Henrique Marinhos

Há três anos estreava a dualista primeira temporada de Hunters. Aos que conseguiram terminá-la, hoje podem apreciar o segundo – e maior – ato do enredo, desenvolvido por David Weil, Mark Bianculli, Nikki Toscano e David Rosen, que divide opiniões. Com um exímio elenco, a série traz Al Pacino de volta às telas, já que seu último papel em uma produção para televisão foi em 2003, em Angels in America. Agora, o ator interpreta Meyer Offerman, um líder de caçadores nazistas à procura de fechar as feridas deixadas pela Segunda Guerra Mundial.

Longa, lenta e detalhada, a obra constrói personalidades profundas cheias de motivações, histórias e nuances. Porém, apenas na segunda temporada a conexão entre essa profundidade e a narrativa deslumbra seu público. Como acontece em um filme de origem, a morte da avó de Jonah Heidelbaum (Logan Lerman) é o ponto de ignição que incentiva o jovem da primeira geração pós-guerra a procurar o assassino que tirou a única família conhecida por ele. Infelizmente, o desenrolar do roteiro apresenta uma transição gradativa e confusa para relacionar as motivações pessoais à causa maior, mas, aos quarenta e cinco do segundo tempo, as lacunas se complementam esplendorosamente.

Produzida por Jordan Peele, a série desenvolve elementos que percorrem uma linha tênue entre o encaixe perfeito de peças totalmente diferentes e o completo caos. Assim, ela permanece intacta do começo ao fim, desde a fotografia  saturada, assinada por John Lindley Asc, em referência direta a Bastardos Inglórios, até a ambientação da época, por Toscano e Weil, que, ironicamente, remete aos filmes de ação protagonizados por Al Pacino na década de 1970. 

A apresentação da série como dualista – ou até multifacetada – não se dá somente por quesitos técnicos. A coexistência do teor reacionário em que a temática ficcional trabalha e a realidade na qual se baseia também é um ingrediente capaz de refletir questões sociais complexas nas quais a arte está inserida. O Museu de Auschwitz, por exemplo, criticou a criação de um tabuleiro de xadrez humano representado na obra após o lançamento e popularização do episódio, mencionando que honram as vítimas preservando a precisão factual e inventar um falso jogo não é apenas uma “tolice perigosa e uma caricatura, mas também dá boas-vindas aos futuros negacionistas”.

Ainda que o criador descreva Hunters como “uma carta de amor à sua avó materna”, a polêmica difundida pelo Museu gerou diversas divergências entre o público. Mesmo assim, não é possível negar que a expressão de determinadas cenas e construções – ainda que fictícias – transgride e minimiza diretamente os pilares da resistência construídos pelos sobreviventes do Holocausto em memória à identidade judaica.

Ainda com as problemáticas bem expressas e válidas, a obra provoca uma imersão desde o começo, sendo possível elaborar um quadro de pistas com todas as conexões e pontos centrais da trama. A série trabalha com reviravoltas constantes e coesas, refletidas em uma cadeia de objetivos. descritos por Joshua Rivera, do The Verge, como “uma lembrança angustiante do sofrimento do Holocausto, uma fantasia de vingança satisfatória, uma peça de época sensacional e uma comédia de humor ácido”. Tudo isso é representado e introduzido de um jeito caótico pelo primeiro teaser da produção, exibido no SuperBowl 2020.

A temática não se restringe a fatos documentais e tampouco a ficções distantes e questões reflexivas. Desde o simples fato de existir, Hunters tenta seguir uma onda de lançamentos de obras históricas que criticam o retrocesso com a recente alta da extrema-direita na mídia, o neofascismo em instituições governamentais e os discursos de ódio. Mas sua referência não é tão bem integrada quanto seus aspectos técnicos e roteiro. Críticas por críticas não promovem reflexão. Além de tudo, sua referenciação histórica é rasa e não desenvolvida, e está entre a lembrança do Holocausto e uma fantasia corajosa.

Por si só, a obra indiscutivelmente apresenta um âmago curioso, imprevisível e ainda instigante. Seja pela produção de Peele, produtor de Corra e Não! Não Olhe!; pelo elenco hipnotizante com Lerman, Pacino, Tiffany Boone, Jennifer Jason Leigh e muitos outros caçando nazistas – o que poderia ter dado errado? -; ou pela estonteante fotografia e direção de câmera. Mas, acima de tudo, pela imprevisibilidade de um roteiro coeso e bem construído.

O penúltimo episódio da temporada performa tudo aquilo que a produção poderia ser: majestosa, intensa, angustiante e representativa. O grande acerto de Hunters foi entregue em seu sétimo episódio, The Home, com performances, cenários e um roteiro de invejar longas-metragens durantes seus hipnotizantes 40 minutos. As referências sutis, em que cada cena aparenta ser milimetricamente pensada, o transformaram em um quebra-cabeças de mil peças, em que mesmo a satisfação provocada por concluí-lo é seguida pela tristeza da imagem formada e da história contada.

Ao fim, o segundo ano se resume a um desenvolvimento inicial clichê, mas capaz de preencher todos os requisitos de uma boa série que reúne a turma na última temporada – agora, com um objetivo maior deixando todo seu desenvolvimento cada vez mais imprevisível. Caminhando para seu encerramento programado, a obra não poderia abrir brechas para quaisquer pontas soltas e seu público sabe disso. Se tratando de uma temática de época, cabe ao contemporâneo refletir sobre o que a história pode nos ajudar a prevenir.

