Nathalia Helen

Em um momento em que sua música deixa de ser apenas um fenômeno digital para ocupar um lugar mais sólido na indústria, PinkPantheress chega ao Grammy 2026 com indicações que ajudam a enquadrar sua fase atual. Fancy That concorre a Best Dance/Electronic Album, enquanto Illegal aparece entre as indicadas a Best Dance Pop Recording, colocando oficialmente o som etéreo e acelerado da artista britânica no centro das discussões do pop e da eletrônica contemporâneos. É a partir desse reconhecimento — que valida um projeto originalmente curto, fragmentado e quase experimental — que Fancy Some More? surge como uma resposta direta: maior, mais aberta e consciente de seu próprio impacto.

Se Fancy That, de PinkPantheress, era um disco curtíssimo de 20 minutos com nove faixas – quase uma mixtape condensada de ideias e emoções –, sua nova versão chega com fôlego de sobra: são 31 músicas distribuídas em dois volumes digitais e três CDs, incluindo remixes de DJs e produtores de peso, além de colaborações com vocalistas pop. A proposta, ambiciosa, soa como um exercício de expansão do próprio universo sonoro da cantora: um mundo de batidas aceleradas, vocais etéreos e nostalgia do início dos anos 2000, agora reinterpretado sob dezenas de olhares.

Fancy Some More? não é apenas um relançamento; é quase uma reescrita do próprio mito em torno da cantora. Desde que surgiu no TikTok com canções que pareciam fragmentos de sonhos pop, PinkPantheress construiu uma estética tão precisa que se tornou um gênero em si mesma. Aqui, ela brinca com essa autoimagem, e o resultado é um trabalho que funciona tanto como celebração quanto como experimento.

Entre os nomes mais empolgantes, um grupo de brasileiros se destaca: Anitta, DJ Caio Prince, Adame DJ e Mochakk. A presença deles não é mero detalhe – é um sinal de que o som da artista britânica começa a dialogar diretamente com o calor e a criatividade latino-americana. Agora, ela abre as janelas para o mundo, permitindo que outras vozes e ritmos invadam o seu espaço.

Há uma sensação constante de curiosidade e desprendimento que percorre o disco. PinkPantheress nunca parece querer agradar a todos, mas sim ver até onde seu som pode chegar. Ela dá espaço para outros artistas reinterpretarem suas faixas com total liberdade, e esse risco – de perder o controle sobre a própria identidade musical – é justamente o que torna o projeto tão instigante. Fancy Some More? é um convite para observar o que acontece quando um estilo tão particular é exposto à pluralidade global.

Apesar de tantos acertos, Fancy Some More? é um projeto difícil de ler como um todo. As faixas não foram feitas para serem ouvidas de ponta a ponta – e a própria artista já questionou a importância da ‘ordem’ de um álbum. Mais do que narrativa, ela oferece um mosaico: fragmentos que o ouvinte pode e precisa montar por conta própria. 

PinkPantheress – Stateside + Zara Larsson (Official Audio)

O desafio é garimpar seus favoritos entre tantas versões de uma canção (quatro só de Stateside). Zara Larsson, por exemplo, entrega uma das melhores surpresas com sua leitura da faixa: ela injeta peso e emoção a um dos momentos mais marcantes do disco, até mesmo fazendo uma referência bem-humorada à polêmica envolvendo sua recente turnê com Tate Mcrae: “Estou em turnê pelos Estados Unidos / Beijando meu garoto sueco pelo FaceTime / Quem diria que abrir me tornaria manchete?”

Infelizmente, nem tudo brilha com a mesma intensidade. Colaborações com nomes como Oklou, JADE e Bladee ficam aquém do impacto esperado, e o remix de Joe Goddard para Tonight soa mais como uma interferência do que reinvenção criativa. Ainda assim, há calor o bastante para justificar a empreitada – e alguns remixes chegam a superar as versões originais.

Por outro lado, há instantes em que o excesso de produção e o polimento digital diluem o charme minimalista que sempre definiu a artista. Parte de sua força vem justamente da timidez, da economia e das canções curtas que soam como rabiscos sonoros – suas faixas mais populares no Spotify mal passam de dois minutos e meio. Como ela mesmo já afirmou, “uma música não precisa ter mais de dois minutos e trinta segundos; não precisamos repetir um verso, nem de uma ponte, nem de um final longo”. Essa concisão, que faz dela uma figura tão singular e interessante no pop, acaba se perdendo no meio da grandiosidade do projeto.

Ainda assim, há um mérito em ver PinkPantheress explorando novas texturas e camadas. Se antes ela era vista como uma artista de nicho, agora se coloca no centro do diálogo global do pop alternativo. Ela parece consciente de que seu som é um reflexo de uma geração hiperconectada – aquela que consome e descarta em questão de segundos –, e responde a isso criando uma obra que também se comporta como uma timeline infinita, onde tudo coexiste ao mesmo tempo.

O álbum também funciona como um estudo sobre autoria e controle artístico. Ao abrir mão da centralidade, a compositora desafia o conceito tradicional de ‘dona da obra’. Em vez de proteger seu catálogo, ela o oferece como matéria-prima, permitindo que outros o distorçam, reinventem e, às vezes, até o superem. É um gesto de coragem e desprendimento raro na indústria atual, onde a imagem e o som costumam ser rigidamente protegidos por contratos e egos.

Mesmo assim, Fancy Some More? é uma celebração do agora – um gesto de abertura e curiosidade que confirma o status da cantora como uma das artistas mais inventivas de sua geração. Ao revisitar e remixar seu próprio repertório, ela testa os limites da sua estética e convida o público a fazer o mesmo. O resultado é um banquete irregular, mas generoso: pode não haver coerência perfeita, entretanto, há algo para todos os gostos – e, acima de tudo, a sensação de que o universo de PinkPantheress está só começando a se expandir.

https://spotify.link/6oDy6OcmOXb

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Victor Hugo Aguila

Após quase três anos desde seu último lançamento, Luedji Luna retornou ao mundo da Música fazendo jus ao termo “artista”. Lançado no fim de abril de 2025, Um Mar Pra Cada Um abarca as angústias e prazeres do amor – ou da falta dele. Expoente da nova face do MPB e marcando o jazz e o neo soul com sua própria identidade, a indicada ao Grammy Latino utiliza o disco como uma resposta às questões íntimas que podem atravessar qualquer um que permita revelar humanidade. 

O quarto álbum de estúdio da cantora mostra a genialidade em abordar questões tão latentes – e muitas vezes dolorosas – de maneira tão sutil e imersiva: é quase possível tatear a lírica na voz aveludada. Ainda que em foco, Luedji Gomes Santa Rita compartilha as faixas com nomes igualmente talentosos e permite que reconheçamos o talento brasileiro como ele é: visceral e estrondoso.

Desde seu surgimento, com a estreia do primeiro disco, Um Corpo no Mundo (2017), a artista sempre manteve a poesia viva em seu trabalho e se destacou enquanto liricista. Acalanto, por exemplo, se apresenta como um manifesto de autonomia, sabendo os lugares onde se cabe e como navegar pelo mundo diante de um modo controverso de enxergar a realidade. 

Mesmo que temas como afeto e autoconhecimento sempre sejam recorrentes em suas obras, a musicista se mostra cada vez mais madura. Entre seu lançamento oficial e sua versão deluxe, em 2022, o LP Bom Mesmo É Estar Debaixo d’Água (2020) demonstra aspectos fundamentais da natureza humana: o desejo, a sensualidade e como ambos se influenciam. Além disso, em quesitos técnicos, evidencia também sua versatilidade ao produzir canções com gêneros mistos, onde R&B contemporâneo, pop e eletrônica marcam presença. 

Em Um Mar Pra Cada Um, Luedji começa de maneira performática apresentando sua estética em tons frios e aveludados. Os visualizers de cada faixa representam a delicadeza de sua Arte ao mostrar animais marinhos ressoando suas formas e luzes em um ambiente escuro, fruto da pesquisa do biólogo Álvaro Migotto, algo presente também na capa do disco. Curiosamente, a transparência dos invertebrados dão pistas sobre o teor do álbum, onde a própria artista se despe de sua carapaça e se mostra cruamente a quem tem o prazer de lhe escutar. 

