Vinícius Rodrigues

Shh… Silêncio! Adele começou a cantar e o mundo inteiro está afim de ouvir. Exibido em novembro de 2021, no canal estadunidense CBS, e transmitido simultaneamente no Paramount+, Adele One Night Only contou com a interpretação de clássicos da cantora londrina e canções inéditas de seu quarto álbum de estúdio, 30. A apresentação musical ocorreu em outubro do mesmo ano, no Observatório Griffith, localizado em Los Angeles. Ao mesmo tempo, uma entrevista conduzida por Oprah Winfrey abriu as cortinas para o que seria o show de Adele.

O lançamento da obra aconteceu na sexta-feira após o especial, em 19 de novembro, e contou com a produção de artistas como Greg Kurstin, Inflo, Max Martin, Shellback, Ludwig Göransson e Tobias Jesso Jr. Não muito diferente dos álbuns anteriores, a cantora transforma as dores e desgostos do seu coração partido em um disco de busca, gracioso e incrivelmente comovente. Porém, desta vez, Adele parece querer mostrar mais de si mesma, estar por completo dentro de cada palavra que canta. 

O programa atraiu 10,33 milhões de espectadores e foi o especial de televisão mais assistido desde o Oscar, em abril de 2021. Não é à toa que o show foi indicado em 5 categorias do Emmy Awards 2022, sendo elas: Melhor Direção em Especial de Variedades; Melhor Design de Iluminação/Direção de Iluminação em Especial de Variedades; Melhor Mixagem de Som em Série ou Especial de Variedades; Melhor Técnica de Direção Trabalho de Câmera e Controle de Vídeo em Especial e Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado). 

Nessa última, inclusive, Adele concorre com grandes nomes da cultura mundial. One Last Time: An Evening With Tony Bennett & Lady Gaga parece ter ganho o apreço do público e trouxe de volta o nome de Lady Gaga para o cenário musical, além de proporcionar faixas extraordinárias e reunir duas lendas do pop estadunidense. Todavia, nem mesmo esse encontro formidável parece ser um fator decisivo que nos faça apostar em sua vitória. 

Já o especial de 20 anos do mundo mágico de Harry Potter, outro dos concorrentes de One Night Only, conseguiu saciar a fome que os fãs da saga guardavam por todos esses anos, conquistando boas críticas. Harry Potter — 20 anos de Magia: De Volta a Hogwarts uniu grande parte das estrelas dos 8 filmes, tornando a experiência dos potterheads ainda mais mágica. Será bem difícil para Adele competir com os fãs do bruxinho mais popular do mundo. 

A entrevista revisitou as histórias por trás das novas canções, da vida após o divórcio do seu ex-marido, Simon Konecki, a perda de peso e a criação de seu filho Angelo. O impressionante é que, em meio a um jardim de rosas impecáveis, Oprah conseguiu estabelecer uma conexão entre os telespectadores e Adele de forma íntima e sincera, como se fossemos não só seus fãs, mas amigos de longa data. “Ela é tão real e tão realista quanto todos nós acreditamos que ela é”, confessou a apresentadora. 

Nem mesmo o fato de que o Observatório Griffith estava lotado de celebridades na noite em que o especial foi gravado conseguiu romper com essa relação. Em uma tentativa de desfazer essa noção, Adele declarou que queria se “sentir segura em meu primeiro pequeno regresso”, depois de apresentar sua primeira canção da noite, Hello. “Então, eu queria fazer uma mistura de pessoas que eu conheço e amo, pessoas que conheci algumas vezes, e algumas de vocês que não conheço de jeito nenhum. Mas, oi”.

Inclusive, é um jogo divertido tentar descobrir quem ali presente se encaixava em qual categoria. Leonardo DiCaprio, que aplaudiu de pé com um boné de beisebol e um capuz, seria alguém que ela já conheceu algumas vezes? Lizzo, vestindo um poncho-coat, aparentemente feito inteiramente de flores, é também alguém que ela está familiarizada? Ou, possivelmente, alguém que ela conhece e ama? Gordon Ramsay? Ellen DeGeneres? Jesse Tyler Ferguson? Olha, eu não sei, mas adoraria descobrir. 

