Mariana Bezerra 

O filme brasileiro Velhos Bandidos, dirigido por Cláudio Torres, chega às telonas com um elenco de peso, a começar por Fernanda Montenegro, que diz esse ser o seu último filme. Inclusive, em uma de suas apresentações de Fernanda Montenegro lê Simone de Beauvoir, a atriz deixou claro que a obra não se tratava de um drama social, mas de uma comédia. Além dela, apenas para começar a citar o restante do elenco, estão em cena Ary Fontoura, Lázaro Ramos, Bruna Marquezine e Vladimir Brichta. Apesar dos estigmas existentes sobre as comédias nacionais – alguns verdadeiros, outros nem tanto – havia uma expectativa natural em relação a esse lançamento diante da força dos nomes envolvidos.

De fato, o elenco se dá muito bem com a trama. Marta (Fernanda Montenegro) e Rodolfo (Ary Fontoura) são um casal de nonagenários que sofrem uma tentativa de assalto arquitetada por Nancy (Bruna Marquezine) e Syd (Vladimir Brichta). O plano do jovem casal parecia perfeito: invadir a casa de idosos que estavam em uma viagem de cruzeiro organizada pela própria personagem de Marquezine. No entanto, o esquema logo se revela um tiro no próprio pé. Inesperadamente, Marta e Rodolfo retornam a casa por causa de um passaporte esquecido, surpreendendo os invasores e – pasmem – sequestrando-os. A partir desse momento, a narrativa revela o seu diferencial: por trás da aparência frágil, os dois idosos subvertem as expectativas e assumem o controle da situação.

O casal mais jovem é forçado a se tornar uma engrenagem essencial em um plano mirabolante dos velhinhos: o roubo de um banco. Aqui, a trama constrói uma dimensão social com a ideia do ‘bom bandido’, quase um justiceiro à la Robin Hood. Isso porque a motivação do assalto nasce de uma injustiça sofrida pelo casal décadas antes: Rodolfo foi demitido sem receber os seus direitos trabalhistas após denunciar a corrupção dentro da construtora responsável pela obra do banco. Além disso, para completar esse arquétipo, há a figura do Osvaldo (Lázaro Ramos), um investigador da polícia, cuja filha se encontra em estado de saúde crítico e que depende de um medicamento de alto custo que demora a ser disponibilizado devido aos trâmites e burocracias do plano de saúde. 

Embora o tecido narrativo seja construído com alguns clichês, a história ainda consegue ser envolvente. Por um lado, o roteiro (Cláudio Torres,  Fabio Mendes e Renan Flumian) traz uma justificativa para o plano ardiloso de Marta e Rodolfo, por outro, Fontoura e Montenegro garantem que a sagacidade e a química marquem presença graças às suas performances, como sempre, brilhantes. Nesse sentido, Velhos Bandidos contribui para uma onda ainda jovem de uma nova perspectiva sobre a velhice. Enquanto esses dois personagens se mostram fortes e independentes uma série de estigmas e preconceitos é colocada à prova, haja vista a representação em tela da sexualidade dos nonagenários e a forma como são capazes de desbancar os invasores utilizando as habilidades certas, ainda que estivessem em desvantagem no que tange a força física.

Para além do núcleo do casal, o filme traz outros grandes nomes brasileiros que compõem uma equipe da terceira idade dotada das mais inusitadas habilidades, como a produção de gás sonífero e um laser extremamente poderoso, que se tornam essenciais na execução do roubo. Em oposição desse frescor trazido para o público, há o casal mais jovem, que carrega clichês em excesso, ultrapassando o limite confortável e beirando uma caricatura nada relevante – a exemplo de Nancy executando o roubo em um traje de mulher gato.

Apesar desse retrato desinteressante, os dois casais principais desenvolvem uma química agradável e reconfortante de se assistir enquanto planejam o grande crime. Os comparsas desenvolvem uma amizade natural e acabam compartilhando entre si questões íntimas, como o câncer raro e praticamente intratável do personagem de Fontoura, que precisa do dinheiro do roubo para custear um tratamento experimental no exterior. Esse fator, definitivamente, traz mais uma camada de calor humano à trama e intensifica a torcida pelos personagens. 

