Nathalia Tetzner

Há muito tempo, dizem que por trás de todo homem há uma mulher. Beckham, série documental sobre um dos maiores jogadores de futebol da história da Inglaterra – e uma das figuras mais propagadas em campanhas globais para marcas gigantescas –, coloca a prova esse ditado. Demonstrando, também, que a razão pelo insucesso de muitos seja, talvez, por não ter uma Spice Girl como Victoria Beckham em suas trajetórias.

O documentário coloca em evidência o papel da ‘Posh Spice’ na vida de David Beckham. Mais do que a sua âncora, ela também o guiou ao estrelato na indústria do entretenimento. Isso, sem nunca deixar os sonhos para trás pelo amor, ainda que tenha sacrificado a sua paz pelo bem-estar da família. Ao seu lado, o apoio dos pais dele e os conselhos do técnico mais vitorioso do esporte, Alex Ferguson, perdem protagonismo. Em Beckham, qualquer empecilho é resolvido por ela.

Inserido no hall de talentos explorados pelo pai visionário desde os primeiros anos da infância, David Beckham esteve dividido entre a pressão constante e o acalento da mãe. Atrapalhando-se em campo quando a família não estava presente no estádio para assisti-lo, o seriado se distancia de Neymar: O Caos Perfeito, outra produção da Netflix. Embora Beckham tenha seu próprio momento ‘errei, fui moleque’, quando aborda as supostas traições à ‘Posh Spice’ em Bolas de ouro.

Ao contrário do brasileiro, o atleta que defendeu o Manchester United e o Real Madrid teve pessoas que tentaram manter seus pés no chão. Alex Ferguson fez de tudo para que ele não desviasse a atenção para uma popstar em ascensão mundial ou mudasse completamente a aparência por causa de patrocinadores. Contudo, o esforço foi em vão, já que David Beckham é a razão por revolucionar, a partir da década de 2000, a forma que o mundo consome jogadores de futebol.

Com a fusão das linhas que marcam o gramado do campo e as linhas-finas dos tablóides impressos, David e Victoria Beckham expõem o abuso da mídia britânica sem se fazerem apenas de vítimas. Assim, mostram para Harry & Meghan como se arquiteta um documentário merecedor de cinco indicações ao Emmy 2024. Sendo vencedor de Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, categoria não televisionada na noite principal.

Através da câmera posicionada bem próxima dos entrevistados, capturando suas expressões faciais enquanto assistem aos momentos mais cruciais da vida do protagonista da narrativa, Fisher Stevens realiza um trabalho comovente. Os episódios O chute e Vermelho de raiva são seu ápice no comando da direção. Por outro lado, Stevens deixa a emoção escapar de suas mãos justamente no grand finale. A motivação de David deixa um gosto amargo por não elaborar o clímax.

Abordando o assédio dos torcedores ingleses com uma sensibilidade essencial, Beckham se esquiva apenas de polêmicas muito recentes, como a posição de embaixador da Copa do Mundo FIFA de 2022, organizada no Catar, um país que desafia os direitos humanos. Mais do que uma jornada de superação de um ícone global, o seriado traz à tona a importância de uma mulher como Victoria Beckham, além de exibir como ambos orquestraram uma trajetória digna de série da Netflix.

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Caio Machado

Em 1969, os membros do grupo musical The Beatles se reuniram para a produção do que viria a ser o álbum Let It Be. O cineasta estadunidense Michael Lindsay-Hogg foi chamado para filmar o processo de concepção do disco, o que deu origem ao documentário que leva o mesmo nome do álbum e contém também o famoso espetáculo no terraço, última aparição pública da banda. Mais de 5 décadas depois, foi lançada a série documental The Beatles: Get Back, dirigida e produzida por Peter Jackson (O Hobbit, King Kong), que se aproveita das imagens de arquivo produzidas em 1969 para dar origem a 3 episódios, totalizando aproximadamente 8 horas de duração. 