Todas as canções são escritas e interpretadas por Luna, que obtém sua inspiração a partir de como vive e percebe a realidade que lhe contorna. Para a Rolling Stones, a compositora esclarece que, instigada pela carência, ela busca curar suas versões passadas reconhecendo a divindade presente no fato de ser, acima de tudo, humana. A humanização de sua própria identidade configura sua tentativa de se olhar e reconhecer enquanto digna de um amor puro e real, que abarque não somente suas bagagens e demandas já existentes, mas que as transmute para um novo percurso, permanecendo concreto durante as turbulências e celebrando fielmente suas conquistas.

Resgatando sua temporalidade, o disco transmite a sensação de como é ser confrontado pelo novo: inesperado, excitante e até melancólico. A escolha de elementos que intercalam saxofone, baixo e percussão, por exemplo, mostra a riqueza das influências e seu talento para além dos vocais e composições, uma vez que também assina a produção das faixas. De maneira límpida, ela toca em um lugar de curiosidade, deixando o ouvinte com desejo de ser parte do estúdio apenas para testemunhar a criação da melodia. 

Trançando um quebra-cabeças, as delícias e controvérsias do apreço se fazem presentes no corpo do trabalho, nos mostrando como tudo tem retorno – ou não – no que tange aos envolvimentos da vida. Ainda que saibamos os possíveis danos, o prazer e o desejo carnal são mais fortes. Indo contra o destino e a própria racionalidade, a artista destrincha o início avassalador de uma paixão, mostrando como é a euforia em estar perto de quem se ama. Emoldurando sua voz com uma uma variedade instrumental palpável e doce aos ouvidos, estes se alinham perfeitamente ao desejo do que quer dizer ser íntimo, proposta central do disco. 

A intimidade em questionar a própria racionalidade em detrimento do sentir é algo muito presente nas composições e melodias de Luedji, o que nos torna espectadores de uma janela onde se enxerga o que é atravessar o mundo enquanto se é atravessado pelo desejo de encontrar alguém. A liricista transparece a ânsia de ter alguém no seu próprio tempo e como a ausência pode nos deixar, de fato, perdidos e quase loucos. É uma moeda de troca forjada na insegurança de nunca ter ou encontrar essa pessoa.

Para além dos percalços e desejos presentes no sentir, a musicista aponta a figura do amor como algo mais profundo, sendo o cerne de seu entendimento não apenas enquanto o de alguém que ama, mas como sujeito no mundo. Através dele, é possível encontrar o novo e transformá-lo em familiar. Ao amar alguém, este se torna um guia, e, como a artista mesmo diz, há a sede em assumir uma estrada que nos norteia, ainda que os medos se façam presentes. 

De maneira profunda – e até arriscada – é possível encarar o teor do disco também sob a ótica da sexualidade: querer deslizar sobre o corpo do outro, atravessando e conhecendo cada esquina. Delicadamente, Luna elabora como, em uma relação, as inseguranças ainda estão presentes, mas é necessário se permitir viver para que ela continue existindo. Ao ecoar que se mantém aberta, apesar de seus temores, ela mostra que, em alguns momentos, se perder na paixão é a forma de se encontrar. 

Ao longo de toda construção do álbum, Luedji retorna ao que já é conhecido, uma vez que regrava a canção Dentro Ali, presente em seu primeiro disco de estúdio, dessa vez em parceria com a britânica Nubya Garcia. Na música, é abordada a profundidade presente em cada processo de autoconhecimento e a importância de ser reconhecida nesse momento, principalmente quando deseja compartilhar o que sente com outra pessoa. Enquanto entoa o desejo de aceitação de suas demandas, sua voz é abraçada pelo saxofone fascinante da musicista, alcançando um efeito único e melhor adaptado.

Sem se perder apenas nas delícias do afeto, a baiana também destrincha o desejo de ser amada reciprocamente ao longo de seu trabalho. Partindo de um ponto político, as vivências e desafetos que atravessam seu corpo e o corpo de outras mulheres são pautados no disco de maneira enfática e sem eufemismos, onde recortes sociais são colocados enquanto marcadores para aprendizados profundos e pessoais. Brilhantemente, Luedji soma o coletivo não apenas como um lugar de reconhecimento e compartilhamento de experiências comuns, mas também como um ponto de cura. É no coletivo onde há também a presença da ternura. 

Aprofundando-se na lírica e em aspectos da intertextualidade, é possível estabelecer um diálogo entre as canções de Luna e as de outros artistas. Em Harém, a música, acompanhada da voz de Liniker, relata a experiência compartilhada que é inventar um amor em um local onde ele não existe. Ressoando o verso “Me diz quem eu sou na sua festa, hein?”, ambas discutem esse lugar de legitimidade. Paralelamente, o clássico do samba A Loba (2001), de Alcione, se encontra no mesmo lugar de confronto: é possível ser tudo que alguém deseja, desde que isso seja recíproco e verdadeiro, sem precisar recorrer à fantasia. Como a grande dama do samba mesmo canta: “Não nasci pra viver num harém”.

Nessa mesma ótica, Gamboa pode ser descrita como uma das metáforas mais lindas escritas por Luedji, pois mostra a sensação de alívio que é adentrar um mar que lhe abraça: na reciprocidade, se afogar torna-se um prazer. Permitir ter seu mundo explorado através da coragem em sentir é o tema central da canção, completando de forma brilhante o que Liniker, amiga pessoal da cantora, já havia incitado em Psiu. Ao cantar “Pra quem não sabia contar gotas, ‘cê aprendeu a nadar” na canção de 2020, a artista agora é respondida por Luedji que, com firme certeza, ecoa “Eu que já sei nadar, mergulhei fundo”.

Na parte final do disco, a junção de sopros está ainda mais presente, se destacando no trompete de Takuya Kuroda. Além de explorar mais sua potência vocal, Luedji traduz de maneira linda a tropicalidade e como é navegar pelo corpo de alguém que se ama: molhado, salgado e puro êxtase. Mais uma vez, ela nos narra como é delicioso se perder no mundo de outra pessoa. 

Culturalmente, é inegável o impacto da brasilidade no trabalho de Luedji Luna e vice-versa, visto que a artista destaca suas referências de maneira enfática. Explicitamente, é mister destacar a valorização da Arte brasileira em elementos como o belo trabalho de Luiz Melodia, renomado cantor e compositor carioca, ou a poesia de Beatriz Nascimento, nascida no Sergipe, ambos marcando presença no disco da soteropolitana. Fazendo releituras que se encaixem em sua identidade, a cantora empresta sua voz e sua genialidade para tornar o que já era valioso em algo inestimável. 

Engana-se quem acredita que, por ter o uso de inteligência artificial, o disco perde sua credibilidade. Extraordinariamente, a tecnologia somada à mente de Luedji resulta em uma combinação potente e surpreendente: a voz de Beatriz Nascimento lendo seus próprios versos. Mostrando a profundidade de seu trabalho, Luna resgata esse saber ancestral e demonstra a força de seu ofício, não apenas por valorizar a cultura no qual está inserida, mas também por ecoar vozes de grandes nomes que, por vezes, podem passar despercebidos ao longo das décadas. 

Para quem acompanha o trabalho de Luedji Luna, é notável um dos pensamentos principais da artista: amar o amor. Em todas suas nuances e processos, Luna nos mostra a força presente em se permitir ser vulnerável para outrem e para si. Um Mar Pra Cada Um é um afago no peito cansado e um brilho de esperança em como amar é, de fato, algo lindo. Nos dando um recado ao longo de toda sua rica carreira, é conclusivo aquilo que ela sempre nos ensinou: somos, de fato, nossa própria embarcação. 

