Gabriela Reimberg

É impossível falar de Aquarius sem mencionar o caótico frenesi que atravessava a política brasileira em seu ano de seu lançamento. A narrativa de aversão à esquerda, predominante na mídia, recebeu mal o filme quando, em maio de 2016, no Festival de Cinema mais importante da Europa, o elenco tomou a iniciativa de protestar contra o impeachment ilegítimo que levou Michel Temer à presidência. “Assim que Aquarius estrear no Brasil, o dever das pessoas de bem é boicotá-lo”, dizia uma matéria da época. Foi no berço desse borbulhante caldeirão de reacionarismo que o segundo longa de Kleber Mendonça Filho veio ao mundo. 

Apesar da recepção hostil em casa, Aquarius foi, talvez, um dos filmes brasileiros da última década mais consagrados no exterior. Com temas que transpassam barreiras linguísticas e culturais – ora de forma pragmática -, como os abusos do capital e a desigualdade social – ora de forma subjetiva -, como a memória e os laços com o passado, Aquarius é sobre angústias que afligem a todos nós.

Ambientada em Recife, a trama acompanha a história de Clara, representada pela fascinante Sônia Braga, uma jornalista aposentada que se recusa a sair de seu charmoso apartamento na praia de Boa Viagem, no edifício Aquarius, onde passou toda a sua juventude. Sendo a única moradora ali residente, Clara se vê pressionada pelo insistente Diego, interpretado por Humberto Carrão, representante de uma construtora que pretende tombar o prédio para empreender um condomínio de luxo. 

É a clássica relação de vilão-herói. O personagem ambicioso de Diego personifica o capital especulativo que, no espaço urbano, transforma tudo em concreto. Já Clara é a politizada protagonista que luta até o final para defender seus valores. Apesar do relacionamento conflituoso, entretanto, os dois pertencem à mesma classe abastada de Recife e têm muito mais em comum do que a gente imagina. Enquanto Diego não esconde sua presunção de filho herdeiro, que estudou nos Estados Unidos, Clara parece não querer pertencer a essa casta: mesmo sendo dona de cinco outros imóveis, ela insiste em morar no antigo Aquarius e levar uma vida modesta. É a contradição da elite que não se enxerga como tal. 

Kleber aborda de forma sutil, quase microscópica, essas relações de classe. Em uma reunião com os irmãos, Clara revira os álbuns de fotos da família e encontra um punhado de imagens em que a ex-empregada, Juvenita, aparece ao fundo, como figurante, cuidando das crianças. Ela se lembra perfeitamente de suas habilidades na cozinha, mas não de seu nome. Esse apagamento de identidade também é simbolizado na figura da atual empregada, Ladjane (Zoraide Coleto), uma senhora de idade que mora na periferia de Recife e, ao contrário da protagonista, não teve o privilégio de desfrutar de sua aposentadoria despreocupadamente. Embora o filme pinte a relação entre Ladjane e Clara como amistosa, é possível perceber que existe uma hierarquia de patrão e empregado muito bem delimitada entre as duas, causando um quê de desconforto ao telespectador. 

É aqui que o diretor se destaca no Cinema nacional. Ao atribuir falhas tão particulares aos seus personagens, Kleber consegue denunciar as anomalias éticas da sociedade brasileira sem precisar apelar ao panfletário e ao caricato. A personagem de Sônia Braga é o puro suco dessas falhas. Ainda que ela se sobressaia por sua feminilidade e personalidade ímpares, Clara é cheia de defeitos: é chata, arrogante, inconveniente, esnobe e muito – mas muito – pedante. Mais do que isso, ela é o retrato fiel de uma pequena burguesia metida à besta que luta contra uma forma de opressão – a especulação imobiliária -, enquanto pratica outra – a exploração por meio do trabalho doméstico. 

Quanto aos conflitos subjetivos, Aquarius também acerta em cheio. Para quem assistiu Bacurau (2019), o mais recente filme do diretor pernambucano, é notável o vínculo entre as tramas. A personagem de Sônia Braga é a amálgama da cidade de Bacurau: ambos resistem à tentativa de aniquilação de suas histórias. Além disso, o vínculo afetivo do ser humano com o espaço, seja ele urbano ou não, é uma temática presente nas duas obras.

Falando em espaço, é interessante observar como Kleber brinca com a trilha sonora, logo no início do filme. Ao som de Taiguara, somos introduzidos à uma Recife em preto e branco, com um ar saudosista, ainda em processo de urbanização. “Trago em meu corpo as marcas do meu tempo”, diz a música. É como se a cidade estivesse falando com a gente. E, de fato, a cidade é personagem em Aquarius: ela representa a troca do velho pelo novo. 

Já o apartamento de Clara é um ponto fora da curva. Entre discos de vinil, livros e álbuns de fotos, onde a saudade e a melancolia se emaranham docemente, o apartamento é um museu de memórias imateriais e materiais. Em um mundo cada vez mais permeado pela cultura do efêmero, onde o consumo excessivo e a obsolescência programada reinam, Aquarius busca mostrar que o espaço, e os objetos, têm um valor sentimental uno – quase sacro. 

Mas, calma! Embora o longa aborde temas tão universais e inerentes ao ser humano, não é todo mundo que consegue digeri-lo bem. As duas horas e meia de duração, com uma fotografia pouco dinâmica, diálogos arrastados e cenas de silêncio absoluto, Aquarius, para algumas pessoas, pode acabar virando aquele filme que a gente deixa rolando em segundo plano enquanto tira uma sonequinha no sofá. É preciso ter sensibilidade e capacidade de mergulhar nas emoções e nas sensações que a obra provoca. 

No fim, a única conclusão certeira é que temos aqui uma saborosa história de superação. Cinco anos depois, é possível assistir ao filme e tirar as mesmas lições que qualquer outra pessoa em 2016 poderia ter feito: a especulação imobiliária é predatória, os ricos são hipócritas, as rugas são virtudes e a cidade é um espaço de trocas fraternas. Agora, mais importante que isso, é saber que, mesmo depois de tanta demagogia e reacionarismo, para o desgosto do cidadão de bem, Aquarius conseguiu se consolidar como um clássico contemporâneo do Cinema brasileiro. Não é que o tempo realmente cura tudo? 

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Jamily Rigonatto

Livremente inspirada no livro-reportagem Holocausto Brasileiro de Daniela Arbex, Colônia é a nova aposta do Canal Brasil. A série produzida e dirigida por André Ristum é um retrato sensível sobre o hospício em Barbacena, Minas Gerais, que vitimou mais de 60 mil pessoas no último século. Dividida em 10 episódios, a produção explora personagens ficcionais que reconstroem o horror vivido pelos internos do maior manicômio do país.

