas a estarem por conta própria, encontram uma na outra momentos de fragilidade e apoio necessário para baixarem a guarda.

As irmãs, até há pouco vítimas das torturas da organização, se unem para colocar fim na manipulação de Dreykov, mas precisam de ajuda para encontrá-lo. Assim, Alexei (David Harbour) e Melina (Rachel Weisz), os agentes que haviam sido designados ao disfarce de pai e mãe das protagonistas, entram em jogo. A família disfuncional está reunida novamente.

Mesmo perdendo a mão em alguns momentos, como nas irritantes tentativas de tornar o Guardião Vermelho o alívio cômico, nos exagerados ‘Casos de Família’ ou nos batidos estereótipos russos, o roteiro de Eric Pearson, Ned Benson e Jac Schaeffer sabe como chegar onde quer. Quando somado à direção magnética de Cate Shortland, as interações entre personagens viram o grande destaque e, misturadas às tensas sequências de ação, criam a vibe certa para a condução da história. 

O primeiro e segundo ato envolventes, no melhor estilo filme de espião, indicam uma conclusão espetacularmente sombria – finalmente veremos a Sala Vermelha por completa! -, mas Viúva Negra não escapa da fórmula Marvel. Todo o potencial drama e suspense ao adentrarmos o centro de treinamento, assim como o plot twist com o vilão do filme, são desperdiçados com as cenas de ação espalhafatosas. Os embates em plena queda livre com aeronaves explodindo e um grande sacrifício ainda perdem para a luta inicial de Natasha e Yelena na cozinha.

Quando, finalmente, cara a cara com Dreykov, era de se esperar que os abusos sofridos pelas agentes recebessem a atenção que o tema pede. Se as protagonistas só embarcaram na missão para libertar as Viúvas, que sofrem com o mesmo que as duas sofreram na infância e ainda carregam os traumas consigo, a motivação é ofuscada pela porradaria e a sensibilidade resume o assunto a um subtexto de uma narrativa maior. A abordagem de um dos temas mais importantes acaba superficial frente ao que poderia ser, mas as espiãs continuam espalhadas e infiltradas por aí e a Marvel ainda pode fazer jus a elas.

Falando em fazer jus, em tempos em que até uniformes confortáveis e apropriados para lutas são alvo de reclamações, ainda temos que destacar a importância das mulheres contarem suas próprias histórias. Anos atrás, a intérprete da Viúva Negra só queria que a personagem fosse retratada devidamente, sem ser objetificada ou sexualizada para a apreciação do público masculino. Em Black Widow, com o protagonismo feminino à frente e por trás das câmeras, a visão de Scarlett Johansson se concretizou: olhando em retrospecto à primeira aparição de Natasha no MCU, seu filme solo arranca um suspiro de alívio.

Apesar de tudo e mesmo com as limitações que o futuro impõe – a Guerra Infinita já passou, Thanos e a rixa dos Vingadores também -, Viúva Negra não aproveita a liberdade que uma produção deslocada e isolada confere. As revelações do passado, das origens e das relações da agente são menores do que gostaríamos, mas nos aproximam da Vingadora. 

Ao final, o filme solo de Natasha é envolvente e afetuoso ao enriquecer a personagem, que é bem mais do que a assassina treinada a qual fomos introduzidos. Ainda que a despedida não tenha chegado nem perto do que ela merecia, Natasha Romanoff é mais querida depois de Viúva Negra.

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Vitor Evangelista

Ano Novo, Nova Ru. Não contente em apenas estrear a 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race junto da virada para 2021, Mama Ru fez a sorte operar à seu favor: com 16 episódios, um especial dos bastidores e mais dublagens do que nunca, o seriado manteve o público vidrado na TV toda sexta-feira, até que, finalmente, Symone da House of Avalon fosse coroada a Nova Super Estrela Drag da América.

Ela já havia nos avisado logo de cara, “não deixe o sabor suave te enganar, baby”. Dito e feito, a drag queen de Arkansas botou para quebrar, dominando desafios, passarelas e marcando a história do programa. Foram escolhas ousadas, revigorantes e extremamente particulares. Partindo do durag traduzido em um ‘train’ (uma longa cauda), até as referências à RuPaul no vestidinho preto e o visual ‘foxy lady’, Symone não deixou espaço para ninguém.  

