Pâmela Palma 

O novo filme de Christopher Nolan (Tenet) estreou de um jeito diferente de tudo produzido pelo cineasta até hoje. Oppenheimer chegou às telas com um teor crítico e extremamente didático, algo raramente produzido por outros grandes nomes da atualidade. De forma densa, realista e rica em detalhes, a obra nasce com a intenção de retratar biograficamente a vida do físico e cientista J. Robert Oppenheimer, responsável pelo Projeto Manhattan e pelas duas grandes bombas atômicas utilizadas pelos Estados Unidos nas cidades de Hiroshima e Nagasaki como ultimato para cessar a Segunda Guerra Mundial em 1945.

Para facilitar a compreensão das três horas densas, Nolan constrói uma versão dupla, dividindo as cenas em duas partes: as coloridas, que representam a visão de Oppenheimer (Cillian Murphy), e as que possuem tratamento preto e branco, que, ao invés de relatarem fatos passados, teletransportam o público para o presente, em uma visão externa dos acontecimentos, fazendo com que o filme ganhe um caráter inédito e uma construção visual impecável. Apesar disso, em alguns momentos, o diretor parece ter dificuldade para encaixar os contextos em suas respectivas linhas do tempo, já que o longa aborda diversos personagens para seguir com a história.

O secreto Projeto Manhattan deu origem a Los Alamos, cidade financiada pelo governo americano que foi usada como berço para a bomba atômica. A arma, responsável por aniquilar cerca de 265 mil pessoas, foi construída em segredo no local, liderada por Oppenheimer com a participação de outros renomados físicos, que também ganharam pequenos momentos na trama. Entretanto, o grande elemento de análise é J. Robert Oppenheimer, vivido de forma impecável por Murphy, concorrendo à estatueta de Melhor Ator no Oscar.

Polêmico, ambicioso, confuso e covarde (quando não se tratava de física) são palavras que resumem bem a personalidade do cientista. Embora dono de uma mente genial, ele já possuía comportamentos problemáticos desde a academia. No que diz respeito à construção pessoal do personagem, a trama entrega ótimos resultados, principalmente nos primeiros momentos, ao abordar o fascínio de Oppenheimer pelos elementos químicos, em uma jornada para provar a si mesmo que ele pode fazer mais. É nítido que Cillian Murphy dá a vida e todo o charme necessário para trazer todas as nuances esperadas para o papel. 

Muito da obra gira em torno do caos político que pairava sobre a época. Neste contexto, Oppenheimer se afeiçoa pelo comunismo, logo quando se torna um professor renomado. Sua família não faz diferente: o irmão, Frank (Dylan Arnold), era membro ativo do Partido Comunista, e para a cereja do bolo, o protagonista se casa com Katherine (Emily Blunt), também alinhada ao movimento. Mesmo deixando a organização após se casar, por saber das complicações que causaria na trajetória do marido, os rastros desse passado os perseguem para sempre, se tornando o grande estopim para a carreira brilhante do físico ir ladeira abaixo.

Um ponto alto que merece o devido reconhecimento é o papel que Emily Blunt interpreta durante o desenrolar da história, crucial tanto para a trama, quanto para o descanso dos telespectadores e também reconhecida com uma nomeação da Academia, como Melhor Atriz Coadjuvante. É ela quem traz os principais momentos de emoção, já que a história conta com atuações totalmente racionais e frias. Por outro lado, Florence Pugh, que vive Jean, a amante do protagonista, não teve a mesma sorte e fez o melhor que pôde com seus poucos minutos de tela, que, na maioria, são apenas cenas de cunho sexual. Entre os saltos dessas relações, é nítido quão confusa é a mente de Oppenheimer, vivendo em uma relação morna com ambas as mulheres de sua vida, sem transparecer a sensação de um amor profundo. A morte de Jean surge apenas para tentar trazer uma entonação emocional para o personagem, mas acaba sendo irrelevante. Cillian Murphy e papéis sentimentais na mesma frase são coisas quase impossíveis.