Um vagão de carga escuro e sem ventilação leva os “doidos” para um destino cruel. Jogados no assoalho, alguns vomitam, urinam, gritam ou choram – ninguém entra ali e volta a ser como era antes. O frame remete à forma como os judeus eram encaminhados aos campos de concentração, e o aspecto degradante e impiedoso animaliza cada figura presente na cena. 

A trama nos convida a enxergar pelos olhos de Elisa (Fernanda Marques), uma jovem que foi colocada naquele vagão a mando do próprio pai como castigo por ter engravidado do namorado e recusado se casar com um homem 40 anos mais velho. Desorientada, ela pensa ter sido alvo de um engano, já que seu diagnóstico de esquizofrenia era falso, mas logo percebe que ninguém ia para o Colônia por engano.

Na verdade, os internos eram escolhidos a dedo. O prédio descuidado era um depósito de internações injustificadas, a maioria não tinha nenhum problema psiquiátrico, apenas era mais cômodo para os conservadores da sociedade taxá-los de doidos e mantê-los longe de vista. Gilberto (Arlindo Lopes) foi mandado para o hospício por ser gay; Raimundo (Bukassa Kabengele), um alcoólatra; Valeska (Andréia Horta), uma prostituta apaixonada pelo prefeito de Barbacena, e Wanda (Rejane Faria) tinha uma história muito parecida com a de Elisa. 

Apesar de não serem protagonistas, os arcos dos personagens são super bem desenvolvidos, pois os pacientes se tornam a ponte de apoio um do outro e impedem que a loucura de viver naquele lugar os consuma completamente. Em certos momentos, as conversas e sorrisos soltos que eles compartilham amenizam o clima acinzentado.  

A interpretação de Rejane Faria constrói a representação mais marcante da série. Wanda já estava aprisionada no Colônia há quase 30 anos, internada pelo patrão por estar grávida e com seu filho arrancado de seus braços dentro daquele edifício frio, ainda sim seu olhar é capaz de transmitir uma serenidade reconfortante. A personagem ajuda Elisa a não tomar decisões precipitadas e é o ponto de paz da protagonista ao longo da trama. As duas criam um laço praticamente maternal que torna impossível não gostar de como as atuações se complementam. 

Além das críticas visíveis aos comportamentos machistas e racistas da época, Colônia não deixa de incluir o período da ditadura nesses desabafos. Como a produção se ambienta na década de 70, parte dos rejeitados levados para o hospício eram opositores do governo autoritário da época. Um trato entre os militares e a coordenação do hospital permitia que alguns protestantes recebessem um destino diferente da morte e fossem levados para o hospital como punição. 

A narrativa também nos entrega reflexões sobre a ética médica com o confronto interno do médico da instituição, que se sente encurralado pela frustração de tantos anos de contribuição com o sistema. E com a enfermeira Laura, interpretada pela atriz Naruna Costa, que ainda vive com a esperança de fazer do Colônia um hospital que cuidasse dos pacientes com seriedade – esse desejo de mudança faz com que ela colabore com Elisa e Wanda ao longo dos episódios. 

A fotografia é um dos pontos que se destacam, as cenas foram produzidas em preto e branco e isso carrega toda uma genialidade, já que o peso daquelas paredes não poderia ser representado com cores. A trilha sonora e a locação escolhida como cenário também somam os tons sombrios e dramáticos de que a trama precisa. 

Títulos nacionais, como Os Últimos Dias de Gilda, Manhãs de Setembro e Onde Está Meu Coração, têm chamado atenção e trazido a esperança de mais reconhecimento para o audiovisual brasileiro. Colônia não fica de fora dessa lista e facilmente poderia ser classificada como um dos melhores lançamentos de 2021. Tudo é ambientado de forma coerente, com trabalhos de atuação impecáveis que emocionam pelos detalhes. Colônia é mais que uma produção audiovisual, é um alerta para a questão da valorização da saúde mental e para o cuidado com os direitos humanos no Brasil. Seu script sensível e delicado remonta com louvor o marco histórico de uma tragédia brasileira muitas vezes esquecida.

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Elder John

Existem duas certezas na vida: uma é que vamos morrer e a outra é que dia 13/03 tem álbum do Djonga. O rapper emplacou mais uma produção pelo quinto ano seguido. Heresia (2017), O menino que queria ser Deus (2018), Ladrão (2019), Histórias da minha área (2020) e agora NU (2021).

A produção conta com apenas duas participações nas letras, Doug Now e Budah. A capa é mais uma vez um ponto de destaque, a cabeça do artista na bandeja, como ele entende que é o desejo de muitos, principalmente daqueles que o julgam.

Sobre a escolha do nome, ficar nu é algo totalmente íntimo e Gustavo nos mostrou mais uma vez seu lado humano, mas dessa vez de uma forma mais direta. O artista trouxe um álbum que é uma obra completa, uma faixa complementa a outra e todas juntas contam uma história.

Outra característica marcante no álbum é a questão das referências, tanto nas letras, quanto nos clipes. A principal é o próprio Djonga em cima de um cavalo branco com um revólver na mão, em alusão à Django Livre. Além disso, todas as produções audiovisuais também contam com uma sequência e completam a narrativa contada pelo rapper.

Existe muita pressão nos artistas em geral, para não errarem, serem pessoas perfeitas. Ainda mais no rap, todo aquele discurso de que o rapper não pode se vender, tem que ser leal, mas do que vale ganhar o país e perder a si mesmo?

E pensando nisso que Djonga se afastou das redes sociais e buscou ficar mais próximo da família, voltar a ser o Gustavo Pereira da Zona Leste de Belo Horizonte: “Ó, saudade de andar por aí/Vento na cara e ninguém pra assistir/Falar o que penso sem ter que acertar/Sabe a sensação de só existir?”, como canta na música Xapralá.

O estudante de produções audiovisuais, Gustavo Henrique, nos contou sobre o que sentiu ao ouvir o disco: “Ao mesmo tempo que nos dá um choque de realidade, nos alivia deste momento caótico e nos recarrega, chorei do inicio ao fim com este álbum, tanto pela representatividade,  quanto pelo momento vivido por nós e pelo artista. Me trouxe um alívio e limpeza, O Menino Que Queria Ser Deus pra ser mais humano, esta é uma obra de Djonga para o Gustavo Pereira“.