Ok, Adele já provou ser uma vocalista de enorme poder e uma escritora cujas canções soam como desgostos pessoais, isso não podemos negar. Entretanto, o que nos ganha em Adele One Night Only é que Adele sempre pareceu do mais alto glamour, mas nunca deixou de ser humilde. Dicotomia essa que aprofundou o amor do público por ela. É difícil não se romper em lágrimas quando, de surpresa, todos descobrimos que um simples rapaz, Quentin, iria pedir sua namorada, Ashley, em casamento ao vivo. Ali, de frente ao palco, ao som da sagrada Make You Feel My Love.

Durante grande parte do concerto e de sua conversa com Winfrey, a cantora britânica parecia estar consciente de si mesma, discutindo tudo desde seu divórcio. Em meio às brincadeiras, ela não soou diferente da Adele que conhecemos ou pensamos ter conhecido. Chega a ser engraçado ver como ela se relaciona com os convidados, o que faz esquecer que são todos famosos — mais uma vez, seria Aaron Paul alguém que Adele conhece e ama ou alguém que ela já encontrou algumas vezes?  

A questão é que não é difícil se sentir emocionado por suas atuações sinceras. Sua voz é como uma memória e um gatilho emocional, um copo robusto de chocolate quente que aquece suas entranhas no final do outono, e isso parece absolutamente certo, porque é aí que seu calor é mais necessário. Mas como alegria de pobre dura pouco, Adkins nos prepara para o final de sua ‘Única Noite’, em tradução livre, e nos entrega o máximo de si em uma performance de Love Is a Game, finalizando em meio a transições do anoitecer de Los Angeles. 

Por fim, era de se esperar que quando juntássemos Adele e Oprah em um só espaço, o resultado seria estrondoso. E muitas são as palavras que podem representar o que foi Adele One Night Only. Até mesmo a perfeição fica longe de definir os noventa minutos que ficarão para sempre na memória dos fãs e convidados presentes. Não sei bem o que acontece depois do apagar dos holofotes, mas uma coisa é certa: os céus abençoaram Adele e todos ali presentes.

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João Batista Signorelli

Quem precisa de cabos? Eles enrolam, estragam, dão nó, e não te deixam sair do lugar. Se isso já é um pesadelo pra mim, que tenho que lidar com um computador que não funciona com internet sem fio e precisa ficar ligado na tomada pra não morrer, imagina para um grupo musical que precisa enfrentar todo dia uma teia de aranha no palco? David Byrne também se questionou, e chegou à conclusão de que dividir o palco com um emaranhado de cabos definitivamente não estaria mais em seus planos.

O resultado dessa simples decisão foi o gigantesco David Byrne’s American Utopia, um show que lotou teatros em 2018 e 2019, em uma aclamada turnê ovacionada pela crítica e pelo público, e que marcou passagem inclusive pelo Brasil, com apresentações em Porto Alegre, Rio de Janeiro, Belo Horizonte, e no Lollapalooza de 2018 em São Paulo. Paralisada pela pandemia, a performance já tem data marcada para voltar aos palcos da Broadway.

Impelido a registrar a performance, Byrne contatou outro nome de peso para transformar em filme o espetáculo: Spike Lee. A então parceria produzida pela HBO entre o ex-vocalista do Talking Heads e o diretor de Destacamento Blood rendeu seis indicações ao Emmy 2021. American Utopia marca presença ao lado de Bo Burnham, Hamilton e Friends na concorrida categoria de Melhor Especial de Variedades (Pré-Gravado),  além de Melhor Direção em Especial de Variedades para Spike Lee, Direção Musical e mais quatro categorias técnicas em Especial de Variedades: Iluminação, Mixagem de Som, e Direção Técnica/Trabalho de Câmera.