À medida que o projeto se desenvolve e a tão esperada data do grande teste chega, nota-se a evolução do quadro perturbador do pai da bomba atômica. Além disso, algo muito importante vem à tona: o início das movimentações de Lewis Strauss (Robert Downey Jr.) para fazer com que Oppenheimer perca seus acessos confidenciais logo após a entrega da arma. Essa virada de chave é o primeiro passo de Nolan para a tentativa de segurar a curiosidade do espectador para o restante da trama.

Trinity, o momento que todos aguardavam ansiosamente, chega com um apoio gigantesco da trilha sonora de Ludwig Goransson. Composta por pianos, violinos e harpas, ela sustenta o suspense nos minutos antes da explosão, quando surge a grande reviravolta: o silêncio interminável, ao invés do barulho estrondoso de uma bomba, tudo que se pode ouvir é a respiração profunda de Oppenheimer. Nolan faz questão de projetar a cena desta maneira para lembrar que o filme é sobre a visão do personagem e não mais uma história sobre o ataque como outras mil que já existem. É o silêncio que permite captar as emoções de medo e ansiedade do físico, que seguem pelo momento em que os caminhões levam as verdadeiras bombas ao campo de batalha, no qual o vemos desmanchar em arrependimento.

Com um sucesso monstruoso, Oppenheimer acumulou estimados US$ 700 milhões nas bilheterias pelo mundo. O favorito da crítica lidera a lista de filmes indicados ao Oscar com 13 indicações, superando Pobres Criaturas, que possui 11 indicações na premiação mais aguardada do ano. Além deste grande êxito, o filme ainda levou várias estatuetas de premiações renomadas do cinema, como Globo de Ouro, SAG Awards, BAFTA (o Oscar britânico) e Critic’s Choice Awards. No Oscar, consolida sua corrida com Melhor Diretor, para Christopher Nolan, Melhor Filme e Melhor Som, entre outras nomeações.

Seguindo com as explosões. Quando o projeto final é entregue nas mãos das autoridades americanas, as suspeitas de Oppenheimer ser um espião soviético já estão no auge, já que uma operação comandada por um comitê forjado tem investigado a fundo seu passado. Vem a tona que tudo isso é armado por seu até então colega Lewis Strauss (Robert Downey Jr.). A atuação de Downey Jr. entrega uma performance avassaladora, talvez a melhor de sua carreira, digna de um Oscar de Melhor Ator Coadjuvante.

Como nem tudo na vida é perfeito, ainda faltando cerca de uma hora de Oppenheimer, após o ponto alto que foi o teste Trinity, Christopher Nolan assume o desafio de terminar de contar o restante da história de maneira que prenda a atenção do público. O que sobrou foi um emaranhado de questões políticas que decidiram o destino da carreira de J. Robert Oppenheimer. Os momentos de julgamento parecem intermináveis, contudo, necessários para a finalização do longa, que termina relatando nada mais e nada menos do que a realidade de uma mente brilhante que foi usada pelas autoridades da época e praticamente esquecida depois, reduzido a um homem comum colecionando medalhas.

Trazendo todos os elementos importantes para que possamos chamá-lo de um ‘‘super filme”, Oppenheimer não é para amadores. Longo, denso e detalhista, é uma obra-prima quando se trata de estrutura, uma vez que todos os elementos visuais e sonoros são excepcionalmente bem empregados. Ainda que o elenco possua grandes nomes para tentar suavizar a densidade, a história exige atenção máxima nas três horas de duração e ainda não superou outras grandes produções de Christopher Nolan, como A Origem e Interestelar. Ainda assim, é evidente que é um dos maiores lançamentos de 2023.

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Nathan Sampaio

Há 10 anos, os filmes de super-heróis eram muito nichados, em um período em que apenas fãs de quadrinhos, crianças e alguns poucos curiosos se interessavam por essas adaptações. Poucos eram os longas que furavam a bolha, como Superman – O Filme (1978), Batman (1989) e Homem-Aranha (2002). Porém, tudo mudou em abril de 2012, pois Os Vingadores (The Avengers) chegava aos cinemas mundiais, representando o que seria o princípio de uma era. 