Por outro lado, Aiza Pereira, estudante de Engenharia Civil, teve uma outra percepção sobre a obra: “Eu curti muito a primeira música, ele começa o disco com uma explosão mas muda o ritmo durante o álbum e você fica esperando mais dessa explosão que só volta na última faixa. Ele trouxe algo mais “leve”, mas ainda sim Djonga. Falaram sobre “mais do mesmo”, mas o mesmo dele é ótimo, não quer dizer que seja ruim”.

Djonga entende e até admite essa mudança no ritmo: “Já fui camisa nove, hoje eu faço o meio de campo/Pros manin’ que tá no ataque não tomar nem mei’ pipoco”. Essa é só mais uma das passagens marcantes da obra, fazendo uma analogia a um movimento corriqueiro no mundo do futebol: atacantes que viraram meias, assim como Messi e Neymar.

Sim, o rapper já foi mais agudo e objetivo, hoje, em NU, ele cadencia mais, controla o ritmo. Isso não quer dizer que perdeu a qualidade. Se acostumem com o Djonga camisa 10 que organiza e pensa o jogo, não mais como um finalizador com sede de marcar gols.

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Ana Beatriz Rodrigues

Quando o relógio bateu meia-noite do dia primeiro de janeiro, todos estávamos com esperança para esse ano. Depois de um 2020 turbulento, a única coisa que pedíamos era paz nesses meses que nos esperam. Só que o duo ANAVITÓRIA conseguiu nos conceder um ótimo discurso para 2021 e, nos primeiros minutos de janeiro, fomos agraciados com COR. De surpresa, as cantoras lançaram ânimo e felicidade para começarmos o ano do melhor jeito possível.

São as 14 faixas de COR que tiveram o poder de levar ANAVITÓRIA ao segundo lugar no chart global Top Debut Albums no Spotify. Além de números, o COR foi recebido com muito carinho pelos fãs.  Isso não poderia ser diferente, pois a dupla entregou tudo o que um álbum como esse precisava. Não se contentando apenas com as músicas, no mesmo dia as meninas lançaram um clipe e um lyric video de todas as composições no YouTube. 

COR é poético nas letras, nos vídeos e na essência, mas a poesia já começa no seu nome. A mistura de numerologia, espiritualidade e conceito trouxe o álbum de um modo certeiro. Dando significado ao duo novamente, COR extrai a essência de ANAVITÓRIA em apenas três letras e mostra ao mundo que elas não são só cantoras com músicas rasas. A estética de divulgação também surpreendeu e a capa retirada do vídeo de Amarelo, azul e branco transmite o ideal do álbum, como se aquela foto traduzisse o que está contido nas faixas.

É importante também falar um pouco mais sobre Amarelo, azul e branco. A música, que recebe o nome de cores, é uma linda homenagem ao Tocantins, o estado de origem das meninas. Como se não bastasse, a faixa ainda possui a participação da Rita Lee recitando um poema. Essa presença traz ainda mais paixão para a música. No álbum, ainda há outra colaboração – Lenine possui vários versos em Lisboa.

Em COR, a evolução de ANAVITÓRIA é visível. As composições são limpas e aqui podemos ver um trabalho coeso e sólido. Ainda discutindo sobre o amor, nesse álbum ele é intercalado entre o sofrimento e o lado bom de amar. Mas o maior desenvolvimento no disco é a abertura vocal das meninas, principalmente de Ana, mostrando que, além de ser uma ótima compositora, é uma excelente cantora, com excepcionais técnicas vocais. 

Todas essas características fizeram COR ser muito elogiado e aclamado pelo público. Não querendo ser precipitada, o duo pode receber indicações ao Grammy Latino com esse trabalho realizado durante a pandemia. Depois de Me conta da tua janela, as tocantinenses produziram bons trabalhos e não seria novidade elas serem reconhecidas por isso.

O álbum começa com Amarelo, azul e branco que virou trend no TikTok e está sendo usada em vários vídeos. Nessa música, como já dito anteriormente, é possível ver uma conexão da dupla e suas escritas (pois a Vitória também compôs essa) com a sua terra natal. A próxima faixa também segue com um ritmo mais animado e Te amar é massa demais é encaixado certamente nessa posição. Essa canção possui uma melodia feliz e uma letra animadora sobre como é bom amar, além de usar algumas metáforas que já são comuns para as cantoras. Essa técnica também é utilizada em Selva, outra composição da parte “alegre” de COR.

A terceira faixa, Tenta acreditar, é uma daquelas que é fácil de ser ouvida após um término de relacionamento, só que não para chorar e, sim, encarar a realidade com a cabeça erguida. Um ótimo acompanhamento para essa música é encontrado quase lá no fim do álbum. A música que mais se assemelha aos antigos projetos das cantoras, Te procuro, possui um tom melancólico e uma letra que revela tristeza após várias tentativas de desapego. 

Já Explodir é sobre o encontro do amor e como ele pode ser bonito sem complicações. A erupção de sentimentos nessa música pode causar vontade de presenciar uma história que não se resume em falar de amor, mas sim viver. Cigarra também pode ser lembrada como uma grande carta aberta ao sentimento, porém não só romântico. Essa composição revela admiração. Abril é outra grande canção e junto com Explodir ganhou meu favoritismo neste álbum. O interlúdio (dia 34) e a canção Ainda é tempo são os complementos perfeitos na fórmula de COR. 

As outras faixas como Eu sei quem é você, Terra e Carvoeiro compõem o álbum e o transformam em uma harmonia. Depois de N, as cantoras conseguiram um trabalho limpo e leve com a nova produção. O COR é singelo e ao mesmo tempo complexo. ANAVITÓRIA conseguiu começar um novo ciclo de carreira e um novo início de ano de um ótimo jeito.

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Júlia Paes de Arruda

Como seria se o nosso folclore se materializasse e convivesse todos os dias conosco, com seus personagens despercebidos e infiltrados na sociedade? Se as histórias de infância fossem realmente verdade? Essa é a proposta de Carlos Saldanha (diretor das franquias Rio e A Era do Gelo) em Cidade Invisível. Diferentemente do que estamos acostumados, o novo sucesso da Netflix ganha um teor adulto ao unir-se com um suspense investigativo. Apesar da narrativa envolvente e provocante, a execução das ideias traz algumas problemáticas que merecem ser destacadas. 

