Guilherme Veiga

Sem tempo para morrer, e com menos tempo ainda para estrear. Inicialmente planejado para vir ao mundo no longínquo último ano normal da terra, 2019, pelas mãos de Danny Boyle (Trainspotting, Quem Quer Ser um Milionário?), o último capítulo da era Craig sofreu de inúmeros adiamentos. Primeiro, Boyle abandonou o projeto por diferenças criativas e Cary Joji Fukunaga (Beasts of No Nation, True Detective) assumiu o longa, fazendo com que ele fosse jogado para 2020, e azaradamente fosse o primeiro a puxar a fila de adiamentos por conta da pandemia de covid-19. Isso fez com que o filme só conhecesse as salas de cinema em setembro de 2021, 6 anos depois do capítulo anterior, maior intervalo de tempo entre filmes do agente desde 007 contra GoldenEye.

Naturalmente em Hollywood, muitos adiamentos são um sinal de mal presságio, um exemplo recente é o terror (literalmente) que a Fox — em seu último projeto pré-venda — fez com Os Novos Mutantes. Sem Tempo Para Morrer felizmente não sofre dessa maldição, e isso se dá pela própria natureza da franquia Bond ao longo das décadas. Sinônimo de realeza, os filmes são recheados de pragmatismo e distinção, sem pressas ou sem correr riscos, assim como a corte britânica. E isso, com perdão do trocadilho, garantiu um comportamento espectral entre as obras, e nos longas de Daniel Craig isso fica bem mais nítido, onde os altos e baixos são visíveis e intercalados. E seguindo a ordem natural dessa curva, após o excelente 007 – Operação Skyfall e o nem tão excelente 007 – Contra Spectre, nada mais justo que se despedir de Daniel Craig em alta.

Se provando a Meryl Streep da categoria — além das já esperadas indicações ao BAFTA — Sem Tempo Para Morrer conseguiu sua cadeira cativa no Oscar mais uma vez com a indicação em Melhor Canção Original por No Time to Die, performada por outra queridinha das premiações, Billie Eilish (e composta, como sempre, em parceria com o irmão Finneas O’Connell). A faixa talvez seja uma das melhores dessa safra, perdendo somente para Skyfall na voz de Adele, e, se seguir o mesmo caminho dos títulos anteriores, certamente levará o careca dourado para casa. O longa também foi indicado na categoria Melhor Som e na de Melhores Efeitos Visuais, na qual o páreo é um pouco mais duro, e, se a tão pedida categoria de dublês saísse do papel, certamente seria o franco favorito.

Os 163 minutos de duração podem assustar no começo, porém, o longa entrega uma típica aventura episódica de James Bond e as mais de 2 horas e quarenta passam despercebidas em um filme que te prende do começo ao fim com sequências impecáveis de ação. A obra é uma ode ao legado tanto de Bond quanto de Craig, lotado de piadas internas para fãs e referências, como por exemplo, Bond se aposentar e ir para a Jamaica, local onde Ian Fleming escreveu os primeiros contos do agente. Porém, filmes de longa duração naturalmente evocam a reclamação de que se poderia tirar “uns 30 minutos” sem comprometer a obra, e nesse caso, tal protesto é válido. Fica nítido as barrigadas que o roteiro dá para preencher a obra e adiar a despedida.

Aliás, a despedida e a quase certa renovação da franquia se mostram necessárias aqui, pois é onde o desgaste da marca em seu processo de produção começa a ficar mais evidente. Os roteiristas, à frente das histórias desde 1999, mostram que não têm o mesmo tato para conduzir a narrativa, razão pela qual Phoebe Waller-Bridge (Fleabag) foi escalada, pelo próprio Craig, para revisar o texto. Sem conseguir arrumar a bagunça que eles mesmos fizeram em Spectre, a escrita se perde ao explicar a organização e suas consequências nesse filme, uma prova é o descaso que o texto tem com Blofeld (Christopher Waltz), praticamente jogando o personagem no lixo.