O projeto surgiu com uma ideia desafiadora e ousada: a Marvel Studios propôs a realização de um longa-metragem para cada herói, para que, no final, pudesse uni-los em um grandioso filme crossover. Essa prática era raramente vista no Cinema e, por isso, era um risco apostar nesta vertente. Felizmente, os realizadores, Avi Arad, Kevin Feige e Jon Favreau, acreditaram no potencial do projeto e o fizeram, após os cinco filmes precursores, Homem de Ferro, O Incrível Hulk, Homem de Ferro 2, Thor e Capitão América: O Primeiro Vingador.

No enredo de Os Vingadores, Homem de Ferro (Robert Downey Jr.), Hulk (Mark Ruffalo), Capitão América (Chris Evans), Thor (Chris Hemsworth), Viúva Negra (Scarlett Johansson) e Gavião Arqueiro (Jeremy Renner) precisam unir forças para impedir que Loki (Tom Hiddleston), irmão de Thor, invada o planeta Terra e domine a humanidade. Porém, essa não será uma tarefa fácil, já que nenhum deles trabalhou em uma super equipe antes. Além disso, o vilão possui artefatos cósmicos chamados “joias do infinito”, as quais irão dificultar – e muito – a vida dos protagonistas. 

A trama é básica, e, talvez por isso, seja tão efetiva. Afinal, o filme não perde tempo com um enredo complexo e que teria chances de prejudicar o projeto, mas os realizadores apostaram em uma história segura, uma aventura clássica de heróis, o que foi muito bem executado. Mesmo possuindo um roteiro simples, Os Vingadores  é divertido, cativante e empolgante, e isso torna-o encantador.

Os personagens são outro elemento muito forte do longa, ajudando-o a alcançar outro patamar de qualidade. Todos são muito diversos, com características únicas e modos de agir diferentes: a união deles é perfeita, pois todos têm uma função importante na trama e ninguém está nela sem razão. Steve Rogers é o líder nato do grupo, Natasha Romanoff, a espiã que consegue extrair informações do vilão, Bruce Banner e Tony Stark são a inteligência, Thor e Gavião Arqueiro possuem conhecimento do vilão e do seu plano. Logo, percebe-se a importância e a excelente utilização de todos os heróis.

É impossível elogiar os personagens sem comentar de seus intérpretes, já que todos os atores se encaixaram perfeitamente nos papéis, e por isso seus rostos se tornaram tão conhecidos. Chris Evans mostra um personagem bem idealista, mesmo fora de seu tempo. Scarlett Johansson e Jeremy Renner constroem um mistério em volta de seus passados e uma ótima dinâmica entre si, enquanto Chris Hemsworth e Mark Ruffalo representam personas mais sérias, mas que se desconstroem em eventuais piadas. Por fim, Robert Downey Jr. é sarcástico, debochado e desconfiado de toda a situação. 

Quando os atores contracenam, o filme brilha pelos conflitos de ideias, comentários sarcásticos, críticas ao próprio universo e pela dinâmica invejável entre eles. É interessante assistir Os Vingadores e observar o quanto os heróis cresceram ao longo dos anos e as suas relações mudaram, demonstrando, assim, o avanço da gigante história criada pela Marvel.

O vilão também é excelente: Loki é ameaçador, perigoso e tem uma presença muito forte em tela. Porém, ainda assim, ele consegue ser cativante, sendo sarcástico, irônico e muito carismático. Muitos desses méritos vem de seu intérprete, Tom Hiddleston, que se entregou ao papel e o adora fazer, tornando seu personagem um dos mais queridos da franquia. 

É interessante evidenciar que a maioria desses heróis não estavam inseridos no imaginário popular, diferente de Superman e Batman, personagens que já eram parte da cultura pop há décadas. Dos Vingadores fundadores, apenas Hulk era conhecido, devido ao seu seriado para TV nos anos 70 e 80. Isso tornava a tarefa de realizar o longa ainda mais desafiadora – afinal era necessário vender um grupo de heróis totalmente anônimos, algo que eles conseguiram com muito êxito. 