O desenrolar do enredo é cercado de reviravoltas e culmina em um plot twist sensacional: o casal de velhos bandidos se uniu a seus amigos de longa data e ao policial Oswaldo para darem uma lição em Nancy e Syd. Os aliados forjaram desde intrigas entre si até a morte de Rodolfo, que envolveu tiro e sangue falsos. Assim, os jovens fogem pensando ter deixado os pobres velhinhos para trás, sendo obrigados a carregar todo o ouro consigo – o que, na verdade, já planejavam fazer – apenas para descobrirem que a mala que os tornaria milionários estava preenchida com chumbo. 

Esse final não é necessariamente cativante pela sua imprevisibilidade, mas pela carga irônica e sagaz que acrescenta, novamente, às figuras de Marta e Rodolfo. Esse aspecto reforça que o maior mérito de Velhos Bandidos está nos retratos desses personagens e nas interações entre eles. Isso porque o planejamento do crime em si não faz muito sentido e recorre a todo momento às conveniências do roteiro, além de ser apresentado como simplificado demais para ser credível. Assim, o longa passa a depender inteiramente dos conflitos dramáticos, quando deveria haver um equilíbrio entre as temáticas abordadas, especialmente se tratando de um filme de assalto.

Infelizmente, nem mesmo a grande e revigorante surpresa narrativa é sustentada, já que é seguida de um outro plot twist moralmente correto – pelo menos a partir de uma perspectiva clichê e romantizada – e consideravelmente mais sem graça; após o tratamento bem sucedido do personagem de Fontoura, Marta e Rodolfo retornam ao Brasil para se reconciliarem com o casal que os enganaram e que agora espera a chegada de um bebê. Nesse sentido, há uma grande quebra de expectativas ao final. Infelizmente, Marta e Rodolfo, que mereciam um final controverso, engraçado e ambíguo, ganham um desfecho convencional e arrependido nas posições de ‘vovó’ e ‘vovô’, enquanto poderiam ter tido um ‘quê’ vilanesco mais coerente com a construção narrativa. E, claro, isso não é um demérito a essas posições familiares tão prestigiadas, mas uma ressalva as decisões contraditórias e pouco elaboradas adotadas em um momento decisivo da trama. 

Apesar dessas questões, o filme não deixa de ser agradável – pelo menos até que o clímax seja interrompido – e há espaço para o riso e a emoção diante uma obra para toda a família. Infelizmente, Velhos Bandidos cai na tediosa posição de uma produção que não é reconhecida pela primazia, mas que, com o manejo da expectativa, pode se tornar uma boa experiência. De qualquer forma, mais uma vez, os louvores aos protagonistas veteranos são mais do que necessários devido à responsabilidade que carregam consigo. “Nunca subestime os velhos” é o que Marta diz no fim do longa. Aqui, eles – personagens e elenco – não apenas não devem ser subestimados como merecem todos os aplausos por fazerem a ida ao cinema valer a pena.

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Gabriel Gomes Santana

Em um Brasil distópico, mas não muito distante da presente realidade, resgatar as origens deixa de ser uma opção e passa a ser uma lei. É diante desse bizarro cenário que Medida Provisória, primeiro longa dirigido por Lázaro Ramos, se desenvolve e quebra recordes de bilheteria nacional. O filme trata de uma tragicomédia, que aborda o que há de pior em nosso jeitinho brasileiro de mascarar problemas profundos dos porões racistas e cordiais, nos quais Gilberto Freyre de maneira dualista e polêmica tanto criticou em Casa Grande e Senzala.

Se procurarmos no dicionário jurídico, uma Medida Provisória (MP) nada mais é do que uma ação emergencial que tem uma força representativa de lei, sem necessariamente a aprovação do Poder Legislativo. Ela só entrará como lei oficial da nação a partir de uma posterior votação na Câmara; e é justamente através desse artifício de poder, sem a consulta daqueles que serão impactados, que a narrativa apresenta, na ficção, a decisão do governo brasileiro em deportar todas as pessoas consideradas negras, ou como o próprio filme cita, “pessoas de melanina acentuada”, para o continente africano.