Indicada em 5 categorias do Emmy 2022, incluindo Melhor Série Documental ou de Não-Ficção, Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção, para Peter Jackson e Melhor Montagem em Programa de Não-Ficção, para Jabez Olssen, a produção impressiona por seu trabalho na reconstrução das filmagens e áudios.  As imagens apresentam uma nitidez quase assustadora e as conversas entre os presentes no estúdio, antes abafadas pelo som dos instrumentos musicais, agora são perfeitamente audíveis, graças a uma inovação trazida por Jackson. O diretor utilizou uma inteligência artificial criada para captar as vozes do quarteto e separá-las do som dos instrumentos.

O cuidado para evidenciar os diálogos entre os músicos pode passar despercebido na maior parte do tempo e só é evidenciado em uma cena logo no primeiro episódio, Parte 1: Dias 1-7, em que os membros da banda falam enquanto afinam suas guitarras e um dos técnicos ali presentes avisa que o som dos instrumentos está atrapalhando ouvi-los nos microfones. O diálogo funciona como um lembrete de que essa parte dos bastidores, antes deixada de lado por conta das limitações da época, só foi possível de ser mostrada aos fãs da banda agora por causa da tecnologia contemporânea. 

Ao longo dos 3 episódios de The Beatles: Get Back, Peter Jackson parece mais interessado em acompanhar o processo criativo de Paul, John, George e Ringo, como um fã apaixonado sentado num canto do estúdio sem atrapalhar, do que criar uma narrativa repleta de tensões entre os quatro, já perto do fim da banda. Os atritos existem, é claro, mas aparecem como consequência da divergência de opiniões que acompanha a produção de um álbum ao longo de 21 dias dentro do estúdio.

As discussões entre eles são mostradas da maneira mais honesta possível, exibindo-os como seres humanos que querem apenas entregar as melhores músicas, sem cair em nenhuma armadilha sensacionalista barata e cheia de intrigas para manter a atenção do espectador. Na verdade, o documentário assume que quem está disposto a enfrentar suas gigantescas 8 horas já gosta bastante do quarteto e não tem pressa em mostrar as dinâmicas dentro do estúdio. Seu foco está em mostrar o trabalho criativo sem romantizá-lo, com seus altos e baixos, seus momentos mágicos de pura sintonia e os períodos cansativos, em que ninguém parece sair do lugar.

Como resultado, a série joga seu holofote em cenas bastante especiais, como quando a banda consegue chegar na versão de Get Back que conhecemos hoje depois de ensaiar a canção por milhões de vezes ou mesmo quando os quatro estão tocando músicas que gostam apenas pelo prazer do ato, esquecendo um pouco o prazo que se aproximava. Por outro lado, também ocorre do documentário destacar momentos que se estendem demais, a exemplo do enorme debate tido entre Os Beatles e os produtores para decidir onde seria o show que pretendiam fazer. 

O espectador, alguém vivendo no mundo atual onde os Beatles já se tornaram uma memória no mundo da música, sabe que esse concerto foi realizado no terraço da Apple Corps, mas, para chegar nele, precisa acompanhar uma discussão demorada, cheia das ideias mais absurdas possíveis, o que prejudica no ritmo do documentário como um todo. Quando a ideia do terraço surge, é um alívio para os músicos, os técnicos e para quem assiste. Além de mostrar os Beatles como seres humanos normais que discutem, comem, bebem, fumam e fazem brincadeiras em frente às câmeras, a produção de Peter Jackson também serve para mostrar como é difícil tomar decisões em conjunto. 

A ideia de acompanhar tudo, incluindo os lados negativos, se mantém quando chega a hora da última aparição pública da banda. A obra opta por dividir a tela em 3 partes, na tentativa de acompanhar a apresentação do grupo em vários ângulos e a reação do povo londrino. O documentário insere o espectador bem no centro da ação e mostra depoimentos de pessoas maravilhadas por estarem presenciando um momento histórico, pessoas que não fazem ideia do que está acontecendo e aqueles que estão completamente descontentes com o barulho que os músicos estão fazendo, além de mostrar a chegada dos policiais no prédio do concerto. 