Os méritos de Os Vingadores não residem em sua história, até porque esta é recheada de clichês. Os pontos altos do filme estão na união dos personagens e no visível carisma, que provém tanto dos atores quanto do universo construído. Logo, o que era mais desafiador e arriscado na proposta inicial se tornou o ponto mais forte da produção: a preparação dos personagens e a construção do mundo. Isso porque todos os protagonistas foram muito bem trabalhados em suas respectivas histórias solo, e todos os itens importantes para a trama já estavam estabelecidos, fazendo com que o enredo fosse mais ágil e focado no que importava: a interação e conflito entre eles. 

Os Vingadores também ajudou a moldar uma história que viria a durar mais de 10 anos, sem expectativa de acabar. Muitos dos elementos presentes aqui retornaram na franquia, como a relação conflituosa entre Homem de Ferro e Capitão América, que culminaria em Capitão América: Guerra Civil; a dinâmica entre Thor e Loki, que voltaria a ser explorada em Thor: O Mundo Sombrio e Thor: Ragnarok; e o mais importante de todos: as joias do infinito. Delas, resultaram dois épicos filmes, Vingadores: Guerra Infinita e Vingadores: Ultimato, fechando todo um arco iniciado em 2012.

A estrutura de Os Vingadores funcionou tão bem que passou a ser repetida em todos os longas da Marvel Studios, formando, assim, o que se conhece hoje como Marvel Cinematic Universe, o MCU O uso desse universo compartilhado é o que torna o estúdio um dos mais renomados atualmente – afinal, a empresa montou uma história gigantesca, envolvendo centenas de personagens, tudo em um único mundo, complexo e muito vivo. 

Outros estúdios também tentaram aplicar esse mesmo conceito, objetivando o mesmo prestígio e sucesso da Marvel, como o InvocaVerso e o Monsterverse, ambos pertencentes a Warner Brothers. Há ainda o Dark Universe, tentativa da Universal de criar um mundo com diversos monstros da Literatura clássica, o qual fracassou no primeiro longa. Nota-se que Os Vingadores foram os responsáveis por criar essa tendência de universos compartilhados no Cinema, algo que se reflete até hoje em diversos projetos. Porém, o longa-metragem também foi responsável por popularizar os super heróis nas telonas e na cultura pop.

Antes de Os Vingadores, apenas alguns filmes de heróis alcançaram a fama, e, muitas vezes, isso ocorria porque esta já vinha junto com o personagem, por sua popularidade em quadrinhos ou animações. O longa, porém, alçou heróis desconhecidos do grande público ao estrelato, e hoje, 10 anos depois do seu lançamento, todos fazem parte do imaginário popular, podendo ser até mais populares do que os heróis clássicos, como Superman ou Mulher-Maravilha. 

Após o imenso sucesso da obra, diversos estúdios buscaram ter seus próprios heróis. A Warner Brothers criou seu mal estruturado universo compartilhado com os personagens da DC Comics, o Amazon Prime Video investiu na desconhecida HQ The Boys e a Netflix lançou séries como O Legado de Júpiter e The Umbrella Academy, entre outras produções. 

Pode-se dizer que, atualmente, a indústria cinematográfica vive a era dos heróis, na qual a maioria dos filmes lançados nas salas de cinema são voltados a essa temática. O frenesi não se aplica apenas aos estúdios, já que a busca do público também está voltada para essa vertente, tornando assim, as histórias de super-heróis as mais lucrativas nos dias de hoje. Os Vingadores é um filme icônico, seja pela catarse ao ver o crossover entre vários heróis da Marvel Comics ou por sua qualidade invejável e cativante. Todas as qualidades e acertos do longa ainda repercutem, criando tendências na indústria cinematográfica e projetando o MCU para lugares cada vez maiores na indústria do entretenimento. 

