Guilherme Veiga

A felicidade incomoda, isso é fato. Outra coisa que também faz questão de desagradar é o punk-rock. O gênero que surgiu em meados dos anos 1960 e incorpora o garage rock e o proto-punk assume a roupagem de ser uma pedra no sapato do sistema, a peça que não se encaixa no quebra-cabeças. Isso é notado desde seus expoentes não tão politizados como blink-182 até os mais politicamente ácidos como Rage Against The Machine.

Iniciado juntamente com o movimento punk, seus adeptos, por mais que não liguem para estereótipos, sempre foram caracterizados como pessoas fechadas, vestidas de preto e com uma raiva internalizada. Nesse sentido, seus ouvintes majoritariamente são vistos como indivíduos em que a alegria é seu ‘divertidamente’ mais escanteado e a seu companheiro vermelho é quem assume a sua mente. Pensando nisso, o grupo britânico IDLES, em seu segundo álbum de estúdio, Joy as an Act of Resistance. discorre na verdade como esses dois sentimentos estão mais próximos do que se imagina.

Produzido por Space e mixado por Adam Greenspan e Nick Launay – este último que tem trabalhos com nomes como Arcade Fire e Nick Cave & The Bad Seeds -, o disco vem um ano após Brutalism, entrondoso debut do grupo. Porém, Joy as an Act of Resistance. chega para consolidar a banda para além de mais um nome do – agora fora dos radares – gênero punk, além de servir de referência para como esse tipo de música seria trabalhado e consumido no século XXI.

Dessa forma, a obra revitaliza o estilo ao mesmo tempo que renova o próprio grupo. IDLES se mostra, aqui, muito consciente ao entender que o punk-rock não se porta do mesmo jeito que 40 anos atrás, quando Ramones e Sex Pistols reinavam. Partindo desse pressuposto, ele se atualiza para o Reino Unido atual e usa do registro para finalmente traçar um mea culpa de um gênero que se moldou com doses de machismo, a abordar como tema principal a masculinidade tóxica.

A máscara

 Da masculinidade

 É uma máscara

 Uma máscara que está me desgastando

A escolha da alegria, tanto no identidade como na levada rítmica, se mostra muito acertada. Brutalism é extremamente literal em sua concepção, enquanto Joy as an Act of Resistance., por mais que pareça ir para o extremo inverso, na verdade externaliza a brutalidade como resultado de um processo catártico. A capa do álbum, mostrando uma pequena multidão de engravatados em um mosh em uma festa de casamento, evidencia as intenções do registro de criar, a princípio, um punk-rock-colarinho-branco que, devido às amarras sociais do mundo moderno, não vê raiva e felicidade como sentimentos antagônicos, mas sim como a primeira sendo uma forma de extravasar a segunda.

Se engana quem pensa que esses aspectos trazem um disco mais calmo. Ele talvez seja o mais convidativo para o público geral, mas ainda assim tem a mesma pungência característica do IDLES. Suas críticas ácidas dessa vez corroem temas como imigração e o Brexit, enquanto se aprofundam em temáticas como solidão, o luto e a sensação de se estar completamente quebrado sentimentalmente.

Essa dualidade de assuntos fica muito visível nos dois singles do projeto. Never Fight A Man With A Perm mescla elementos de Laranja Mecânica e Clube da Luta, no qual o eu-lírico encontra personagens tipicamente ‘machos com M maiúsculo’ e os satiriza bestializando seus estereótipos. Já Danny Nedelko, que tem esse nome por conta do imigrante ucraConiano, vocalista da banda Heavy Lungs e amigo do frontman Joe Talbot, é uma crítica a forma como a sociedade tratava esses grupos nos anos em que a crise migratória começou, principalmente ao fato do Reino Unido só ter olhos para eles quando são figuras notáveis.

O álbum promove uma montanha russa a partir do momento de seu play. A primeira metade é uma queda livre eufórica que expõe o melhor que o IDLES calcou no primeiro registro. Extremamente visceral, ele entrega potentes faixas como Colossus, que versa sobre vícios e as sombras das figuras tóxicas, enquanto I’m Scum expõe a escrotidão masculina e Love Song, misturando diferentes vertentes do rock, subverte o ato de se apaixonar ao abordá-lo através de uma ótica suja e bagunçada da visão do que é ser homem. Nesse conjunto de músicas, Joe Talbot, com sua voz rasgada, praticamente se coloca no púlpito de uma (não tão) distópica parada do orgulho hétero e vocifera um discurso extremamente irônico e escrachado que não agradaria seus participantes.

