Vitória Gomez

“O que você acha que realmente aconteceu lá?”. Filmada de costas e sem nunca mostrar seu rosto, uma menina corre ofegante por entre as árvores de uma floresta gelada. O silêncio do cenário é preenchido somente por sua respiração pesada, e o sangue que pinga de sua carne colore o chão coberto de neve. Gritos alheios passam a ser ouvidos: o motivo da fuga vem logo atrás da garota sem identidade. Até que ela, também, para. Presa em uma armadilha, seu corpo empalado chegou ao destino final. Enquanto os adolescentes de Euphoria ensaiavam para o início de mais uma temporada de substâncias sintéticas, figurinos coloridos e pele à mostra, as jovens de Yellowjackets estavam abandonadas à selvageria.

A produção do Showtime opera em duas linhas do tempo. Em 1996, o avião que leva as Yellowjackets à glória no campeonato nacional de futebol cai e deixa as integrantes do time, pequenas estrelas do esporte na cidade, vivendo sozinhas na selva canadense por meses. 25 anos depois, as quatro sobreviventes (a princípio) empurram suas vidas separadamente, todas mantendo o combinado de não tocarem no assunto do que aconteceu naquele tempo. Quando uma jornalista investigativa começa a cavar o passado e um dos personagens que saiu de lá vivo morre inesperadamente, as protagonistas não têm escolha a não ser se reunirem.

Queda de avião seguida de sobrevivência certamente não é um cenário inédito na TV, no Cinema e tampouco na Literatura. Troque o grupo de meninos de O Senhor das Moscas (1954) por garotas adolescentes e intensifique o mistério sobrenatural de Lost para alcançar um terror viciante. Os showrunners Ashley Lyle e Bart Nickerson, veteranos de séries como The Originals e Narcos, certamente reconheceram as narrativas passadas e suas potenciais referências. Seja o ineditismo impossível ou não em Hollywood, Yellowjackets soube apostar em seu grande trunfo: ao invés de retratar passo a passo dos dias das meninas na selva, narrativa batida e há muito explorada, a produção escolhe olhar para suas personagens.

O roteiro, com uma generosa lista de creditados por episódio, avança a narrativa e une suas protagonistas, mas são elas o grande foco e a força central da primeira temporada. Ao passo que os anos 1990 retratam as garotas e seus sonhos adolescentes, bem como seus embates (antes e depois da queda) e o desmantelamento de cada uma dessas expectativas dia após dia, a casa dos quarenta representa a soma dos acontecimentos e mostra o que o quarteto se tornou. Na vulnerabilidade de corpo e mente humana, Yellowjackets encontra seu ápice: mesclando os dois recortes temporais, a nostalgia e o terror do que aconteceu no passado fornecem a base para o que Shauna, Misty, Nathalie e Taissa são e fazem no presente, driblando todos os clichês os quais a trama poderia recorrer.

O que realmente aconteceu ‘lá’ se desenrola ao longo dos 10 capítulos do ano de estreia da produção, em um ritmo angustiante e tenso. Yellowjackets faz melhor do que entregar um filme de horas de duração, com três atos bem marcados e definidos, mas tampouco se adequa ao formato de uma narrativa fechada a cada capítulo, com começo, meio e fim didáticos. Se a alternância entre linhas do tempo também não é novidade no Audiovisual, a série se aproveitou do seu lançamento semanal para não colocar todas as suas cartas na mesa, mas prender o espectador com os próprios mistérios que coloca em seu caminho. As mulheres que conhecemos em 2021, por exemplo, não são as mesmas garotas que iniciaram o Piloto. Os comportamentos do quarteto adulto encontram semelhanças às imagens de suas respectivas figuras juvenis, mas o que as levou até lá só nos resta descobrir – e parcialmente, já que a obra foi planejada para ganhar mais temporadas.

Yellowjackets sabe de seu ponto alto e o elenco brilha em suas duas frentes. Shauna (Sophie Nélisse, quando jovem), Taissa (Jasmin Savoy Brown), Natalie (Sophie Thatcher), Misty (Sammi Hanratty), Jackie (Ella Purnell), Lottie (Courtney Eaton), Van (Liv Hewson) e outras das atletas do time de futebol que saíram intactas da queda se unem em um elenco misturado de protagonistas e coadjuvantes, todas quebrando um pouco mais a cada sinal da ineficácia do resgate. Também, crescem e se fortalecem um pouco mais: viver na selva não é mais paliativo, mas a condição atual – e incerta – das meninas dali para frente. Se elas pretendiam viver esperando o momento do retorno à sociedade, a esperança se vai junto da inocência. O que cresce é o espírito de sobrevivência.