Symone, entretanto, não seguiu uma caminhada impecável até a Coroa e os cem mil dólares, muito pelo contrário. Quando ela era boa, era um triunfo que só, rendendo o sonhado (e até então amaldiçoado) recorde de 4 vitórias. Mas, nos momentos de dúvida e deslize, Symone dublou em 2 ocasiões nas Piores da Semana, mais vezes do que qualquer outra vencedora passada do programa.

Suas principais críticas eram simples: a residente de L.A. se prendia nos próprios pensamentos, escondendo o potencial avassalador da persona Symone, muitas vezes diminuída pela insegurança de Reggie, o jovem negro, afeminado e excluído por toda a vida antes de encontrar a arte drag. Ademais, o visual da queen, que bebe em uma porção de fontes dos anos 90, poderia desagradar pela ‘falta de marca pessoal’, se não fosse tão escasso o numero de referências múltiplas para jovens negros e gays.

Ponto já debatido em Drag Race UK na passarela do Ícone Gay do Reino Unido, quando Tayce e Asttina, duas drags negras, acabaram referenciando Naomi Campbell pela falta de figuras representativas para elas enquanto cresciam. Symone é uma amálgama de uma variedade de inspirações e estilos, e, mais importante ainda, é modelo para todos que se parecem com ela e nunca assistiram alguém assim na TV.

Quando o assunto é representatividade, a protagonista da 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race é Gottmik. Primeiro homem trans a competir no show de RuPaul, Mik desafiou os estigmas antigos das concepções da arte drag, era um homem criando ilusões femininas, era um ‘ele’ constantemente referido como ‘ela’, era a candidata perfeita para ostentar o título de Next Drag Superstar, não fosse a qualidade de estrela de Symone.

E Drag Race nos enganou direitinho, estrategicamente desfocando Symone na segunda metade da temporada, e levitando Gottmik numa narrativa de campeã. A começar por suas significativas vitórias no Baile das Bolsas e no Snatch Game, duas das Joias do Infinito de Drag Race. Quem ganha esses episódios inevitavelmente chega à Final com chances reais de levantar o caneco (ou nesse caso, a Coroa e o cetro).

A própria RuPaul desenvolveu um carinho afável pela competidora, interessada em ouvir suas vivências e extrair o melhor de seu potencial de ouro. Mik passou por leves percalços logo no início da Corrida, quando se sentiu acuada por ser uma pessoa trans em um programa que nunca havia tido alguém trans-masculino no elenco. O medo durou pouco, a partir do momento que ela percebeu que não tinha a obrigação de representar toda uma comunidade, Mik se libertou. E foi sendo assim, contando somente sua história e construindo sua narrativa, que a artista se divertiu.

Sem aterrissar nas Piores da Semana, ela serviu looks atemporais (o alfinete na cabeça sangrando ficará marcado para sempre na mente dos jovens espectadores de RuPaul’s Drag Race) e surpreendeu na comédia. Muito mais que uma queen maquiadora, ela matou a competição imitando uma verossímil Paris Hilton no Snatch Game e arrasou no Roast das Miss Simpatias. O melhor de tudo foi sua leveza enquanto ganhava e recebia os louros. Gottmik saiu sem a Coroa mas venceu em autoconfiança, e deve chegar ao All Stars pegando fogo.

Se Symone oscilou entre altos e baixos, e Gottmik deslizou se divertindo pela competição, Rosé começou sua jornada em Drag Race um bocado surpresa. A única das finalistas que perdeu a dublagem inicial, sendo mandada para o Porkchop Lounge, a drag queen de Nova York demorou a se provar, tanto a si mesma quanto aos jurados. Outra que, depois que encontrou a métrica correta, apenas ascendeu até à Final, Rosé era ‘perfeita’ demais para roubar a Coroa para si.

