Laura Hirata-Vale

O toque pode ser áspero, macio, quente ou gelado. Pode ter uma sensação seca ou hidratada. O maior órgão do corpo humano é a pele e é por meio dela que é possível não só sentir a dor e a temperatura, mas também as conexões se formarem, os pelos eriçarem e os sentimentos se aflorarem. É na pele que escrevemos lembretes, tatuamos frases, desenhos e lembranças. Os muros e as paredes das cidades também passam por um processo parecido: por meio de escritos, desenhos e lambe-lambes, as superfícies das florestas de concreto se colorem, e são aquecidas e resfriadas com o passar do dia. No documentário Pele (2021) – dirigido por Marcos Pimentel, produzido pela Tempero Filmes e distribuído pela Embaúba Filmes – a relação entre o meio urbano, a arte e a manifestação de ideias é explorada de forma simples, musical, cotidiana e cheia de denúncias. 

Presente no 27º Festival É Tudo Verdade – na Competição Brasileira de Longas e Médias-Metragens –, Pele só chegou às salas de cinema em 2023. Extremamente urbano, o filme mostra sem rodeios imagens das paredes e dos muros de Belo Horizonte, São Paulo e do Rio de Janeiro, e funciona como um retrato das cidades e metrópoles brasileiras. As construções, além de guardarem seu valor histórico por causa de sua arquitetura e engenharia, são responsáveis por manter a expressão humana viva. Por meio de seus desenhos, grafites e palavras de protesto, os prédios, casas e edificações contam o que aconteceu na história, e documentam – de forma criativa e cheia de força – o presente momento. 

Repleto de imagens estáticas e planas, com poucos movimentos, o documentário de 75 minutos envolve o espectador, de uma forma que lembra uma exposição de arte em um museu. As gravações, quando adicionadas à trilha sonora – feita por Vitor Coroa, responsável pela mixagem de som de diversos episódios do podcast Rádio Escafandro – proporcionam uma imersão no mundo de linhas, cores e tons dos centros urbanos. Além disso, a mistura dos sons, cenas e músicas são fiéis à experiência de andar a pé ou de carro nas cidades – ouvimos música, vemos os registros nas paredes, mas nem sempre prestamos atenção neles. E é esse o propósito de Pele: mostrar os escritos e desenhos, e nos fazer cientes deles. 

Eu sempre gostei de caminhar pelas cidades prestando atenção no que está presente nos muros, paredes e estruturas de concreto. – Marcos Pimentel

Sem depoimentos e composto somente dos barulhos e das imagens da cidade, o documentário assume uma forma única e singela de contar a história dos muros. Com ‘sons’ de arquivo – como gritos de manifestações, como “Fora Temer!”, “Ele não!”, “Lula Livre!” e muitos “Fora Bolsonaro!”– combinando com os seus respectivos protestos escritos, Pele faz um recorte da história recente do Brasil, principalmente ao mostrar o que ocorreu na política brasileira entre 2016 e 2019. Assistir esse panorama é ainda mais emocionante quando se pensa nas eleições de 2022, após as dores e medos que as de 2018 trouxeram para a Arte e para o Cinema.

Durante o documentário, conseguimos ver camadas de uma cidade. A tinta, as construções e o som são os personagens principais da obra, assim como seus momentos peculiares. Uma mulher fazendo ioga na calçada de uma avenida movimentada; um garoto sambando em frente aos grafites; um homem praticando parkour em meio ao concreto mostram como a urbanidade é formada de instantes, e como o conjunto de todos esses movimentos constituem as metrópoles. 

As camadas de Pele também mostram – de forma muito explícita – como as paredes e muros pintados são o cenário de muita desigualdade social. Na frente das cores, há moradores de rua, pobreza e destruição; e, em um contraponto, existem muitos ensaios fotográficos e selfies. Porém, ao mesmo tempo, os edifícios também possuem palavras de denúncia, além de pinturas e desenhos fotografados como belos feitos. “Chega de higienização social”, “polícia assassina” e “VENDE-SE CARNE NEGRA TEL: 190” são algumas das frases que chocam e impactam, por mostrarem a violência nas ruas brasileiras.

Em meio a todas as denúncias e protestos, há também a manifestação do amor e da paixão. Como um paralelo às cantigas de amor do Trovadorismo e a todos os sentimentos do Romantismo, é possível perceber como o romance ainda persiste nas paredes e nos muros. Indo de frases emotivas como “essa eu fiz pra ela!!” e “procura-se aluguel em um coração vazio” até frases cheias de luxúria e erotismo, como “é preciso (m)amar” e “faça amor hoje”, vemos como o amor existe e resiste, mesmo em centros urbanos tão rápidos e corridos.