Não é a primeira vez que David Byrne é destaque em um filme de um diretor consagrado documentando um concerto seu. Stop Making Sense, de 1986, considerado um dos mais importantes filmes-concerto da história, trazia Byrne à frente dos Talking Heads vestindo o icônico terno gigante, com direção de Jonathan Demme, que alguns anos mais tarde subiria a um outro palco para receber o Oscar de Melhor Direção por O Silêncio dos Inocentes. Spike Lee, por sua vez, já é um veterano dos videoclipes, tendo trabalhado com artistas como Stevie Wonder, Public Enemy, e até Michael Jackson no icônico clipe de They Don’t Care About Us, gravado no Brasil. O encontro destas duas mentes brilhantes resulta em uma das mais expressivas realizações artísticas do passado recente. 

O espetáculo se inicia com Byrne sozinho no palco, sentado à uma carteira escolar, trocando uma caveira por um cérebro e cantando o seu próprio “To be or not to be” em Here. Mas ao invés de refletir sobre o propósito do existir aos moldes de Shakespeare, ele faz uma descrição da geografia do órgão principal do sistema nervoso. O que parece a princípio uma aula de biologia logo aponta para seus desdobramentos mais humanos: através do telencéfalo, nós entendemos o mundo, sentimos, amamos, vivemos. A partir daí, o artista nos leva a uma jornada através da experiência humana, buscando entender aquilo que nos conecta uns aos outros como semelhantes.

Pouco se passa até que ele não se encontre mais sozinho no palco, agora acompanhado por uma legião de músicos e uma dupla de dançarinos-cantores, todos descalços, vestindo ternos cinzas, e sempre ocupando o palco à frente de um único cenário. Em contraponto aos concertos de rock tradicionais, com a tentativa de compensar o tédio de ver os músicos em uma mesma disposição por duas horas com telões cheios de projeções com imagens pra lá de óbvias, Byrne se esvazia de todos os elementos distrativos, e chama a atenção para aquilo que importa até mais do que a própria música: as pessoas. Pois afinal, se existe a música para ser tocada e ouvida, é porque também há, inevitavelmente, seres humanos com o impulso criativo de comunicá-la para seus semelhantes.

As músicas escolhidas são uma mistura de uma seleção de clássicos do Talking Heads como Burning Down the House e This Must Be the Place (Naive Melody), com canções de seu mais recente álbum solo, que também leva o título de American Utopia. Ainda que carreguem conteúdos tão variados em suas letras, elas ainda parecem se encaixar com certa coerência, representando a longa busca que é fruto da tentativa de entender quem somos, como nos relacionamos, ou o que é de fato um lar. Muitas das canções parecem funcionar ainda melhor ao vivo, como é o caso das perguntas retóricas de Once in a Lifetime, que ganham um novo sentido ao ter a plateia como interlocutora.

Não por acaso, o possível desconhecimento do repertório de canções do cantor pouco interfere no aproveitamento da experiência. Voltando ao formato de show convencional, este tende a funcionar com suas limitações em grande parte devido ao engajamento do público com a setlist. A relação entre os artistas e a plateia é intermediada pela música, luzes e pirotecnia, mas Byrne nos mostra que não precisa ser assim. Ele nos pega pela mão, e convida a participar daquela sua Utopia junto com sua trupe, cuja humanidade nunca sai do foco. Mesmo o elaborado jogo de luzes, merecedor de sua indicação ao Emmy, mantém-se fiel à sua missão de dar destaque às pessoas, nunca roubando seu protagonismo. 