Quem espera algo na mesma linha do Sítio do Picapau Amarelo, está muito enganado. A história é contada na visão de Eric (Marco Pigossi), um detetive da polícia ambiental que acaba perdendo sua esposa, a antropóloga Gabriela (Julia Konrad) num incêndio na Vila Toré, no Rio de Janeiro, onde ela trabalhava. Em luto e cheio de questionamentos, ele se depara com circunstâncias inusitadas e imprevisíveis que desafiam seus princípios e sua própria identidade. 

O resgate das narrativas orais em risco de extinção é um ótimo ponto de partida para a criação da série. Porém, a preservação de pontos chaves é fundamental para a autenticidade das histórias. O erro de Saldanha nesse caso é introduzi-las no Rio de Janeiro, sendo que as paisagens nortistas eram o principal cenário das originais. Afinal, é realmente estranho achar um boto-cor-de-rosa, natural de águas doces, encalhado numa praia, não é? O que pode ser considerado positivo dessa alteração é que os personagens são colocados numa capital carioca pouco apresentada aos turistas. A situação de vulnerabilidade em que estão os seres folclóricos também alavanca a ideia de “infiltrados” dentro da sociedade brasileira, evidenciando uma sensação de deslocamento que uma parte da nossa cultura enfrenta dentro da própria comunidade.

O thriller policial é o que prende a atenção do público e o instiga a pular para o próximo episódio. Isso se deve à atuação de Pigossi, que traduz com sinceridade a carga dramática do personagem. Mas apesar do suspense instigante, incomoda a falta de aprofundamento nas entidades. Enquanto a Cuca (Alessandra Negrini) vai e vem de uma forma que é possível compreender sua história, o Saci (Wesley Guimarães) serve apenas de porta de entrada para o universo folclórico, sendo deixado de lado em grande parte da narrativa. Uma boa sacada para seu disfarce entre as pessoas é a utilização de uma prótese em uma das pernas. Aliás, talvez seja um pouco óbvio, mas o roteiro deixa implícito sua verdadeira identidade ao batizá-lo de Isac – um anagrama para Saci.

Além de, claro, ter a função comercial, a história original de Raphael Draccon e Carolina Munhóz promove uma mensagem importante a respeito de prioridades. Cidade Invisível entrega uma oposição entre a falsa ideia de progresso e a preservação do que é ancestral. Isso é válido tanto para as narrativas orais, que acabam se perdendo no volátil mundo online, quanto para as de preservação da natureza. No enredo, a construção de um novo empreendimento (obviamente, extremamente lucrativo) é motivo suficiente para destruir a biodiversidade nativa, obrigando os moradores da Vila Toré, até mesmo os mais persistentes, a se mudarem da região para sobreviver. Esse tópico poderia até ser uma farpa para o descaso com as queimadas que ocorreram em nosso país nos últimos meses.

Contudo, é importante falar que a produção nacional da Netlfix gerou polêmicas. Entre os pontos abordados, o mais discutido foi a falta de representatividade indígena dentro e fora das gravações. Além disso, surgiram também críticas sobre a forma tratada de uma religião não-cristã, como se suas crenças fossem mera fantasia. Nas repercussões, muitos salientaram a importância de consultar os povos originários para frisar as suas versões e não as folclóricas dentro do roteiro. Isso os daria visibilidade suficiente para evitar julgamentos incoerentes e distorcidos que apenas reforçam estereótipos.

A atuação do elenco de Cidade Invisível é impecável. Marco Pigossi pode até ser o protagonista, mas não supera o desempenho de Alessandra Negrini como a Cuca. A sensualidade da atriz transita com a da personagem e entrega uma caracterização poderosa e intensa. O jogo de câmeras, juntamente com a iluminação dos espaços, faz com que o público tenha dúvida do lado em que ela está, o que torna a bruxa extremamente instigante. O destaque também vai para Fábio Lago como Curupira. O amadurecimento do guerreiro é realmente magnífico na tela e (literalmente) pega fogo com a dedicação e a destreza de Lago em incorporar com garra seus papéis. 

A menção honrosa é de Jessica Cores como Iara, que soube encarnar com aptidão as características mais marcantes da conhecida sereia. O encanto da personagem é perceptível tanto pelos seus traços físicos quanto pelos trejeitos, especialmente pelo olhar hipnotizante. Obviamente, não poderia deixar de lado a voz sedutora. Ao cantar Sangue Latino, de Secos & Molhados, a atriz mostra sua versatilidade e fascina os ouvintes, tanto do bar quanto dos que assistem a cena. Além disso, a canção ilustra o sentimento da entidade, que é obrigada a levar os homens ao mar para matá-los. 

A trilha sonora de Cidade Invisível é essencial para construir a narrativa. Já no primeiro episódio, Tu Tá na Gaiola de Kevin O Chris é utilizada para projetar o Saci, demarcando a vivência de Isac. A própria Nana Neném traça os poderes da Cuca que, juntamente com uma fotografia predominantemente de cores escuras, carrega o ar de mistério que as cenas exigem. Para definir Manaus (Victor Sparapane), o boto, os clássicos sambas brasileiros delineiam a malícia e a malandragem que o personagem tem, ainda mais quando está agregada ao chapéu característico e às doses de bebida.

Cidade Invisível não começou totalmente com o pé direito, mas o enredo atrativo e emocionante conquistou o coração do público. Além disso, trata-se de uma produção nacional, mérito que, recentemente, vem sendo alvo de ataques e desmanches, mesmo tendo grande impacto econômico e cultural no país. Em tempos sombrios, apreciar o resgate às tradições orais nacionais e a tentativa de engrandecer as nossas produções dá aquela ponta de esperança que não é tão ruim ser brasileiro. E se ela abranger nossos povos de maneira a eliminar estereótipos e a trazer visibilidade, melhor ainda! 

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Júlia Paes de Arruda

Nem todos têm a mesma sorte de Maísa, que começou o ano sendo protagonista de seu primeiro filme na tão sonhada “firma” Netflix. A adaptação do livro de Thalita Rebouças chegou ao serviço de streaming com nomes já conhecidos pelo público, como Eduardo Moscovis (Bom dia, Verônica e O Cravo e a Rosa) e Marcelo Médici (Vai que Cola e Haja Coração). Trabalhando na mesma base de Mamma Mia, Pai em Dobro saúda e aflora uma memória da criança interior adormecida. 

O enredo gira em torno de Vicenza, uma garota que vive numa vila hippie e que acaba de completar dezoito anos, ainda desejando saber quem é seu verdadeiro pai. Porém, como em todos os aniversários, sua mãe, Raion (Laila Zaid), insiste que não é o momento certo para revelar a identidade dele. Disposta a encontrar respostas, a jovem aproveita a viagem da mãe para um retiro na Índia e parte para Santa Tereza, no Rio de Janeiro, para encontrar os suspeitos para tal cargo. 