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Júlia Caroline Fonte

As adaptações são uma grande polêmica do mundo audiovisual, algumas chegam ao patamar da perfeição, já outras decepcionam o fandom. Sweet Tooth com certeza se encaixa no primeiro grupo. Lançada em 4 de junho, a nova série da Netflix, que vem ganhando cada vez mais destaque da crítica, é produzida por Robert Downey Jr. e Susan Downey e traz uma proposta um pouco diferente da graphic novel que a originou, levando-a a ser uma das séries mais assistidas da plataforma em diversos países.

A criação de Jim Mickle e Beth Schwartz nos apresenta um mundo caótico tomado por um vírus mortal, o Flagelo, e o nascimento de misteriosas crianças híbridas com animais, estas perseguidas e exterminadas pelo exército dos Últimos Homens. A maior parte da sociedade acredita que essas crianças foram as causadoras desse apocalipse, enquanto outras as vêem como uma salvação para o planeta. Diante disso, acompanhamos Gus (Christian Convery) um garotinho híbrido de cervo que, dez anos depois do estopim do caos, tenta sobreviver isolado na floresta com o pai, que ele chama de “Paba” (Will Forte). Quando este é acometido pelo Flagelo, deixando Gus sozinho em um mundo perigoso, o caçador Tommy Jepperd (Nonso Anozie), cruza caminho com o menino, que a partir disso começa uma aventura em busca de sua mãe, Birdie (Amy Seimetz).

Adaptada da graphic novel de mesmo nome de Jeff Lemire, Sweet Tooth assume um tom diferente daquele do quadrinho. Querendo deixar de lado “o estilo Mad Max“ das páginas, os produtores buscaram transformar a história de Gus em uma série family friendly, o que garantiu um tom leve e encantador, mesmo em meio ao fim do mundo. A inocência e fofura do personagem garantem uma sensação de aconchego e consegue tirar muitas lágrimas do espectador, uma vez que seu foco é o arco do garotinho e não o contexto em que ele está. Essa mudança drástica não impediu a série de ser considerada uma excelente adaptação, uma vez que conseguiu de modo certeiro adequar a história para o novo formato e soube definir muito bem seus objetivos quanto ao seu público.

Além da jornada do Gus, a série apresenta mais duas histórias que ocorrem paralelamente; uma é da Aimee (Dania Ramirez) e a outra do Dr. Aditya Singh (Adeel Akhtar). Gus tem como objetivo chegar ao Colorado, onde tem a certeza de que encontrará sua mãe; Jepperd, sem outra alternativa, assume a perigosa e desafiadora missão de levar Gus até ela. No caminho, ambos cruzam com um curioso grupo chamado Exército Animal, adolescentes que têm como propósito proteger e salvar os híbridos; esses personagens trazem um contraste interessante à obra: inocência e juventude em choque com o perfil de guerreiros sanguinários. A partir daí, ambos seguem com a companhia de Ursa (Stefania Owen). Os três continuam a aventura repleta de desafios e revelações devastadoras

De modo independente, temos a história de Aimee, uma personagem exclusiva da série. Sua jornada começa quando ela encontra um novo sentido para a própria vida, pois da mesma forma que Gus, a pandemia do Flagelo foi um impulso para a liberdade. Aimee se muda para um zoológico abandonado, e acolhe Wendy (Naledi Murray), uma garotinha híbrida com porco que foi deixada em sua porta ainda bebê, tornando-se sua filha. Com o passar dos anos, juntas elas criam o Santuário, um espaço para proteger crianças híbridas. 

E, por último, temos o Dr. Singh, um médico que desistiu de sua profissão quando sua esposa Rani (Aliza Vellani) foi contaminada pelo Flagelo, e passa a dedicar a vida para garantir a sobrevivência dela, até que ele fica responsável por continuar as pesquisas sobre a cura iniciadas pela Dra. Bell (Sarah Peirse). Os três arcos se encaixam perfeitamente, e diferente do que ocorre na série Sombra e Ossos, eles não roubam o protagonismo um do outro e o foco maior permanece na narrativa de Gus, o personagem principal; e ao final, temos uma junção excelente de todos eles.