É com June que chegamos ao ponto mais baixo da trajetória, ao mesmo tempo que se alcança o ápice do álbum. Aqui, o quinteto punk se despe de todas as munhequeiras e spikes que o gênero adotou como identidade visual e desacelera suas guitarras estridentes para entregar um doloroso episódio da vida do frontman após a morte de sua filha recém-nascida. Ela engata com Samaritans, que juntas formam as duas músicas mais fortes liricamente do disco e guiam a segunda metade para uma nova subida, com uma alegria descontroladamente raivosa. É como se o álbum vislumbrasse um mosh e o planejasse justamente para Rottweiler, faixa que fecha o disco.

Joy as an Act of Resistance. é o cartão de visita da banda de Bristol formada por Mark Bowen (guitarra), Lee Kiernan (guitarra), Jon Beavis (bateria), Adam Devonshire (baixo) e Joe Talbot (vocal), além de ser uma importante referência de como o punk se rearranjou e seguiu nos anos 2010. Isso o coloca como um dos melhores discos do gênero, e para alguns, um dos melhores de 2018, que com certeza semeou figuras da vertente na época, como Fontaines D.C., Viagra Boys, Shame e Turnstile. 

Ele é certeiro ao reforçar que, sim, o punk é o mesmo e vive como os pais que o fundaram: desordeiro, anárquico e pronto pro combate. No entanto, o trabalho reforça que isso não é produto de agressividade atribuída a essa parcela, mas a uma vulnerabilidade, que ele não tem a mínima vergonha de expor através de uma acidez crítica mesclada com uma sensibilidade inimaginada.

Por mais que seu levante se debruce por temas que são atemporais, fica perceptível a intenção de rotular o álbum como um produto de seu tempo, seja no estilo ou na própria sociedade. E sendo um recorte de um período específico, à medida que o IDLES se consolide como voz de uma geração, o desejo da banda é exatamente o contrário: que suas discussões sejam superadas. No aguardo de um mundo melhor, resta a esperança e a alegria, nas diferentes roupagens que ela pode ter.

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Monique Marquesini

Um ano após o lançamento do brilhante Dancing with the Devil… The Art of Starting Over, Demi Lovato mostra mais uma vez sua potência em começar de novo. Lançado em 19 de agosto, o seu oitavo álbum de estúdio, Holy Fvck, traz a artista retomando suas origens do rock e do punk em arranjos mais pesados. Além das novas sonoridades, é fácil notar uma mudança genuína em Lovato –  as fases da vida da cantora são reflexos de seus sentimentos, e parece que em cada uma das 16 faixas do disco ela está realmente se redescobrindo.

Do desejo ao amor e à raiva, Demi explora uma explosão de sentimentos e de energia em cada música. A voz precisa nos agudos e a intensidade nas letras carregadas de experiências pessoais e dolorosas, nos leva a experimentar cada emoção da cantora. A primeira canção é FREAK, uma colaboração com YUNGBLUD e uma abertura perfeita para sua nova fase – já que ela aproveita para satirizar a indústria que tratou seus traumas como piada e a colocou como “freak” (esquisita ou até aberração, em português).

Na sequência das faixas estão os intensos singles SKIN OF MY TEETH e SUBSTANCE, que carregam honestidade e intimidade e que são um ajuste perfeito para a Demi Lovato de Holy Fvck. O primeiro single do álbum, SKIN OF MY TEETH, faz uso de batidas intensas e sons de guitarras fortes – junto a letra em que ela tenta reescrever o período de sua overdose e a recuperação, além de carregar as descobertas dela sem o uso de substâncias. Já no segundo single, SUBSTANCE, a cantora busca criticar a exaustão e ausência de conteúdo na sociedade, e produz um clipe com inspiração na década de 90 e início dos anos 2000. “Demi saiu da reabilitação outra vez/Quando essa merda vai acabar?”.

No geral, a lista de faixas é muito coesa e forte. Na quarta música, Demi mostra uma colaboração feroz com Royal & the Serpent, compondo talvez uma das músicas mais impositivas do álbum – EAT ME. Em um rock punk forte, a letra denúncia como a indústria musical é responsável por moldar artistas para o que é mais vendável. E é nesse momento que a Lovato de Holy Fvck aparece vívida na canção, já que ela não mais ignora sua identidade e essência, mas se permite sentir desde o prazer até a raiva.