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Arthur Caires

O principal objetivo do marketing pode ser ao mesmo tempo o seu maior erro: as expectativas. Quando o público recebe algo diferente do que imaginava, a frustração se torna a primeira e mais duradoura impressão, exatamente o que ocorreu com The Life of a Showgirl, décimo segundo álbum de estúdio de Taylor Swift. Ao evocar 1989 (2014) e reputation (2017) como referências e complementar a campanha com ensaios fotográficos deslumbrantes, a artista criou a promessa de um retorno grandioso. Ao deixar Jack Antonoff e Aaron Dessner de lado, a reunião com Max Martin e Shellback apenas intensificou essa expectativa. Swift já provou que sabe juntar batidas intensas com letras inteligentes, o que torna ainda mais evidente a sensação de decepção diante da simplicidade e falta de senso do novo disco.

O início da campanha, marcado por contagens regressivas em seu site oficial e sucessivas variações de capas, revelou-se mais desanimador do que divertido. A estratégia deixou claro que o objetivo central de Swift era ultrapassar o recorde de vendas na primeira semana, que antes pertencia à Adele com 25 (2015). Desde a multiplicidade de versões até a enxurrada de entrevistas, o modus operandi indicava um foco quase exclusivamente comercial. O que não seria um problema se as músicas fossem à altura.

O resultado, no entanto, não deixa dúvidas sobre sua eficácia: The Life of a Showgirl estreou no topo da Billboard 200, com impressionantes 4 milhões de unidades equivalentes vendidas em apenas sete dias, sendo 3,4 milhões em vendas puras. Com esse desempenho, Swift conquistou seu 15º álbum número 1, superando Drake e JAY-Z, e se consolidando como a artista solo com mais estreias no topo da parada.

A criação de expectativa não se restringiu apenas à campanha do disco, mas se estendeu ao próprio trabalho. As quatro faixas iniciais constroem uma falsa sensação de segurança, sugerindo um projeto mais coeso e ambicioso do que o que realmente se concretiza. A escolha de The Fate of Ophelia como primeiro single foi acertada: o pop melódico, que rapidamente foi transformado em tendência no TikTok, reimagina a trágica personagem de Hamlet, trazendo uma combinação de narrativa literária e apelo contemporâneo que conecta o público à temática showgirl.

Na sequência, Elizabeth Taylor se encaixa perfeitamente na narrativa, com versos como: “Você só é tão relevante quanto o seu último sucesso”, sintetizando o tema central de uma performer: a pressão constante sobre mulheres na indústria para entregar seu próximo grande sucesso. Opalite, apontada como possível segundo single, demonstra que Swift ainda sabe criar músicas alegres e cativantes, com batidas envolventes dignas de um hit de verão. Já Father Figure se destaca por interpolar a clássica faixa de George Michael e abordar as dinâmicas de poder e exploração dentro da indústria musical, levantando especulações de que a composição reflete experiências pessoais de Swift com executivos como Scott Borchetta.

O deslize começa com Eldest Daughter, surpreendentemente posicionada como a track five. Embora a ponte seja um ponto alto, o verso “I’m not a bad bitch and this isn’t savage” talvez figure entre os piores momentos líricos de sua discografia. Swift deu a entender que a simplicidade se deve à verborragia de seu antecessor, THE TORTURED POETS DEPARTMENT. Ainda assim, essa escolha não se sustenta como desculpa para a superficialidade. Midnights (2022), por exemplo, é a prova de que é possível equilibrar identificação e profundidade, criando composições inteligentes sem abrir mão de qualidade ou sensibilidade artística. A tentativa de tornar o projeto mais palatável ao grande público soa, portanto, como um retrocesso; especialmente para uma artista cuja força sempre residiu na complexidade emocional de suas narrativas.

Infelizmente, o desapontamento não para por aí. Swift parece ter ouvido o meme So Happy That My Travy Made It to The Big Game e decidiu fazer a sua própria (Taylor’s Version). Honey e Wi$h Li$t ilustram esse descompasso: são letras que beiram o constrangimento, soando como paródias geradas por inteligência artificial. Honey, em especial, parece ser um descarte de I Said I Love You First (2025) de Selena Gomez e Benny Blanco, tentando emular o trap de thank u, next (2019), de Ariana Grande.

Ainda assim, é importante ressaltar que felicidade nunca foi sinônimo de mediocridade no repertório de Swift. Lover (2019), apesar dos pesares, comprova que a cantora é perfeitamente capaz de criar canções leves e divertidas sem sacrificar coesão ou inventividade. O próprio The Life of a Showgirl guarda lampejos dessa habilidade: se esquecermos sobre quem e o que realmente se trata, Wood é uma faixa que brinca com ambiguidade e superstições, embalada por uma produção contagiante que remete a I Want You Back, do The Jackson 5.

A discrepância entre estética e som não seria um problema se o visual ao menos dialogasse com a proposta temática. The Life of a Showgirl foi promovido como uma imersão na vida de uma performer – uma personagem que vive sob os holofotes, mas permanece enigmática fora deles. No entanto, a própria Swift parece negar o convite que faz: na esquecível faixa-título, com participação de Sabrina Carpenter, ela canta: “Você não conhece a vida de uma showgirl / E nunca vai conhecer” – e, de fato, nunca saberemos.

A liberdade criativa, aqui, se torna um mau agouro: as canções soam apressadas, escritas no automático, sem a lapidação característica da artista. Produzido em ritmo descompassado, entre apresentações da The Eras Tour na Europa e viagens à Suécia para reencontrar Max Martin, o disco parece mais preocupado em existir do que em dizer algo. Em meio a um repertório que deveria explorar as contradições da fama e do espetáculo, encontramos uma canção sobre um romance de ensino médio que termina em suicídio – uma escolha tonalmente deslocada e narrativamente incoerente.

No meio desse turbilhão de informações pelo menos temos uma diss track divertida e que gera polêmica. Actually Romantic surge como uma suposta resposta ao desabafo de Charli XCX em Sympathy is a knife, de BRAT (2024). “Ouvi dizer que você me chama de ‘Barbie sem graça’ quando a cocaína te dá coragem / E ainda fez uma música dizendo que passa mal só de ver meu rosto”, canta Swift, em versos que dispensam sutilezas. Ao contrário do que dizem alguns moralistas seletivos, é ingênuo acreditar que a faixa se limita a um recado unicamente à música da britânica – que, sim, é a melhor entre as duas. Mesmo assim, Swift parece mirar em algo maior: o duplo padrão que rege o pop contemporâneo, no qual o deboche é celebrado como cool e a indiferença é subestimada. Se Charli XCX pode ser brat, por que Taylor Swift não pode responder à altura?

Quando tratamos da mensagem do álbum, não há como negar que, no contexto político e social dos Estados Unidos, lançar um trabalho deliberadamente apolítico é, por si só, uma escolha política – e, neste caso, uma escolha conservadora. Não se trata de acusar Taylor Swift de ser republicana ou alinhada à direita – ela já se provou contrária à esse posicionamento. Porém, trata-se de reconhecer que: o presidente dos EUA fala mal de você quase toda semana, sério que você prefere falar da ‘madeira’ do seu noivo e que você não liga pra Charli XCX? Evidentemente, não há nada de errado em querer falar sobre amor ou desafetos, mas o silêncio em torno do mundo ao redor soa, no mínimo, complacente. Em tempos tão polarizados, a ausência de posicionamento também comunica algo – principalmente quando parte de uma das figuras mais influentes do mundo.

O problema não é que Swift precise se tornar porta-voz de causas sociais ou comentar cada pauta do noticiário, e sim, a forma como o disco parece desconectado da realidade. Ao lançar faixas como CANCELLED!, em que diz gostar que seus amigos sejam ‘cancelados’, e ao se manter próxima de figuras associadas ao trumpismo – como Brittany Mahomes –, Swift acaba emitindo mensagens ambíguas que podem reforçar discursos com os quais ela não se alinha. Mesmo sem intenção, seu distanciamento das discussões acaba soando como indulgência.

Em uma entrevista recente, Swift afirmou que aprendeu a “não levar as críticas muito a sério” – um comentário que, à primeira vista, soa maduro, mas revela um certo privilégio. É fácil ser acima das críticas quando se está blindada por dinheiro e uma base de fãs imensa. Essa postura reflete uma velha manobra do feminismo liberal: performar empoderamento enquanto se foge de qualquer tipo de responsabilidade política. Em um cenário cultural cada vez mais conservador, essa escolha ideológica não é neutra; é, na verdade, o reflexo de um sistema que recompensa quem decide não se posicionar.