Gus com certeza é o ponto forte da série, sendo um personagem adorável e cativante. Da mesma forma que a personagem Anne, de Anne With An E é inserida e desenvolvida em sua adaptação, Gus consegue ser uma representação verdadeira de uma criança, com toda a sua intensidade de sentimentos e sua curiosidade de entender o mundo. Seu arco é construído colocando o personagem em diversas situações cruciais para o amadurecimento, aprendizado e construção de sua personalidade. 

A construção do personagem, unida à atuação do ator Christian Convery, traz veracidade tanto para Gus quanto para a obra. Suas reações, inocência, esperança, empolgação, frustrações e ingenuidade são muito bem colocadas, Vemos esse aspecto em diversos momentos: ao perder o Cão, seu brinquedo preferido e melhor amigo, seu desespero para recuperá-lo os coloca em uma situação complicada; seu aborrecimento é evidente quando Ursa usa palavras difíceis que não estão em seu vocabulário, e em muitas situações de perigo o menino recorre desesperadamente a Jepperd. 

O protagonista constrói uma ótima relação com os outros personagens que o acompanham, com destaque para Jepperd, apelidado por Gus de “Grandão”, que de início queria a todo custo se livrar do híbrido, mas eles acabaram se tornando uma boa dupla. Jepperd, dono de um passado sombrio, fazia de tudo para sobreviver ao mundo caótico em que estavam, e entende os perigos de proteger uma criança como Gus; contudo, assim como acontece com o público, ele consegue ser cativado pelo menino cervo. A boa química entre os atores Christian Convery e Nonso Anozie foi fundamental e conseguiu garantir uma das melhores relações entre adulto e criança retratada no universo audiovisual, sendo um ponto alto da série.

Gus ainda está envolvido no maior plot twist da temporada e um dos momentos mais difíceis para o garotinho. O híbrido tem seu mundo colocado à prova ao lidar com as verdades sobre sua vida; também é aqui que suas questões familiares e origem se revelam mais profundas do que aparentavam, e afetam sua jornada a partir de então. 

A série caminha através de diversas reviravoltas e situações cruciais para a história, tendência esta que se mantém no plot twist: sendo tão bem construído, não surpreende apenas o protagonista, mas também o público, que, desde o primeiro episódio é levado a acreditar em determinada realidade que entrará em choque nesse momento.

Os aspectos técnicos de Sweet Tooth também não deixam a desejar. A série possui narrador onisciente, com  voz de James Brolin, de modo sutil e na medida certa, combinando com o tom da história. E seguindo o padrão da maior parte das séries originais da Netflix, a diversidade no elenco também está presente na série do menino cervo, que possui atores excelentes.

Contando com uma ótima trilha musical, que combina com a atmosfera criada pela série, Sweet Tooth é perfeita visualmente. A fotografia em tons quentes de Dave Garbett e Aaron Morton e a presença de muitas cores contribui para a leveza e aconchego que ela proporciona ao público; com destaque para o primeiro episódio, o qual se passa a maior parte no chalé de Gus e Paba, com uma iluminação muito bem feita casando com a colorização impecável de Walter Volpatto; tudo se adequando com os elementos da direção de arte. A elaboração desta última, coordenada por Nick Connor, Nathan Blanco Fouraux, Gabriel Kearney e Adam Wheatley, foi um fator fundamental para contar a história.

Ainda sobre seu visual, o trabalho da equipe de arte atrai a curiosidade do público, principalmente para a caracterização das crianças híbridas. Algo essencial e que fez grande diferença para a série foi diminuir o digital para usar elementos construídos fisicamente. Os efeitos especiais foram importantes para trazer veracidade ao universo de Sweet Tooth, como nas orelhas de Gus, que foram inseridas em seu figurino e controladas pelo marionetista Grant Lehmann. Simultaneamente, a maquiagem artística de Justin Raleigh foi um elemento importante para transformar a aparência das crianças em híbridas.