Durante o documentário, chegamos à camada da hipoderme, a mais profunda do maior órgão do corpo. Nossa casca defensora, que nos protege de possíveis infecções, dores e doenças, também é a responsável por identificar toques, sentimentos e sensações. Percebemos como os centros urbanos são a casa da arte, da manifestação e do protesto, e como eles são importantes para a vida. Vemos como as cidades refletem o que vivenciamos – por meio dos desenhos, escritos e lambe-lambes nos muros e paredes, é possível perceber tudo o que sentimos na Pele. 

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Nathan Sampaio

Lendas urbanas sempre existiram na sociedade. Elas servem para nos dar explicações, para assustar, entreter e, em alguns casos, tentar abrandar uma realidade dura demais. Tendo isso como base, chegou aos cinemas em setembro de 2021 A Lenda de Candyman, sequência de O Mistério de Candyman, lançado em 1992. O novo longa busca reviver a franquia, já esquecida pelo grande público, e atualizar as discussões propostas na primeira parte.

A produção de 2021 conta a história de Anthony McCoy (Yahya Abdul-Mateen II), um jovem artista com bloqueio criativo que descobre uma lenda urbana chamada Candyman, na qual se uma pessoa falar o nome dessa entidade cinco vezes na frente do espelho, ela irá aparecer para matar quem ousou lhe chamar. O protagonista, então, invoca esse ser, o que o levará em uma jornada rumo à loucura.

A temática deste filme são os mitos urbanos. O enredo aborda, com excelência, desde o surgimento dessas histórias até o impacto que elas têm em uma comunidade, e quais os significados que elas carregam para quem as conta. Tendo essa mitologia popular como ponto de partida, o roteiro de Jordan Peele, Nia DaCosta e Win Rosenfeld utiliza-a para discutir temas sociais e raciais de extrema relevância, e a sensibilidade dos roteiristas surpreende e enriquece muito a experiência. 

Intenso, o roteiro trabalha temas sociais juntamente com o terror, de forma que ambos os assuntos avancem juntos de maneira muito orgânica e coerente. O grande trunfo disso é que podemos assistir uma boa história de horror e que ao final irá propor várias reflexões sobre diversas questões. Jordan Peele é diretor e roteirista dos longas Corra! e Nós, muito elogiados e premiados, e que chamam a atenção por causa da mistura de discussão social com terror, algo muito bem replicado em A Lenda de Candyman.

Além de roteirizar, Nia DaCosta também assume a função de diretora. Sendo apenas o seu segundo trabalho no cargo, ela se destaca demais, pois sua abordagem é muito sensível, sutil e extremamente elegante em muitos momentos. Sem sua direção magnífica, o filme poderia ter se tornado esquecível. Um exemplo da genial direção de DaCosta são os créditos iniciais. Na obra original, essa cena mostrava a cidade de cima para baixo, já no novo projeto, ela é invertida, isto é, de baixo para cima. 

Ao fazer isso, a diretora nos conta a diferença de abordagem das duas histórias: no primeiro longa havia uma protagonista branca, então ela via os conflitos sociais do alto de seus privilégios, enquanto nessa nova narrativa, os protagonistas negros, infelizmente, enxerguam e vivenciam os problemas sociais de uma forma completamente diferente. Ou seja, são visões opostas do mesmo assunto, e tudo isso é contado através de um plano simples. 

É muito interessante notar como a trama consegue mesclar perfeitamente problemas sociais, como a gentrificação e a violência gerada pelo racismo, com a lenda do Candyman de forma que em nenhum momento parece forçado ou desconexo. Tudo é muito bem encaixado para engrandecer o mito do antagonista e a cultura daqueles que contam sua história. 

Candyman só existe porque existe racismo, violência, intolerância e outros diversos problemas sociais. Isso nos leva a refletir quais outras lendas ou histórias temos na vida real que só são contadas por causa desses conflitos da sociedade.

Quando a lenda da entidade é ligada às discussões sociais que o enredo traz, cria-se uma história muito mais assustadora do que um assassino sobrenatural, pois ela conta a realidade e toda a violência presente nela. Isso nos faz pensar que a violência impelida pelo vilão é apenas um reflexo do que acontece todos os dias na vida real. 

O Mistério de Candyman também tratava de temas como a exclusão social e o preconceito contra a população negra, porém por ter sido escrito e dirigido por uma pessoa branca, talvez esses assuntos não tenham sido explorados ao máximo. Já neste novo projeto, tem-se a participação de duas pessoas negras no roteiro, além do longa ter sido dirigido por uma mulher negra, e isso muda completamente a visão que se tem acerca dessas problemáticas. Sendo assim, tem-se um enriquecimento da discussão e um aprofundamento maior nessas questões.