Em entrevista para Zane Lowe, Demi Lovato se abriu sobre a sua jornada na recuperação, saúde mental, traumas e sua sexualidade: “Voltei ao tratamento e, quando saí, tinha todo esse trauma não resolvido com o qual eu não havia lidado. E então, quando saí, pensei: ‘Tudo bem ficar com raiva e sentir essas coisas’”. Com certeza, é possível entender como cada um de seus processos pessoais tocam cada música e fazem com que o ouvinte se relacione com as sensações da cantora. Na mesma entrevista, Lovato ainda comenta sobre como se sentiu durante a produção: “Nunca estive tão segura de mim e de minha música, este álbum fala por si só“.

29 é um dos exemplos mais crus dos sentimentos dela colocados em uma música. A faixa aborda o relacionamento de seis anos de Demi com Wilmer Valderrama, que começou quando ela tinha 17 anos e ele 29 – Lovato busca trazer uma pesada e direta mensagem sobre idade e consentimento. No podcast Call Her Daddy, ela conta que, anos após o término, a reflexão sobre a situação vem de um olhar mais maduro, de como mulheres jovens são enganadas por homens muito mais velhos.

Além da pressão de viver sob os holofotes e expectativas, em Holy Fvck Demi explora abertamente sua sexualidade. Com letras eletrizantes e sons dançantes, é visível que ela não teve medo de abraçar suas sensações na escrita. Faixas como BONES, CITY OF ANGELS e principalmente HEAVEN são como celebrações da relação com si mesma e com seu corpo. Em HEAVEN, Lovato fala sobre o tabu da masturbação feminina, e faz até brincadeiras líricas entre a letra e referências religiosas: “Crucificada pela vida que vivo/Oh, meu Deus, espero receber perdão/Indo para o inferno, porque parece o paraíso“.

É do meio para o final das faixas que podemos observar uma Demi falando de amor e ainda assim tocando diversas vulnerabilidades de sua vida. Mas algumas músicas podem soar pouco frustrantes, em contraste com a força das músicas que abrem o álbum – como em WASTED e COME TOGETHER, em que a sonoridade não cativa tanto quem experimentou a veia punk rock de Lovato.

O trabalho da cantora em Holy Fvck é antes de tudo um relato autêntico, potente e ao mesmo tempo vulnerável sobre as feridas de Demi. É bravo vê-la abraçando um renascimento em meio aos sons de guitarra, sua potência vocal intensa e letras emocionantes. O álbum tem uma veia nos primeiros trabalhos da artista em Don’t Forget e Here We Go Again, mas as reflexões cruas e a honestidade inabalável mostram o amadurecimento do som pop-rock adolescente para um hard rock muito bem produzido.

Apesar de terminar em tons mais baixos, muitos sentimentos marcam a experiência da obra de Demi Lovato. Talvez essa seja uma das surpresas mais agradáveis da experiência: o álbum é amargo, picante, ácido, forte e encantador. Diferente de todos os seus trabalhos anteriores, Holy Fvck tem a substância que os álbuns pop de Lovato sentiam falta – a identidade, fúria e autoridade. Não há como esconder suas inspirações, que dessa vez soam mais verdadeiras e intensas. A liberdade de si e de chegar aos extremos – da ira ou da vulnerabilidade –, fazem com que Demi acerte em cheio, expondo seus ápices emocionantes e reencontre sua força nos recomeços.

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Leticia Stradiotto

O Começo do Fim do Mundo, em 1982, foi o principal marco do punk rock brasileiro. O festival em São Paulo contou com a participação das primeiras bandas nacionais com foco na contracultura e foi dividido em dois dias, onde grupos como Ratos De Porão e Cólera eram atrações. Porém, logo no segundo dia, a Polícia Militar invadiu o local para queimar documentos relacionados à ditadura. Dessa forma, no fim dos anos 90, com a continuação da tendência punk em 2001 – quase 20 anos depois do evento – o grupo Charlie Brown Jr. lança o seu quarto disco e demonstra que agora, no som nacional, a única coisa a ser queimada é a censura.