Entretanto, o que mais chamou atenção foi o personagem Bobby, um híbrido de marmota, em que a produção usou um boneco mecatrônico para trazê-lo à vida – uma retomada do que víamos em filmes mais antigos de fantasia, como em Harry Potter e a Câmara Secreta, para criar a fênix do Professor Dumbledore. Outro caso é o dos bebês híbridos retratados logo no início do primeiro episódio, que foram fantoches manipulados pela equipe e criados pela empresa de efeitos visuais Fractured FX. Ao mesmo tempo em que esses elementos deixam tudo mais palpável, pode causar muito estranhamento para um público saturado de efeitos visuais.

O último episódio de Sweet Tooth é com certeza um dos mais importantes, principalmente para a continuidade da história. É nele que, finalmente, entendemos por quais motivos Gus, Dr. Singh e Aimee dividem a temporada. A trama será imprescindível para o futuro da série, principalmente para Dr. Singh, pois aqui podemos perceber que em algum momento Gus será um elemento significativo para definir o arco do médico para a segunda temporada. Além disso, revelações sobre um personagem serão relevantes para aguçar o público a respeito do vírus que aquele mundo enfrenta, abrindo espaço para muitas teorias sobre o rumo da série, que já começa a ganhar contornos nítidos.

Além de todos seus aspectos audiovisuais, Sweet Tooth carrega mensagens muito fortes para seu público. A jornada de Gus e Aimee mostram a importância de sair da zona de conforto para poder se reencontrar ou para começar a viver, e que essa vivência é essencial para o processo de crescimento, tanto de uma criança, como é o caso de Gus, quanto para Aimee, que entende um novo propósito e significado de sua vida. Ainda somos convidados ao longo da série a refletir sobre o amor, seus diversos aspectos e aquilo que ele pode mover; bem como o papel da família, entendendo o que realmente a faz existir.

Já a história do Dr. Singh traz aspectos científicos e sociais que atingem em cheio a nossa realidade atual. Um retrato muito mais caótico da pandemia que estamos vivendo, a série tem um papel social de extrema importância, que vai muito além de seu entretenimento. Muito antes da covid-19, a Netflix criou um cenário acometido por duas doenças que enfrentamos durante o nosso isolamento e se espalham rapidamente: um vírus fatal e a ignorância diante dos fatos.  A série expõe diversos momentos de extremismos pelo “bem maior”; ou por causa de teorias da conspiração, propagar o ódio e eliminar aquilo de que não se tem conhecimento. Tudo isso abre espaço para um mundo onde o principal objetivo é garantir a própria sobrevivência, ignorando seu papel na sociedade.

Sweet Tooth apresenta um grande potencial para continuações, à medida em que a série deixa de explicar a fundo algumas informações, como as referentes ao vírus e ao início da pandemia do Flagelo. Há também algumas pontas soltas que precisam ser respondidas a respeito de Birdie, sobre quem salvou Wendy quando bebê e o porquê, e qual papel o Exército Animal terá no futuro da série. Além disso, elementos como as flores roxas e as barras de chocolate não paravam de aparecer ao longo da temporada, indicando para um público que elas terão um significado importante em algum momento. Porém, levando em conta os temas e o cenário da história, poderíamos supor que poucas perguntas seriam respondidas em uma única temporada.

Sweet Tooth já consegue se garantir como uma das melhores séries de 2021. Bem recebida pelo público e pela crítica, tem suas raras falhas ofuscadas por uma história bem contada, com personagens reais e apaixonantes e um visual que chega a ser um espetáculo aos olhos. Mais uma vez, a Netflix conseguiu garantir uma boa obra e acertar em todos os seus aspectos como adaptação. E mesmo com o caos que Gus e Jepperd enfrentam em sua história e o que enfrentamos aqui do lado de fora, Sweet Tooth consegue nos resgatar e confortar com sua esperança e leveza inocente que procurávamos há muito tempo.

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