Outro aspecto que colabora para enriquecer o aspecto humano de David Byrne’s American Utopia é a abolição dos cabos, substituídos por tecnologias sem fio, o que se torna o maior catalisador de possibilidades criativas para o espetáculo. Livrando-se das amarras limitadoras impostas pelo sistema de som, os músicos têm agora a possibilidade de movimentar-se por todas as direções. As coreografias desenhadas por Annie-B Parson exploram todo o espaço do palco, dando uma unidade àquele grupo de indivíduos tão diversos, e que mesmo vestindo um mesmo uniforme e marchando em conjunto ordenadamente, não deixam de transparecer suas cores e modo de ser, em um raro contexto onde a homogeneidade de um coletivo não ofusca as identidades individuais.

Entre o elenco oriundo de diversos países, em David Byrne’s American Utopia figuram dois brasileiros: o baiano Gustavo Di Dalva e Mauro Refosco de Santa Catarina. Com eles, berimbaus, atabaques, e outros instrumentos nacionais marcam presença no palco. O carinho de Byrne com o Brasil é antigo, já tendo gravado um disco ao vivo com Caetano Veloso, além de ser um dos principais responsáveis pela popularização de Os Mutantes fora do Brasil através do seu selo Luaka Bop, e de ter levado para o exterior diversos nomes da música brasileira como Tim Maia e Tom Zé. Reunindo diferentes culturas através de seu elenco diverso, David Byrne nos dá um gostinho do como seria essa sua utopia.

Tornar o mundo um lugar para todos viverem é um dos principais ideais que movem a performance. E do mesmo modo que a simples rejeição aos fios possibilita uma infinitude de novas perspectivas para a expressão artística no palco, é nas pequenas coisas que fazem grande diferença que Byrne alicerça sua utopia. Exemplo disso é o segmento onde ele, educadamente, demonstra o quão importante é a participação de todos nas eleições, determinantes para o futuro daquele e de todos os países. O engajamento social também se faz presente na canção Hell You Talmbout, uma homenagem respeitosa e solene à Eric Garner, Freddie Gray, Marielle Franco, e às tantas outras vidas negras perdidas para o sistema que deveria protegê-las.

Tal posicionamento justifica ainda mais a escolha de Spike Lee para a direção do projeto. Lee, que vem chacoalhando o status quo desde que Faça a Coisa Certa estreou em Cannes em 1989, oferece sempre um olhar certeiro para os conflitos sociais. O diretor enriquece através de sua lente um show que por si já era espetacular, transportando toda a sua vivacidade para as telas daqueles que não tiveram a oportunidade de testemunhar este evento ao vivo, e eternizando a utopia que, caso não fosse registrada, seria apenas um acontecimento passageiro. O encontro entre David Byrne e Spike Lee, duas vozes tão marcantes de uma mesma geração, não poderia ter sido tão bem-sucedido. 

David Byrne’s American Utopia nos mostra que é possível fazer muito com pouco, e que certos excessos podem se tornar elementos limitadores para a liberdade criativa. Sem cabos e sem amarras, testemunhamos a enormidade de coisas que podem ser feitas em um palco, ou mais do que isso, a enormidade de coisas que podem ser feitas em um palco por pessoas. Pois no final, o que buscamos em uma obra de arte, nos relacionamentos, ou na própria vida, vai muito além de meras emoções ou sensações satisfatórias. Buscamos aquilo que é humano em si mesmo, e que nos revela que também o somos.

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Bruno Azevedo

Após 5 anos longe dos palcos e da internet, Bo Burnham retorna com Inside, seu novo Especial lançado pela Netflix. A produção foi escrita, dirigida e estrelada por ele mesmo no ano de 2020, trancado no espaço de uma única sala e feita especialmente para ser assistida pela tela da sua TV ou celular. Com vídeos de react, cantoria em volta da fogueira, debates sociais com um fantoche de meia e diversos desabafos, o filme é uma grande bagunça organizada na forma de comédia dividida entre músicas e stand-up.

