Mateus Conte

A atriz curitibana Adriana Birolli, conhecida por seus trabalhos nas novelas globais Viver a Vida, Fina Estampa, Império e Totalmente Demais, estreou no interior de São Paulo seu novo espetáculo, NÃO!. A primeira exibição ocorreu na cidade de Barra Bonita, seguida por Botucatu e Lençóis Paulista, sempre com casa cheia. Sem dúvidas, é uma grande honra para os interioranos receber as primeiras apresentações da peça de uma profissional conhecida em todo o país. O monólogo também representa uma realização pessoal para a atriz, que conta com a parceria dos irmãos Carlito Birolli, na trilha sonora original, e Letícia Birolli, no figurino, além do namorado, o fotógrafo Ivan Zettel.

Ao adentrar o teatro, é possível ver projetado ao fundo do palco o monossilábico título do espetáculo, “NÃO”, em letras garrafais. A luz vermelha que emana dos refletores dá a tônica que a obra adota: um texto sobre proibições – neste caso, autoinfligidas –, performando um ótimo uso da psicologia das cores na dramaturgia. Também figura no cenário uma tela de fios pretos emaranhados, tal qual a da brincadeira infantil ‘Cama de Gato’, representando a desordem na vida da protagonista. Completam a cena uma pequena banqueta, uma mesinha e uma tigela repleta de gelo com uma garrafa de champanhe.

A protagonista, interpretada por Birolli, é pressionada por sua família a comemorar seu aniversário, cerimônia que não lhe agrada. Este é o ponto de partida para uma história sobre as dificuldades que muitas pessoas enfrentam ao dizer “não” às mais diversas propostas ao longo da vida, ainda que esta recusa as prejudique de alguma forma. A atriz inicia a peça entrando pelos fundos do teatro e interagindo com a plateia, imediatamente causando uma maior sensação de proximidade com o público – além, é claro, da temática abordada que é comum a todos nós.

Afinal, a carga dramática em torno do primeiro “não” não dito nos leva a uma sequência de “sins” que nos afastam, cada vez mais, dos planos que buscamos realizar ao longo da vida; sonhos estes representados por quadros pendurados na ‘Cama de Gato’ citada anteriormente. “Não” para o amor, para o trabalho, para a família, para os amigos… são muitas as ocasiões em que o medo de desagradar sobrepõe o nosso bem-estar. Estas reflexões são trazidas pela protagonista ao longo da obra, que se torna uma espécie de terapia em grupo com toda a plateia.

Uma importante frase proferida pela protagonista, que vale a menção e de certa forma resume a ideia do roteiro, é “Não é nossa responsabilidade a forma que as pessoas recebem o nosso não”. Apesar das aflições causadas pela indecisão entre escolher o “sim” ou o “não” fazerem parecer se tratar de um espetáculo angustiante e amargurado, a obra é uma deliciosa comédia que permite a própria libertação ao representar os fatos corriqueiros de nosso cotidiano de forma facilmente identificável pelo público.

O ato final retoma o diálogo com a plateia ao sugerir uma enquete, aos moldes do global “Você Decide”, sobre qual atitude a protagonista deveria tomar: o “sim” contrariado ou o primeiro “não” determinado? A peça se encerra sem um final estabelecido, delegando ao espectador a função de se imaginar na cena e tomar sua própria decisão – como bem cantava Chorão, líder da banda de rock Charlie Brown Jr., “Cada escolha, uma renúncia”.

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Mateus Conte

O Teatro Municipal de Botucatu recebeu, em uma noite de sábado, o drama musical Parabéns, Senhor Presidente – In Concert. A casa lotou para recepcionar as atrizes globais Claudia Ohana, que interpreta a soprano Maria Callas, e Juliana Knust, que dá vida à sex symbol Marilyn Monroe. Com texto de Fernando Duarte (que estava presente naquela noite) e Rita Elmôr, a peça é uma adaptação musical para a obra de mesmo nome, encenada em 2019. A apresentação contou com entrada franca e ainda passa por seis municípios do estado, dentro da programação do Edital ProAC Expresso, através da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Governo do Estado de São Paulo.

A peça retrata o encontro fictício entre as duas artistas nos bastidores do Madison Square Garden, casa de espetáculos na cidade estadunidense de Nova Iorque, por ocasião do 45º aniversário do então presidente John F. Kennedy, comemorado em 19 de Maio de 1962. O momento ficou marcado na memória coletiva dos anos 1960 com a imagem de Marilyn Monroe usando um sensual vestido coberto de cristais brilhantes, cantando aos sussurros a memorável Happy Birthday. Nessa mesma noite, a maior estrela da ópera de todos os tempos, Maria Callas, foi protagonista da apresentação mais aplaudida da noite, ao interpretar Habanera, ária integrante da ópera Carmen, apresentações cujos vídeos foram exibidos ao fundo do cenário da peça.