O álbum 100% Charlie Brown Jr – Abalando A Sua Fábrica teve importância não só na evolução do conjunto musical, mas também na releitura do punk rock ao modo brasileiro de ser. Com a saída do guitarrista Thiago Castanho, é o primeiro projeto sem a formação original da banda e gravado com todos os instrumentos ao mesmo tempo, no estilo garage rock. Se você acha que o termo “100% Charlie Brown Jr” é uma ironia à separação e possivelmente uma saída do convencional em grupo, você está certo. Afinal, é fato que o vocalista Chorão (Alexandre Magno) era dono de um caráter forte – um tanto quanto rebelde – e queria marcar presença de uma forma específica: Abalando A Sua Fábrica, independente de qual fosse.

Completando 20 anos do lançamento, a personalidade de Charlie Brown Jr. começa a ganhar forma. Com muito hardcore, guitarras e baterias pesadas, o álbum é responsável por construir uma das mais destacadas sonoridades da banda. Com o baixo magnífico de Champignon, Eu Protesto é a contextualização política, e ainda atual, retratando a corrupção e a despreocupação do governo com o povo. CBJr é muito mais que um trabalho musical, também é entretenimento. A obra Hoje Eu Acordei Feliz demonstra isso. 

Com o clipe referenciando o filme Snatch: Porcos e Diamantes, a galera pirava nas reproduções pelo canal da MTV na época. São talentos que marcam pela originalidade e, consequentemente, registram a nostalgia para diversas gerações, inclusive aquelas que acordam com a sutil vontade de matar o presidente. Em sequência, Sino Dourado foi inspirada no sucesso Ring My Bell de Anita Ward, assim fica fácil entender do que a letra da música se trata. Longe de uma pegada melancólica, a faixa traz elementos do rock em sua forma mais popular: sexo, drogas e rock’n’roll.

Liberdade, oposição ao consumismo, antiautoritarismo, muita rebeldia e, claro, uma guitarra espetacular. Isso é punk, ou melhor, isso é Quebra-Mar. A batida dessa faixa lembra a melodia-tema de Tubarão em uma pegada mais pesada sob o comando do guitarrista Marcão e é seguida pela harmônica Lugar ao Sol, dedicada ao pai de Chorão, falecido há pouco tempo. Diferentemente das demais músicas apresentadas, esse som retrata a espiritualidade e transforma-se em um acalento ao coração acerca dos encontros e desencontros da vida. 

As músicas Descubra O Que Há De Errado Com Você e Só Lazer retornam com o barulho do hardcore rápido e agressivo no álbum. Você Vai De Limusine, Eu Vou De Trem tem o jeito Chorão de ser, com a vibe do moleque pé-rapado que vive um amor com a patricinha do bairro. E logo em seguida, O Lado Certo da Vida Errada, que, como um bom som do Charlie Brown Jr., mistura a melodia do rock com letras sobre a paixão pura e incessante. No caso do vocalista Alê, retratava sempre em suas músicas a paixão inesgotável pela sua namorada e futura esposa, Grazon.

Com um vocal e instrumental extremamente sujos, T.F.D.P. lembra a essência punk presente, muitas vezes, no grunge e não deixa de fora a utilização de palavrões como forma de revolta e protesto à questão social. A obra chega ao fim com duas faixas fenomenais que, com certeza, são marcos da banda e ultrapassam gerações. Tudo Pro Alto motiva e alcança a possibilidade de segundas chances, com todos os problemas envolvendo drogas, paixões e brigas internas no grupo. Chorão reconforta e nos proporciona o entendimento de que as coisas são Como Tudo Deve Ser. 

Duas décadas depois, o disco 100% Charlie Brown Jr – Abalando A Sua Fábrica faz jus ao nome e traz a individualidade presente na banda para o público externo. Ao mesmo tempo, retoma movimentos musicais impedidos no passado brasileiro e constrói um legado cheio de influências à liberdade para as próximas gerações. Não é à toa que a espiritualidade da banda – mesmo após seu término – continua sendo destaque nos sons nacionais. Pois afinal, o vocalista falava sobre a necessidade de viver nossos sonhos, temos tão pouco tempo, enquanto na verdade, o seu trabalho feito com tanta garra e paixão, fez com que o tempo fosse quase irrelevante ao sucesso – e sonhos – da querida origem do grupo Charlie Brown Jr..