É inegável que Taylor Swift já entrou para a história da música. Seu impacto comercial e artístico é inquestionável, consolidando-a como uma das maiores cantoras de sua geração. Porém, quando se fala em lendas, também se fala de transformação, de legado cultural e social. Madonna, Michael Jackson e os Beatles ultrapassaram as barreiras do som: influenciaram comportamentos, modos de vestir, formas de pensar. Falar da epidemia de AIDS é falar de Madonna; de contracultura, dos Beatles; de igualdade racial, de Michael Jackson. Todos eles deixaram marcas que ecoaram além dos palcos. No caso de Swift, a pergunta que permanece é: qual é o impacto que fica quando tiramos os números da equação?

Não é que Swift nunca tenha se posicionado. Ela já defendeu os direitos dos artistas, criticou a exploração de plataformas como Apple Music, falou sobre a venda de seus masters e se manifestou politicamente nas eleições de 2020 e 2024, além de apoiar a causa LGBTQIAPN+. Mas, diante do alcance que conquistou, suas ações parecem tímidas diante do potencial transformador que carrega. Hoje, Swift tem liberdade e poder suficientes para lançar qualquer tipo de obra que será comercialmente um sucesso. Por isso, a neutralidade, especialmente vinda de alguém que molda a cultura pop contemporânea, também comunica uma mensagem, e talvez mais forte do que se imagina.

Entender essa opção exige também reconhecer o contexto em que ela está inserida. Vivemos um momento em que as pessoas são constantemente cobradas por posicionamentos e, ao mesmo tempo, ameaçadas por eles. Casos recentes como o assassinato de Charlie Kirk e a suspeita de um ataque terrorista em um de seus shows em 2024 mostram que se expor pode ter consequências graves. Mas isso apenas reforça o tamanho da influência que ela tem: Taylor Swift está em um patamar em que tudo o que faz, ou deixa de fazer, reverbera globalmente. Mais do que sucesso, ela tem poder. E a questão que permanece é a mesma: o que ela faz com ele? Se lendas se tornam lendas por transformarem o mundo além da arte, talvez o maior desafio de Swift seja decidir que tipo de transformação quer deixar como legado.

Em meio a um cenário tão polarizado, é difícil discutir Taylor Swift sem tocar em algo mais profundo – o modo como consumimos cultura hoje. Existe um fenômeno, que levaria meses de pesquisa: o efeito que ela exerce sobre as pessoas, tanto positiva quanto negativamente. De um lado, há os fãs que a veneram de forma parassocial, incapazes de aceitar qualquer crítica contrária; do outro, os detratores que distorcem fatos e sacrificam o próprio senso crítico apenas para atacá-la. Ambos os polos se retroalimentam, mantendo acesa uma disputa que ultrapassa o campo da música e invade o da identidade, da moral e até do pertencimento social. Nesse fogo cruzado, o debate racional se torna raro, e talvez seja justamente essa intensidade que explica parte do fascínio em torno dela.

Nesse sentido, The Life of a Showgirl é um reflexo. Um espelho que devolve à própria artista, à indústria e ao público o espetáculo que todos ajudamos a construir. Taylor Swift pode parecer acomodada em sua mitologia, porém seu trabalho ainda provoca. Talvez o maior mérito deste disco não esteja em inovar musicalmente, mas em nos obrigar a olhar para o que projetamos nela – nossas idealizações, frustrações e contradições. Gostando ou não, ela segue cumprindo um dos papéis mais legítimos da Arte: o de gerar desconforto, debate e reflexão.

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Vitória Mendes

FUNNY little FEARS, lançado em 16 de maio de 2025 pela Sony Music Italy, é o álbum que marca o início da carreira solo de Damiano David. Nessa produção, o jovem artista enfrenta seus medos e, em uma tentativa de provar que pode ser mais do que uma estrela do Rock, se aventura em novos estilos, melodias e estéticas. Surpreendendo aqueles que o acompanharam nos últimos anos através do grupo Måneskin, Damiano não se intimida e faz o Pop imperar neste disco.  

Nos últimos oito anos, seu estilo musical era essencialmente rock e hard rock, ambos sendo explorados em todas as nuances e alternativas. Durante sua época no grupo e em momentos decisivos como o Eurovision Song Contest de 2021, Damiano reforçava que “o rock and roll nunca morre”, mas hoje aproveita a oportunidade para se afastar do gênero e experimentar outras opções, começando com o Pop comercial. 

Para os fãs antigos, esse é o tipo de álbum que você ama ou odeia. Durante 48 minutos, o artista nos apresenta 14 faixas com algumas similaridades, mas sem uma narrativa interligada. Apesar disso, cada faixa é bem construída dentro de sua proposta individual. FUNNY little FEARS revela o propósito de Damiano de falar sobre os medos incomuns e irracionais que atingem profundamente aquele que o sente, causando uma sensação de desespero que marca presença na maior parte das músicas em contextos distintos.

Em uma combinação de instrumentos e ritmos já vistos em outras produções do Pop mainstream, Damiano explora a liricidade e a harmonização. O artista é capaz de realçar os sentimentos enraizados no âmago do ser humano, evidenciando o medo, a dor de um coração partido, a luta pela superação e a veneração de um amor profundo. Intrínseco a isso, há a constante insegurança e desejo de ser aceito e amado apesar de todas as vulnerabilidades, aversões e de suas tentativas de autossabotagem retratadas em Born With a Broken Heart e Perfect Life.

Em cada frase e refrão, é possível sentir a intensidade de cada sensação. Desde ser assombrado pelo fantasma de um relacionamento que tinha o potencial de dar certo em Voices e Next Summer, até a completa devoção para com a pessoa amada aponto de que nem mesmo uma divindade ou a extinção da humanidade têm o poder de afetar a conexão tão apreciada em The First Time e Mars. Toda essa urgência reflete e é desenvolvida na musicalidade e nos acordes vocais, que condizem e emocionam.

Para complementar a produção e trazer um toque único, Damiano também se uniu a nomes promissores da indústria musical como Suki Waterhouse, d4vd e Labrinth. Outra presença marcante, apesar de não ser considerada colaboradora direta, é Dove Cameron no último refrão de Zombie Lady, que trouxe um toque leve e romântico contrastando com a aspereza do italiano.

Em sua própria individualidade, Damiano caminha por seus temores e sua dificuldade em consertar aquilo que, em uma visão insegura, está quebrado. Com isso, traz também um tom calmo, melancólico e dramático para as últimas faixas do álbum. O artista nos faz refletir sobre a importância de compreender os próprios medos e convida o ouvinte a ouvi-lo e entendê-lo em Solitude (No One Understands Me).

Desde o primeiro contato, prevalece a nostalgia do Pop mainstream dos anos 2010 com músicas vibrantes e energizantes. Apesar da similaridade instrumental das faixas, principalmente no refrão, a obra completa funciona bem. Contudo, a identidade de Damiano como artista solo ainda não está consolidada. Pela exploração de um novo estilo e o distanciamento das produções passadas, é justificável realizar uma mudança de público de forma lenta e constante. O italiano não se arriscou e ficou no básico, mas é preciso lembrar que o básico também funciona.

É evidente que a composição não é inovadora, mas possui significados e uma boa liricidade. Também são complementadas com trocadilhos, ditados populares, referências a acontecimentos e falas em público, e até mesmo a personagens de A Noiva Cadáver de Tim Burton e da série Friends. A cada início de faixa, há uma expectativa de se destoar da anterior, mas com o passar dos segundos, acontece o oposto. Apesar de se encaixar na proposta, impediu que faixas como Tango saíssem do genérico.

No entanto, não é possível negar que Damiano provou que sabe unir o instrumental com o sentimento de cada faixa e provocar uma onda de emoções ao público. A intensidade colocada nas palavras é admirável e combina com o vocal amplo e poderoso do cantor, que tenta diminuir a aspereza que utilizou por anos no hard rock e deixa a voz mais limpa, clara e sólida durante toda a produção. 