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Nathan Nunes 

Poucos momentos na história do Cinema podem ser considerados verdadeiros milagres. Um deles foi a estreia de O Poderoso Chefão, em março de 1972. A produção do filme foi um verdadeiro caos, indo de um estúdio que não queria aceitar um jovem Al Pacino como protagonista e que estava, a todo momento, pronto para demitir o diretor Francis Ford Coppola, até um boicote de figurões como Frank Sinatra e o envolvimento da máfia por debaixo dos panos na produção, entre diversos outros perrengues. Por sorte, sabemos como essa história terminou muito bem para todos os envolvidos e pavimentou o caminho de muitos artistas estreantes na indústria cinematográfica. Agora, 50 anos depois da obra-prima familiar de Coppola ter conquistado o público, a minissérie The Offer estreou no Paramount+, contando os bastidores do longa pelo ponto de vista do produtor Al Ruddy (Miles Teller). 

Recém-saído do seriado de sucesso Guerra, Sombra e Água Fresca nos anos 1960, ele começou sua carreira trabalhando para a Paramount Pictures no início da década de 1970, quando o estúdio precisava desesperadamente de um novo sucesso de bilheteria. É nesse cenário que Ruddy é encarregado da tarefa de levar o livro de Mario Puzo (Patrick Gallo) – até aquele momento o mais vendido da história – para os cinemas. 

É plenamente justificável olhar para The Offer com cinismo e desprezo, devido a atual tendência da produção dos grandes estúdios estar atrelada muito mais ao conteúdo do que às ideias originais. Além disso, o fato da Paramount – a responsável por fazer das vidas dos envolvidos no projeto original um inferno – estar capitalizando em cima dessa experiência conturbada poderia soar como um mea-culpa cafajeste, ou até mesmo desrespeitoso. Por sorte, isso não acontece aqui, e a série, mesmo com seus problemas, consegue oferecer ao público uma perspectiva honesta sobre como funcionam as coisas em Hollywood e sobre como o Cinema é uma Arte colaborativa. 

Colaboração, inclusive, é a palavra-chave para o sucesso em The Offer. Acompanhar um bando de pessoas diferentes se empenhando e dedicando o máximo de suas vidas para a realização de uma obra de arte única é o barato do roteiro. O acerto está em nos dar uma recompensa satisfatória ao final da maioria dos episódios – aquele gostinho clássico da vitória dos underdogs em cima dos bullys. No cenário da série, são os artistas sonhadores em cima dos engravatados sem alma que só pensam no lucro. 

Contudo, a narrativa é a mais maniqueísta possível, pois O Poderoso Chefão é uma obra tão importante para a História do Cinema que qualquer produção atrelada ao seu nome vem com o risco de não ser tão boa como o filme que começou tudo. Nesse sentido, os showrunners Michael Tolkin e Nikki Toscano decidiram apostar no seguro e construíram seus personagens e arcos dramáticos em cima de arquétipos tradicionais, que se provam uma faca de dois gumes: por um lado, garantem a eficiência do projeto, mas, por outro, apagam o brilho da novidade, ao passo que The Offer dificilmente será lembrada da mesma forma que o clássico. 

Ninguém representa tão bem isso como Joe Colombo (Giovanni Ribisi), um mafioso que tentou impedir o longa de ser produzido. Sua composição como personagem é extremamente caricata, indo da maquiagem pesada até um sotaque italiano tão forçado quanto os de Casa Gucci. Curiosamente, uma de suas grandes preocupações é que o filme trate os italianos de forma estereotipada, exatamente a maneira com a qual ele próprio é tratado pela série. 

Apesar dos pesares, o elenco consegue driblar as caracterizações batidas dos personagens entregando boas performances. Miles Teller, por exemplo, está bem como um Al Ruddy determinado e com bom jogo de cintura para lidar com os egos conflitantes na produção. Já Dan Fogler diverte com seu Francis Ford Coppola doce, sensível e até um pouco ingênuo, com aquela passionalidade evidente através de sua Arte. Enquanto isso, Juno Temple impressiona como a esperta Bettye McCartt, secretária e fiel escudeira de Ruddy. 

No entanto, quem brilha mesmo em cena é Matthew Goode ao interpretar Bob Evans, lendário produtor da Paramount, responsável por outros clássicos como Love Story, O Bebê de Rosemary e Chinatown. Conhecido pela sua personalidade impactante e carismática, Evans é retratado com nuances bem interessantes por parte de Goode, como uma petulância quase infantil, um charme de bon vivant (não à toa, ele deu seu aval para uma adaptação de O Grande Gatsby na mesma época) e um arco próprio de queda e redenção, baseado no polêmico fim de seu casamento com a atriz Ali MacGraw (Meredith Garretson).

Tecnicamente, poucas coisas impressionam. A série é bem fotografada por Salvatore Totino (Homem-Aranha: De Volta ao Lar) e Elie Smolkin (Dirty John: O Golpe do Amor) e encenada, mas nada chama muita atenção para além de algumas boas rimas de linguagem feitas com cenas antológicas, como um assassinato que se mescla às filmagens do atentado a Don Vito Corleone (Marlon Brando no filme de 1972, Justin Chambers aqui). Na verdade, esse sentimento pouco instigante da série como técnica diz muito sobre a sua natureza particular.

No fim das contas, The Offer funciona mais como uma curiosidade do que como um projeto sólido por si próprio, pois a sensação que permanece é a de que já vimos coisa parecida antes e, até mesmo, um pouquinho melhor; mas isso não é necessariamente ruim. Desde o seu lançamento, poucas obras chegaram aos pés de O Poderoso Chefão, tanto na produção cinematográfica como na televisiva. Então, não é de se espantar que a série de 2022 não tenha chegado também. Em outras palavras, é uma oferta que não é irrecusável, mas, no geral, competente e mediana. 

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