Ela dublou 3 vezes (mas nunca esteve no Bottom) e perdeu cada uma delas, venceu 3 desafios, não teve uma única performance ruim ao longo do programa, mas não tinha a chama que nasceu em cada uma das 12 vencedoras antigas de Drag Race. Nem a narrativa ‘do lixo ao luxo’ de Rosé se firmou, visto que logicamente as escolhas de RuPaul na estreia foram deliberativas, distribuindo drags boas e ruins entre os grupos (isso explica a ida de Lala Ri e Olivia Lux para o grupo das vencedoras). Uma boa temporada precisa igualar suas competições e preparar pré-concepções.

Quando RuPaul mandou Kandy Muse embora depois de perder a dublagem para Symone, e logo voltou atrás, salvando a nova-iorquina, ela carimbou o passaporte de Muse para a Final. Os Double Shantays (quando ninguém é eliminado) viraram rotina, e significam que Mama Ru definiu suas finalistas de antemão. Vejamos o histórico: Kameron e Eureka na temporada 10, Yvie e Brooke Lynn na 11 e Symone e Kandy na 13. O caso de Kandy Muse é mais interessante ainda, revivendo uma narrativa de favoritismo de Drag Race que RuPaul manteve adormecida por alguns anos. Todos sabiam que Kandy não ganharia a temporada, mas sua desenvoltura e poder de narração alimentaram na drag o chamariz de atenção necessário para que ela chegasse onde chegou. 

Veja bem, Muse fracassou em desafios de música (ConDragulations, Social Media: The Unverified Rusical), em desafios de comédia (Snatch Game, Henny, I Shrunk The Drag Queens) e também nas passarelas (o visual dos bolsos é o pior look do ano) e mesmo assim chegou ao Top 2 da temporada. Isso foi possível graças a uma única letra do termo definidor das vencedoras: o Carisma de C.U.N.T. foi tatuado na testa de Kandy e toda vez que RuPaul espiava seu desajeitado estilo drag virar a esquina da passarela, era apenas esse C que ela enxergava.

Kandy, em instância alguma, poderia ser eliminada da 13ª temporada de Drag Race antes de seu fim. Sua participação ficou mais fácil de digerir quando Olivia Lux, a clara candidata à quarta vaga na Final, passou a ser criticada pelas mesmas ações que fizeram-na chegar onde chegou: sua leveza, sorriso e pinta de Miss Simpatia. Lux venceu 2 Desafios seguidos, estrategicamente selecionados para criar seu momentum, logo aniquilado pelas performances repetitivas.

A pianista de Nova York com maneirismos de Mariah é uma ‘baby queen’, trabalhando como drag há poucos anos, e ainda sem encontrar a maturidade e o senso de identidade necessários para vencer Drag Race. Com a popularização massiva do reality, cada vez mais são inscritas competidoras jovens e com pouco tempo de experiência no ramo, resultando em performances aquém, e que, num ecossistema nocivo como o da Corrida das Loucas, necessita de tempo para modelagem e sustentação. Drag queen, para vencer os 100 mil dólares, precisa ser madura.

Isso na maioria das vezes, mas nem sempre. Puxando, mais uma vez, o histórico recente, Aquaria não tinha a maturidade artística de Eureka, mas sustentava suficiente noção de si mesma, entregando visuais e comédia, sem esforço algum. O mesmo para Yvie Oddly, fiel à marca de ‘esquisita’, e agora Symone, insegura em momentos, mas constantemente bufante e assertiva. Sy tem espaço para crescimento, é óbvio, mas seu nível atual foi o suficiente para vencer e crescer longe de nossos televisores, como as vencedoras das temporadas 10 e 11 antes dela.

A 13ª temporada de Drag Race revelou ainda mais o caráter ‘produzido’ do reality, com os executivos puxando palitinhos por trás das câmeras, moldando suas próprias narrativas e o encaminhamento da Corrida. Foi comum ver as drags sendo criticadas na deliberação dos jurados, mas nunca ouvindo os comentários, tudo para que não houvesse mudança e elas pudessem ser eliminadas por conta disso.

