Jamily Rigonatto

Trazer figuras importantes diretamente do cenário político-social norte-americano para os holofotes dos palcos do audiovisual tem sido uma estratégia explorada pelos roteiristas e diretores da indústria cinematográfica. Seguindo a linha de produções como Mrs. América e Gaslit, The First Lady escolhe retratar os eventos de três presidências dos Estados Unidos pelo outro lado da moeda. Na antologia lançada em 2022 pela emissora Showtime, a Casa Branca abre os portões para visitas com anfitriãs que não poderiam ser mais ilustres. 

Eleanor Roosevelt, Betty Ford e Michelle Obama são as damas que nos convidam a adentrar os bastidores de suas vidas. Em um novo ponto de vista, as personagens se eximem do peso de serem traduzidas pela simplicidade de existir como coadjuvantes da história estadunidense. Assim, no enredo assinado por Aaron Cooley, mostrar pouco dos governos de Franklin Roosevelt, Gerald Ford e Barack Obama, mas muito das perspectivas de suas esposas, é o maior propósito.

Com produção executiva da também protagonista Viola Davis, a narrativa aborda uma linha temporal múltipla com variações entre as épocas em que cada uma das primeiras-damas vive dentro do universo dos governantes. O foco é mostrar o contraste das personalidades, buscando respaldo em flashbacks curtos das juventudes das personagens. Além disso, há a inserção de elementos opressores, com o intuito de demonstrar o embate entre a força de seus ideais e a pressão social que as impacta, diante da importância da representação que exercem.

Apesar da nobreza no intuito de A Primeira-Dama (como a obra chegou no Brasil), não é necessário nem meio episódio para mostrar que algo está fora do lugar. Começando pelo destaque de Michelle Obama (Viola Davis) e a percepção de que pensar como quem tem o jogo ganho é a receita certa para perder. Ao longo da progressão da série, a ideia de misturar a força de uma figura tão conhecida e marcada por uma presença de tamanha singularidade como a de Michelle, a grandeza proporcionalmente original da ganhadora do Oscar, parece incompatível. 

Mesmo com a atriz envolta por uma forte caracterização e um visível estudo dos trejeitos da ex-primeira-dama, ainda não conseguimos vê-la nas telas. Fica para o telespectador o resultado frustrante de algo teoricamente perfeito ruindo bem em frente às câmeras. A qualidade da atuação de Davis é inegável, mas seu grande empecilho é o frescor da memória da senhorita Obama nas nossas memórias – afinal, 2017 foi ontem. Dessa forma, assistir as cenas deixa para trás a sensação de comer um doce queimado, mesmo com todo o açúcar, o fundo continua amargo. 

O ponto mais forte da presença de Michelle na produção está em suas interações com o abismo social criado pela racialidade e o peso de ser a primeira mulher negra a ocupar o lugar de primeira-dama. Testemunhar o medo, as ameaças e a segregação espalhada por todos os espaços nos quais ela adentrava faz com que seja possível sentir o desconforto de chegar como quem invade uma festa na surdina. O grande alívio é ver a figura resistindo ao enfrentar o presidente e o mundo pelo direito de continuar inteira em um país construído pelo genocídio do povo preto. Nos diálogos com o marido, interpretado por O-T Fagbenle, fica constatado que não há poder suficiente no mundo para comprar autenticidade.

A introdução das perspectivas de Eleanor Roosevelt (Gillian Anderson) pode ter sido outra pedra no caminho do desenvolvimento da Família Obama. Quando Franklin chega ao governo, a atmosfera estadunidense performa um verdadeiro apocalipse, já que sua primeira presidência sucede a quebra da bolsa de valores de Nova York em 1929. Esse momento caótico acaba tornando os problemas de Eleanor mais comoventes em comparação aos das outras protagonistas. O forte enfoque nas atitudes da personagem em relação ao meio social e em suas frequentes afirmações pela defesa da população em maior vulnerabilidade tiram o ar caricato e atribuem um aspecto sensivelmente humanizado. 