Espírito esse que, sem restrições, vai fazer o que for preciso para sair daquela floresta vivo. A semelhança entre as personagens jovens e suas versões mais maduras vai além da seleção certeira por parte da direção de elenco de Junie Lowry Johnson e Libby Goldstein. A incontestável escolha das atrizes rendeu à obra uma indicação ao Emmy 2022 em Melhor Direção de Elenco em Série de Drama, mas a transformação das personagens, de suas versões antes para depois da selva, também transparece nos paralelos do que nunca mudou.

Enquanto o cerne competitivo e decidido de uma jovem Taissa se mantinha firme até quando colocava em risco a vida de suas colegas, o amadurecimento não a diferenciou. Interpretada por Tawny Cypress, a sua respectiva adulta não hesita em tomar suas decisões de cabeça quente e ergue-se como a voz da razão. Afinal, ela é a sobrevivente que mais chegou perto de retomar a vida planejada antes do acidente. Tai se mostra impassível, mas por trás da fachada de forte e bem-sucedida, foi uma das que mais ganhou assombros dos seus dias no relento, transparecidos nas feições e nos olhos assustados de Cypress.

Já Misty nunca deixou de ser calculista e estratégica. Desde o primeiro momento, a assistente do treinador das Yellowjackets sabia de seus pontos fortes e o que a diferenciava na selva – ela, porém, se deixava levar em sua busca pelo pertencimento. A versão 25 anos mais velha vivida por Christina Ricci é uma das que menos parece ter se transformado e acumulado traumas entre as duas linhas do tempo, e, se a temporada tivesse heróis e vilões, Misty seria justamente a anti-heroína. Nas mãos da atriz veterana, a personagem, completamente lunática e perigosa, ganha um timing cômico e apreciável por sua lealdade e companheirismo – digna de uma indicação no Oscar da TV como Melhor Atriz Coadjuvante em Drama pelo papel.

A questão é que, em Yellowjackets, não há heróis ou vilões. Cada uma das quatro protagonistas fez o que foi preciso para sobreviver e, justamente por isso, são mostradas em suas versões de meia idade. A série não se limita a delinear quantas foram as garotas que saíram com vida da floresta e deixa seus mistérios à cargo do próprio desenrolar do primeiro ano, que o faz mais do que o suficiente para suscitar ainda mais questionamentos e ganchos para uma sequência. Mais do que solucionar as perguntas em seu caminho, as ‘Jaquetas Amarelas’ criam ainda mais incógnitas.

Graças as intérpretes, o fantástico quarteto adulto se equilibra, em uma dinâmica que mascara as diferenças provocadas pela selva e acentua a conexão já existente um dia. Sem uma explicação plausível para isso, o núcleo de 2021 parece encontrar sua união em Shauna. Desde quando era vivida profundamente por Sophie Nélisse até seu amadurecimento para Melanie Lynskey, a personagem é talvez a mais intrigante de todas. Jovem e adulta guardam seus segredos sombrios firmemente sob uma fachada tranquila, delicada e indefesa. Longe disso, a estrela de Yellowjackets, primeira sobrevivente apresentada no piloto, também se mostra calculista e fria, extirpando suas emoções quando há trabalho a ser feito.

Propositalmente ou não, a escolha das atrizes veteranas que se alçaram ao sucesso na juventude e cresceram sob a luz dos holofotes traduz parte da essência da produção. Após o retorno, os microfones apontados às meninas resgatadas, as páginas de jornais e as especulações sobre o que realmente aconteceu selva afora as levou a se distanciar umas das outras, das vidas pacíficas e normais que poderiam ter levado e até de seus respectivos parceiros. Crescer frente às câmeras, sob uma atenção indesejada com o único intuito de reviver e alardear os maiores traumas das sobreviventes, não estava nos planos do quarteto.

Pelo feito como Shauna, Lynskey foi nomeada na categoria Melhor Atriz em Drama no Emmy 2022, competindo com a dupla protagonista de Killing Eve, Reese Witherspoon em The Morning Show, Laura Linney em Ozark e Zendaya, por Euphoria. Na premiação, as Jaquetas Amarelas também ganharam uma menção dupla na categoria Melhor Roteiro em Drama: os showrunners Ashley Lyle e Bart Nickerson concorrem com o episódio Pilot e F Sharp, esse último com o roteirista Jonathan Lisco creditado junto do duo. O episódio Piloto também é lembrado em Melhor Direção em Drama, pelo trabalho de Karyn Kusama. 