FUNNY little FEARS proporciona a entrada de Damiano David no Pop e oferece a margem necessária para que ele se aventure no universo musical. Com seu alto apelo emocional e com as diversas mensagens que traz a cada faixa, o álbum é bem construído e entrega exatamente o que promete: uma nova versão do artista que o público não conhecia.

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Guilherme Barbosa

Desde sua estreia notável com De Primeira, Marina Sena tem trilhado uma jornada louvável na música brasileira. Transitando maravilhosamente entre o pop, a MPB e outros ritmos, seu estilo singular rapidamente cativou o público, garantindo-lhe um lugar de destaque no cenário mainstream do Brasil. Em Vício Inerente, a mineira demonstrou ainda mais audácia, explorando ritmos urbanos e experimentações sonoras que evidenciaram sua identidade artística. Agora, com o lançamento de Coisas Naturais, ela consolida essa evolução de forma surpreendente, apresentando um trabalho mais maduro, criativo e conectado com suas influências. Essa nova fase mostra que a cantora não tem medo de inovar e está sempre expandindo suas sonoridades e visuais de um jeito único.

Em seu terceiro disco, a cantora, mesmo utilizando sonoridades mais experimentais e com um apelo comercial, talvez menor que em seu trabalho anterior, entrega um conjunto coeso e cheio de sutilezas. A produção musical de Janluska revela diversas camadas sonoras que harmonizam elementos do samba, MPB, bossa nova, funk e pop, como apresentado em Carnaval. Se nos álbuns precedentes a artista mineira já evidenciava talento para transitar por diversos gêneros, aqui ela atinge a maestria.

A composição em Coisas Naturais também merece reconhecimento especial. Marina sempre explorou temas como a reconexão com a natureza, o autoconhecimento, o amor em suas variadas manifestações e a passagem do tempo, mas assim como a produção, aqui também se torna nítida a sua evolução e habilidade artística. As canções falam sobre crescimento pessoal, da busca pela paz interior e da aceitação da natureza transitória da vida, revelando uma maturidade não só artística como também pessoal, como revelado pela cantora em uma audição exclusiva do álbum antes do lançamento para fãs. 

Desde o lançamento do lead single do álbum, Numa Ilha, em dezembro de 2024, já era esperado que o novo disco transcendesse o que foi apresentado em Vício Inerente. Coisas Naturais não somente cumpre a expectativa como a supera, costurando os diferentes ritmos entre as faixas com clamor. Marina atinge o ponto alto da sua nova obra logo na terceira faixa. Desmitificar é uma canção forte, com batidas vibrantes, daquelas que foram feitas para ouvir no último volume e cantar bem alto em um show ao vivo. E, como em toda sua discografia, não poderiam faltar músicas voltadas para a autossuficiência, muito bem representadas por Voltei pra Mim e Pra ficar comigo em seus trabalhos anteriores. O pódio fica para Ouro de Tolo, onde Marina usa o violão e cria uma melodia daquelas gostosas de ouvir, como ficou evidente em seu evento de audição do álbum, onde cantou a música ao vivo para o público.

Desde seu lançamento, Coisas Naturais tem sido alvo de elogios vibrantes tanto da crítica especializada quanto do público. O disco tem performado muito bem nos charts, se tornando o 5º álbum nacional da história a ocupar simultaneamente todo o Top 10 da Apple Music Brasil e já acumulou mais de 70 milhões de streams no Spotify. O show de estreia da nova turnê aconteceu no Espaço Unimed, em São Paulo, que tem capacidade para 8.000 pessoas e teve  todos os ingressos vendidos. Os resultados e a recepção do público comprovam como Marina tem ido pelo caminho certo, sempre evidenciando sua autenticidade.

Atualmente, Marina Sena se destaca como um dos grandes nomes que transformam a música popular brasileira. Sua habilidade em mesclar referências tradicionais com o contemporâneo a posiciona de forma privilegiada no cenário musical. Com Coisas Naturais, ela reafirma a possibilidade de inovar sem renegar as raízes, honrando a tradição musical brasileira enquanto aponta para o futuro. Sua obra estabelece um diálogo tanto com a tradição do Clube da Esquina quanto com as batidas modernas do pop internacional, criando uma sonoridade singular e atraente. A contribuição de Marina vai além de suas canções: ela representa uma geração que busca liberdade estética, identidade própria e autenticidade em um tempo marcado pelo excesso de fórmulas simplistas.

O impacto de seu novo trabalho se estende para além das paradas musicais. Ao abraçar uma sonoridade mais orgânica e explorar temas introspectivos, ela abre caminho para que outros artistas se sintam encorajados a seguir suas próprias verdades artísticas. A forma como Marina se conecta com o público, seja através de letras que ressoam com experiências universais ou performances energéticas, demonstra que a autenticidade é um pilar relevante em sua carreira. O álbum não é apenas um sucesso comercial, mas também um catalisador para uma nova onda de experimentação na música brasileira, provando que é possível equilibrar a inovação artística com o reconhecimento popular.

Coisas Naturais é, sem dúvida, um marco na discografia de Marina Sena e um dos melhores álbuns brasileiros lançados recentemente. É uma obra que atesta a coragem em amadurecer, reinventar-se e aprofundar suas criações. O álbum provoca uma experiência sonora envolvente, emotiva e admirável, consolidando Marina como uma das vozes mais autênticas de sua geração. Em um cenário musical frequentemente caracterizado pela repetição, é revigorante acompanhar uma artista que valoriza tanto a qualidade quanto a verdade artística. Marina Sena, com seu talento e ousadia, demonstra que elementos naturais, quando cultivados com esmero, podem florescer em criações raras e preciosas na música.

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Arthur Caires

Em uma era em que o entretenimento parece girar em torno de reembalar o passado – seja em forma de séries recicladas, live-actions que ninguém pediu ou o saudosismo Y2K nas músicas –, é raro ver alguém navegar por esse mar de referências com autenticidade. A nostalgia virou estratégia de marketing, e o resultado quase sempre escorrega na superfície: muito glitter, pouca substância. 

É por isso que Addison, álbum de estreia de Addison Rae, chama atenção. Mais conhecida pelo seu sucesso nas redes sociais, Rae surpreende ao construir uma identidade musical própria e bem definida. Com referências claras a ícones como Madonna, Britney Spears e Lana Del Rey, ela mostra que tem mais a oferecer do que se imagina – e que, ao contrário do que o público pode esperar, seu repertório cultural vai muito além dos hits virais das dancinhas. Com coesão e personalidade, Addison Rae entrega um dos debuts mais marcantes desde quando Olivia Rodrigo lançou SOUR em 2021.

Para entender o que Addison representa como álbum, é preciso revisitar a jornada da própria artista. Addison Rae se tornou um rosto conhecido como uma das maiores estrelas do TikTok, viralizando com coreografias e dublagens que a transformaram em fenômeno digital. Mas ela nunca se limitou à tela do celular: buscou espaço também no cinema, com a comédia He’s All That da Netflix, e no mundo dos negócios, ao lançar sua própria linha de maquiagem. 

Sua primeira tentativa na música veio em 2021, com o single Obsessed, produzido por Benny Blanco, que teve uma recepção morna. Depois disso, Rae ficou em silêncio – até que, em 2023, uma leva de demos vazadas reacendeu o interesse do público. A coletânea, conhecida como AR, trouxe faixas como 2 Die 4, que, apesar das críticas, já indicava o potencial de Rae para algo maior.

O que veio a seguir foi, na prática, um rebranding. Com o apoio decisivo de Charli XCX – que não apenas virou mentora, como também a ajudou a conquistar credibilidade no universo pop ao incluí-la no remix de Von dutch –, Rae passou a construir sua persona artística com mais consistência. Participou do Coachella ao lado de Arca, lançou singles com videoclipes bem produzidos e começou a ser reconhecida por um trabalho que ia além da estética viral.