Parece muita informação para acompanhar ao mesmo tempo e realmente é. A escolha da divisão da tela em 3 quadrados torna a experiência ainda mais confusa e é difícil escolher para qual lado olhar. Porém, quando os olhos se acostumam àquele frenesi, é algo maravilhoso de assistir. É o momento mais catártico dos 3 episódios, capaz de causar arrepios pelo fato da banda estar em perfeita sintonia depois de longas horas de ensaios e pelo olhar empolgado do público, nos telhados e na rua. É o canto do cisne de um grupo que já havia deixado sua marca no mundo e decidiu entrar para a história em sua terra natal uma última vez, num terraço, para que qualquer um pudesse ouvir. 

The Beatles: Get Back é grandioso como a banda que acompanha ao longo de semanas de gravação. O documentário compreende o processo criativo como algo que demanda tempo, não é belo a todo momento e tem sim seus pontos baixos. Ao mesmo tempo, encanta por humanizar Paul, John, George e Ringo e mostrar momentos bastante especiais entre eles, sejam quando estão tocando alguma música ou fazendo alguma brincadeira para as câmeras que os rodeavam. Apesar de ser um pouco intimidadora em um primeiro momento, por conta de sua duração, assistir à produção é uma experiência extremamente recompensadora para qualquer um que decidir se aventurar nessa odisseia que deu origem a Let It Be. 

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Vitória Silva

No dia 18 de agosto de 1992, o cineasta Woody Allen convocou uma coletiva de imprensa no saguão do The Plaza Hotel, em Nova York, para confirmar que estava tendo um romance com a jovem Soon-Yi Previn. Para quem esse nome possa soar desconhecido, a coreana é a filha adotiva da atriz Mia Farrow, que também era namorada de Allen até o ocorrido. Esse fator quase transposto de uma novela de Walcyr Carrasco foi apenas o estopim de uma batalha que perdura anos, e é retratada na série documental Allen contra Farrow. 

A produção da HBO, dirigida por Kirby Dick e Amy Ziering, parte desse princípio para apresentar uma narrativa por vezes ressoada na mídia, já atravessando milhares de versões e reviravoltas. Voltando um pouco mais na linha do tempo, o primeiro episódio começa apresentando o início do relacionamento entre Mia e Woody, que resultou em um aspecto quase conjugal, em que o aclamado diretor aceita adotar uma filha junto à ela, mas que ficaria sob total responsabilidade da atriz. Assim, Mia, que já era mãe de sete, encontra a pequena Dylan, uma garotinha perfeita para realizar as tais idealizações de seu futuro “pai”. 

O desenrolar da trama passa a se tornar um verdadeiro pesadelo. Diversas fontes próximas à família se juntam aos relatos de Mia e Dylan para retratar a obsessiva relação do pai com a filha, e os breves indícios de um perfil perverso do amável diretor. Mas a tendência que a narrativa segue é brevemente interrompida por uma nova revelação, nem tão surpreendente para quem já tem acompanhado a história aqui do lado de fora, em que Mia encontra fotos sensuais da filha Soon-Yi no apartamento do seu até então namorado.

Junto ao fio condutor tecido pela família ao longo dos quatro episódios, somam-se os olhares de críticos e admiradores da obra de Allen. Daqueles que conseguem formular claramente a adoração pelo diretor, pela forma como ele retrata a Grande Maçã estadunidense, pela identificação com seu jeito desengonçado e humanizador, e pelo jeito que expressa suas personagens mulheres – sim, claro, as mulheres! 

E em sua própria obra também emergem evidências do seu comportamento questionável, como pela insistente representação de relacionamentos entre um homem mais velho e uma mulher jovem, o tal personagem masculino da relação por muitas vezes sendo ele próprio – mas isso também só pode ser um fruto do acaso -, como exemplificado na sua aclamada produção Manhattan. 

Como se ter um caso com a sua enteada de 21 anos já não dissesse muito sobre o caráter do nova iorquino, a revelação que segue consegue ser ainda mais tenebrosa: o suposto abuso sexual de Woody Allen a sua filha Dylan Farrow, quando esta tinha 7 anos de idade. E aqui deixo como suposto pelo caso nunca ter resultado em uma investigação policial de fato, mas o desenrolar deste capítulo tenebroso fica para o minutos desenvolvidos na própria produção. 