Burnham é conhecido na internet desde que seus shows ao vivo começaram a ser lançados no seu canal do YouTube. Suas músicas em tom sarcástico, piadas ácidas e humor muitas vezes depressivo ganharam popularidade rapidamente e influenciam criadores de conteúdo até hoje. E mesmo que seu portfólio antes desse Especial se resumisse a apresentações diante de grandes plateias, essa experiência se traduziu muito bem no lançamento da Netflix.

O espetáculo é, em essência, um reflexo do estado de saúde mental do comediante no momento da gravação da cena. As primeiras músicas são claramente muito mais animadas, – ele faz diversas canções com críticas ao mundo externo e piadas com o próprio privilégio branco. 

A quarta faixa, How the World Works, é o exemplo perfeito de tudo isso. Ela dá a impressão de ser direcionada à crianças e até conta com a participação de Socko, um fantoche de meia fofo, mas que canta sobre genocídio e dinâmicas de trabalho abusivas.

Outras músicas dessa primeira parte focam muito na rotina do isolamento, como em FaceTime with my Mom (Tonight) ou Sexting. Mas isso muda a partir do momento em que o músico completa 30 anos, na sua sala, sentado ao lado do relógio. É a partir daí que sua depressão, insegurança e loucura ficam mais evidentes.

Toda a insanidade culmina em Welcome to the Internet, onde Burnham canta num ritmo desconcertante sobre o grande caos que é a internet, sobre todas as coisas úteis, macabras, aleatórias, nojentas e interessantes que são feitas para despertar qualquer sentimento em quem vê. “Um pouco de tudo o tempo todo” e “Apatia é tragédia e tédio é crime” são trechos da letra que resumem perfeitamente todo o sentimento da música, feita pra deixar quem assiste levemente desconfortável.

Já a depressão prevalece em All Time Low e Shit, que mesmo tratando da doença e da ansiedade no isolamento em suas letras, têm ritmos animados e acontecem em ambientes coloridos que contrastam completamente com o momento. A troca de um momento sério por uma piada de uma hora para a outra acontece mais de uma vez durante o show, e a iluminação é quase sempre a responsável por esse efeito.

Inside foi produzido como se fosse mais um dos shows ao vivo que popularizaram o comediante. Com tudo sendo filmado no espaço limitado de uma sala, é como se ele andasse de lá para cá sobre um palco em constante mudança. E assim como num show, a iluminação é essencial, utilizada na maioria das músicas e cenas de uma forma diferente e criativa, contando com projetores, globos espelhados, lâmpadas coloridas, holofotes dramáticos e até o celular, que em alguns momentos ganha um papel importante. Não só isso, mas o uso de adereços faz com que o pequeno cenário esteja constantemente mudando a cada cena, complementando as luzes. Até a bagunça dos equipamentos de gravação compõe a fotografia quando a intenção é ilustrar o caos do ambiente.

Mas mesmo que a ideia seja passar a impressão do ‘ao vivo’, isso não quer dizer que a edição não tenha seus momentos de brilhar. O filme tem a consciência de que fala com quem é acostumado com a internet, e isso leva a momentos em que uma música é objeto de um vídeo de react, que se torna objeto de um vídeo de react num loop, ou quando Burnham simula uma live jogando um jogo encenado por ele mesmo. Há momentos também em que a proporção da tela muda seja para simular uma videochamada no celular ou o clássico formato quadrado das fotos do Instagram em White Woman’s Instagram.

Sendo engraçado quando quer, intenso quando precisa e constantemente misturando as duas coisas, Inside parece ter sido feito com o objetivo de falar com aqueles que estão em isolamento há mais de 1 ano. Tratando de assuntos de grande seriedade com muita leveza e bom humor, o show de Bo Burnham é uma brisa de ar fresco necessária em meio ao caos do mundo externo e da bagunça interna da vida de cada um.