Independentes e bem-sucedidas, o que era raro nos anos 1960, as icônicas personagens partem de suas próprias histórias para, durante 65 minutos, mergulhar no drama feminino dos tempos modernos, abordando o papel a ser desempenhado pelas mulheres em um mundo ainda governado pelos homens. No entanto, a narrativa da obra não deixa de também envolver o público masculino, pois apresenta as consequências de relações abusivas no trato psicológico das protagonistas.

Exemplo disso são os relatos das crises conjugais de Monroe com a lenda do baseball Joe DiMaggio, que lhe abusava fisicamente. O momento impactante é muito bem utilizado pelo espetáculo para divulgar a campanha contra a violência doméstica Ligue 180, projetado no seu sóbrio cenário, que se passa no camarim da apresentação ao presidente Kennedy. Também choca a ocasião em que a atriz fala sobre os abortos espontâneos que sofreu, em uma carga dramática impressionante.

As personagens viviam momentos distintos em sua vida. Em pleno auge profissional, Marilyn estava cansada de ser vista apenas como um símbolo sexual. Amante do presidente JFK, ela sentia-se preterida pela primeira-dama Jacqueline Kennedy –  um dos fatores que supostamente desencadeou seu vício em bebida e calmantes, o que lhe resultou na morte por overdose de barbitúricos, em 1962 (embora a peça aposte na hipótese de homicídio por parte de um agente da CIA, a Agência Central de Inteligência dos Estados Unidos).

Callas, por sua vez, se incomoda com os críticos – inclusive ironizando aqueles que redigem críticas culturais nos jornais – e reconhece que sua voz está se exaurindo aos poucos. Ela ainda sofre por ter priorizado a arte em detrimento de sua vida pessoal, enfrentando problemas no relacionamento com o magnata grego Aristóteles Onassis. As crises conjugais passadas pelas personagens são os momentos em que o texto mais investe em comédia, incluindo piadas sexuais que levaram o público às gargalhadas, à revelia da classificação indicativa de 14 anos.

A conversa entre Callas, introspectiva e melancólica, e Monroe, extrovertida e sanguínea, resulta em uma rara sintonia entre contrários, também espelhados na destoância entre seus figurinos e suas caracterizações, que refletem suas personalidades distintas. Enquanto os espontâneos desabafos de Marilyn são respondidos pela grega com sua objetividade racional, assemelhando-se a uma terapeuta, as confissões da soprano são devolvidas com espirituosidade e uma certa dose de despudor pela atriz, em oposição ao momento difícil pelo qual sua vida passava.

A nova adaptação, In Concert, conta com canções compostas por Maíra Freitas e interpretadas pelas atrizes, tanto em duetos como em solos, tanto em óperas como em ritmos convencionais. Surpreende a excelência na execução das músicas, tanto por Ohana quanto por Knust, bem como a qualidade do arranjo e das letras, totalmente em português. A cena em que Callas ensina técnicas vocais para Monroe é um dos (muitos!) pontos altos do espetáculo, momentos em que nos perguntamos quais fatos apontados naquele roteiro realmente ocorreram na vida real.

Dentre os aspectos técnicos, ressaltam-se a captação de som, realizada por meio de microfones de cabeça que valorizam as vozes das atrizes, assim como a iluminação, que variava conforme a intensidade das emoções de cada momento da peça, cujas cenas são divididas por sessões musicais. A última delas é a principal apoteose de Parabéns, Senhor Presidente, fechando-se as cortinas e encerrando-se o espetáculo em grande estilo, combinando aquelas duas figuras tão distintas através de uma de suas poucas paixões em comum: a Arte.

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Clara Sganzerla 

Moby-Dick, ou The Whale, é um famoso romance publicado em 1851 pelo escritor estadunidense Herman Melville, que conta a famosa saga do capitão Ahab atrás da baleia que arrancou sua perna. A semelhança com A Baleia, um dos filmes mais comentados do Oscar 2023, não é apenas no nome. A nova obra do diretor Darren Aronofsky nos leva em uma triste trajetória de um outro protagonista atrás de algo que vai além da forma física: uma redenção para si mesmo.

Na aclamada produção do estúdio A24, somos apresentados a Charlie (Brendan Fraser), um professor universitário que passa seus dias corrigindo redações e suprindo sua falta de perspectiva, afeto e esperança com compulsão alimentar. Em uma jornada acelerada para o seu inevitável fim, acompanhamos o personagem em seus suspiros finais: consumido pela culpa de ter abandonado sua filha para viver um romance, Charlie tira tudo o que resta em si para dar à Ellie (Sadie Sink), uma adolescente submersa na contradição de sentir-se injustiçada pelo abandono paterno e, ainda assim, querer o que lhe foi arrancado tão nova. 