Vale ressaltar que embora os dois projetos sejam baseados em um conto escrito pelo autor Clive Barker, dono de outras histórias de Terror como Hellraiser, o roteiro tem uma boa dose de criatividade, pois as discussões sociais têm um maior destaque nos filmes. Além disso, todo o cenário mudou na adaptação, uma vez que o conto se passa em Liverpool, na Inglaterra, e as transposições para o Cinema se passam em Chicago, nos Estados Unidos. 

O terror presente em A Lenda de Candyman pode ser dividido em dois núcleos distintos: o primeiro tem o foco no protagonista, já o segundo se foca em personagens invocando a entidade. Há uma grande diferença de qualidade entre essas duas abordagens. 

As partes em que o Horror mais se destaca é quando observamos a jornada de Anthony, que aos poucos vai enlouquecendo e passando por um processo de transformação física muito nojento e angustiante. Tudo isso é apresentado gradualmente, o que nos intriga e causa muito desconforto, algo excelente para um filme de terror.

Porém, as cenas de ataque, em sua maioria, não são tão assustadoras, pois não há uma boa construção do suspense ou um temor pela vida dos personagens. Isso acontece porque a maioria desses trechos dá destaque a personagens desinteressantes e os acontecimentos em nada se diferem do esperado pelo espectador. Por isso, é difícil que fiquemos tensos nesses momentos – talvez só pessoas pouco acostumadas com o gênero fiquem realmente com medo.

Tais trechos de terror só não são piores por causa de DaCosta, que consegue criar sequências e planos lindíssimos nos ataques. Por ser invocada através dos espelhos, a entidade só aparece neles, fazendo necessária uma ótima coordenação de atores para que a figura aparecesse somente nos reflexos e ainda assim conseguisse atacar as vítimas no mundo real. O resultado final é impressionante. 

Além do elemento do espelho, os momentos de assassinato funcionam porque eles são muito diferentes entre si. Uma das cenas ocorre em uma galeria cheia de espelhos, já em outra nós vemos tudo acontecendo através da janela de apartamento – o que torna essas sequências muito mais interessantes e instigantes.

Se as cenas de morte fossem montadas a partir de personagens mais relevantes e se houvesse um suspense melhor construído, A Lenda de Candyman teria sido muito mais memorável do que já é. Isso não é pedir demais quando se tem ótimas sequências de terror dentro desse mesmo longa.

Outro problema presente na projeção é o seu final, o qual é muito apressado e possui reviravoltas que não fazem sentido, como por exemplo a mudança abrupta de personalidade de William Burke, personagem mentor do protagonista. Além disso, parece que todo o ritmo da trama muda, o sutil e o gradual dão lugar ao frenético e a um embate que não tem lógica. Logo, a sequência final não se encaixa com o resto da história.

A figura do Candyman é bastante reconhecida entre os fãs do Terror. Interpretado originalmente por Tony Todd, que faz uma breve aparição neste filme, o vilão possui um visual marcante, usando seu sobretudo e gancho, além de ter uma origem única e que se difere muito de outros nomes do Horror. É uma pena que ele não ficou tão famoso entre o público geral.

Já no longa-metragem de 2021, o vilão é interpretado muito bem por Michael Hargrove. Apesar dele não falar, a sua expressão sempre carrega um sorriso e um tom de mistério, que causam estranheza no espectador. A sua presença em tela é ameaçadora, isso porque ele sempre aparece flutuando ou invisível no mundo real, e isso causa um tensão e ajuda a engrandecer o antagonista. 

Para fazer frente a essa poderosa lenda, era necessário um protagonista marcante e bastante intrigante – felizmente, Anthony McCoy é esse personagem. Yahya Abdul-Mateen II constrói um homem curioso e que está em uma busca ferrenha por inspiração. Com a perda gradual de sua sanidade, o ator mostra sua versatilidade ao se demonstrar atormentado e paranoico com a perseguição do vilão, e até os últimos minutos podemos ver a ótima evolução de seu personagem.

Teyonah Parris interpreta Brianna, esposa de McCoy, e durante a maior parte da projeção sua presença não possui grande impacto, porém próximo ao final sua personagem ganha uma maior relevância na trama, e, mesmo sua interpretação não sendo tão marcante, ela tem seu devido destaque. No meio da história, ela até possui um flashback, mas novamente esse é outro trecho deslocado do resto dos acontecimentos. 