Eis uma guerra instaurada: os relatos da jovem Dylan contra a clemência de Allen por sua inocência. Mas este não se atreve a tentar contrapor os argumentos de uma criança, jogando toda a carga do ocorrido nas costas de Mia, como uma suposta manipuladora por ter ciúmes da relação do ex-namorado com Soon-Yi (que, mais uma vez, era sua filha). A mídia compra essa versão, os fãs também, e a comunidade hollywoodiana mais ainda. Allen não é investigado, muito menos linchado pela sociedade. Ele permanece desfrutando da sua liberdade, enquanto levemente sustenta um relacionamento saudável com sua ex-enteada e uma acusação de abuso infantil. 

Fato é que ninguém é capaz de duvidar de um senhor indefeso e aparentemente dócil como Allen, muito menos alguém dono de produções tão potentes e que conversam tanto com diferentes tipos de público. E assim a história se discorre, Mia se torna incapaz de continuar atuando em solo estadunidense, ao passo que Allen tem o amor da opinião pública e os demais prazeres que um homem branco e bem sucedido é capaz de gozar vivendo em sociedade. 

Esse retrato permanece não apenas por minutos, como se passam na série, mas por anos. A acusação se deu em 1992, e, desde então, Woody Allen já teve 8 indicações e 1 vitória no Oscar, 3 indicações e 1 vitória no Globo de Ouro, e 26 filmes lançados. Isso não parece soar nem um pouco como alguém sofrendo as consequências de qualquer ato que seja. 

Há quem afirme que a produção escuta apenas um lado da história, e de fato é o que acontece, mas não pela falta de tentativas em se contatar o outro, como assim é reforçado ao final de cada episódio. Ao mesmo tempo, é interessante observar como não há evidências suficientes no mundo quando o assunto em questão é a condenação de um homem poderoso. Não bastam os depoimentos e traumas revirados por uma criança de 7 anos, nem os relatos de pessoas próximas, muito menos a opinião de profissionais, ou as milhares de falas e posicionamentos machistas e repugnantes de Allen, que ele nem se esforça em disfarçar em suas entrevistas ou nas conversas gravadas ao telefone.

Allen contra Farrow é sim uma produção parcial, mas foca no olhar de uma jovem que teve sua voz calada por mais de 20 anos e viu suas relações familiares e amorosas serem massacradas por um rolo compressor, enquanto assistia o seu abusador andar em tapetes vermelhos e receber homenagens como se fosse o homem mais genial do universo. A mesma jovem que só pôde observar o início da queda do mesmo há pouco tempo, e muito longe de ser o fim. 

E é mais do que simbólico que essa derrocada tenha se discorrido com a crescente onda do Me Too, em que foi necessário unir forças de centenas de mulheres para derrubar um dos maiores magnatas de Hollywood. Ou seja, Dylan Farrow sozinha jamais será capaz de realizar o mesmo com a monstruosidade do seu pai. Tal fato é concretizado na fala da psicóloga Anna Salter durante a produção: “O público é muito severo com criminosos sexuais, contanto que eles estejam longe e não tenham carisma”. 

Conteste pelas contradições presentes na história ou pela falta de evidências. Mas se apenas provas fossem realmente suficientes Johnny Depp não estaria ainda atuando em filmes, Roman Polanski não estaria ganhando prêmios, Marilyn Manson não estaria participando de álbuns de grandes rappers, e a lista é longa. Allen contra Farrow é um retrato escancarado de uma sociedade misógina que elege ídolos medíocres, e depois teme ao vê-los se revelarem verdadeiros monstros.  Afinal, quem acreditaria que Woody Allen faria isso?

Não é sobre separar o artista da obra ou qualquer outra discussão incabível aqui, é sobre condenar e reconhecer os verdadeiros culpados. Enquanto vemos mulheres serem culpabilizadas por muito menos, uma quantidade infinita de panos são passados para dezenas de predadores sexuais ou homens de caráter questionável. Não é apenas sobre Allen ou Spacey ou quem quer que seja o nome da vez, o buraco sempre foi bem mais embaixo.