Por isso, quando há transições entre os frames de Eleanor e Michelle, os contrastes se tornam ainda mais visíveis e incômodos. As narrativas não cumprem o papel de diferenciar as épocas sem sacrificar a uniformidade da história, fazendo com que até mesmo a Fotografia, comandada por Amir Mokri, perca em termos de continuidade. Essas rupturas também são evidenciadas pela presença das jovens primeiras-damas, viajar por tantos planos temporais tira, desnecessariamente, o ritmo da passagem dos 10 episódios da obra. 

Ainda com a capacidade de identificação e empatia atribuída a Lady Roosevelt, a direção – responsabilidade de Ellen Burstyn – não consegue exprimir todo o potencial de Gillian. Assim, a representação é satisfatória, porém, fica aprisionada a uma monotonia tibia. Mostrando a falha de escolher tantos focos e não dar a devida atenção a nenhum deles, cada episódio de The First Lady se emaranha em mais labirintos que não levam a lugar algum. 

Depois de tantos desacertos, Betty Ford (Michelle Pfeiffer) chega com a altivez de uma rainha. A primeira-dama do sucessor de Richard Nixon ganhou a interpretação de mais destaque na produção. Construída como uma mulher real do tipo que expõe suas fraquezas e vantagens, Pfeiffer conseguiu criar uma ligação sincera entre a ficção e a realidade. Muito desse feito pode ter sido ocasionado pela pouca pressão e liberdade na composição de Betty, que além de ser a menos popular entre as três personalidades, é também a menos explorada pela espetacularização midiática.  

Mesmo tendo tudo para ser o tipo de série que aparece todos os anos como uma das favoritas do Oscar, The First Lady se perdeu nos cálculos. Entre tantos cenários bem feitos e investimento em caracterizações, a narrativa tenta agarrar mais do que consegue. Esses pequenos deslizes se tornam grandes quando falamos de uma primeira temporada, e acabam sendo os detalhes que distanciam uma obra digna de ocupar a presidência de um enredo esquecível. 

Na premiação do Emmy 2022, a Academia de Televisão não deixou os pormenores passarem despercebidos e acabou indicando a série em apenas 3 categorias técnicas. Nas primeiras noites da premiação, ocorridas nos dias 3 e 4 de setembro deste ano, The First Lady concorria por Melhor Figurino de Época e Melhor Maquiagem de Época e/ou de Personagem (Não-Prostética) pelo episódio Vaso Rachado. A produção também estava no páreo pela estatueta de Melhor Penteado de Época e/ou de Personagem, pelo episódio Gangorra. Mesmo com a caracterização tendo sido um dos aspectos mais marcantes das cenas do trabalho audiovisual, não foi o suficiente para superar a pompa de Bridgeton ou a sensualidade de Pam & Tommy.

Não é como se sentar e assistir The First Lady fosse uma completa perda de tempo: ver mulheres que conseguem espaço para suas vozes ecoarem é sempre, de uma maneira ou de outra, um deleite. A infelicidade fica no desperdício ilustrado de tanto potencial, presenciar o sucesso de uma produção tão bem intencionada descendo pelo ralo parece injusto. Mas no fim, vale a pena dar uma chance para os pontos de vista de quem foi secundarizada a vida toda. 

As primeiras-damas não representam todas as mulheres do mundo, seus privilégios as tornaram parte de algo à parte. Ainda assim, nos mais luxuosos corredores da Casa Branca, moram as essências do machismo e da misoginia. Eleanor, Betty e Michelle só nos mostram que os maridos e seus status de poder são verdadeiros acessórios de incentivo a uma sociedade de exclusão. Já não é segredo para ninguém que passou da hora daquela faixa presidencial ganhar uma dona.