Outro exemplo é o vilão principal Safin, vendido como um dos mais inteligentes do universo Bond, e até tem uma construção interessante com a cena inicial de tirar o fôlego, mas no fim, é só um lunático que parece ser fã do Dr. No, ficando muito abaixo do excelente Silva de Javier Bardem em Skyfall e até mesmo de Blofeld, que também tinha sido maltratado pelo roteiro. A única coisa boa que esse vilão traz é a prova de que a estatueta para Rami Malek (Mr. Robot, Bohemian Rhapsody) em 2019 foi um dos maiores devaneios recentes da Academia. Aqui, entre suas forçadas de sotaque, ele constrói um antagonista extremamente caricato que não combina com esse Bond. Mais uma que deixa a desejar é a Madeleine Swann de Léa Seydoux, que desenvolve uma performance muito sem sal. Para efeito de comparação, em A Crônica Francesa, lançado no mesmo ano, ela se entrega muito mais, mesmo tendo menos espaço e fala, porém apoiada pela força do texto e da direção. Curiosamente, os dois piores personagens são os que mais o roteiro explora.

Porém, a escrita tem seus méritos e eles precisam ser lembrados. Alguns personagens são bem inseridos e funcionam bem na história, começando pelo próprio Bond. Aqui, o texto enfoca o lado humano do agente e o constrói através de bastante sentimentalismo, fazendo com que nesse filme ele esteja menos Bond e mais Craig, decepcionando alguns e conquistando outros. A nova 007, Lashana Lynch (que venceu a categoria popular de Estrela em Ascenção no BAFTA), mostrou lidar bem com o papel e desenvolveu uma ótima química com Bond, preenchendo em alguns momentos — e de forma diferente da convencional — a lacuna de uma bond girl não estabelecida na obra. Se não fosse pela pressão injusta que sofreu, Lashana seria uma 007 muito promissora. Por último e não menos importante, é válido o destaque para Ana de Armas, que aqui repete o trabalho ao lado de Daniel Craig depois de Entre Facas e Segredos. Mesmo com pouco tempo de tela comparado com a duração (um verdadeiro pecado) sua personagem Paloma rouba a cena.

E Daniel Craig é a personificação dessa mudança de ares. “Controverso”, “rústico”, “covarde”, “insosso”, “baixinho” e até mesmo “loiro”; esses foram os adjetivos usados para desqualificar a escalação de Craig em 2006. O próprio ator tinha desconfiança quanto ao papel, muito por não achar que a personalidade de Sean Connery e companhia poderiam ser replicadas atualmente, muito menos por ele. Para sorte de Craig, era intenção da dupla de roteiristas Neal Purvis e Robert Wade renovar a história antes mesmo do anúncio da mudança de ator. E essa decisão conjunta foi muito significativa pois atribuía a Bond agora um status de personagem do imaginário, e não mais um modelo de masculinidade ultrapassado.

Muito além de um smoking sob medida, um martíni, um sex appeal de falastrão e uma licença para matar, o Bond da era Craig consegue ser mais do que isso. A redoma de vidro que separava personagem do público foi quebrada e os cacos criaram feridas no agente secreto como questões com o luto, traumas de família, problemas com álcool e até mesmo frustrações amorosas, até então inimaginadas para a máquina de sedução criada por Fleming e representada pelos cinco atores anteriores. Mesmo estando mais realista do que nunca, outra renovação da franquia é iminente, e se, tanto esse último filme como todos os outros vão ficar à sombra de Skyfall, o próximo ator a vestir o manto vai permanecer na sombra do maior James Bond da história.

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Ana Júlia Trevisan

Séries de comédia são sempre um banquete da Televisão. Ora de aspectos feel good nos fazendo pertencer a uma família ou torcer fervorosamente para um time do futebol inglês, ora encarando o humor ácido da vida política, o gênero sempre nos permite pensar com mais leveza sobre as aleatoriedades da vida. Com espaço de sobra para inovar, a britânica Phoebe Waller-Bridge desafia o gênero com Fleabag. A dramédia, que estreou sua primeira temporada em 2016, não tem tabus para falar de solidão, saúde mental, relacionamentos, e claro, sexo. A produção ainda recebe um diferencial tornando a série tão única: todos esses aspectos são representados sob o feroz olhar e consciência feminina.

Phoebe Waller-Bridge é uma atriz e escritora que usa a comédia para espalhar suas críticas sociais e políticas. Dentre incontáveis trabalhos, ela é a showrunner responsável pelo glorioso primeiro ano de Killing Eve. Mas foi a cirúrgica e destemida Fleabag, produzida pela BBC Three com coprodução do Amazon Prime Video, que arrebatou o olhar do público para o unânime e incontestável trabalho de Waller-Bridge, reconhecido com o Emmy de Melhor Série de Comédia em 2019, com a segunda temporada da série. Além dela, a produção saiu vitoriosa em mais três categorias, e foi consagrada a grande vencedora do Globo de Ouro 2019.