Somando 7 indicações em 6 categorias distintas – uma que já foi entregue no primeiro final de semana do Emmy -, Yellowjackets ainda recebe uma das maiores honrarias da premiação: a estreante apareceu em Melhor Série de Drama, categoria das mais antecipadas da noite de 12 de setembro. Competindo com Better Call Saul, Euphoria, Ozark, Severance, Round 6, Stranger Things e Succession, a novata do Showtime não parece impor uma grande competição frente a algumas das veteranas de premiação. Mas as Jaquetas Amarelas já superaram situações piores.

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Ana Júlia Trevisan

Personagens absolutamente opostos, com realidades diferentes que têm seus cotidianos se entrelaçando por conta da premissa da série. Essa breve descrição poderia ser de Two and a Half Men, The Big Bang Theory ou qualquer outra produção com dedo do Chuck Lorre envolvido. Mais especificamente, B Positive é o trabalho da vez do dono de metade das sitcoms dos Estados Unidos. Indicada a duas categorias do Emmy, infelizmente, nenhuma delas é para Annaleigh Ashford como Melhor Atriz, mas felizmente, o asqueroso Thomas Middleditch foi ignorado.

B Positive se inicia nos apresentando Drew (Thomas Middleditch): um terapeuta recém divorciado, pai de adolescente, que descobre ter insuficiência renal e por conta disso precisará de um transplante. Como se tudo não fosse problema suficiente para o protagonista, ele não conta com um doador viável que possa o ajudar, e não pretende envolver a ex-esposa no problema.

A salvação de Drew está no último lugar onde ele poderia imaginar encontrar a luz no fim do túnel. É sozinho em um casamento, que ele encontra Gina (Annaleigh Ashford), uma colega de Ensino Médio que era uma verdadeira bagunça na época de escola, e agora, sem muitas mudanças, usa de seu alter ego Becca para exagerar no álcool e nos comprimidos. Desde suas primeiras cenas, Gina mostra que será o pilar cômico, que sustenta a comédia da sitcom com mais suavidade, para além da acidez de piadas mórbidas.

É no desejo de ser a mudança na vida de alguém que Gina – já sem o efeito das drogas – mantém sua palavra de ser a doadora do novo rim de Drew. O maior empecilho? Dar adeus a Becca e se manter sóbria durante três meses. Essa necessidade combinada com as dívidas que Gina tem com um agiota, engatilham a trama que a série irá percorrer: Drew e sua doadora de personalidade oposta dividindo o mesmo teto.

Problemas renais, divorcio e agiotagem. É essa trinca de toda boa família que rege os 18 episódios da temporada. A primeira vista, o número pode parecer absurdo nessa época de streaming, mas os modos Chuck Lorre de produção fazem B Positive funcionar em capítulos que parecem mais um apêndice da própria história, entretanto não perdem comicidade, trazendo um respiro no enredo que necessita de delicadeza para retratar cenas que andam de mãos dadas com a iminência da morte.

Graças a essas tramas paralelas, B Positive ganha fôlego para prender a audiência.  Por conta da condição de saúde, Drew é submetido à diálise, introduzindo mais quatro personagens na história. É o grupo de tratamento que sustenta a sitcom enquanto o transplante não pode ser feito. Trazer o enfermeiro e mais três pacientes para a companhia é um maior acerto da série. A aproximação com as personagens acontece naturalmente, sem forçar a presença em todas as cenas.

Um ex-jogador de futebol americano, uma mulher de negócios marcada pelo sarcasmo, um dentista solidário e um enfermeiro gay. Personagens caricatos, cumprindo o estereótipos da comédia e sem complexidade se encaixam no formato dos 20 minutos de episódio. É na sala de diálise – e por momentos, fora dela – que o roteiro ganha brechas para explorar a excentricidade do protagonista, fazendo contraponto com o universo extrovertido de seus companheiros.

Além deles, tem a volúvel presença da ex-esposa de Drew, sua filha e os idosos que Gina carrega numa van para fazer exames. O plot de Julia (Sara Rue) rende aos poucos, deixando as câmeras mais voltadas à filha do casal que está no período de transição para a adolescência. Já os idosos são praticamente conselheiros de Gina, tendo uma presença ativa que quebra a monotonicidade de cenários. O ponto forte é que todos têm seu espaço dentro da série, delimitando o ambiente de cada e deixando as piadas mais funcionais com as personagens encaixadas na medida certa de seus espaços. 