Utica era chamada a atenção pelas caras e bocas, Tina Burner abusava de uma única (e horrenda) paleta de cores e Denali voava abaixo do radar de quem julgava, semana após semana. Mesmo a veterana Tamisha Iman era constantemente apontada como ‘distante e travada’ nas coreografias, propositalmente editada dessa forma, para que ouvisse um amargo Sashay Away contra sua arquirrival Kandy Muse.

Tamisha foi a luz da 13ª temporada. Originalmente escalada para a décima segunda, ela foi diagnosticada com câncer no mesmo fim de semana que recebeu o telefonema do reality. A solução foi se tratar e voltar curada para competir no ciclo seguinte, entretanto, ainda não estando 100% recuperada, a mãe da Dinastia Iman performou aquém do que a própria esperava. Vivendo com uma bolsa de colostomia no estômago, ela não abriu mão de usar espartilhos, dançar e honrar sua carreira e legado.

A maneira como Tamisha foi tratada na temporada expôs o pouco caso que a série faz com drag queens mais velhas. Iman, com cinquenta anos de idade, 3 filhos biológicos e uma Dinastia de queens sob seu nome, foi a terceira eliminada em uma temporada com competidoras pouco merecedoras de durarem mais que a veterana. A ordem de eliminações contribuiu para o marasmo da competição, quando Denali escreveu com batom no espelho ensebado, pudemos enxergar com clareza que RuPaul prefere sabotar drags e trazê-las de volta no All Stars ao invés de explorar um potencial completo na rodagem comum.

E essa foi uma longa rodagem. Por mais de 4 meses no ar, a temporada demorou a eliminar suas competidoras, esperando o quarto episódio para mandar a atrasada (mas belíssima) Kahmora Hall embora. O chacoalhão no formato comum e a inserção da dublagem divisiva na estreia soaram interessantes no trailer, mas ter 6 introduções repetidas foi mais cansativo do que deveria. 

As limitações da pandemia renderam um episódio especial, exibido no breve hiato após Kandy ser salva. Foi uma manobra ciente do ódio gerado pela decisão de RuPaul e que colocou panos quentes na situação, mostrando os processos de criação da temporada na era do covid-19 e os protocolos seguidos pelas competidoras. Corona Can’t Keep A Good Queen Down se misturou entre os bastidores, vídeos caseiros das drags e entrevistas sóbrias, fotografadas com um filtro terroso e nada favorável ao visual delas. Repare nos lábios laranjas dos takes de Gottmik.

A Reunião, assim como no ano passado, foi em formato virtual. Nada instigante e divertido de acompanhar, o episódio dividiu as drags na ordem de eliminação, fazendo chamadas em duplas com perguntas dos fãs e uma forçação de intimidade. A parte boa desse bolo de rolo foi a criação de clipes para cada uma das queens, dublando tanto músicas originais quanto covers, e mostrando ao mundo o poder da arte drag nesses tempos sombrios. Não há nada melhor do que ser entretido por 5 Joey Jays fantasiados de NSYNC e uma porção de drags nova-iorquinas vestidas de Tina Burner, simplesmente não tem preço.

A Final, o décimo sexto episódio da temporada (ufa!), voltou ao formato pós-Sasha Velour, em um grande palco e com as queens dando mortal e tirando coelho da peruca para impressionar uma sorridente RuPaul. O capítulo abriu com a própria dona do império em uma rotina de coreografia acompanhada de dançarinos sarados. Mostrando que ainda pode fazer o que bem der na sua cabeça, RuPaul inaugurou um Baile da Final, com cada uma das finalistas servindo 3 visuais doidos, malucos, de explodir miolos e que custaram mais que 1 ano de aluguel aqui no bairro de Cesar de Souza.

Gottmik deu o nome. Começando por um visual inspirado em Hellraiser (e que a fez raspar a cabeça para polir ainda mais a composição), ela seguiu com um David Bowie de calças longas em vermelho e finalizou com o melhor roupa de uma Final de RuPaul’s Drag Race desde o retorno de Violet Chachki na 8ª temporada. Kandy Muse deve ter mordido as costas de raiva por suceder Mik, servindo um poético vestido grafado com BLM (Black Lives Matter), um tubinho vermelho cheio de acessórios e uma composição escura, usando penas de pavão para dar o tchan.