Pintada como uma série sobre uma mulher viciada em sexo, Fleabag está longe de ser meramente sobre isso. Aliás, nem realmente viciada em sexo nossa protagonista – que nunca é nomeada, adotando assim o próprio nome da série – é. Em pouco mais de vinte minutos, a produção provoca um tsunami de sentimentos. Do riso ao choro, da vergonha alheia à empatia, nada passa ileso no roteiro absorto e potente de Waller-Bridge. O sexo é sim uma das engrenagens principais da narrativa, assim como a quebra da quarta parede provoca o diferencial da produção. No entanto, o espanto pela liberdade sexual feminina vem da falta de produções que tratam da temática. As reais peças chaves de Fleabag são as relações interpessoais da protagonista e sua solidão.  

O humor da série segue o padrão britânico: rápido e sem limites. A aura excêntrica e um tanto bagunçada da personagem principal faz com que a dinâmica de Fleabag evolua ao passar dos episódios. Uma seriedade maior é aplicada ao enredo conforme o luto e a culpa vão ganhando mais camadas e as relações se tornam mais complexas. Entretanto, o sarcasmo se mantém por todos os episódios, fazendo com que Fleabag permaneça no patamar elevado em que foi colocada. As piadas ordinárias podem soar rude aos menos acostumados, mas é essa posição de público-confidente que gera o cativo pela trama, construindo seu tom pessoal que faz o telespectador gargalhar pelo inadequado.

Somos colocados numa posição onde descobrimos as prestações do passado da protagonista. Logo notamos que ela está sendo engolida pelo luto e não demora muito para entendermos que ela carrega a dor da perda da mãe e, mais recentemente, a partida da amiga. É essa dinâmica que torna a maratona de Fleabag tão prazerosa. O espectador é confidente, e não obstante, cúmplice do roteiro.

Estamos exercendo o papel de quase irmãos siameses da protagonista. É para quem está do outro lado da tela que ela olha, fazendo caras e bocas, e é ela que as câmeras perseguem a cada cena. Estamos tão grudados que conhecemos os personagens apenas pela maneira na qual Fleabag trata eles: o Pai (Bill Paterson), o Cunhado (Brett Gelman), a Madrinha (Olivia Colman). Isso se dá pois o que realmente importa na narrativa é a maneira em que eles se relacionam com a protagonista. As poucas a terem nome são Claire (Sian Clifford) e Boo (Jenny Rainsford), irmã e falecida melhor amiga, respectivamente.

A construção da relação entre as irmãs reforça que a série trata pessoas com a saúde mental deteriorada. É na tentativa de aproximação das duas que notamos que são os vários problemas daquela irmã poderosa e controladora que a impede de se entregar verdadeiramente a momentos felizes. Isso se junta ao fato de que Fleabag está emocionalmente esgotada com seu luto e seu café – a ocupação a qual ela dedica sua vida – falido, somado a vida que vai acontecendo, os problemas de outras pessoas vão surgindo e ela vai ultrapassando os limites emocionais dela. Em cima disso, a sagaz Waller-Bridge consegue falar sobre relacionamentos abusivos e como qualquer um está sujeito a entrar no ciclo vicioso que te destrói aos poucos.

Dando um alívio na ambientação da temporada, em um dos pontos altos do primeiro ano da série, Fleabag e Claire vão a um retiro de mulheres. A perspicácia do tema central do episódio é uma sátira à forma na qual homens e mulheres são ensinados a lidar com os próprios sentimentos. As mulheres são mostradas sendo obrigadas a reprimir suas emoções caladas e limpando o chão, enquanto os homens são incentivados a extravasar a infelicidade por meio de gritos.

A série explora as diversas facetas do ser humano, tanto dentro como fora das telas, instigando o telespectador a refletir sobre a sociedade e os padrões de comportamento. Aqui, ninguém é ruim ao ponto de merecer um arco de redenção.  Os perdões não são programados, muito menos forçados, e os personagens não se resumem em atitudes isoladas. Tudo é construído em um script bem estruturado, que não omite sua melancólica tristeza, disfarçando-as no humor autodepreciativo.