As pontas soltas são justificadas por algo que B Positive nos faz esquecer: a pandemia. Com cortes no elenco – principalmente o mais velho – e suspensão das gravações, B Positive seguiu o roteiro de Marco Pennette, driblando as próprias limitações. Numa temporada onde os lançamentos foram adiados e a leva de séries não foi a mais produtiva, a sitcom fugiu das reuniões via Zoom e das máscaras, permitindo que a comédia seguisse seu caminho sem martelar as calamidades diárias do mundo real.

B Positive chegou ao Emmy 2021 por seu próprio mérito, mas sem fazer muito barulho. A obra recebeu a nomeação no nome de James Burrows em Melhor Direção em Série de Comédia por seu Piloto, que apesar de ser genérico e não estabelecer o rumo exato que a produção iria seguir, não se perde dentro do contexto proposto, direcionando os atores a darem o máximo de personalidade para seus papéis. O episódio High Risk Factor garantiu a indicação em Melhor Mixagem de Som em Série de Comédia ou Drama (Meia-Hora) e Animação, mas seu forte mesmo foi em moldar a figura centrista de Drew, que mesmo bem delimitado, não teve fôlego para chegar nas categorias de atuação.

Essa não é a única série de Chuck Lorre a ser listada no Oscar da TV em 2021. As respectivas últimas temporadas de O Método Kominsky e Mom somam mais sete indicações para produções do vencedor do Hall of Fame (2012). O nome de Chuck vem marcando presença na Academia desde o segundo ano de Two and a Half Men em 2004, mas apesar de ser um dos diretores estadunidenses mais bem sucedidos, a estatueta do Emmy ainda não integra sua prateleira, e provavelmente não vem aí esse ano.

Spoilers à parte, não há como se manter lúcido durante a imprevisível espera de três meses que custa sua vida. O terapeuta segue o caminho oposto da calmaria que transmite a seus pacientes, sendo pessimista e superprotetor com Gina. A doadora, ao contrário de Drew que não entrega mais do que o esperado, tem a melhor evolução da série. Ao longo dos episódios acompanhamos Gina amadurecer, parando de pertencer ao meio da bebedeira que trouxe a benevolência. Em momento algum ela perde sua aura carismática e encantadora, pelo contrário, a sobriedade sem apagar seu histórico faz bom tom para a construção de um diferencial dentro de B Positive.

Sem um final dramático e renovada para sua segunda temporada, B Positive é uma agradável surpresa pela sua premissa que não parecia ter futuro. Seus episódios não dão motivos para continuar com a maratona, mas claramente também não dão nenhum motivo para abandonar a série. Sua única mediocridade é o protagonista, Thomas Middleditch, acusado de má conduta sexual por pelo menos uma dezena de mulheres. A série que finalizou sua primeira temporada com um perfeito gancho para matar o personagem, ditará seu caráter com as escolhas tomadas para seu futuro.

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Vitor Evangelista

Não é sempre que uma comédia esportiva consegue sair dos dramas de seu nicho e conquistar a grande audiência. O costumeiro é que as histórias se restrinjam aos jargões do gênero, repetindo estereótipos sexistas. Ted Lasso, original da Apple TV+, dribla todos esses problemas e marca um golaço. Jason Sudeikis protagoniza as aventuras de um treinador de futebol americano que se muda para o Reino Unido a fim de comandar uma equipe da Premier League. O problema? Ele não manja nada do futebol convencional.

O choque cultural desencadeado por Ted Lasso é o primeiro fator de ignição do seriado, que chegou ao streaming no fim de 2020 e é candidato forte aos prêmios de Comédia do Emmy 2021. O otimismo do yankee conflita com a frieza e o calculismo dos londrinos, e o bom humor que Lasso emprega em seu comportamento ganha o espectador logo no seu desembarque na Terra da Rainha. Afável, sentimental e empático como ninguém, o protagonista ilumina e aquece os ambientes que habita.

Assistir, no contexto político-social de 2020, alguém tão leve e querido, é um presente e tanto dos criadores de Ted Lasso. De fato, o personagem não é novo no pedaço: essa persona falastrona e desbocada surgiu na NBC como uma sketch cômica. Sudeikis, então, ao lado do showrunner Bill Lawrence, desenvolveu a ideia para um programa próprio, mas o ator sabia que, para sustentar uma temporada de dez episódios, Lasso precisaria de mais do que uma porção de gírias da área.