Mesmo com a divisão de opiniões e as aguardadas críticas vindas do cineasta, Allen contra Farrow garantiu 7 indicações no Emmy 2021. Entre elas, Kirby Dick e Amy Ziering se garantiram em Melhor Direção em Documentário/Programa de Não-Ficção pelo Episódio 3, que também concorre em Roteiro em Programa de Não-Ficção. A produção ainda tem grandes chances de sair vitoriosa por Melhor Série Documental ou de Não-Ficção contra nomes como Faz de Conta que NY é uma Cidade, American Masters, City So Real e Secrets of the Whales.

Se o fim de Woody Allen no meio cinematográfico está próximo, só o tempo irá dizer. Além das inúmeras desaprovações ao próprio documentário da HBO, ele ainda conta com uma legião de defensores em Hollywood. Mas não podemos esperar muito de uma sociedade que é conivente até com um homem que assumiu abertamente ter tido relações sexuais com uma jovem de 13 anos. E não podemos mesmo: daqui a dez dias, o próximo filme de Allen irá abrir o Festival Internacional de Cinema de San Sebastián.

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Nathalia Tetzner

Se a Indústria do Entretenimento ainda é um ambiente de extrema misoginia para as mulheres, imagine para uma jovem cantora em ascensão na era das boybands no final dos anos 90. Essa é a reflexão que o documentário Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela propõe sobre a carreira marcada por sucessos e turbulências da princesa do pop. Aqui narrada por fontes diversas como: amigos próximos, editores culturais, paparazzi, advogados e fãs. A proposta assinada pela diretora Samantha Stark tenta explicar para o público o movimento #FreeBritney (#LiberteABritney), inicialmente eclodido entre os seguidores da artista e que passou a ganhar notoriedade pela mídia.

Logo nos primeiros minutos, o tema é brevemente apresentado ao telespectador, que, então, é dirigido às origens de Britney Spears. Uma decisão inteligente do documentário, já que a temática abordada começou com a sua trajetória artística ainda criança. A casa de sua ex-assistente e amiga, decorada com os grandes feitos da cantora, é o cenário ideal para entender esse ícone da Música nascida na pequena cidade de McComb, no Mississippi, e que contava com o pouco dinheiro dos pais para fazer audições em Nova Iorque até integrar O Clube do Mickey.

Nesse momento em que o início da carreira é documentado, uma primeira evidência dos interesses do pai da artista vem à tona, pela menção de Jamie Spears como um alcoólatra apenas preocupado com o retorno financeiro do investimento na filha. Esse resultado tão esperado veio com a gravação do primeiro single de Britney: a música  …Baby One More Time estourou nas paradas e virou a vida da jovem de cabeça para baixo.

A partir desse sucesso repentino, a direção faz um excelente uso de gravações e entrevistas nas quais Britney Spears é confrontada sobre sua sexualidade ser uma má influência para o público jovem, questionamentos que mesmo as boybands mais provocativas não sofriam. Essas filmagens também permitem ao público a visão de uma artista que está no comando de sua trajetória e possui uma forte conexão com seus fãs. 

Em sequência, os impactos da misoginia nos relacionamentos da cantora são desenvolvidos com excelência, tendo início pelo primeiro grande escândalo midiático de Britney Spears: a acusação de traição feita por Justin Timberlake em Cry Me A River, responsável por desencadear a desaprovação do público pela artista. Seguido pela introdução do casamento conturbado com Kevin Federline, por meio do uso inteligente de falas que demonstram o desejo da jovem em formar uma família.

Graças ao assédio dos paparazzi durante o casamento e o período em que Britney estava grávida, os tabloides passaram a veicular uma imagem de péssima mãe da cantora, principalmente após ela ser flagrada com seu filho no colo enquanto dirigia. Assim, o documentário expõe mais um sinal da repercussão negativa de Jamie Spears, através da alegação feita pela artista de que seu pai fazia o mesmo quando ela era criança.

Dessa maneira, a obra revela o divórcio turbulento de Kevin Federline e Britney Spears como a principal razão do fatídico ano de 2007, quando a cantora apresentou sinais de transtornos mentais e estampou as capas de revistas com escândalos como, por exemplo, raspar a cabeça e destruir o carro de um paparazzo. No entanto, a direção de Samantha Stark esclarece que o estopim para Jamie pedir a tutela temporária da filha chegaria no ano seguinte, quando a artista se negou a devolver seus filhos depois de uma visita e foi levada para uma avaliação psicológica.