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Ana Laura Ferreira

A geração emo dos anos 2000 envelheceu e hoje é responsável por dar as novas rédeas do que influencia o mundo. Não é à toa que o sample de Misery Business do Paramore se tornou um sucesso nas mãos de Olivia Rodrigo em seu single good 4 u, conquistando os ouvintes de todas as idades. Entretanto, quando pensamos em uma evolução um pouco mais madura dessas influências de alguns anos atrás, somos levados até bandas como Catfish and the Bottlemen. Com sua originalidade pautada nas boas memórias da era de ouro do rock feito no início do século, The Ride chegava aos nossos ouvidos há 5 anos, marcando sua presença com hinos que ficarão para sempre.

Mantendo a mesma toada de seu álbum anterior, a banda britânica consegue seguir um nível de coesão que torna este disco uma complementação de seu primeiro, fazendo com que toda a sua harmonia sonora possa não apenas se perpetuar, mas solidificar seu estilo e originalidade. Desse modo, The Ride abre suas 11 faixas com uma das canções mais conhecidas da banda, 7. Dando o tom do disco, a música é uma mistura de referências que percorrem desde Evanescence até Kings of Leon. Assim, sua pegada um tanto densa se responsabiliza por nos imergir nessa narrativa.

Flutuando entre a sua unicidade e clichês do estilo que percorre o rock alternativo, podemos dizer que o álbum definitivamente não é vanguardista. Entretanto, essa não é uma crítica negativa, uma vez que ao se manter na simplicidade, Catfish and the Bottlemen consegue construir uma relação mais próxima ao seus ouvintes, mantendo o foco não em serem um sucesso com a crítica especializada, mas sim em construir um diálogo que fosse facilmente entendido. Jogando todas as cartas na mesa, o disco não esconde seus coringas, já inserindo Twice, com sua ambiguidade sonora, e Soundcheck, a música mais destoante da coletânea, logo na sequência.

E falando em crítica especializada, The Ride não foi muito bem em seu ano de lançamento. Sendo tachado como uma queda brusca de qualidade em comparação com o disco antecessor, o calcanhar de Aquiles do álbum aniversariante foi a expectativa. The Balcony, obra primogênita de Catfish and the Bottlemen, é sem sombra de dúvidas um diamante. Com canções marcantes, como Kathleen e Cocoon, que conseguem equilibrar passado, presente e futuro – e que se mantém atuais mesmo já completando 7 anos -, o primeiro lançamento da banda fez barulho e chamou a atenção por ser uma composição extremamente bem lapidada, ainda mais para o debut de um grupo.

Se mantendo na zona de conforto das influências e abrindo mão de um caráter progressista para isso, The Ride foi sim uma decepção que, para nossa felicidade, conseguiu se recuperar. Envelhecendo tão bem como um vinho, o álbum hoje atingiu maiores reconhecimentos. Talvez pela empolgação do novo lançamento em meados de 2016, acabamos nos cegando para o tínhamos em mãos enquanto pensávamos no que poderíamos ter. Agora, olhando para o produto final de uma perspectiva um pouco mais completa, já com a continuação da banda em The Balance, e sem nos prender em expectativas próprias, notamos que o disco é completo em todos os sentidos da palavra.

Outra crítica feita ao álbum é sua falta de organização narrativa, já que, aparentemente, acompanhamos uma mesma história contada em ordem totalmente desconexa. Partindo da poderosa Oxigen, que sonoramente falando mistura referências à la Green Day com um toque do punk setentista emprestado de bandas como Blondie, ouvimos a narração de um amor insistente e resistente ao que escutamos “Eu te amava nessa época, e eu te amo agora”. Entretanto, sem a transição necessária, somos logo jogados em Red e seu ciúmes barulhento, afinal “Ele pode fazer o que eu faço por você?”. 

Nos perdendo um pouco nessa história que vai e vem sem muita organização, às vezes nos pegamos mais entretidos em tentar mostrar seu quebra-cabeça cronológico do que simplesmente absorver sua construção. Contudo, para isso também há uma explicação, uma vez que a escolha da bagunça narrativa pode ser justificada a nosso olhos por uma priorização da harmonia sonora do álbum. Criando transições perfeitas, temos a impressão de estarmos quase que escutando uma faixa única, já que, em questão de batidas, nossa imersão é tão poderosa que chegamos até a nos assustar com a quebra brusca de atmosfera ao fim do disco, que encerra com a interrupção rude de Outside.

Assim, podemos facilmente resumir o segundo álbum da banda como uma mistura madura das canções que os músicos provavelmente escutavam em sua adolescência. É possível sentir toda a personalidade e identidade que os britânicos colocaram em The Ride, sem que temessem serem recheadas por isso. Afinal, como já até comentamos, o objetivo do disco não é ser um sucesso absoluto, mas uma conversa franca com que envelheceu na mesma época que eles. 