Foi nos palcos do teatro que Fleabag ganhou vida pela primeira vez. Enquanto estava em exibição, a amiga de Phoebe e premiada atriz Olivia Colman prestigiou o espetáculo. Encantada pelo inigualável monólogo, falou à atriz que faria qualquer coisa que ela escrevesse. Dito e feito. Olivia ganhou a responsabilidade de dar vida e forma à Madrasta. A personagem que é uma das mais odiáveis da série recebe chuva de elogios pela atuação – sempre – impecável de Colman.

A Madrasta é a personagem perfeita para servir de termômetro aos atos da família. É no ambiente à la almoço de domingo que as cenas mais intimistas acontecem. Os diálogos passivos-agressivos, o desconforto, as cutucadas, tudo se desenvolve em ritmo crescente até chegar ao desentendimento que pauta o episódio. A personagem de Olivia parece ser uma das únicas a poder ser duramente julgada. As escolhas feitas pelos personagens durante a série refletem os traumas conjuntos e particulares que cada um carrega.

Fleabag vem para mostrar como somos patéticos. É tudo inteligente, estranho e desconfortável. E todo o desconforto causado nos seis episódios iniciais é carimbo de excelência no roteiro, que passa do agradável ao trágico em segundos. No capítulo final do primeiro ano, quando as peças que faltavam no quebra-cabeças aparecem, Fleabag atinge o ápice de tudo que propôs durante a temporada. 

Em outra narrativa, o público transformaria a protagonista em Geni e a apedrejaria em praça pública. Mas como esta série é bem escrita e bem interligada, tudo é diferente. Quem assiste cria empatia pela protagonista e entende suas dores. Não é jogo de mocinho ou vilão. A vida não é tão simples assim. De maneira brilhante, Phoebe Waller-Bridge mostra que compreender os erros do passado não deixa ninguém imune aos erros do futuro. 

Tudo é muito bem escrito, atuado e dirigido. Há cinco anos, Fleabag revolucionou o intimismo de se fazer TV. Sua proximidade que transcende as câmeras, e consegue envolver e imergir em apenas 20 minutos, é algo que acontece apenas a cada passagem do Cometa Halley, como foi Curtindo a Vida Adoidado nos anos 80 e como, muito provavelmente, demoraremos para ver o fenômeno se repetir. Fleabag é coisa de gênia.

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Jho Brunhara

Quando George R. R. Martin decidiu escrever o primeiro livro de As Crônicas de Gelo e Fogo, ele não queria apenas mais uma história de ficção. Ele queria um mundo fantasioso tão complexo que seria considerado “infilmável”. Mesmo assim, os terríveis D&D foram atrás do pepino e transformaram a obra na gigantesca Game of Thrones. Se ignorarmos muitos fatores, é uma adaptação ok, que consegue transferir parte da genialidade do livro para as telas.

Fronteiras do Universo, de Philip Pullman, pode não ser um universo tão detalhado quanto o de Martin, mas ainda sim é um desafio de ser adaptado. A Bússola de Ouro (2007) tentou, mas o apelo não foi suficiente para que a trilogia fosse concluída no cinema. Em 2019, a BBC One, em parceria com a HBO, lançou a primeira parte da versão em formato de série, His Dark Materials. Agora, com o fim da segunda temporada, podemos ter uma dimensão um pouquinho melhor dos méritos da adaptação. 

Antes de tudo, é importantíssimo deixar claro que adaptar não significa copiar cegamente a obra original. Vira e mexe a Internet vira palco para chororô relacionado ao assunto, mas uma adaptação não tem obrigação nenhuma de seguir a história original como uma cartilha. O próprio nome já diz. Porém, ambos os caminhos possuem suas próprias questões. Se a escolha é seguir à risca o original, então é necessário que o impacto e a magia da versão sejam à altura da fonte que bebe.

Caso alterações mínimas ou brutas sejam feitas, essas precisam fazer sentido dentro do universo criado ali ou que sejam pelo menos justificáveis de alguma forma. Uma adaptação falha quando ela é uma cópia exata mas sem vida de sua origem, ou quando mais parece uma fanfic desmiolada que apenas se inspira em pontos chave. Graças à Autoridade, Jack Thorne, roteirista da série, teve bom senso em recriar o mundo de Fronteiras do Universo.