Ao dizer tudo de si, é de forma literal. Sobrevivendo com severas consequências de uma condição de obesidade mórbida, o personagem recusa-se a procurar ajuda médica para, no lugar, destinar todas as suas economias ao futuro de sua filha. O que parece ser uma crítica ao sistema de saúde público dos Estados Unidos acaba por ser, na verdade, a solução mais plausível que Charlie encontra – uma conta bancária com mais de 100 mil dólares a fim de colocar um curativo em cima das feridas que ele mesmo causou, mas tentou evitar. Ellie torna-se, então, uma jovem problemática que se esforça para ser apática com toda a sua situação familiar, mas acaba por cair na grosseria e raiva como maquiagem para sua enorme carência.

Enquanto isso, vemos nos olhos de Liz (interpretada brilhantemente por Hong Chau) o desespero palpável de não conseguir salvar seu amigo de sua jornada de autodestruição para vê-lo afundar em uma dor que também é sua: o luto pelo seu irmão Alex, namorado de Charlie. O motivo da morte acende uma importante e dolorosa discussão sobre a aversão de determinadas igrejas ao grupo LGBTQIAP+. Isso porque a recusa do relacionamento homoafetivo entre os dois pela família foi um dos motivos para o suicídio de Alex, que fugiu de um casamento arranjado pelo pai para viver seu verdadeiro amor.

A direção de Aronofsky, como de costume, divide opiniões. Desde a maneira de retratar os episódios de compulsão alimentar até o próprio olhar ao protagonista, entramos em uma linha tênue. Para uns, faltou sensibilidade e respeito ao retratar Charlie. Para outros, não haveria outra forma de tê-lo tornado mais humano do que mostrando tudo aquilo que ele quer esconder. No entanto, talvez essa tenha sido a intenção do diretor: polemizar o suficiente para pensarmos sobre o assunto, para a discussão perdurar além dos cinco minutos após o fim de A Baleia – o que, com certeza, funcionou. 

O impacto do longa deu-se muito antes de chegar ao público nos cinemas. Em quase uma década recluso após ser vítima de assédio por Philip Berk, Brendan Fraser voltou às telas recebendo o reconhecimento que merece: teve sua primeira indicação ao Oscar na categoria de Melhor Ator. Além disso, The Whale esteve presente em outras modalidades, como Melhor Maquiagem e Cabelo, pelo trabalho de Adrien Morot, e pela sensível atuação de Hong Chau, na categoria Melhor Atriz Coadjuvante. 

E estamos ansiosos: em uma disputa acirrada com Austin Butler, fica a dúvida sobre quem receberá a estatueta de ouro. Após Fraser vencer a categoria de Melhor Ator no Critics Choice Awards e, surpreendentemente, no SAG Awards, tivemos também o intérprete de Elvis Presley sendo destaque no Globo de Ouro, no prêmio BAFTA e no Satellite Award na mesma posição de Brendan – a competição para o Oscar, que estava quase que decidida para Butler, agora, segue indefinida. 

De qualquer forma, entre polêmicas e emoções, a incrível performance de todo o elenco torna inesquecível a experiência de A Baleia. Apesar de ser doloroso, longo e sofrido, o que vale a pena na obra é enxergar a bondade nos olhos de Charlie e emocionar-se com o retrato sincero, dentro de todos os nossos defeitos e arrependimentos, sobre tudo aquilo que nos faz humanos.

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Ana Laura Ferreira

Ser uma amante de musicais é um caminho perigoso que proporciona altos estratosféricos e quedas dolorosas. Não é todo dia que temos a oportunidade de aproveitar um Mamma Mia (2008) e por vezes nos deparamos com alguns Cats (2019) pela frente. E por mais que A Festa de Formatura (The Prom) tivesse absolutamente tudo para entregar uma história recheada de carisma, atos de dança deslumbrantes e atuações dignas de Oscar, o filme se torna apenas mais um entre as inúmeras produções de Ryan Murphy. Nem a pior, nem a melhor, apenas a mais esquecível.

O longa foi inspirado em uma peça de teatro musical de mesmo nome que conta a história de Emma, uma estudante do Ensino Médio que deseja ir ao baile de formatura com sua namorada, mas é impedida pelo conselho escolar. Indignados com a proibição e buscando por uma manchete que possa trazer seus nomes de volta ao estrelato, quatro atores da Broadway rumam em direção a Indiana para ajudar a mudar os pensamentos conservadores. E é através dessa narrativa que todo o glitter e purpurina teatral é acrescentado ao longa.