The Ride é o reflexo de uma geração toda que cresceu cercada de influências musicais dos mais diversos tipos. Podendo encontrar pistas sonoras que vão desde de Panic! At The Disco até mesmo a Oasis, o que Catfish and the Bottlemen nos concede nesse disco é um amadurecimento punk e rock da primeira década deste século. Um tanto saudosista, o único empecilho que torna essa obra imperfeita é a sedenta necessidade de escrachar suas referências. Entretanto, mesmo entre altos e baixos, não podemos negar que esta é uma coletânea que consegue, com sucesso, resumir em poucas palavras a essência do rock alternativo.

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Caroline Campos

O ano era 1986 e os Titãs estavam irados. O Brasil começava a limpar os pulmões da fuligem dos militares e respirar o ar fresco da democracia quando, em 25 de junho, Cabeça Dinossauro saiu do escuro dos esgotos para fazer barulho na cena musical brasileira e enterrar os fósseis caretas remanescentes dos anos de chumbo. Com 13 faixas, o terceiro álbum da banda que contava com Arnaldo Antunes, Nando Reis, Paulo Miklos, Branco Mello, Tony Bellotto, Sérgio Britto, Charles Gavin e Marcelo Fromer foi uma experiência verdadeiramente punk rock que gritou na cara do sistema capitalista e das instituições hipócritas daquela terra sem lei dos anos 80.

Depois de dois discos que não foram muito bem recebidos pelo público e da prisão de Tony Bellotto e Arnaldo Antunes por porte de heroína, o octeto estava desacreditado da própria carreira. Mal eles sabiam que, quando gravassem Cabeça Dinossauro, iriam atingir principalmente uma juventude descrente e sem perspectiva que passava pela crise econômica deixada de herança pelos militares. Tanto foi que o álbum se tornou o primeiro disco de ouro dos Titãs, batendo a marca de 250 mil cópias vendidas em um ano.

Mesmo que o Brasil já estivesse sob comando de José Sarney, Cabeça Dinossauro enfrentou obstáculos significativos por conta do teor de suas letras. A censura, que demorou muito para se descolar das entranhas institucionais, foi bater na porta da banda e tentar munir o lançamento do disco – tarde demais, já que o público havia mergulhado de cabeça na agressividade descontrolada dos paulistanos. O marketing reverso foi tão eficaz que os shows passaram a ficar lotados, as rádios optaram por pagar as multas estabelecidas pelas canções proibidas e os Titãs entraram definitivamente no quarteto sagrado do rock nacional.

A produção do registro ficou, pela primeira vez, a cargo de Liminha, ex-baixista dos Mutantes. O músico foi peça fundamental para traçar com precisão a sonoridade desejada pela banda, e não demorou muito para ser apadrinhado como o nono membro do grupo. Liminha laçou toda aquela confusão rebelde e converteu no que se tornou o Cabeça Dinossauro, que equilibra a própria raiva e o descontrole em uma coesão musical polêmica e deliciosa.

Os quase 39 minutos de som não deixam ninguém escapar; sobra para a polícia, para a Igreja, para as leis e até para os que não fazem nada. Toda aquela revolta, muito bem justificada no contexto em que o disco foi lançado, contagiou os que estavam de saco cheio do sistema e, literalmente, quebrou as casas de show por onde os oito marmanjos passaram destilando um caos hipnotizante.

Para quem esperava um pop família quando colocou a bolacha para rodar pela primeira vez, escutar Cabeça Dinossauro, a faixa de abertura que intitula o álbum, deve ter sido um choque e tanto. A percussão de Liminha e os três versos – cabeça dinossauro, pança de mamute, espírito de porco –, praticamente vomitados por Branco Mello, dão início a um manifesto sonoramente selvagem contrário à barbárie do capitalismo. Tirem as crianças da sala, pois o som titânico só estava começando.

A temática do disco é clara: estamos insatisfeitos e queremos berrar. Apesar de Aa uu manter a qualidade de sua antecessora, ela é mais passível de se dar uma bela respirada e aproveitar os vocais carismáticos de Sérgio Britto bradando sobre uma espécie de sujeito-máquina. O clipe da faixa ganhou uma exibição no Fantástico, que foi responsável por popularizá-la a ponto de virar até trilha sonora de novela da Globo.