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Ana Júlia Trevisan

É inegável que Friends é uma das maiores séries já produzidas. A sitcom, que teve início em 1994 e foi finalizada com esplendor em 2004, continua carregando uma legião de fãs fiéis, mesmo depois de quase 20 anos do término. O que faz Friends tão popular? Pode ter sido seu contexto rotineiro, suas piadas fáceis e funcionais, seus personagens carismáticos. Mas, principalmente, a química entre os seis atores principais, que construíram uma amizade verdadeira além dos sets de filmagem e garantiram um entrosamento singular entre o grupo de amigos, fazendo as personagens funcionarem de maneira independente e em conjunto.

Todo fã já sonhou em algum momento com especiais envolvendo Courteney Cox, Matthew Perry, Jennifer Aniston, Matt LeBlanc, Lisa Kudrow e David Schwimmer. Em 2016, os boatos por uma possível Friends Reunion começaram a ficar mais fortes. Um tributo a James Burrow reuniu cinco dos seis amigos, que desde então começaram a aparecer mais e mais juntos. A imortal série emplacou vários produtos nesse meio tempo até que, em maio de 2021, o cast se reuniu oficialmente para relembrar os anos dourados de Friends e revisitar o estúdio que os acolheu durante uma década.

O Especial começa com a cena que por anos me neguei a reassistir nas anuais e terapêuticas maratonas de Friends. Sempre fugi do último episódio, de sentir a dor em ver eles entregando as chaves e indo tomar o último café no Central Perk. Mas, dessa vez, revi e por um bom motivo, eles estavam, os seis, reunidos novamente. Ver o apartamento vazio ainda trouxe a mesma dor lancinante da primeira vez, porém, nada se compara a sensação de ver os atores retornando ao set de gravação visivelmente emocionados.

Os cenários são bem reconstruídos e trazem aquele ar nostálgico, que ao mesmo tempo é acolhedor e caloroso como abraço de mãe. Em meio às cores marcantes que compunham a paleta da série e aos objetos que têm total energia Monica Geller, há mínimas diferenças de adaptação, como o relógio de cookie repaginado, já que o original está na casa de Lisa Kudrow. Descontraídos desde o início, eles mostram que são mais que amigos, são friends. Matt LeBlanc logo entrega que Courteney Cox tinha suas falas anotadas na mesa em cenas que aconteciam na amorosa cozinha do apartamento 20. Tudo flui de maneira orgânica.

Matthew Perry, que não compareceu no evento de 2016, presenteou os fãs com sua reconfortante voz, afinal, quem não escuta ele falar e não lembra de todas as doces e apaixonadas declarações que Chandler fez pra Monica. Sua sinceridade cativa e emociona os fãs que conhecem a história do ator. Assim como Rachel era conhecida por chorar facilmente, Jennifer Aniston adentra o estúdio com os olhos marejados, Courteney Cox repete a ação da madrinha de sua filha e entra no set visivelmente emocionada. Enquanto isso, os admiradores da série já se afundam em lágrimas.

Se o choro estava pouco, a abertura veio pra gente terminar com a caixinha de lenço. Ela é feita da melhor maneira possível e respeita suas 10 temporadas. A clássica fonte no meio da praça, com os guarda-chuvas vermelhos, amarelos e azuis reaparecem e, entre takes, vemos cenas do Especial assim como víamos cenas da temporada no fim dos anos 90. Isso contribui para ativar as mais doces memórias afetivas construídas ao longo de 236 episódios.

E essa fonte volta. Comandado pelo ator e comediante James Corden, vemos a fonte, o sofá laranja, a placa de reservado e uma plateia ansiosa. Logo notamos que a dinâmica da Reunião vai mudar e que além de revisitar o set, uma emocionante entrevista está prestes a acontecer. Os produtores Kevin Bright, Marta Kauffman e David Crane também estão presentes, se mostrando íntimos do público que sempre enxergou aquele grupo de amigos como uma verdadeira família. O filho pródigo está de volta ao lar. 