A aventura da menina é divertida e um pouco inusitada. Ela se mostra muito independente para comprar passagens de ônibus, mas se atrapalha quando fica de frente com um elevador. Ela aprecia chás dos mais diversos tipos, mas vomita ao saborear um hambúrguer. Essa inversão de personalidade vem das suas origens, mas acaba se tornando engraçada ao se deparar com o cotidiano de uma adolescente comum no Rio de Janeiro. As cenas da escada rolante, especialmente, me fizeram lembrar do episódio da Turma da Mônica, em que o Chico Bento vai com o primo ao shopping.

O roteiro de Rebouças e Renato Fagundes (Modo Avião) é fluído, orgânico e leve, fazendo de Pai em Dobro um filme gostoso de se ver. Por não ter antagonistas, tudo se desenrola de uma forma objetiva e previsível, mas isso não o torna monótono e cansativo. A proposta não é trazer revelações fotográficas, mas sim uma sensação alto astral para dentro de casa com os momentos cômicos e os emotivos. Funciona na mesma fórmula de Zathura: Uma Aventura Espacial e As Aventuras de Sharkboy e Lavagirl. É quase impossível não pensar na época em que ficar de olho no horário para começar a Sessão da Tarde era nossa única obrigação.

No entanto, a obra peca em muitos estereótipos, principalmente envolvendo a vila. A Universo Cósmico mistura elementos do movimento hippie com a cultura indiana, de forma um pouco forçada. Permanecer em questões superficiais e, de certa forma, preconceituosas, poderia trazer uma visão negativa do Brasil para os espectadores estrangeiros da plataforma, ainda mais se tratando do alcance da Netflix. 

Por se falar em alcance, Maísa, que um dia já foi a adolescente mais seguida do mundo, se mostra muito mais confortável frente às câmeras que em Ela Disse, Ele Disse – talvez pelo próprio amadurecimento da atriz que, atualmente, possui a mesma idade de Vicenza. No filme de 2019, a incompatibilidade de faixa etária entre a da personagem e a real acabou sendo um empecilho para que ela agisse de forma natural. Vicenza, no caso, compartilha das mesmas vivências que ela. Isso fez que a atriz pudesse entregar um papel mais compatível ao seu carisma e a sua espontaneidade.

Eduardo Moscovis, o boêmio e amargurado pintor Paco, inicialmente, parece estar um pouco perdido em relação ao seu personagem. Entretanto, como já é de se esperar, o ator entra em sintonia com o enredo e mostra com destreza sua versatilidade em encarnar o papel com muito fôlego. Já Marcelo Médici, acostumado com a comédia, investe numa personalidade totalmente oposta ao viver Giovanne, um bem sucedido – porém, infeliz – agente de mercado financeiro. De maneira imprevisível, ele se mostra muito à vontade e encara o cargo com perfeição. 

Apesar do elenco admirável, tendo participações de Fafá de Belém e Thaynara OG, as personagens possuem pouco aprofundamento. É o caso de Cadu (Pedro Ottoni), o par romântico da protagonista. A atuação de Pedro é genuína. De cara, já é possível criar afinidade com o garoto. Porém, devido ao foco maior girar em torno de Vicenza, pouco tempo em tela lhe foi designado, deixando o potencial de Ottoni de lado. 

A trilha sonora de Pai em Dobro é realmente fantástica. Tendo brasilidades como o foco principal, nomes como Anavitória, Lulu Santos e Tiago Iorc fazem o contraste relaxante em meio à temática carnavalesca do enredo. Pessoalmente, dentre as selecionadas pelo produtor musical Fábio Góes, Casa e Partilhar são as que mais transmitem a mensagem do filme. O verso “Que amor tão grande tem que ser vivido a todo instante” chega a ser emocionante acompanhado do cenário.

A estética colorida dá vida para as cenas das festividades e demarca muito bem o sentimentalismo envolvendo uma tradição tão marcante em nosso país. Em harmonia com o Rio de Janeiro, os blocos de rua transmitem a alegria que acoberta os mais aficionados pelo feriado e nos lembram de um momento divertido da vida. Apesar do lançamento do filme ter sido esse ano, as gravações foram feitas no período pré-pandemia, em que as aglomerações corriam soltas. Isso, apesar de ser bonito, pode tornar-se deprimente por se tratar de um futuro ainda distante de acontecer. 

Ainda assim, Pai em Dobro transmite uma mensagem muito bonita a respeito das relações para além de laços sanguíneos, o que o distingue das comédias românticas tradicionais. O jeito leve e agradável da construção da narrativa é solução para aqueles momentos em que sentar em frente à TV com um balde de pipoca é sinal de relaxamento. Além disso, marca mais um degrau para a carreira da “prima” Maísa, que só dá sinais de seu amadurecimento profissional.

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Caroline Campos

Feminicídio, necrofilia, violência doméstica e golpes virtuais. É essa série de crimes que Ilana Casoy e Raphael Montes escolhem para desenvolver o mundo do sistema penal de Verônica Torres, escrivã na Delegacia de Homicídios da cidade de São Paulo. Bom dia, Verônica, o resultado final, foi lançado pela Darkside Books em 2016, quando seus autores ainda se escondiam sob o pseudônimo de Andrea Killmore. Identidades reveladas, não demorou muito para conseguirmos uma adaptação – e ela chegou em outubro de 2020, pelas mãos da Netflix.

A vida de Verônica se transformou completamente depois que seu pai, o delegado Júlio Torres, foi descoberto envolvido em um esquema de corrupção e, na hora de sua captura, foi baleado junto com sua esposa. A escrivã carrega nos pulsos o efeito que esse evento causou, mesmo que, na surdina, seu pai tenha sobrevivido – em estado vegetativo. Desde então, Verônica, que é interpretada por Tainá Müller na série, passa seus dias protocolando documentos e todas as burocracias que Wilson Carvana, delegado titular e amigo íntimo de seu pai, a pede. Frustrada com o cargo, não demora muito para nossa (anti?) heroína se deparar com um caso que a arrasta para o submundo das escórias de São Paulo.