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Raquel Dutra

Esta é a temporada em que o Cinema mainstream se ocupa em reconstituir trechos da história da luta por igualdade e liberdade na América ao mesmo tempo em que inicia a concretização da exaustiva cobrança por diversidade e inclusão. De 12 meses pra cá, surgiram em nossas telas retratos memorando períodos e movimentos que determinaram o que nossa realidade é hoje e os avanços que conquistamos, pintados por cineastas que hoje compõem as premiações mais diversas da história. No gênero que se ocupa em registrar a nossa existência, o cenário não poderia ser diferente, e Crip Camp: Revolução pela Inclusão é mais um encontro de todas as pautas que tomaram o ambiente de debate sobre as produções audiovisuais nos últimos meses. 

O documentário se volta para os anos 50 acompanhando inicialmente a história do Camp Jened, um acampamento para jovens com deficiência, até chegar no começo dos anos 60 e continuar pelas próximas três décadas assistindo o nascimento e consolidação de um movimento em busca de direitos para aquela população, que na época formava a maior minoria dos Estados Unidos. A ligação de Crip Camp entre esses dois extremos temporais se dá pelos efeitos gerados no acampamento, que motivou a organização coletiva por igualdade a partir de sua principal premissa: constituir um lugar seguro para que pessoas com deficiência pudessem viver livremente sua juventude, longe dos preconceitos da sociedade e da superproteção dos pais, ainda que por apenas alguns dias.

Ao longo dos 100 minutos, o epicentro da história se constrói sob o fato de que os jovens livres de Jened se tornaram ativistas que mudaram a estrutura segregacionista dos Estados Unidos junto dos demais movimentos por direitos civis. Assim, Crip Camp não funciona somente como uma cápsula do tempo de memórias juvenis nem “apenas” (com muitas aspas) como um histórico da luta pelos direitos das pessoas com deficiência no país, mas tece também uma reflexão poderosa sobre auto-estima e a potência que existe na simplicidade do sentir-se pleno enquanto ser humano.

É por isso que o ex-campista James LeBrecht defende logo no início que o acampamento “mudou o mundo” e decidiu contar a história como um dos principais personagens e colaboradores do filme, além de também dirigi-lo, roteirizá-lo e produzi-lo junto de Nicole Newnham. Com muita memória afetiva, ele engata a narrativa a partir de suas lembranças pessoais num lugar que de início pode parecer com qualquer outro acampamento para jovens na era Woodstock. E justamente por ser tão normal é que ele era tão especial. No Camp Jened, não existia tratamento diferenciado para as dezenas de jovens e adultos com deficiência física ou intelectual, que se encontravam em todos os verões entre a década de 50 até o final dos anos 70 nas montanhas do estado de Nova Iorque. 

As únicas determinações eram a liberdade e o respeito, e a única coisa que todos tinham em comum era a falta de convívio social, alguns porque eram obrigados institucionalmente pela segregação, outros para evitar a exposição ao preconceito. Quem coordenava tudo eram os monitores do acampamento, jovens integrantes de outros movimentos sociais, sem deficiência e sem formação para atender as necessidades especiais dos campistas, o que acabava por intensificar a sensação de liberdade, autonomia e confiança nas brincadeiras, festas e rodas de conversa promovidas no Camp Jened.

A energia da convivência no acampamento é trazida para Crip Camp através de alguns registros que James LeBrecht fez de seus verões em Jened, buscando vazão para para suas inspirações audiovisuais enquanto vivia sua juventude com uma deficiência física. Ali, exceto pelos momentos reservados para cada um compartilhar suas dores na intenção de encontrar apoio e identificação, não era lugar de se definir pelas suas condições físicas ou intelectuais. O clima era tomado por uma vibração intensa de amizade e diversão.

O que reflete num filme leve, bem-humorado e natural, exatamente da mesma maneira que as coisas eram encaradas em Jened. Mesmo nas ocasionais imagens em preto e branco, Crip Camp é colorido pela contagiante vivacidade de seus protagonistas e especialmente iluminado pela trilha construída com as músicas enérgicas dos anos 60 celebrando o amor e pedindo por liberdade e paz. 