Esse parece um pontapé inicial digno de uma obra a ser aclamada pela crítica e conquistar a unanimidade do público, mas The Prom não chega nem próximo a isso. Seguindo por caminhos tortuosos e por vezes megalomaníacos demais, nem mesmo seu cast repleto de estrelas consegue resgatar esse navio que naufraga aos poucos. Meryl Streep, Nicole Kidman e Kerry Washington são apenas alguns dos grandes nomes que vemos correr pela tela, mas ainda com todo seu talento e buscando fazer magia com nada, o roteiro e a direção diluem seus dons e não usufrui o quanto poderia de suas oportunidades.

Esse chamariz de nomes conhecidos funciona como uma forma de encobrir o limite da linha tênue entre a sátira e o mal gosto pela qual Ryan Murphy, que assina a direção e produção de A Festa de Formatura, caminha. O criador de Glee e Hollywood tem uma marca e isso é inegável. A facilidade que temos em enxergar toda sua personalidade logo nos primeiros minutos de filme é impressionante, mas o problema aqui é que The Prom se resume a ser Murphy demais. Chamativo, forçado, bagunçado, com muitas histórias, personagens, desperdícios e tentativas demais de nos empurrar um carisma exagerado e difícil de comprar, haja visto algumas atuações. 

É claro que em sua maioria os atores entregam performances impecáveis dentro do possível do roteiro, como é o caso de Meryl e Nicole, mas por outro lado James Corden nos faz pensar o porquê dele ter sido escalado. O comediante e apresentador do The Late Late Show é engraçado e carismático, e isso é inegável, mas como ator o buraco é mais embaixo. Mesmo apresentando uma performance mil vezes melhor do que seu personagem em Cats, Corden se prende em maneirismos que funcionam bem na programação da TV, mas que no cinema o tornam caricato e sem expressão própria.

Ainda assim, o filme traz um produção técnica primorosa, com jogos de luz inspirados nos grandes palcos da Broadway e que trazem um ar teatral ao longa. Assim como os figurinos, fotografia e cenografia, pensados com um cuidado tão grande que vemos todo o esforço que foi dedicado aos detalhes, buscando torná-los parte integral da narrativa e nos fazer crer que apesar dos spots de luz colorida que surgem do nada, A Festa de Formatura poderia unir o crível ao fantasioso. Essa estratégia parte até para o roteiro que por vezes deixa de lado o fictício para abordar assuntos sérios e que merecem discussão, o que dói são esses momentos serem ofuscados por todo o exagero da narrativa.

O que mais pesa em The Prom é ele ser o tipo de filme que nós gostaríamos de amar e panfletar para o mundo, mostrando como musicais podem ser divertidos, deslumbrantes e ainda trazerem uma história completa. Infelizmente, aqui a trama é só mais uma desculpa para produzir grandes números musicais em sequência. E isso porque Murphy não soube aproveitar as pedras preciosas que tinha em mãos. Talvez o maior exemplo de desperdício que podemos encontrar é a personagem de Nicole Kidman, que é descartável e não interfere na trama, usando o nome da atriz apenas como uma forma de chamar atenção do público. 

Entretanto, nos poucos momentos que são dados, Nicole brilha tão intensamente que sentimos vontade de ver uma produção totalmente dedicada a ela. E enquanto alguns são desperdiçados, outros são usados de forma desgastante, como é o caso das personagens Emma e Alyssa. As supostas protagonistas do longa se perdem em meio ao seu romance água com açúcar que não tem sequer uma pitada de química, tornando o plot das atrizes irrelevante e sem emoção.

A estrutura episódica de A Festa de Formatura também não contribui para a narrativa que se torna quebrada e segmentada. Essa fórmula funciona perfeitamente em séries de TV e no teatro, com atos bem demarcados que nos dão uma amostra a cada nova parte. Mas quando pensamos em cinema é essencial ter uma história bem amarrada e que se construa de forma sólida, sem deixar pontas soltas, porque não precisamos de uma nova narrativa a cada cinco minutos se já tivermos comprado a principal.

É tudo exagerado, Ryan Murphy e cintilante demais, na conotação ruim das palavras. A Festa de Formatura é uma diamante que não soube ser lapidado e se perdeu em meio às tentativas megalomaníacas de seu diretor. Talvez em outras mãos, como a de Adam Shankman de HairSpray (2007) e Rock of Ages (2012), pudéssemos ter uma versão de The Prom tão magnífica quanto a sua peça de inspiração, mas por enquanto nos contentamos em fingir que suas longas dua horas de duração não serão rapidamente esquecidas. 

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