O estopim ocorre logo no início da obra. Marta Campos surge na delegacia aos prantos para falar com o delegado titular. Depois de ser desacreditada e ignorada, deixando claro a ineficiência do Estado em lidar com mulheres violentadas, Marta comete suicídio bem na frente de Verônica, que resolve tomar o caso para si, com ou sem aval de seu chefe. E é logo nesse momento que visualizamos a sede de justiça da protagonista no combate ao tratamento hostil que essas vítimas são obrigadas a encarar no momento da denúncia. Mesmo que Bom dia, Verônica se perca em suas próprias escolhas narrativas, ambas as Verônicas – do livro e da série – tomam para si a necessidade de vingar os casos que cruzam o seu caminho, na mesma moeda em que são cometidos.

Com o decorrer da trama, entram em cena Janete e seu marido, Tenente Coronel Cláudio Brandão. No livro, Janete é a única que divide a narrativa com Verônica, e não seria por menos – Brandão é um serial killer tirado direto das produções hollywoodianas. Depois que sua mulher atrai com propostas de emprego garotas jovens que acabaram de chegar na rodoviária, todas vindas do Norte do país, Brandão as leva para um bunker no meio da Serra da Cantareira e as tortura enquanto são penduradas por ganchos direto na pele. Janete ouve tudo com uma grande caixa de madeira em sua cabeça, que só tem buracos na direção dos ouvidos. O arco do casal é o mais envolvente de Bom dia, Verônica, abrindo feridas gigantescas na memória brasileira – um país onde, a cada duas horas, uma mulher é morta vítima de violência.

Camila Morgado foi a escolhida para dar vida a Janete na adaptação da Netflix, dirigida por  Izabel Jaguaribe, Rog de Souza e José Henrique Fonseca. A submissão e o medo da esposa, que é constantemente agredida e humilhada, está em cada olhar de esguelha ou postura curvada que Morgado imprimi em tela, gerando a empatia e o desespero do espectador – ou, de forma mais íntima, da espectadora. Janete é mais uma vítima de uma sociedade machista, com um marido que a afastou de sua família e de qualquer fonte de confiança para quem ela poderia denunciar. Não é surpresa que a mulher veja Verônica como um porto seguro, repleta da paciência e sensibilidade necessárias para lidar com uma situação desse nível de perigo.

Eduardo Moscovis divide as cenas com Morgado, interpretando o sádico Brandão. Sua crueldade é impressionante, e cada vez que Moscovis entra em cena, a tensão o acompanha intrinsecamente. Não há como relaxar com Brandão ao seu lado. Todo diálogo com Janete vira um jogo entre gato e rato – ele a encurrala, oprimi, diminui. A calma assustadora e controlada que cerca Brandão foi um desafio difícil para o ator, que não podia extravasar em decorrência do espectro comedido e covarde do personagem, que mal sobe o tom de voz ameaçador que dirige a esposa.

É com essa figura imponente da Polícia Militar que Verônica resolve bater de frente. No entanto, durante a leitura da obra, podemos ver uma policial que está mais preocupada em concluir o caso sozinha do que salvar Janete, de fato. A atitude irresponsável e egocêntrica da Verônica literária em diversas situações coloca ainda mais em risco a vida de quem ela tenta proteger a todo custo. Tainá Müller com certeza deu mais carisma para a personagem, mas a mudança foi brusca, como se para transformar a protagonista em uma versão mais “limpa” do que era, mais atrativa para os espectadores. Na adaptação, Verônica tem um bom relacionamento com a família, rejeita as investidas de companheiros de trabalho e preza, acima de tudo, pela segurança das vítimas que conhece. Atitudes que a escrivã do livro está muito longe de ter.

As obras dialogam bem entre si, com mudanças pontuais que excluíram arcos toscos e mal trabalhados. Nas páginas, Gregório, o golpista do site Amor Ideal, é um adepto da necrofilia – fato que, de início, causa grande impacto no leitor, mas, no fim, só serve para certas escolhas serem mais fáceis e convenientes para Verônica. Colocar um assunto tão desconfortável e incômodo, sabendo que mulheres não alcançam a paz nem depois de mortas, e, depois, descartá-lo de maneira extremamente pobre sem muitas consequências é uma atitude curiosa de Casoy e Montes, ambos escritores já reconhecidos quando se trata de literatura policial e de terror.

Pelos méritos do roteiro, a necrofilia foi removida e a história de Gregório deixada um pouco de escanteio, com um final semelhante, mas muito mais satisfatório e inteligente. A própria trama que envolve o esquema de corrupção de diversas fontes de poder não existe no livro, mas foi uma adição bem sacada à série, que garantiu que o final dos oito episódios fosse muito mais condizente do que o final das 256 páginas. Por outro lado, Anita, interpretada pela belíssima e competente Elisa Volpatto, destoa um pouco desse lado positivo. Criada para a série, parece que a personagem só foi adicionada para, constantemente, fazer oposição a Verônica, sendo uma antagonista sem nenhuma faceta além da aparente maldade e falta de comprometimento com seu cargo de delegada. 

A trilha sonora escolhida para a trajetória da escrivã não poderia ter sido melhor. Se em Maria da Vila Matilde, hino contra o feminicídio, Elza Soares afirma que cê vai se arrepender de levantar a mão pra mim, Verônica está determinada a marcar esse arrependimento em seus demônios. As músicas complementam cada final de episódio, desde Cabeça-Dinossauro, clássico do rock nacional dos Titãs, até a romântica Coração Selvagem, do mestre Belchior. As faixas contam histórias em parceria com os grandes momentos que elas entoam.

A segunda temporada da série ainda não foi confirmada, mas, devido à grande aceitação do público, podemos esperar que a Netflix dê uma chance para fortalecer as produções nacionais, visto que Ilana Casoy e Raphael Montes já confirmaram uma sequência para o livro. Acompanharemos uma Verônica loira e justiceira lidando com seus inimigos do próprio jeito, independente do sangue derramado. Se a continuação é necessária, cabe a cada um a resposta. Mas o cenário policial brasileiro é, com certeza, um bom palco para tramas mirabolantes de ficção. 

Para os ferrenhos defensores que acreditam que o livro é sempre melhor que sua adaptação, Bom dia, Verônica prova o contrário. Apesar de ser uma obra literária rica, o formato de série conseguiu deixar a narrativa mais interessante com suas mudanças e minimizar os defeitos marcantes que estão presentes em suas páginas. A violência contra a mulher é um problema de todos e deve ser combatida enfaticamente. Se você está ou conheça alguém que esteja nessa situação, denuncie. Não se cale, porque, mesmo na ficção, Janete não é um caso isolado. Disque 180.