O último aspecto que vale a pena ser exaltado são os efeitos visuais. Utilizando-se majoritariamente de efeitos práticos, o longa consegue passar sensações e emoções muito genuínas, é comum se sentir incomodado, angustiado e chocado com as maquiagens mostradas. Todo ferimento, sangramento e corte tem um trabalho muito bem realizado e que mostra a brutalidade do vilão.

Os efeitos digitais, embora pouco usados, auxiliam a criar uma aura mística no Candyman. Isso ocorre, pois esses efeitos ajudam o antagonista a aparecer somente nos espelhos, além de deixar ele flutuando em alguns momentos, corroborando com a lenda contada dentro do enredo.

A Lenda de Candyman é um longa recheado de discussões sociais muito importantes. Partindo das lendas urbanas, a história consegue abordar várias temáticas e propor uma reflexão sobre elas. Além disso, é um longa-metragem que mostra uma viagem angustiante através da loucura de um homem e de todos os horrores que ele encontra. É lamentável que o Terror seja fraco em alguns pontos e seu final, assim como, outras partes sejam um pouco desconexas do resto, porque senão esse filme e a figura do Candyman teriam tudo para se tornarem um clássico absoluto do terror.

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Larissa Vieira

Rotina é algo que parece muito particular e que influencia somente no nosso dia a dia mas, é a partir dela que construímos os ciclos de nossas vidas; escola, faculdade, emprego, aposentadoria, etc. E são os nossos, únicos e particulares, estágios de vida que arquitetam o que chamamos de sociedade. A grande e tremenda máquina chamada sociedade.  

Ela que carrega muito significado quando analisamos somente ela e sua grandiosidade, mas esquecemos de considerar que são nossas pequenas e ‘bobas’ rotinas que edificam, pedra por pedra, esse dispositivo sociedade. Tal invenção que seria perfeita em seu funcionamento se fosse linear, como uma esteira de produção, de igual para igual. Porém, ao longo dos séculos, esse maquinário foi se transformando de tamanha maneira que se tornou uma pirâmide, totalmente desigual e desproporcional entre seus trabalhadores que a constroem diariamente. 

É essa construção da sociedade não linear e completamente desigual que Opera mostra. Em seus 8 minutos de tela, o indicado ao Oscar 2021 de Melhor Curta-Metragem de Animação evidencia cada particular rotina diária que edifica a nossa grande máquina. 

O filme é ambíguo em seu nome, já que além de ser uma grande operação do maquinário, por isso o título Opera, ele ainda mostra os movimentos particulares de cada espaço quase como uma grande noite de ópera, em que uma nota de uma flauta pode fazer toda a diferença na música final. Essa ideia faz com que você analise cada pequena rotina da grande pirâmide de uma forma, de modo que consiga imaginar seu som e como ela afetou, seja da menor maneira, o topo ou a base da sociedade. 

Também por isso, em alguns momentos, o curta-metragem parece confuso e a sensação é de que o tempo corre rápido demais, por que é quase impossível acompanhar cada pequeno quadradinho, com sua rotina particular e como ele está afetando o andar de cima ou aquele que está embaixo dele. Além disso, a animação é dividida a partir de um zoom e uma redução na pirâmide, o que cria no espectador um anseio por estar descobrindo ou perdendo alguma das partes da pirâmide.

O diretor coreano Erick Oh, conhecido por trabalhar na Pixar em Procurando Dory, Divertidamente, Universidade Monstros e Valente, criou a animação norte-americana a partir do caos político que a Coreia e os Estados Unidos viveram no início de 2017. Ele trouxe a tela cada singela parte que movimentam diariamente a máquina, em um parâmetro mundial. Além disso, o filmmaker conseguiu representar a manipulação de cada ponta dessa pirâmide em todo o sistema, mostrando que, independente da nossa pequena e importante parte estar sendo feita, as pontas são na verdade grandes manipuladores que fazem a sociedade funcionar. 

Opera é inteligente em todos seus 8 minutos por não só mostrar a sociedade como um uma única máquina movimentada por, ninguém menos que nós e nossas pequenas e singulares rotinas, mas por evidenciar para nós as grandes “pontas” manipuladoras e todo seu impacto no funcionamento do sistema, independente de nossas ações diárias. 

Portanto, em meio a várias histórias particulares e pessoais dos indicados ao Melhor Curta-Metragem de Animação do Oscar 2021, como Se Algo Acontecer…Te Amo e Toca, Opera se destaca já que carrega em si cada um de nós e nossos singelos costumes do dia a dia, que mesmo assim, impactam a máquina que chamamos de sociedade. 

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