A The Reunion oscila entre entrevistas e o cast no estúdio, assistimos aos atores tendo flashbacks. Conforme eles viajam em suas próprias lembranças, viajamos juntos, pois Friends é uma série que permanece viva na memória de quem assiste, e um dos remos desse barco são as falas cortadas pelas brilhantes cenas citadas. As sequências do backstage, sem plateia, são aconchegantes de serem assistidas, sentimos os seis livres e leves, tocando as lembranças de forma natural e deixando se levarem por elas.

Mesmo perto da magia das cenas do set, a entrevista não perde seu encanto, ficamos ansiosos a cada pergunta feita por James e as respostas nos deixam mais próximos do grupo enquanto eles se aproximam deles mesmos, como uma grande família. Na entrevista, um dos primeiros episódios a serem relembrados é o hilário Aquele com os Embriões. Graças a ele, o nome da minha rede Wi-Fi é Miss Chanandler Bong. O quiz é recriado e é nesse momento que a pausamos o episódio, choramos um tanto, fazemos um exercício de respiração, para finalmente dar o play. Ansiedade define cada minuto dessa reunião.

O Especial é uma via de mão dupla: os fãs são agraciados com o elenco no mesmo espaço em que o cast recebe a admiração do público. Eles se reúnem numa mesa redonda para reler o script. E é nesse momento que Lisa Kudrow mostra toda sua potência, reproduzindo a inesquecível cena em que descobre o namoro de Chandler e Monica. As leituras de roteiro aquecem o coração com a chama que ainda existe nos seus atores. A química entre eles ainda é forte, e David não perde a chance de revelar o crush mútuo em Jennifer Aniston. Ele poderia ter sido a lagosta dela na vida real?

Os cortes são inesperados – no mesmo momento que estamos imersos no apartamento 20, somos teletransportados para algum depoimento. A fabulosa Reese Witherspoon aparece remotamente relembrando sua vivência como irmã da Rachel. Não há base certa para os convidados e sentimos falta de grandes participações. Vemos Tom Selleck e a partir de um certo ponto teve espaço até para a banda coreana BTS, mostrando que eles são gente como a gente que aprenderam mais inglês assistindo a série do que fazendo Fisk. A participação deles também serve para provar o sucesso mundial que Friends foi e continua sendo.

A mistureba de participações sem conexão nenhuma, que poderia ser um desastre, nos deixa mais próximos da sitcom. Vemos o sentimento de acolhimento que nos acompanha por dez temporadas refletidos em pessoas famosas como Malala e David Beckham, e também em anônimos ao redor do planeta. Friends é onipotente e onipresente. Temos ainda o prazer de assistir Lisa com o violão cantando seu maior hit, Smelly Cat. Depois de dividir os palcos com Taylor Swift, foi vez de fazer feat com Lady Gaga. A atriz tem toda a essência de Phoebe contracenando ao lado de Gaga e nos leva a lembrar de quando tentou ensinar Joey a tocar violão.

Se assistir Friends é risada garantida, assistir os erros de gravação junto aos seis amigos é gargalhada na certa, mas com um diferencial: assim como Jennifer Aniston, também precisamos ficar secando as lágrimas. Matthew Perry, que parecia ser o mais distante durante as gravações do Especial, também consegue ser o mais engraçado e verdadeiro do grupo.

Contudo, a euforia passa, e talvez outra maneira de divisão de tarefas pudesse tornar a Reunion mais grandiosa, focar nos amigos e deixar as homenagens como apêndice. Enfim, não posso negar que o Especial me deixou em paz. A confirmação que Friends não terá uma continuação me conforta. A série é gigante por tudo que ela representou na época, ela foi capaz de mudar minha vida e teve começo, meio e fim. Um revival é um risco que não vale a pena para a sitcom que nunca perderá o posto de maior do mundo. Eles estarão lá por você, basta dar play e rever os episódios.

“I turned to a friend for comfort. And instead, I found everything that I’d ever been looking for my whole life.”

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