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Victória Rangel

Línguas, línguas e mais línguas… É o que você vai ver logo no primeiro episódio de Boca a Boca. A série fala de um grupo que, como bons jovens de cidade pequena, tem que escapar atrás de diversão para uma região próxima, mas proibida pelos pais – a chamada Vila, cujos habitantes são tão diferenciados que existe até uma versão brasileira do cantor Will.i.am (do Black Eyed Peas) morando lá. Dá para imaginar uma festa regada a drogas e luzes psicodélicas acontecendo? É nesse contexto mesmo que aparece a principal motivação da série – por meio de muitos e muitos beijos no calor dessa aglomeração, começa a se espalhar a doença misteriosa.

Muito diferente desse cenário é o lugar de tons pastéis em que esses adolescentes acordam no dia seguinte, de volta a sua origem: a cidade de Progresso, em que o único colégio existente é militar e gerido por Denise Fraga, que incorporou tão bem Guiomar, uma mulher amargurada e controladora, que logo se nota, em sua forma de gargalhar, que vai ser difícil gostar da sua personagem. É ela quem assegura as regras severas e o monitoramento dos alunos de uniforme cor-de-rosa.

Ah, mas é nacional? Sim, é nacional! E o Brasil está sempre ali, aliado a aspectos da ficção científica cinematográfica. É um Brasil quente, ambientado no Velho Goiás, com janelas de madeira, em que a economia gira em torno da pecuária. É por isso também que a figura do boi está presente em muitos e muitos quadros da série, e que merece destaque a releitura da canção boi da cara preta, que embala algumas cenas da obra. 

Num lugar de muita riqueza, evidenciam-se, é claro, as camadas sociais impostas pela renda – os criadores da série utilizam, inclusive, o nome de Colônia para nomear a moradia dos trabalhadores da fazenda Nero. É esse o sobrenome da personagem muito bem interpretada por Bruno Garcia, homem de cabelos penteados para trás e barba longa, que coordena a economia da cidade com sua criação de gado. Como um bom representante da elite agrária brasileira, Doni Nero é um daqueles conservadores que acredita em meritocracia, defensor do discurso “a gente dá moradia, mas eles tem que trabalhar” – essa fala está mesmo presente em uma cena de Garcia e que ele, curiosamente, fecha com a expressão “tá ok?”.

Com uma fotografia potente, uma câmera bem conduzida e uma edição de dar inveja em qualquer videoclipe de música alternativa, Boca a Boca une a temática do filme Corrente do Mal (2014), cujo suspense se dá no contágio por meio sexual, com o audiovisual do nacional Paraísos Artificiais (2012), que ilustra festivais de música eletrônica, drogas e psicodelia. E, falando em música, a trilha sonora da série também é tão boa que ela mal tinha sido lançada na Netflix e já possuía uma playlist de destaque no Spotify. Letrux, Trupe Chá de Boldo e Baco Exú do Blues se unem ao som de sintetizadores para compor o ritmo contemporâneo da narrativa. 

No meio desses 6 episódios de 40 minutos cada, existem momentos em que podemos visualizar a epidemia para além de seus sintomas físicos, como num batom compartilhado entre meninas na escola. A doença é assustadora, mas não é feia. É tão colorida quantos as festas na Vila, de um lilás e um azul sedutores – tudo contrastando muito bem com o azul dos olhos de Michel Joelsas – o Fabinho de Que Horas Ela Volta? e o Chico de Boca a Boca. 

O Chico? Ah, o Chico… Ele é aquele alguém carismático, com quem, muito provavelmente, você gostaria de conviver. Sabe aquela pessoa que incorpora a festa na alma e leva ela pra todo lugar? Então, esse é o Chico, amigo de Alex Nero (Caio Horowicz), o filho vegetariano do dono dos bois. Alex, para fechar o círculo de protagonistas, une a amiga Fran ao trio que conduz a série. 

No caso dos dois, você conhece aquela história das crianças de diferentes classes sociais, que crescem brincando juntas, mas são atrapalhadas pela delimitação de sua renda? Então, em Boca a Boca, Fran é uma menina negra, interpretada por Iza Moreira, que mora na colônia da fazenda Nero. Ela, além de melhor amiga de Bel – a primeira jovem infectada pelo novo vírus -, também se divide entre a escola e os cuidados com sua mãe, uma mulher explorada pelo trabalho duro na fazenda de Alex. 

A série oscila entre pinceladas de naturalidade cotidiana, como no simples oferecer de uma maçã a um amigo, e a apresentação de uma realidade quase distópica, em que os pais da cidade fazem academia juntos, ouvindo passagens da Bíblia, por exemplo. Uma tendência a que a Gullane Entretenimento e a Fetiche Features, produtoras da série, seguem, e que está aumentando nos últimos anos nas produções audiovisuais, é a de utilizar a tecnologia das redes sociais como um elemento da cena. Em Boca a Boca, eles imitam aplicativos como Facebook, WhatsApp e Instagram, com suas lives e stories (uma boa analogia para a nova era das lives que estamos vivendo atualmente, né?)

Aliás, é válido informar que a série foi pensada por Esmir Filho há cerca de dois anos e a epidemia que inspirou o criador, diretor e roteirista foi a do vírus HIV. O que a produção não imaginava era em que pé estaria o mundo durante a estreia de Boca a Boca. A temática, surpreendentemente, não poderia ter caído em melhor hora pois, ao falar de epidemia, também nos mostra o conservadorismo, a homofobia, a exploração de classes que parecem ser evidenciados em situações extremas.

Outro aspecto relevante é que a série, além de mostrar uma situação semelhante a da nossa realidade com o surgimento do Coronavírus, também acentua a falta que faz a liberdade para andar nas ruas e nos escancara uma juventude que, por enquanto, não podemos viver. Boca a Boca precisa é ser sentida. 

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Raquel Dutra 

O segundo longa-metragem de Petra Costa leva o nome de sua irmã mais velha, a atriz Elena Andrade. Sob a premissa de retratar a história da jovem e os sentimentos que a família conserva por sua memória, Elena toca em debates ultra sensíveis acerca de suicídio e depressão, ao mesmo tempo em que carrega o valor de ser considerada como uma obra marcante da documentarista. No filme, tudo tem um único fim: construir um retrato íntimo e profundo da vida de Elena, que aos vinte anos, tratando de doenças psicológicas e tentado se reerguer de desilusões profissionais, findou a sua própria vida.

Aclamado pela crítica, Elena abriu o caminho para o sucesso que sua diretora encontraria em suas produções posteriores. Com sua estreia no IDFA (Festival Internacional de Documentários de Amsterdã) de 2012, o filme foi premiado como o Melhor Documentário pelo Júri Popular, Melhor Direção, Montagem e Direção de Arte e todos os prêmios na categoria documentário no 45º Festival de Brasília. Em 2014, o filme também foi pré-selecionado para o Oscar 2015 na categoria de Melhor Documentário.