No entanto, seguindo em frente, é preciso garantir que aquela tal respirada seja bem longa, pois o folêgo desaparece durante as canções seguintes. A que melhor exemplifica essa insanidade transgressora do momento é A face do destruidor, que levou embora o pulmão de Paulo Miklos. Localizada entre Porrada, de Arnaldo Antunes, e Estado violência, escrita por Charles Gavin, os 38 segundos da música beiram o incompreensível e com certeza geraram muito bate-cabeça nos shows do grupo oitentista.

Igreja e Polícia podem dividir o crédito quando se trata de polêmica. Enquanto a primeira, criação de Nando Reis, fazia um Arnaldo Antunes cristão e ofendido deixar os palcos pela crítica à religiosidade fingida, a anarquista Polícia de Tony Bellotto rememorava a arbitrariedade policial e a opressão exagerada ainda marcante no Brasil de Sarney. Hoje, essa canção é quase um hino contra os agentes da lei, que seguem deixando um rastro de sangue preto e pobre pelo caminho de suas botas.

Apesar das duas composições darem o que falar, é Bichos escrotos que rouba a cena underground. Com Miklos novamente nos vocais e Antunes, Reis e Britto nas entrelinhas, a faixa que datava 1982 já havia sido proibida de entrar em discos anteriores dos Titãs. Devidamente gravada e parte de Cabeça Dinossauro, foi a demanda absurda do público que fez as rádios pagarem a multa para tocá-la. Logo, um sonoro vão se fuder! ecoava na casa da família tradicional brasileira. De longe, a canção mais satisfatória do disco.

Depois de tanta porradaria, é até engraçado ouvir Família na voz melódica de Nando Reis. Beirando o reggae, a letra do cotidiano é o oposto do primitivismo impresso nas suas antecessoras. Ao lado da inconformada Tô cansado, que fechou o lado A do vinil, é a parte mais light dentre tanto nervosismo cantado. Claro que isso não influencia em absolutamente nada na qualidade do conceito de Cabeça Dinossauro – todo mundo que berra demais precisa parar para tomar um gole d’água. O álbum encontra seu lugar melhor ainda nas suas gravações mais tranquilas.

Assim como Bichos escrotos, Homem primata é, até hoje, um dos maiores sucessos do grupo. O capitalismo selvagem da selva de pedra paulistana ganhou um ritmo com guitarras marcantes e outro vocal de Britto. A letra, também engavetada, teve participação de Ciro Pessoa, que integrou a banda até 1983 e, infelizmente, faleceu depois de contrair covid-19 em 2020. Dívidas e O que, as duas com o dedo unânime de Arnaldo Antunes, finalizam os quarenta minutos de ira explosiva de uma das bandas mais importantes do nosso rock. A experiência acaba; a revolta, nem tanto.

Cabeça Dinossauro veio para chutar as portas da indústria musical brasileira e meter porrada nos dinossauros autoritários e vazios que se rastejavam pelo país. Como todo disco que entra para a história, sua atemporalidade é impressionante, principalmente se lembrarmos que os bichos escrotos decidiram sair dos esgotos de vez em 2018. Além disso, o disco de 1986 poderia ser facilmente trilha sonora do espectro político atual – tragicômico, eu sei. Independente, uma coisa é fato: putos da vida, os Titãs lançaram um clássico.

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Vitória Silva

Post Malone é um hitmaker de mão cheia. Essa máxima vem sendo comprovada desde 2016, com o lançamento do seu primeiro disco, o Stoney, quando emplacou a faixa Congratulations no topo das paradas. Em 2018, o sucesso se manteve com Better Now e rockstar, que permanecem em alta até hoje, dando a sensação de terem surgido apenas a dias atrás. 

Ao mesmo passo que Austin Richard Post (nome de batismo do cantor) produzia grandes hits, também revelava letras sem muita profundidade ou diferencial para o meio. Mulheres, festas, drogas, bebidas e luxos da fama, una esses tópicos a batidas dançantes de trap e você tem quase a discografia completa do nova iorquino. E, para quem esperava ouvir apenas mais do mesmo, Hollywood’s Bleeding chega a ser surpreendente. 