Entra em cena a liberdade criativa que a Apple TV+ deu aos desenvolvedores do show. Primeiro de tudo, eles poderiam usar o CT de um clube real de Londres, o que era benéfico ao quadrado, tanto por dar mais vitalidade aos cenários, quanto por imergir o elenco naquela rotina esportiva, começando pelos vestiários suados até o brilhoso campo verde onde, independente do porquê, não pode pisar na grama!

O time do mundo real que espelhou a equipe de Lasso é o Crystal Palace. Um dos produtores do seriado era parente de um dos donos do Crystal, o que facilitou ainda mais o negócio. E, para melhorar a oferta, o fictício AFC Richmond perderia de lavada para o Palace logo no segundo episódio, Biscuits. A cereja do bolo da série é justamente criar algo imaginário, mas manter todo o contexto anexado ao mundo real: o Richmond joga até contra o Manchester City, alimentando uma rivalidade entre duas gerações de jogadores. 

Roy Kent (Brett Goldstein) representa a velha guarda, um meio campo mais velho que já não joga como outrora. O personagem foi inspirado no real Roy Keane, que jogou no outro Manchester, o United. Seu embate acontece com a juventude e a rebeldia de Jamie Tartt, papel de Phil Dunster, munido de arrogância e que adora exibir o corpão. Os dois batem cabeça ao longo dos 10 capítulos, e ainda sobra espaço para a inserção do triângulo amoroso com Keeley (Juno Temple).

Dando carrinho nos estereótipos sexistas e de gênero, os roteiristas de Ted Lasso (sob o comando do chefe de redação Sudeikis) escrevem figuras cheias de camadas e com espaço para crescimento e redenção. Logo que chega no vestiário, o treinador faz questão de cobrir os recortes pornográficos femininos que decoram o ambiente, deixando claro que ali, sob sua gerência, não existe espaço para esse tipo de piada datada. No lugar, assistimos o erotismo dormente do futebol ser explorado nas entrelinhas. Os corpos esculturais, formas bem definidas e peitorais sarados ilustram todas as cenas que podem, e quem comenta a suculência da sensualidade são as mulheres.

A chefe de Ted Lasso, Rebecca Welton (Hannah Waddingham), recebe tratamento de princesa no arco da primeira temporada. Ela começa o Piloto com o plano maquiavélico de contratar Lasso apenas para ele afundar o time e destruir o legado do ex-marido, mas suas ações revelam uma faceta fragilizada, ao invés da vilã sem coração. O treinador estimula aqueles próximos à ele, ele é uma sessão de terapia ambulante aos europeus, mesmo que nunca tome consciência desse superpoder secreto.

E esse modo de vida de Lasso não resvala na positividade tóxica ou na felicidade nociva, como a Poliana ou a Anne. Jason Sudeikis oscila entre os picos de humor e amor que emana, ele justifica seu comportamento com os óculos amarelos que ajudam a superar seus próprios demônios e dores. A série investiga o casamento distante do americano, além de dar ao ator a chance de atuar nas nuances. Make Rebecca Great Again, capítulo que sai do ambiente futebolístico para desanuviar o clima da série, coloca Ted Lasso na corda bamba e relembra o espectador que ele é humano como todos nós.

O futebol é usado como recurso narrativo, e a montagem do seriado consegue emocionar quando retrata momentos das partidas. A trilha sonora ensurdece enquanto a câmera desacelera, um gol é marcado, um pênalti é perdido. Somos torcedores do Richmond, somos críticos ao estilo de treinador de Lasso, somos parte daquela família. A dramatização cômica do esporte no Reino Unido acende a chama de curiosidade para uma produção tupiniquim nesses mesmos moldes.

Acompanhar os bastidores de um Flamengo ou São Paulo da vida, os percalços, rivalidades, romances, subornos e a recompensa emocional de fazer parte de algo. Nathan (Nick Mohammed), um arquétipo comum de personagem sem confiança e que sofre na mão dos héteros machões, é acolhido pela empatia de Lasso; Keeley movimenta uma jornada independente de seus namoros; o assistente Beard (Brendan Hunt) ganha tridimensionalidade peculiar; e Sam (Toheeb Jimoh) sai da sombra das caracterizações racistas e preguiçosas da África. Ted Lasso faz tudo isso com sutileza, enquanto surrupia suas qualidades pela lateral e marca um gol de placa. 

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