Mérito disso também é de seus personagens, que dividem suas vivências, das mais gostosas às mais difíceis, com a paixão da saudade e brilho no olho da satisfação, algo que só transforma o filme em algo ainda mais especial. Além de acender uma luz em memórias deliciosas, Crip Camp coloca pessoas com deficiência como fontes de informação em uma narrativa maravilhosa sobre elas, onde elas são ouvidas, respeitadas e consideradas como o que de fato são: uma parte importante da história.

Organicamente, esse movimento origina o segundo ato do filme de LeBrecht e Newnham, que se destina exclusivamente a explorar o nascimento dos movimentos pelos direitos das pessoas com deficiência. E inteligentemente, isso é o que cria uma distanciação entre Crip Camp e uma possível romantização perigosa da luta exaustiva que aqueles grupos tiveram que enfrentar enquanto buscavam direitos básicos e do tratamento humilhante que tiveram que encarar até chegar lá. 

Com um objetivo muito bem definido e ciente do poder que tem nas mãos, Crip Camp não usa sua história divertida sobre juventude de forma irresponsável, pintando tudo às mil maravilhas como algo que só é sobre festa e curtição. O documentário não hesita em mostrar também a realidade cruel vigente pelo preconceito através de imagens fortes, denunciando o tratamento desumano que outros locais de “assistência” reservavam às pessoas com deficiência. Elas, inclusive, infelizmente não estão todas vivas para dar voz às suas experiências na tela, mas as figuras centrais do documentário encontram espaço ali, presentes e contundentes para contar sua própria história. 

A principal delas é Judy Heumann, estrela de Crip Camp e uma das melhores oradoras e líderes que teremos a chance de conhecer. Na época, a jovem campista, convivendo com as sequelas da poliomielite que teve ainda quando bebê, logo se revelou uma liderança dentro da bagunça boa do acampamento. Fora dele, sua habilidade de articulação a transformaria numa das figuras mais importantes na luta pelos direitos das pessoas com deficiência nos Estados Unidos, iniciada com a Ocupação 504, quando 150 pessoas ocuparam o Departamento de Saúde de São Francisco até que fossem aprovadas leis locais de acessibilidade.

Judy também foi conselheira internacional para os direitos das pessoas com deficiência no Departamento de Estado dos EUA no governo de Barack Obama, e talvez seja a responsável por fazer a ponte entre o filme e sua produção, assinada pela Higher Ground. A produtora do ex-presidente e de sua esposa, Michelle Obama é queridinha da Academia desde seu primeiro filme, estreando na indústria cinematográfica já com uma estatueta de Melhor Documentário no Oscar do ano passado. O fenômeno foi atingido com Indústria Americana – intragável e apático, diga-se de passagem -, filme também distribuído pela Netflix que causou o terror da categoria repleta de produções incríveis em 2020.

Entretanto, os erros do ano passado não se repetem desta vez com Crip Camp. O hit da penúltima edição do Festival de Cinema de Sundance é um pouco mais sutil que as ficções indicadas, um pouco menos incisivo do que alguns companheiros de categoria (Time, por exemplo) e ofusca seus concorrentes igualmente merecedores que não possuem o poder econômico e simbólico da produtora dos Obama. Mas a indicação da vez é merecida e o favoritismo não é apenas justificável como também bem-vindo no Oscar 2021, considerando todo o seu significado no reconhecimento que traz aos profissionais com deficiência, contemplados no nome de James LeBrecht, e à história de inquestionável importância.

Isso é o que se sobressai em Crip Camp, aliás. Ao nos colocar diante de uma história onde os que eram vistos como os mais frágeis e fracos da sociedade enfrentaram o mais alto escalão de seu governo com sucesso, o documentário transcende seu nicho – já de formação obrigatória para qualquer cidadão do século XXI -, pauta o anticapacitismo e cria algo muito poderoso sobre a potência do sentir-se digno.