Daqui em diante, as fontes exploram o fato de que a saúde mental não era um tópico amplamente debatido naquela época. Assim como expõem a hipocrisia do público, que condena uma artista feminina pelos seus atos durante um momento de vulnerabilidade, mas não deixa de considerar os homens dessa Indústria do Entretenimento verdadeiros gênios por problemas pessoais. Um exemplo dessa contradição misógina é Justin Bieber, que, embora tenha figurado inúmeras polêmicas na mídia, não teve sua carreira como músico ameaçada na mesma intensidade que Britney, e muito menos foi submetido a uma tutela.

Desse modo, Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela também proporciona ao telespectador a possibilidade de analisar a tutela através de visões diferentes. Enquanto algumas fontes apontam o fato dela ser normalmente aplicada em idosos incapacitados, a advogada do pai de Britney assegura que os interesses do tutelado são visados. Então, a partir do estabelecimento dessa assistência pelo juiz, os entrevistados explicam com clareza o papel de Jamie Spears como tutor na vida de sua filha, desde controlar suas finanças até decidir quando ela pode ir ao médico.

Embora seja considerada incapacitada pela justiça, a obra torna explícito como Britney Spears voltou a trabalhar após o primeiro ano da tutela. A cantora lançou álbuns, realizou turnês e até mesmo um documentário para a MTV chamado Britney: For The Record, uma das raras oportunidades em que o público tem acesso ao relacionamento entre pai e filha. Isso porque o processo distanciou a artista de seus fãs, que começaram a se preocupar com o sumiço de meses depois do cancelamento de sua nova residência em Las Vegas por conta da saúde de Jamie Spears.  

Essa inquietação foi intensificada após os seguidores de Britney Spears desconfiarem que ela estaria pedindo ajuda através de postagens peculiares no Instagram, o que proporcionou a criação do movimento #FreeBritney. A hashtag se disseminou na internet e o público queria saber o que estava acontecendo com a princesa do pop. Durante essa eclosão, o documentário aponta que a cantora estava internada em uma clínica de reabilitação e que, embora Jamie tenha se demitido de parte da tutela, ele ainda é responsável pelos bens da artista. Fato que contribui para o mistério do caso, considerando que o advogado de Britney atestou o medo dela em relação ao próprio pai e o desejo de não trabalhar enquanto ele for o seu tutor.

Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela termina com o sentimento dos fãs pela artista, razão responsável pelo movimento, que aqui é explicado para os telespectadores de maneira nítida, mesmo com as incógnitas presentes no caso. O uso das gravações é feito com inteligência pois são introduzidas no momento exato, assim, facilitando a comoção pelo assunto. Do mesmo modo, a variedade de fontes também permite a veracidade dos fatos e o cumprimento da promessa do documentário de impactar quem assiste. O participante Caio Afiune, do programa Big Brother Brasil 2021, se revoltou com a situação da cantora, e o cantor Justin Timberlake se desculpou em público pela misoginia sofrida pela princesa do pop.

Esse caráter provocador de comoção e revolta presente na obra também possibilitou a longevidade da discussão em torno do tema. Mesmo após 6 meses de seu lançamento, as novas informações sobre a tutela e o progresso do caso na justiça são tratados constantemente pela mídia. Alguns exemplos das notícias que repercutiram internacionalmente são: o depoimento de Britney em que ela revela ser impedida de engravidar, a autorização para a cantora poder escolher seu advogado e a proposta de lei inspirada em sua situação.

Com tal característica, Framing Britney Spears: A Vida de uma Estrela foi indicado ao Emmy 2021, uma das principais premiações da televisão, onde também irá disputar o prêmio de Melhor Documentário ou Especial de Não-Ficção ao lado de Boys State, The Bee Gees: How Can You Mend a Broken Heart, O Dilema das Redes e Tina. A narrativa da tutela de Britney Spears se destaca entre os concorrentes por retratar a história de uma mulher através das lentes de uma diretora, que sente na pele a repercussão da misoginia, um dos pilares desse relato. Assim, a obra nos faz refletir se a carreira da princesa do pop teria tomado o mesmo rumo caso ela fosse um homem.

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