O primeiro indício de que Addison Rae estava construindo algo maior do que apenas um hit viral surgiu em agosto de 2024, com o lançamento de Diet Pepsi. Embalada por sintetizadores nostálgicos e vocais que remetem diretamente às entonações de Lana Del Rey, a faixa conquistou o público com seu refrão viciante e atmosfera etérea. Mais do que um bom single, funcionou como um manifesto estético: dali em diante, cada lançamento seria tratado como uma mini-era com identidade própria, acompanhada de videoclipes meticulosamente produzidos e uma curadoria visual que sustentava o universo que Rae começava a construir.

Entre os destaques dessa sequência está High Fashion, lançada em fevereiro de 2025. Com produção trip-hop e aura hipnótica, a faixa foi rapidamente comparada à sonoridade de Blackout, o clássico cult de Britney Spears – e não à toa. Tanto Rae quanto Britney são filhas do interior de Louisiana, e compartilham mais do que a geografia: High Fashion bebe diretamente da fonte de Heaven On Earth, com vocais sussurrados, pulsos eletrônicos sensuais e uma entrega performática que evoca o glamour de uma estrela determinada a conseguir o que quer.

Em Headphones On, lançada em abril de 2025, Addison Rae mergulha ainda mais fundo em suas referências densas e sofisticadas, agora evocando o introspectivo trip-hop noventista com um toque inesperado de new jack swing. A faixa, que fala sobre encontrar refúgio na música em meio ao caos exterior, soa como um diário íntimo da cantora. É aqui que Rae se aproxima da Madonna dos anos 90 – mais especificamente da fase Bedtime Stories e Ray of Light, em que a Rainha do Pop flertava com gêneros eletrônicos para expressar vulnerabilidades e desejos com mais maturidade. Assim como Madonna naquela época, Rae parece interessada em construir camadas emocionais por meio de texturas sonoras, transformando uma experiência de escapismo em algo quase espiritual.

A coesão de Addison não se revela apenas na estética bem amarrada ou nos videoclipes meticulosamente pensados, mas também no núcleo criativo por trás do disco. Produzido inteiramente por duas mulheres – Elvira Anderfjärd e Luka Kloser, pupilas diretas da escola Max Martin – o disco aposta em uma sonoridade consistente, que sabe brincar com o exagero, a sensualidade e a introspecção sem jamais parecer desorientado. As letras oscilam entre o humor irônico e a vulnerabilidade sutil, mostrando que Rae não tem medo de rir de si mesma, mas também sabe exatamente o que está fazendo. É essa combinação entre inteligência estética e autopercepção que a distancia de outros projetos “conceituais” que acabam engessados pela própria ambição.

Um ótimo exemplo disso é Fame Is a Gun, faixa em que Rae reflete sobre o poder e o peso de ser constantemente observada. Aqui, vale um paralelo inevitável com Piece of Me, de Britney Spears. Ambas abordam a fama como arma, porém com perspectivas bem distintas. Enquanto Spears expunha a brutalidade da exposição pública em um momento em que não controlava a própria narrativa, Rae canta sobre a fama como algo que ela deseja, domina e sabe usar a seu favor. A diferença entre as duas está no tempo e no contexto: se Spears pavimentou o caminho com trauma e resiliência, Addison Rae é parte de uma nova geração de popstars que herdaram esse legado – e agora têm as ferramentas para contar suas próprias histórias sem pedir permissão.

Addison Rae talvez não esteja tentando mostrar quem ela é, mas sim lembrar ao público o que o pop pode e deveria ser. Addison não tenta soar mais profundo do que realmente é, e essa honestidade é uma das maiores virtudes do álbum. Em vez de mergulhar em metáforas complexas ou criar enigmas para os fãs decifrarem, ela entrega letras diretas, refrões marcantes e melodias que grudam na cabeça sem pedir desculpas por isso. É um disco que convida à diversão, ao escapismo e, por que não, ao puro prazer de se sentir famosa ouvindo música no fone de ouvido.

E mesmo com toda a estética nostálgica – da capa saída direto dos anos 2000 ao uso estratégico de referências que dialogam com a história do pop –, Addison não soa como uma cópia. Ela sabe usar o passado como material de construção, não como muleta. Ao longo do álbum, sua entrega vocal e carisma revelam alguém que compreende o jogo da fama e joga com entusiasmo, sem perder o controle da própria narrativa. Em Times Like These, quando ela ouve a si mesma no rádio e diz “Vamos ver quão longe eu vou”, não soa como dúvida; e sim como uma provocação.

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Isabela Nascimento

Em Fevereiro deste ano, Tucker Pillsbury lançou o deluxe do seu disco mais recente, Kansas Anymore (The Longest Goodbye). A sua nova versão traz quatro músicas inéditas, colocando o ponto final na sua última história de amor.  A versão original foi lançada em Julho de 2024, como seu segundo álbum de estúdio, Kansas Anymore. Nessa produção, o cantor traz uma nova versão de si mesmo, abandonando sua persona rapper apresentada no seu primeiro disco, Rx (2022). Nesse novo projeto, o americano se apresenta como um artista de pop rock, com influências do country atual. Essa troca de estilo fez público conhecer o outro lado de Pillsbury e ajudou a chamar uma fanbase mais engajada.

No primeiro álbum lançado, ele celebra seu relacionamento com a youtuber e influencer de sucesso, Emma Chamberlain. Os dois ficaram juntos por dois anos, tendo o anúncio oficial de namoro na edição de 2023 de dias dos namorados da GQ, revista norte-americana. O projeto de 2024, reflete sobre o término desse namoro. Tucker Pillsbury contempla, nesse CD, como o fim do romance foi difícil para ele e a paixão que ainda existia pela sua ex-amada. O maior exemplo é a música Deeply Still In Love.

Na última faixa do disco original, Something, Somehow, Someday, há um toque de desilusão e amor que somente uma pessoa vivendo com um coração partido pode proporcionar. O tom de esperança de que poderemos ver eles juntos novamente enriquece o álbum ainda mais. Mesmo o cantor trazendo esse sentimento de um amor não superado nas outras letras, essa é a mais honesta e tocante. Nela, Pillsbury lista as diferenças entre o músico e sua ex-namorada, enquanto ele é uma pessoa perdida e com problemas de vícios, ela é organizada, centrada e decidida, porém, ainda com personalidades contrárias, Role Model acredita que a sua musa voltará para ele de algum jeito. “Mas eu acredito que eles são feitos um para o outro/Algo, de algum modo, algum dia/Sim, acredito que eles são feitos um para o outro”, o artista canta.

Em Fevereiro deste ano, o artista lançou a versão deluxe do seu segundo álbum de estúdio. Nas novas músicas adicionadas, Pillsbury continua pensando em Emma Chamberlain, mas diferente do disco original que mostra o cantor ainda apaixonado, as novas faixas adotam um tom de nostalgia. As memórias já estão distantes, sendo contadas apenas como lembranças do passado. 

Kansas Anymore (The Longest Goodbye) abre com a faixa Old Recliners, produzida por Noah Conrad, que tem uma base calma e simples, se unindo de forma agradável às outras músicas do álbum. Na letra, Tucker Pillsbury continua remoendo a partida da sua ex-namorada. Ele diz que ainda pensa nela e nos dias que passaram juntos, em suas últimas palavras para Chamberlain no término e, por fim, como a perda dela fez o artista se sentir sozinho e perdido. A faixa é bem gostosa de ouvir, tem uma melodia que parece ter sido inspirada nas produções country que, ao se unir a letra, traz um sentimento nostálgico, como se o cantor estivesse se lembrando de memórias distantes.

Em contrapartida, Sally, When the Wine Runs Out, é totalmente diferente de tudo que ele apresentou neste CD, ao mesmo tempo que a faixa se complementa, naturalmente, a ele. Nessa música, Pillsbury conta sobre Sally, uma mulher que ele conheceu no bar e como ela o deixou intrigado. Essa canção é a mais animada e dançante do deluxe, tem uma letra ‘bobinha’, porém divertida, com aquele toque de quem está se apaixonando e também nos mostra que Role Model já não se lembra dos amores e corações partidos do seu passado. Essa é a faixa que está se destacando mais depois do lançamento, ela ganhou um videoclipe simples, mas com a cara do artista e já tem mais de dez milhões de streamings nas plataformas digitais.