A afinidade de Post com o rock’n’roll não é nada inédita, visto a sua adoração ao Nirvana e as vezes que até se arriscou na guitarra em performances com gigantes como Red Hot Chilli Peppers e Aerosmith. Em beerbongs & bentleys, disco antecessor de HB, ele já tinha mostrado um pouco disso na faixa Over Now, que traz uma sonoridade diferenciada e conta com Tommy Lee, do Mötley Crüe, na bateria. Agora, o cantor decide abraçar de vez esse relacionamento com o gênero. 

Para perceber basta ouvir Take What You Want, parceria com Travis Scott e Ozzy Osbourne, um combo tão inusitado quanto a junção de Lil Nas X com Billy Ray Cyrus na famosa Old Town Road. Entre solos de guitarra e vocais mais afiados, Malone sai de sua zona de conforto e se dedica a explorar outros caminhos. Uma atitude não muito inesperada para alguém que já se acostumou a mesclar diversos estilos musicais em seus álbuns passados. 

O resultado dessa nova aventura é um casamento perfeito entre pop, rap e rock, com a vibração da bateria em sintonia com sintetizadores. Algo muito semelhante ao que o Twenty One Pilots já tirou de letra em trabalhos como Trench. Hollywood’s Bleeding pode não ser tão original para o mundo da música mas, no universo particular de Malone, é uma novidade e tanto. 

E essa tendência de mudança também segue para as letras. A razoabilidade das composições de Post dá espaço para críticas certeiras em relação à própria indústria musical. A faixa-título do álbum é o maior exemplo disso, ao fazer menção a uma Hollywood que está sangrando e destruindo todos os artistas que abriga. O cantor também aponta as consequências e feridas do estrelato: “Parece que morrer jovem é uma honra. Mas quem estará no velório? Eu me pergunto”. Seu criticismo caminha até para o ambiente virtual, na faixa Internet, produzida por Kanye West, que é quase um monólogo com fundo orquestral comentando sobre o uso abusivo das mídias sociais. 

Em beerbongs, já tínhamos conseguido ver um lado mais melancólico de Malone, na faixa totalmente intimista Stay e nas lamentações de Rich & Sad. Agora, o Chorão estadunidense diminui o sofrimento e se mostra com uma olhar mais sério para seus relacionamentos. Essa visão é apresentada em Enemies, parceria com o rapper DaBaby: “Costumava ter amigos, agora tenho inimigos. Costumava mantê-los perto, agora eles morreram pra mim. O dinheiro consegue mostrar todas as tendências”. É como se o Post de Stoney, que só sabia falar sobre o lado bom da fama, tivesse passado a enxergar a realidade por trás do show business. 

A nova face do artista transparece na própria capa de Hollywood’s Bleeding. O amarelo e laranja de seus álbuns anteriores é substituído pelas cores azul e preto, que refletem sua amargura e rancor, com o cantor virado de costas ao lado de uma espada. Essa sua figura cavaleiresca é escancarada no clipe de Circles, em que ele é um paladino que tenta resgatar sua donzela, em paralelo com a letra sobre um relacionamento que luta para ser salvo. 

A aposta do nova iorquino por seguir caminhos diferentes na música não o impediu de criar os hits contagiantes de sempre. Allergic une o melhor dos dois mundos, ao misturar uma batida pop suave com um estilo punk rock. E suas raízes no trap e hip-hop, que poderiam ter sido deixadas mais de lado dessa vez, são trazidas à tona em faixas como as vibrantes Saint-Tropez e Goodbyes, parceria com o rapper Young Thug.

As frustrações de Post dominam o novo disco, mas trazem um olhar mais maduro, de alguém confiante e que busca enfrentar seus problemas, assim como um cavaleiro derrota seus inimigos. Ele encerra sua trajetória pelas faixas de forma otimista e celebrando a vida em Wow., como estamos tão acostumados a ver. Não só a sua mudança na postura mas também no estilo musical acertaram em cheio, tanto que o cantor recebeu três indicações para o Grammy 2021: Álbum do Ano, e Canção e Gravação para Circles. E a conhecida Sunflower, música tema de Homem-Aranha no Aranhaverso, já tinha sido indicada no Grammy 2020, em Melhor Performance de Duo/Grupo Pop e também em Gravação do Ano. 

Hollywood’s Bleeding é o início de uma nova jornada para Post Malone, onde ele explora o que de mais interessante um artista poderia fazer: se reinventar por outros gêneros. Ampliar os horizontes para além do rap foi, sem dúvidas, a escolha mais sábia de sua carreira. Agora, Austin finalmente se apresenta como o rockstar que ele clamou ser anos atrás.

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