A primeira temporada, que segue os eventos de A Bússola de Ouro (1995), apesar de morna, foi bem sucedida em dar vida ao universo de Pullman (que é produtor executivo de HDM). Os problemas pontuais de falta de atenção à detalhes não pesaram tanto na conta, e a maior diversidade étnica e representatividade feminina compensaram as mudanças de personagens. Na trama, Lyra Belacqua (Dafne Keen), de 11 anos, uma órfã criada pela Universidade de Oxford de seu mundo fictício, tem como único parente próximo seu tio Lorde Asriel (James McAvoy).

A garota recebe um aletiômetro, objeto mágico que responde qualquer pergunta feita. A partir dessa premissa e inspirada pelas aventuras de seu tio, ela decide desbravar seu destino ao lado de seu dæmon, Pantalaimon. Dæmons são criaturas em forma de animais que manifestam a alma das pessoas no universo de Lyra. Em nosso mundo, é Will (Amir Wilson) quem precisa lidar com a doença da sua mãe e fugir de pessoas perigosas que ameaçam sua vida pelo passado de seu pai. 

Os 8 primeiros episódios foram visualmente impecáveis, mostrando que a parceria BBC-HBO não foi barata, desde os dæmons em si até a estrutura física das locações de filmagem. Porém, o roteiro deixou um pouco a desejar. Por exemplo, a forma com que Lyra aprende rapidamente a usar o aletiômetro com clareza na série, em contraponto com o processo gradual dos livros. É um detalhe muito pequeno mas que ajuda a deixar os eventos menos orgânicos. Já as cenas com Ma Costa (Anne-Marie Duff de Sex Education) foram uma mudança extremamente positiva, enriquecendo e aprofundando as relações de Lyra com seu passado.

A representação do Magistério, a grande instituição religiosa que comanda a sociedade em suas ações sociais, religiosas e políticas, também foi satisfatória. Fronteiras do Universo já era importante vinte anos atrás, falando de forma tão explícita para leitores juvenis e adultos dos perigos de autocracias, principalmente aquelas que as mãos que mexem os fantoches são da Igreja.

Agora, com a ascensão do ultraconservadorismo no mundo, associado com os valores religiosos, His Dark Materials é ainda mais relevante. Cada vez mais a história se afunila em seu propósito, que não é apenas contar as aventuras de Lyra e Will, mas de, literalmente, derrubar a Autoridade e reconquistar a liberdade individual. Asriel funciona como um anti-Messias. É uma pena que pela pandemia não foi possível concluir as gravações do oitavo episódio da segunda temporada, que iria focar no Lorde e em sua República do Céu. 

Para o segundo ano, Thorne desceu do pedestal e veio acompanhado de uma sala de roteiristas (aprendam D&D). Dessa vez a temperatura esquentou, e a trama pareceu mais organizada e sem os deslizes vistos anteriormente. Porém, algo ainda paira no ar de His Dark Materials, e não são os espectros de Cittàgazze. Enquanto nos livros tudo era interessante, na TV a parte mais maçante é justamente o plot principal. E a culpa não é apenas de Dafne Kee e Amir Wilson, que, por mais fofos que sejam, custam a convencer que não estão em um estúdio cobertos por holofotes, mas da forma com que seu caminho vem sendo escrito e como os próprios estão sendo dirigidos.

Não há profundidade, e até as cenas que deveriam ser emocionantes parecem faltar tempero. Claro que é interessante assistir ambos desbravarem seus destinos e firmarem sua amizade, mas o alívio é maior quando as cenas mudam para o Magistério, Marisa Coulter, Mary Malone ou Lee e John Parry, e isso não deveria estar acontecendo. Aliás, tirando a dupla dinâmica e sem química, os outros nomes da série carregam nas costas grande parte do mundinho His Dark Materials.

Ruth Wilson está absurda como Marisa, e é a grande estrela da produção. Enquanto sua filhota Lyra só faz cara de limão azedo, Ruth passeia sem esforços por um espectro de emoções e sensações episódio após episódio, e também dá vários shows ao lado do maravilhoso Ariyon Bakare. Os talentosíssimos Lin-Manuel Miranda (Hamilton) e Andrew Scott (Fleabag) igualmente brilham. O bromance de seus personagens, Lee Scoresby e John Parry, traz cenas de tirar o fôlego, em todos os sentidos possíveis. 