Rosé referenciou Minha Bela Dama, recriou raízes carmins (mas desde quando uma árvore vermelha traduz bem Rosé?) e honrou o legado escocês da sua família. Symone, para variar, destruiu a competição. Ela iniciou o Baile com uma peruca que desafia as leis da Física, prosseguiu com um vestido todo formado por unhas postiças vermelhas e finalizou sua jornada artística em Drag Race se dividindo ao meio, do lado esquerdo era uma guerreira e do direito, uma deusa. Nada poderia ter traduzido melhor a rainha do que essa dicotomia do belo e do bruto. Symone se pôs à prova a temporada toda, colocando-se para baixo, mas subiu e ascendeu.

Antes da definição da vitória da temporada, vimos vislumbres das participantes: Kahmora apareceu deslumbrante, Joey Jay continua uma incógnita, alguém divertido, mas com o senso estético de uma maçã. Tamisha Iman é a dona do mundo e nós apenas vivemos nele. Lala Ri ostentou sua fantasia Dora Milaje e nos fez sentir saudades de seu poder narrativo nos confessionários. Elliott With 2 Ts apareceu em um cenário chique, ainda provando seu fator básico na composição da temporada. Sem contar a escolha de escalar dançarinos negros em seu clipe do Reunited, abafando os casos de falas racistas. Elliott passou de perseguida para esquecida pela produção, ocupando a vaga de alguém mais merecedor de se manter na Corrida.

Denali serviu um visual desértico, marcando o coração de quem assistiu a temporada como a promessa que foi sabotada cedo demais (todos sabiam que Olivia merecia ouvir o Sashay Away no terrível Desafio do Makeover). Tina Burner nasceu com promessa mas morreu na praia, talvez intimidada pelo triunfo de drags mais novas e menos experienciadas que ela, agora nos resta esperar o All Stars. Utica continuou exibindo seus dotes artísticos, mas depois dos vexames no Snatch Game e no problemático Roast, ninguém ficou com dó de sua partida. 

 Seguindo a onda do movimento #FreeBritney, RuPaul escolheu 3 músicas de Spears para a Grande Final. A primeira dublagem, entre Kandy e Rosé, reafirmou o cansaço do formato de Dublar pela Coroa. O número foi engessado, cheio de revelações anticlimáticas, e sem a energia necessária para que o espetáculo se sustentasse. Mik e Symone se enfrentaram na sequência, novamente, sem inspiração ou criatividade. Agora é só tirar o casaco, jogar peruca para o alto e cair no chão girando.

Sasha Velour inaugurou o show de horrores dos Reveals (as revelações) na 9ª temporada, fazendo de seu número de So Emotional um farol de inspiração para todas que vieram depois. Entretanto, olhando para quem venceu a Coroa no passado, é possível notar um padrão nas ‘revelações’. Fora Velour, que elevou o conceito unindo a letra da música com a coreografia, as demais campeãs escolheram minúcias que potencializam a canção, e não apenas usar 3 casacos e despir-se enquanto uma Britney Spears sussurra de forma sensual.

Aquaria soltou fogos no refrão de Bang Bang, afinal o momento pedia uma devida explosão. Yvie Oddly escondeu um adorno na peça da cabeça, rodando à beira da glória e enfim, alcançando-a. Jaida Essence Hall abriu as asas, declarando-se uma Sobrevivente, com S maiúsculo mesmo. Coube a Symone soltar confetes estáticos ao implorar para que fosse agarrada até que o mundo acabasse.

A sorte da 13ª temporada de RuPaul’s Drag Race veio à tona um pouco antes da merecida vitória de Symone. Mostrando que o histórico importa sim, senhora, RuPaul coroou a competidora que melhor se saiu na Corrida das Loucas, a competidora com a melhor narrativa de perda e ganho e a drag queen com qualidade de estrelato, logo apontada no episódio 2. O número de Lucky, antes da Final, já dava as cartas: “Você está com tanta sorte esta noite, porque eu estou te dando o show que você quer”. Com Symone campeã, não há qualquer outro show no mundo que eu prefira ver.

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