Reflexão que se desdobra e se manifesta em diversos aspectos de Crip Camp. No Cinema, ele sublinha a importância de se representar pessoas iguais às que vemos na vida real, que de minoria, às vezes, não têm nada, e que estão por aí, contando suas histórias com maestria, transformando assim o reconhecimento como algo que precisa apenas de uma oportunidade para acontecer. 

No íntimo, ele toca na verdade simples e subestimada que prova que mudar o micro transforma o macro. É fato que as vigências do nosso mundo são muito grandiosas e muito bem instauradas, mas Crip Camp nos lembra através de um exemplo concreto que as coisas começam por algum lugar. Pelas pessoas, mais especificamente, que por sua vez, também precisam ser transformadas numa realidade que apaga sua autonomia em benefício de suas próprias estruturas.

Com essas peças em mãos, tudo se encaixa. O que Crip Camp constrói é exatamente uma demonstração da transformação que pode surgir de um sentimento ‘simples’ e individual, que acaba por ser poderoso e coletivo. Através do sentir-se capaz e digno de sua existência, digno de sua voz, digno de sua história, e, neste caso em especial, digno de sua arte e de seu cinema, o documentário chega na motivação de tudo o que fazemos na coletividade: lutar pela vida e para que todos tenham direito de vivê-la.

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No site oficial da Casa Branca, Michelle é a única primeira-dama que, ao ser descrita, tem a sua profissão citada antes de ser nomeada como “esposa do 44º presidente dos Estados Unidos” (Foto: Netflix)

Natália Santos

Depois de levar a estatueta do Oscar de melhor documentário com “Indústria Americana” (2019), a Higher Ground Productions, produtora do casal 20 Michelle e Barack Obama, retomou a parceria com a Netflix para dar continuidade ao que prometeu ao abrir a empresa: “cultivar vozes criativas e auxiliá-las no processo de contar suas histórias”. Dessa vez, a escolhida para compartilhar algo, na nova produção do casal, foi 46ª primeira-dama dos Estados Unidos, conhecida também como Michelle Obama. 

O anúncio foi feito no final de abril, exatamente nove dias antes da estreia e distribuição na plataforma da Netflix, gerando grande alvoroço nas redes da ex-primeira-dama. Intitulado “Minha História”, o novo produto da Higher Ground, recebeu a direção de Nadia Hallgren, outra conhecida do streaming pelo curta-metragem “Após o Furacão Maria” (2019). Mas, diferente de outros lançamentos da plataforma, a grande propaganda e divulgação ficou em segundo plano. Nem destaque na tela inicial o filme do casal recebeu no dia do lançamento (06/05).

A proposta era simples: um documentário com imagens do backstage da turnê norte-americana de divulgação do livro “Minha História” (Becoming, 2018) de Michelle Obama. Além disso, a produção ainda prometeu um olhar íntimo sobre a vida da ex-primeira-dama que, agora, vive um processo de transição pós-Casa Branca. Entretanto, o resultado seguiu um caminho diferente: “Minha História” tornou-se um filme promocional, mas ainda assim político. 

Não é novidade que Michelle Obama foi uma primeira-dama diferente para os Estados Unidos e não digo isso restringindo-a somente ao fato de que foi a primeira afro-descendente a ocupar o cargo. Michelle foi uma peça importante e extremamente fundamental nas campanhas de Barack Obama, discursando em comícios e estando cara a cara com os votantes. Posteriormente, durante os oito anos do governo de seu marido, foi ativista em inúmeras causas sociais como em trabalhos com os veteranos de guerra e suas família e na defesa da educação das meninas em todo o mundo. 

Entretanto, nem tudo são flores e isso faz questão de ser mostrado no filme. Por meio de uma narrativa em primeira pessoa com inserts da Michelle em entrevistas ou conversando com jovens, também foco de trabalho da advogada, o documentário, até certo ponto intimista, coloca em questão toda a pressão e a ausência de liberdade existente na escolha de ser uma figura pública. 