Some Protector é a volta da conversa sobre sua ex, porém, de uma forma diferente. Agora, Tucker Pillsbury questiona sobre os sentimentos que restaram após superar seu antigo amor, ele diz que se sente como um protetor dela. “Sim, eu sou, e sempre serei um tipo de protetor”. Ele também menciona como essa ‘conversa’ está estendida e como sabe sobre isso, mas não consegue ignorar as dúvidas da cabeça dele acerca desses pensamentos.

A música começa com um violão simples e um coro ‘baixinho’, que vai aumentando gradualmente. Mesmo não sendo a melhor faixa do deluxe, você consegue entender a escolha dela para o disco, mostrando como Pillsbury está confuso sobre esses sentimentos e, quando você entende que esse álbum apresenta todos os estágios do término, faz ainda mais sentido.

A última faixa recebe o nome The Longest Goodbye e é, de longe, uma das músicas mais interessantes do álbum. Em entrevista a Travis Mills em seu programa The Travis Mills Show na Apple Music, Tucker Pillsbury diz que estava incerto sobre ter essa música no deluxe, mas, após analisar, ele resolveu adicionar. “Eu senti que essa música fechava o álbum, mas a última canção da versão original (Something, Somehow, Someday) tinha esse mesmo efeito […] Porém, eu não poderia deixar de fora, principalmente ouvindo ela com as outras faixas e, também, ela foi feita em um momento especial com os meus colaboradores”, ele finaliza.

A faixa tem presença de mais instrumentos e uma produção mais refinada. Há referências do jazz e de músicas da década de 1990. A letra é a sua última despedida, o cantor se lembra, novamente, do término, mas com um tom de distância como se não doesse mais e fosse um passado distante. Ele finaliza dizendo que não a ama mais, porém, espera que o novo amor dela a trate bem. A composição é curta e sem rodeios, a mensagem é bem clara e direcionada a sua ex. Quem escuta consegue notar os sentimentos não cantados nela e que a sua jornada, finalmente, chegou ao seu final. 

As músicas adicionadas fazem jus ao nome Kansas Anymore (The Longest Goodbye). Essa foi a devida despedida ao seu grande amor, as letras mostram a caminhada final antes de fechar essa porta, a nostalgia dos bons momentos, o encontrar de uma nova pessoa e, por fim, o adeus para essa história. Não existia maneira melhor de terminar esse álbum, Role Model acertou totalmente com as escolhas da faixa. Mesmo em alguns momentos soando repetitivo, você entende as escolhas, porque as músicas não eram, exatamente, para os fãs em si e, sim, para ela.

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Livia Queiroz 

Você é do tipo de pessoa que vive juventude de forma leve e que preza pelo maior número de experiências possíveis, de certo modo, inconsequente, ou do tipo que se vê preocupada com o presente e o futuro, parecendo muito madura para sua própria idade? Não se preocupe, ambas situações são normais na vida de um adolescente. É sobre essa fase memorável que Sabrina Carpenter canta em seu debut. Eyes Wide Open te leva em uma jornada pela adolescência em sua essência: erros, acertos, paixões, amizades e inseguranças. 

Lançado em Abril de 2015, o álbum de estreia da diva pop do momento é avassalador para qualquer jovem que passou por pelo menos uma das situações musicalizadas. Iniciando com um single que intitula a obra, Eyes Wide Open é uma narrativa sobre o autoconhecimento, navegando sobre o crescimento dentro da juventude, o que isso significa dentro de sua realidade e o questionamento sobre como se manter firme para seguir em frente, enfrentando os desafios da vida, mesmo sabendo que tudo é passageiro. Apesar da maturidade, sua construção musical não transparece esse conceito, apresentando uma instrumentalidade semelhante às conhecidas por aparecerem em filmes e seriados da Disney (canal em que ela fazia suas participações como atriz), com palmas coletivas e sonoras de carrilhão. Nesse sentido, interpreta-se uma dualidade de sentidos; mesmo que amadurecida, a cantora segue tendo 16 anos com sua ingenuidade natural. 

Em conexão com essa face inocente e feminina, Sabrina Carpenter apresenta Can’t Blame A Girl For Trying – a canção perfeita para uma estrela da Disney Channel –, que contrapõe a independência do primeiro single, com a ânsia por amores adolescentes e uma narrativa sobre erros em relacionamentos pela impulsividade e paixões momentâneas. Diferentemente da primeira música do álbum, esta se limita a poucos instrumentos, com um ukulele e um violão em harmonia, para criar uma atmosfera jovial e divertida e mostrar uma versão mais ‘brincalhona’ da cantora. Tal música combinou muito mais com seu estilo vocal do que Two Young Hearts e Eyes Wide Open, que são desafios vocálicos para uma jovem – ainda em fase de crescimento – devido à oscilação rápidas no tom de voz e a compatibilidade das notas com o timbre contralto. 

Em contraste, o combo perfeito para a ‘Short n’ Sweet princess’ foram White Flag e Seamless. Respectivamente escritas por Jason Ingram e Chelsea Lena (junto de Sabrina), as canções abordam temas diferentes mas com ritmos semelhantes. Em uma musicalidade dançante e o retorno do carrilhão, White Flag trata – assim como a primeira música do álbum – sobre resiliência, solidão, a batalha perante os obstáculos no caminho dos objetivos e a aceitação dos erros. Apesar da presença de temáticas amorosas e reflexões interiores, algumas faixas trazem a leveza da amizade verdadeira, assim como Seamless, exaltando a conexão profunda entre duas pessoas, possibilitando uma compreensão íntima uma com a outra mesmo sem verbalizar. 

Outrossim, muitos compositores formaram a equipe de produção do disco, incluindo algumas figuras famosas como Matthew Tishler – compositor de várias canções da Disney – e a cantora e compositora Meghan Trainor. A estrela de Hollywood escreveu tanto o single Can’t Blame A Girl For Trying quanto Darling I’m Mess, da qual participou como backing vocal. Dentro desse fator, é possível observar a mudança participativa de Sabrina Carpenter dentro de suas obras, pois em uma comparação deste álbum com seus trabalhos mais recentes como emails i can’t send (2022) e Short n’ Sweet (2024), por exemplo, ela participa de todas as composições.  

Portanto, Eyes Wide Open é um álbum de estreia da cantora norte-americana feito para adolescentes que discute, em sua essência, assuntos profundos mas tratando-os com leveza. Entretanto, apesar de, na época, ser conhecida por suas atuações na emissora infantil, sua carreira como cantora só foi, de fato, revelada com o lançamento do single Thumbs (2017). Nesse sentido, mesmo sem ter sido reconhecida em seus primeiros anos de carreira musical, ela insistiu na área e, uma coisa é certa, you can’t blame a girl for trying, afinal, 10 anos depois, Sabrina Carpenter virou uma das maiores divas pop da atual geração.  

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Arthur Caires

Selena Gomez tem uma carreira musical carregada de hits. Desde o começo, quando estava fazendo músicas contratuais para a Disney, ela entregava ‘farofas’ marcantes como Slow Down e Love You Like A Love Song. Já em 2015, quando conseguiu mais controle artístico com Revival, ela foi pioneira no pop ASMR com as deliciosas Hands To Myself e Good For You. Na era dourada dos singles avulsos em 2017, a cantora lançou algumas de suas melhores faixas, como Bad Liar e Fetish. Até mesmo o Rare, de 2020, tem Dance Again e Souvenir, que servem algum propósito.

Porém, ao longo dos últimos anos, foi possível perceber que a Música tratava-se mais de um hobby para Gomez do que algo que ela colocasse um esforço substancial. Logo após o lançamento de Emilia Pérez, em 2024, a atriz declarou em uma entrevista: “Será muito difícil para mim voltar para a Música algum dia”. Mesmo assim, após um período polêmico envolvendo seu namoro altamente público com o produtor Benny Blanco, a ex-Disney lançou um novo álbum.