Considerado uma experiência única no Cinema contemporâneo, Elena comprova que trabalhar com questões íntimas faz parte da identidade artística de Petra Costa. Identificamos o traço personalista em sua produção mais recente e conhecida, Democracia em Vertigem, mas desde o começo de sua carreira no Cinema a documentarista faz com que essa característica seja marcada. Neste caso, o tema é ainda mais pessoal, caindo na morte precoce da sua irmã mais velha. O enredo, por sua vez, é desenrolado a partir de registros das vivências de Elena em busca de seu sonho de ser atriz de Cinema, com os quais Petra estabelece um profundo sentimento de identificação.

Numa eterna oscilação entre o objetivo e o abstrato, o prazer e a dor, o real e o ficcional, o pessoal e o universal, Petra dá voz as cartas da sua irmã, refaz seus passos, encenações, revive memórias e até mesmo seus sonhos. É uma brincadeira tão profunda com elementos ditos opostos que, em alguns momentos, eles se tornam surpreendentemente similares. E todos os aspectos do filme trabalham para essa fusão de sentimentos conflitantes, a se destacar, primeiro a trilha. A diretora traz toda a complexidade da música clássica de uma forma tão tátil que se torna simples a rendição do espectador aos sentimentos que a Petra deseja despertar. Alegria e melancolia são os principais, algumas vezes dentro de uma mesma faixa, outras vezes em diferentes, que se conversam maravilhosamente bem.

À fotografia e edição do filme competiam a difícil tarefa de combinar os registros antigos de Elena com as novas imagens filmadas por Petra. Buscando também seguir a mesma linha de conciliação entre os opostos, o visual da produção faz o possível com os filmes antigos e com a harmonização das imagens e cores, mas este é um ponto que deixa a desejar. Entretanto, para reforçar a experiência de imersão no mundo de Elena e seu olhar sobre ela, Petra acerta ao misturar os diferentes registros de forma a confundir o espectador sobre suas autorias. Em muitas imagens, inclusive, o rosto das irmãs se confundiam, e o documentário é repleto destes detalhes sutis que entregam a influência de Elena na vida, sonhos, emoções, medos e personalidade de Petra.

As escolhas arriscadas de roteiro também são características fortes da diretora. Para os efeitos de sentido buscados em um documentário, estabelecer a narração de Elena como um diálogo com a irmã é incomum e falha algumas vezes. Por se tratar de fatos tão íntimos, o espectador, conhecendo apenas o momento, necessita de uma contextualização um pouco mais abrangente. Contudo, a predominância dessa construção de narrativa é admirável porque revela muitos outros efeitos de sentido, como o de não invadir totalmente a intimidade de Elena.  Em momentos pontuais, Petra deixa de conversar com a irmã e tira de cena a narração escolhida para dar espaço a curtos (e emocionantes) depoimentos de pessoas que conviveram com ela, como um amigo que esteve próximo da atriz no dia de seu suicídio.

A reconstrução da figura de Elena é um dos aspectos mais surpreendentes no roteiro e no filme como um todo. A diretora caracteriza a irmã de uma forma tão próxima e profunda que acompanhá-la ao decorrer do filme se torna uma experiência aflitiva, impressionante e dolorosa. Durante os 80 minutos, o espectador convive intimamente com as manifestações suicidas da jovem depressiva, repleta de sonhos e decepções. Assistimos através de lembranças esmaecidas a tristeza tomar conta da atriz cada vez mais, sufocando cada respiro de esperança diante da vida. Acompanhamos com pesar Elena admitindo a falta de amor para consigo mesma, exigindo o máximo de si como atriz mesmo não estando saudável emocionalmente, se levando assim à exaustão física e psicológica.

Através de entrevistas com familiares e amigos de Elena, sentimos a dor, o desespero e a preocupação antes, “durante” e depois do suicídio. Petra possui uma capacidade transcendental de criar identificações entre as narrativas, o espectador e ela mesma. Mesmo retratando eventos tão pessoais, a humanidade escancarada dos fatos capta toda a nossa empatia. Sendo este um de seus objetivos ou não, Petra mostra que nossas angústias, dores, belezas, prazeres, necessidades, urgências e fraquezas na verdade podem ser radicalmente convergentes. 

Quando lançado, o filme movimentou debates acerca do tabu do suicídio no Brasil inteiro e o mesmo aconteceu quando chegou no catálogo da Netflix no começo de setembro, o mês de prevenção ao suicídio, em 2019. Desde 1990, ano da morte de Elena, o número de suicídios no Brasil teve um aumento de 30%. Hoje, entre os jovens, o suicídio é uma das maiores causas de morte e apresenta um o aumento de 2000%. Falar sobre o assunto livre de tabus nunca foi tão necessário, e segundo as perspectivas, será cada vez mais.

Principalmente quando fora de ambientes privilegiados como o núcleo retratado em Elena, o debate sobre saúde mental precisa ser colocado como uma questão de saúde pública, e por isso, precisamos também enxergar as relações disso com o nosso contexto nacional. Ele é resultado de crises econômicas, altas taxas de desemprego, saúde e educação precarizadas, e as políticas de prevenção ao suicídio perpassam todas essas esferas da sociedade.

O documentário levanta a importância de estarmos atentos aos aspectos não-óbvios do suicídio e de se aprender a lidar com ele e com a depressão. Também é uma obra importante para nos ajudar a debater e esclarecer a linha tênue que difere um retrato sensível da romantização. Como diz a própria cineasta, Elena tem uma história que valia a pena contar. Sem intenção de ser uma biografia, uma homenagem ou apontar culpados. Mas sim conhecer e apresentar várias faces da irmã, sua “memória inconsolável”. Petra também faz questão de a destacar como parte do elenco do longa, honrando seu sonho de ser atriz de cinema. 

Além da importância de todo o debate, Elena mostra um movimento belíssimo de criar uma obra de Arte a partir das dores e perdas que nos rasgam o peito, por mais cruéis que elas sejam. Aliás, talvez a Arte seja exatamente isso: a transformação.

No Brasil, o Centro de Valorização da Vida (CVV) promove apoio emocional atendendo gratuitamente todas as pessoas que querem e precisam conversar, sob total sigilo, por telefone (discando 188), e-mail e chat 24 horas todos os dias, além de postos de atendimento presencial.

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