As bruxas, porém, continuam mais servindo de apoio para Lyra e Will do que tendo um destaque verdadeiramente próprio. É uma pena, ainda mais com Ruta Gedmintas executando tão bem Serafina Pekkala, e Jade Anouka com sua Ruta Skadi. A maior adição da segunda temporada é sem dúvidas Simone Kirby. Mary Malone é uma das melhores personagens da saga, e a atriz encarnou perfeitamente a energia da cientista. Com a terceira parte de HDM confirmada, já dá para ficar roendo as unhas imaginando os eventos de A Luneta Âmbar adaptados para a TV. Os mulefas! Mas ao mesmo tempo não dá para negar um leve medo em como Thorne vai adaptar essa parte tão preciosa da história. 

His Dark Materials ainda não sabe dosar muito bem os pesos e medidas na transição da escrita literária para o formato audiovisual. Ainda que seu universo encha os olhos, incomoda a desatenção a detalhes e principalmente a perda da riqueza de diálogos, raciocínios e representações que só o narrador onisciente consegue transmitir. Onde as palavras desapareceram, a série nem sempre é capaz de substituir as intenções pela linguagem não verbal, e aí criam-se lacunas que permitem a sensação de superficialidade.

Porém, a situação não é gravíssima: HDM tem sim um saldo muito positivo até agora, mas ainda falta aquele tcham. Talvez essa seja a maior questão de adaptações de fantasia, e no geral: a magia está em entender que formatos diferentes pedem tratamentos diferentes, e nem sempre as mesmas engrenagens vão funcionar nos dois. Mas um óleozinho ajuda e sempre vai bem. 

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Vitor Evangelista 

A TV atual está repleta de shows idealizados por indivíduos com um tato único. Seja a surreal Atlanta de Donald Glover, passando pela dramédia teatral Barry de Bill Hader e chegando no cósmico urbanista Boneca Russa de Natasha Lyonne. Todos esses seriados transbordam originalidade e um talento excepcional em reinventar situações problemas já batidas na arte. Mas nada, repito, nada, chega perto da dolorosa poesia de Phoebe Waller-Bridge em sua Fleabag.

Parceria da BBC Three com a Amazon Prime Video, a criação da britânica só ganhou uma segunda temporada três anos depois de sua estreia, lá em 2016. Na época, atiçou olhares de críticos e público, mas não chegou ao mainstream. Tudo mudou quando Waller-Bridge anunciou uma sequência para a história de luto e perdas de sua protagonista sem nome.

O primeiro ano de Fleabag apresenta essa mulher em processo de luto. Na casa dos trinta, a personagem (que presumimos ser batizada como a série), lida com a morte da mãe, a perda da melhor amiga e seus conturbados relacionamentos familiares. Mas, o que difere o seriado da maré do comum é a mente genial que escreve e atua, Phoebe Waller-Bridge.

Responsável pelo astuto primeiro ano de Killing Eve, Waller-Bridge imprime em sua Fleabag um misto de angústia e perdição. Lado a lado com um humor que rasga acidez e consegue colocar pontos importantes em voga, tudo isso em episódios de menos de trinta minutos. Fleabag ainda quebra a 4ª parede, ri com a audiência e debocha dos demais personagens em cena junto de nós. Somos seus ardilosos cúmplices.

Em entrevista ao El País, Waller-Bridge aponta que a exploração da sexualidade feminina é o que faz o seriado ser tão comentado e devidamente aclamado. Para ela, a mídia sempre representou a mulher como um ser receptivo ao sexo, mas nunca propriamente ativo nele. Ponto esse que é virado de cabeça para baixo no seriado, mostrando uma mulher madura, extremamente sexual e que não se envergonha em momento algum. Ela, aliás, prefere se divertir com seu passado ao invés de lamentá-lo. Fleabag pode ser apontada, inclusive, como a série mais sensual do ano, isso sem contar com nenhuma cena de nudez.

Waller-Bridge tinha dado Fleabag como finalizada após o fechamento do primeiro ano. Tudo mudou, novamente, quando a ideia do Padre (Andrew Scott) veio à tona. Toda a persona de um homem sacro, em contraponto com as extravagâncias (impuras) da protagonista chamaram a atenção da autora, que materializou o segundo ano todo ao redor do duo.