I Said I Love You First surge como um disco colaborativo entre os dois artistas, concebido, supostamente, para narrar a história de como se conheceram e celebrar seu amor incondicional. Benny Blanco, que já havia trabalhado com Selena Gomez em Revival, é um dos produtores que mais influenciaram a década de 2010. Com um currículo repleto de sucessos, ele foi peça-chave na produção de Teenage Dream, de Katy Perry, além de assinar hits para nomes como Kesha, Maroon 5 e Justin Bieber.

O resultado dessa combinação é uma coleção aleatória de músicas de outras pessoas em que o único trabalho de Gomez foi adicionar os vocais. Em Bluest Flame, a cantora tenta aproveitar da composição de Charli XCX para emular um hype pós-brat. A mesma coisa acontece em Ojos Tristes, que ao menos conta com a participação da banda The Marías. Em sua essência, são músicas boas e bem produzidas, mas a falta de autenticidade nos faz pedir pela versão dos respectivos artistas que as inspiraram.

Os momentos aproveitáveis de I Said I Love You First são quando é possível perceber uma vulnerabilidade verdadeira na letra e na voz de Selena Gomez. Younger And Hotter Than Me e Scared Of Loving You, co-produzidas por Finneas, mostram a artista desabafando sobre suas inseguranças com relação a sua juventude na indústria e o medo de perder alguém. Cowboy e You Said You Were Sorry também flertam com essa introspecção, incorporando influências sonoras de Lana Del Rey, mas acabam esbarrando em letras que não atingem a mesma profundidade emocional.

O maior desperdício de potencial, no entanto, é Call Me When You Break Up, o primeiro single oficial, em parceria com Gracie Abrams. A faixa tinha todos os elementos para se tornar um pop chiclete envolvente, porém, o efeito distorcido nos vocais de Gomez e o encerramento abrupto passam a impressão de um trabalho inacabado. O mesmo problema se repete em Sunset Blvd, uma produção agradável que, infelizmente, traz a letra mais constrangedora do álbum: “Eu só quero tocar, tocar/Tente o seu melhor para não chegar lá/Me dê, me dê, como eu amo seu grande, grande coração”.

Em suas aparições públicas, Selena Gomez e Blanco parecem um casal genuinamente feliz e é evidente que a criação deste álbum foi um processo especial para ambos. Não há nada de errado em querer transformar esse sentimento em Música – o problema está na forma como o relacionamento deles é traduzido para as canções. As letras não revelam nada substancial sobre a conexão dos dois, o que torna o disco menos uma declaração de amor e mais um exercício de branding.

Além disso, a imagem pública de Benny Blanco, com suas excentricidades e declarações questionáveis, acaba influenciando a recepção do projeto, desviando a atenção do que realmente importa. No fim das contas, I Said I Love You First luta para encontrar uma identidade própria. O álbum soa como uma coleção de faixas dispersas, incluindo, por algum motivo, I Can’t Get Enough, um reggaeton de 2019. Não é memorável – e, se o objetivo era transformar esse romance em Música, talvez fosse mais interessante simplesmente assistir aos vídeos dos dois no Instagram.

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Livia Queiroz 

Após pouco mais de um ano do seu último lançamento, nadie sabe lo que va a pasar mañana (2023), Bad Bunny volta ao tradicional ritmo musical latino: o reggaeton. O som dançante teve início em Porto Rico, país de nascimento do cantor e, portanto, pilar fundamental de sua criação e desenvolvimento. Entretanto, desde o começo de sua carreira, ele teve uma relação conturbada com o estilo musical, criando seus álbuns, muitas vezes, com base no rap norte-americano e no hip-hop. 

Nesse sentido, foi uma grande surpresa quando em seu novo trabalho, DeBÍ TiRAR MáS FOToS (2025), Benito Antonio Martínez voltou ás suas origens, juntando reggaeton, salsa, plena, cantores latinos em ascensão, samples, críticas sociais e histórias de sua vida traduzidas em canções. O disco inicia de forma animada, com várias referências, descrevendo a diversidade na cidade de Nova Iorque e suas infinitas possibilidades de viver por lá com a música NUEVAYoL, que constituí sonoras de Un Verano en Nueva York por El Gran Combo de Puerto Rico e a entrevista de Felix Trinidad depois de sua luta contra Oscar De La Hoya, em 1999. 

A cultura porto-riquenha também é celebrada e destacada em VOY A LLeVARTE PA PR e CAFé CON RON. Porém, a última desenvolve sobre a dualidade da rotina desse povo, com a necessidade de sobriedade e energia ao início do dia, representada pelo café, popular no território latino, e a libertação para descontrair e festejar de noite, personificada pelo rum, bebida que tomou forma e se popularizou a partir da fabricação no Caribe.

Ainda em temática política e cultural, LO QUE PASÓ EN HAWAii e LA MuDANZA transparecem, respectivamente, uma crítica à apropriação e degradação dos Estados Unidos ao território de Porto Rico e o reconhecimento e agradecimento de suas raízes. O país caribenho vive, há muito tempo, um conflito de interesses entre a população e suas autoridades, graças a um ‘acordo’ histórico no século XX, o qual sustentava a independência da região às custas de uma intervenção econômica e política dos EUA, que funciona até os dias atuais. A maioria da nação porto-riquenha deseja o rompimento da aliança, pois suas raízes latinas estão sendo esquecidas, sua natureza degradada e a independência foi apenas uma máscara para a submissão aos norte-americanos. 

Para aliviar a tensão que o disco carrega com as críticas e contextos históricos, Benito Antonio Martínez decide por cantar sobre decepções e alegrias em seus romances vividos, muitas delas, em contexto de saudade. Alguns desses hits ganharam videoclipes, como BAILE INoLVIDABLE e PIToRRO DE COCO. Nas canções, é possível interpretar o luto por um amor perdido que é inesquecível, ou seja, a saudade de uma pessoa que foi tão importante em sua vida que, mesmo não presente, segue na memória. Assim como essa dança de nostalgia, KLOuFRENS trata também sobre a solidão em meio às festas, mas com uma diferença, não é somente sobre relembrar o passado como também se perguntar o que aquele ex-parceiro está fazendo enquanto o outro está sofrendo. 

Além disso, Bad Bunny expõe a raiva depois que o amor já não se manifesta entre as pessoas do relacionamento, como os erros cometidos em diversos aspectos ficam perceptíveis, desse modo, podendo digerir a relação e seguir em frente, como em BOKeTE e TURiSTA. Mas não é somente de sentimentos ruins e saudade que podem definir os relacionamentos do cantor, afinal, ele ainda acredita em amor verdadeiro e nas paixões momentâneas inesquecíveis, assim como canta em WELTiTA e PERFuMITO NUEVO.  

Para completar o álbum de maneira emocionante, Bad Bunny abre seu coração com a música que leva o nome do disco de forma abreviada, DtMF, que ganha um videoclipe com direito a curta-metragem. DeBÍ TiRAR MáS FOToS é uma belíssima canção que discorre sobre o arrependimento de não ter aproveitado o presente quando pessoas queridas ainda estavam presentes. No clipe, essa representação é uma analogia a Porto Rico antes da exploração exagerada dos Estados Unidos e a dissolução da cultura latina para a norte-americana. 

A música foi tão impactante para o povo porto-riquenho e os latinos em geral que tornou-se uma trend no TikTok, que teve um alcance de mais de um milhão de posts – neles, os usuários mostram alguém ou algo que desejavam muito que estivesse aqui novamente para aproveitar os momentos vividos. Porém, o que teve mais efeito foi o mini filme, com mais de 18 milhões de views, que representa como os países latinos mudam graças à evolução da tecnologia e o capitalismo, com suas culturas sumindo e virando lugares homogêneos, sem diversidade e histórias. 

Benito Antonio Martínez, para além das canções, ritmos latinos e videoclipes, quis aprofundar sobre o tema e contribuir para o não esquecimento da história de seu povo e, ao lançar seus visualizers de suas músicas, decidiu por colocar em cada um deles um fato histórico sobre Porto Rico. Portanto, o novo álbum de Bad Bunny é um ato de revolução, que se infiltra por dentro da indústria musical e retorna o orgulho de latinos para latinos. 

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