Essa oposição entre pressão e liberdade é simbolizada no filme por cenas de público e o privado da vida da autora. Assim, em situações públicas como em entrevistas, é possível encontrar uma mulher que assume um roteiro rígido a ser seguido, segurando uma performance que não pode ter falhas, afinal está sendo vigiada em todos os movimentos. Enquanto, ao se tratar de liberdade, o espectador encontra uma versão leve de Michelle no ambiente privado como, por exemplo, com a família vendo fotos da infância. E é nesse jogo de público e privado, liberdade e pressão, que as críticas suprimidas nos oito anos de Era Obama saem pela boca de Michelle.

O livro de memórias de Michelle bateu o recorde de vendas em 15 dias com dois milhões de exemplares, tornando-se o título mais vendido nos Estados Unidos em 2018 (Foto: Ashlee Rezin/Chicago Sun-Times via AP)

Ao todo, a tour de divulgação do livro passou por 34 cidades no território norte americano. Michelle foi recebida e entrevistada por grandes nomes da televisão como Oprah Winfrey, Gayle King e Stephen Colbert em grandes arenas lotadas. Nesses momentos, os momentos de pressão no espaço público, a ex-primeira-dama mostra que não foi apenas um rostinho bonito na Casa Branca ao posicionar-se em relação a momentos históricos do país.

Michelle retoma a perseguição que sofreu da imprensa norte-americana durante a primeira campanha de Barack Obama, mostra-se contrária e cética à ideia de que os Estados Unidos estaria vivendo uma era “Pós-Racial” por ter tido um presidente negro, como se todas as problemáticas raciais tivessem sido supridas com esse fato; e, por fim, ainda explana sem constrangimentos que está feliz e liberta em deixar a vida da Casa Branca.

Assim, nessa combinação entre cenas de entrevistas e fotos de família, algo fica claro: Nadia Hallgren, ao assumir o comando do documentário, presumiu que os espectadores já tinham lido as memórias de Michelle, o que transformou o filme em um produto bônus da obra literária. Mas como bônus, algo novo teria que ser oferecido, e esse especial foi uma imagem totalmente nova da, agora, escritora Michelle: uma mulher sem os trajes assinados por grandes estilistas e com os cabelos cacheados, naturais.

Para lidar com as pressões da vida política e com falsas informações sobre sua família, Michelle desenvolveu um mantra: “Quando eles caem, nós subimos” (Foto: Reprodução)

Mesmo acabando por passar grande tempo divulgando o livro, o longa busca refletir aquilo existente em Michelle que é capaz de lotar grandes arenas e livrarias com fãs aos prantos. Esse algo é a potencialidade da ex-primeira-dama em inspirar e envolver os seus ouvintes, afinal não é atoa que ela foi considerada a mulher mais admirada do mundo, passando o casal Trump em popularidade. Assim, claramente, se não tivessem discursos inspiradores, esse não seria um filme sobre as memórias de Michelle LaVaughn Robinson Obama.

A principal mensagem que Michelle deixa é a de que, assim como ela – uma garota do sul de Chicago, originária da classe trabalhadora e negra – outros jovens podem seguir seu sonho, independente de tão alto que seja. Ao dizer no microfone “minha história também pode ser a de vocês”, Michelle não recebe apenas uma salva de palmas, mas consegue reacender uma ponta de esperança em cada ouvinte. “Esperança”, a sensação e o termo mais utilizado nos 8 anos de governo Obama. 

Por fim, mesmo que sutil e com teor crítico, a ex-primeira-dama levanta uma reflexão: como o processo de votação nos Estados Unidos pode ser uma forma de fazer com que pequenas vozes tomem proporções maiores, contribuindo com a mudança de uma nação que, até pouco tempo, tinha bebedouros diferenciados para pessoas brancas e pessoas pretas. E, assim, o documentário de proposta intimista, transforma-se em um ato político e de libertação, ao oferecer visibilidade midiática aos pensamentos e opiniões que passaram oito anos apenas na cabeça de Michelle Obama.

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