Mas a trama não fica só restrita a isso. Os seis episódios da segunda temporada dão bastante espaço para Claire (Sian Clifford, exuberante), irmã da protagonista, assim como para a indomável Madrinha (a arisca Olivia Colman). Essa é uma série sobre mulheres fortes, que se digladiam em cena, assim como sua prima, Killing Eve.

Enquanto Claire lida com um casamento infeliz, a performance de Sian Clifford, indicada ao Emmy de Atriz Coadjuvante, consegue ordenar o caos que ronda a mente da personagem. Teimosa e com um humor que trabalha na constante negação da piada, Claire se destaca no Episódio 3, onde tem que organizar um prêmio para Mulheres de Negócio.

Na outra ponta do triângulo, Olivia Colman. A vencedora do Oscar por A Favorita consegue moldar uma personagem odiável e cheia de ressentimentos. A Madrinha está noiva do Pai (Bill Paterson), e o Padre é quem vai oficializar a cerimônia, daí a rixa silenciosa que a mulher trava com Fleabag. Sempre munida de um comentário asqueroso, Colman cristaliza num sorriso toda a maldade e o requinte que a personagem despeja em cena. Ela também está indicada ao prêmio de Atriz Coadjuvante.

O Pai tem pouco espaço, mas protagoniza um momento (a cena do sótão) recheado de ternura e verdade. Verdade essa que preenche cada linha do texto de Fleabag, também assinado por Waller-Bridge. O seriado sabe desconstruir piadas prontas (o fagote na mão) mas o trunfo mesmo é conseguir extrair humor do drama carregado que uma gama de personagens densos portam.

As sacanas explosões de Martin (Brett Gelman), marido de Claire, arrancam risadas mas o que fica marcado são os pequenos gestos e falas, que demonstram que ali estão representações verossímeis do mundo real. Phoebe Waller-Bridge é mestre em tridimensionalizar todo e qualquer personagem que coloca em tela, sejam seus coadjuvantes ou as brilhantes atrizes convidadas Fiona Shaw e Kristin Scott Thomas (ambas indicadas ao Emmy), que possuem uma cena cada e mesmo assim explodem em tela.

O grande tema da segunda temporada é a religião. Sem nunca se tornar pedante ou cansativa, a série revigora a visão do homem da igreja, assim como as noções do sagrado, do profano e das vivências no mundo de hoje. É interessante ir de encontro a essa leitura completamente fora da caixinha do catolicismo e do celibato. Waller-Bridge é cirúrgica ao nunca menosprezar seus personagens ou vesti-los com estereótipos.

O Padre sexy é um ornamento a esse pensamento mais millennial da falta de religião ou mesmo de um questionamento de nossa fé. Isso adicionado ao tato feminino cria uma aura quase mística no entorno do personagem de Andrew Scott. O ator encontra o tom perfeito que desfila entre o sóbrio religioso e o boêmio da vida noturna. É um pecado o Emmy ter esquecido a indicação de Scott ao prêmio de Ator Coadjuvante.

Outro fator que enriquece ainda mais Fleabag é a constante quebra da 4ª parede ser transmutada num truque de roteiro. O seriado foge do comum e usa dos momentos de ‘confissão’ da protagonista como algo palpável de sua personalidade. Por isso o choque quando a mulher é questionada pelo Padre sobre o assunto. Depois de 33 anos (o simbolismo disso) vivendo e confabulando seu sarcasmo sem ninguém ao redor notar, a mulher se enxerga desprotegida perante a perspicácia dele. Ela finalmente foi vista, verdadeiramente vista.

A raposa, o busto feminino dourado e o restaurante temático de porquinhos-da-índia. Os nomes parecidos e a falta de outros nomes. O recital de fagote. Fleabag é quase um conto antigo, místico, a série narra uma história desprendida do mundo material. Por isso os últimos momentos do sexto episódio significam tanto; a protagonista tem que viver, superar seus traumas ou, ao menos, não revivê-los constantemente. E tudo isso sozinha.

A alma da segunda temporada de Fleabag é a de um produto que não veremos novamente tão cedo. Phoebe Waller-Bridge tem mais histórias a contar e esta já chegou a uma dolorosa (mas necessária) conclusão. Não devemos, nem podemos, esquecer dos maus momentos, eles nos moldam tanto quanto os bons.

This is a love story.

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