A ideia de trazer essa história para as telonas surgiu do próprio Lázaro Ramos, mas o diretor admite que o roteiro foi inspirado, em grande parte, numa adaptação da peça teatral Namíbia Não!, obra escrita por Aldri Anunciação (que também é roteirista do filme) e dirigida por Lázaro. Na peça, André é um advogado que entra com um processo contra o Estado Brasileiro pelo tempo de escravidão e ganha uma indenização bizarra: passagem só de ida para Namíbia. Apesar de sofrer algumas alterações, sobretudo no que diz respeito ao elenco, a película representou fielmente a essência bizarra e espetacular da peça.

Composto por um núcleo de estrelas nacionais e internacionais, Medida Provisória conta com 77 atores e atrizes negros, se destacando assim como a produção cinematográfica com maior representatividade negra da história do Cinema nacional. Além disso, a equipe técnica dos bastidores também é predominantemente preta. No time principal, nomes como Alfred Enoch (Antonio), Taís Araújo (Capitú), Seu Jorge (André), Aldri Anunciação (Ivan), Adriana Esteves (Isabel) e Renata Sorrah (Dona Izildinha) protagonizam o longa-metragem. Há também diversas participações especiais, como é o caso de figuras como Emicida, Tia Má e Luis Miranda.

Basicamente, podemos dividir o enredo em três partes: cômica, trágica e dramática, em uma narrativa que prende a atenção do espectador do início ao fim. Seja pelos absurdos, como também pelo apego sentimental aos personagens, Medida Provisória acaba nos colocando como torcida da resistência de Antônio e André. No filme, ambos são irmãos inseparáveis que protestam contra todas as terríveis ações estatais racistas, mas apesar de serem indivíduos combativos, suas personalidades diferem bastante, o que traz maior sinergia para as cenas.

Caso a abordagem crítica de Lázaro apontasse apenas uma perspectiva de narrativa dramática, o filme por si só já seria digno de boas avaliações. No entanto, impressiona positivamente a maneira como a narrativa consegue alarmar assuntos sérios e importantes, de um jeito leve e descontraído. Essa mescla é feita à perfeição, já que instiga a refletir a respeito de uma autocrítica coletiva, sem desrespeitar causas tão relevantes, quanto a questão do racismo estrutural. 

A terrível semelhança entre ficção e realidade

É bem perceptível que Medida Provisória explora temáticas sensíveis de nossa cruel e preconceituosa contemporaneidade. É válido destacar, porém, que o filme não denuncia exclusivamente as mazelas do racismo estrutural, já que o roteiro também aponta características ligadas aos demais estigmas e comportamentos preocupantes. A exemplo disso podem ser citados os obstáculos enfrentados pela personagem Capitu (Taís Araújo). 

Por ser uma mulher negra, médica de um hospital particular, a mesma tem de lidar com diversos preconceitos que, assim como a questão racial, também estão enraizados em nossa sociedade. Outro ponto se dá pelas semelhanças envolvendo as duas antagonistas brancas da narrativa: Isabel (Adriana Esteves) e Dona Izildinha (Renata Sorrah). Enquanto Isabel inferniza a vida daqueles que são considerados de “melanina acentuada”, Izildinha busca a todo momento se sentir útil e notável para as pessoas (da maneira errada, é claro).

Tanto Isabel quanto Izildinha representam o perfil de indivíduos que têm o prazer em constranger outrem. São pessoas ressentidas e preocupadas com o mal estar alheio que, ao depositarem todo o seu ódio em terceiros, tentam mascarar os assuntos pessoais mal resolvidos. Isabel possui uma conta fake na internet, onde expõe amarguradamente comentários racistas. Ao mesmo tempo, a personagem se vê refém de si mesma quando passa a ser desprezada e ignorada por seu chefe e por seu assessor. Já Izildinha não vê sua família há anos, algo que diz bastante sobre o seu comportamento repugnante.

Por mais esdrúxula que seja a Medida Provisória que intitula o filme, ela infelizmente não está tão longe de nossa realidade. Com um Estado que ameaça e boicota o campo da Cultura, que incentiva a prática violenta das polícias, reprime movimentos sociais e legitima ataques de ódio e mentira, sobretudo pelas redes sociais, certamente um futuro semelhante ao da ficção se torna um risco cada vez mais iminente. 

Contudo, felizmente ainda prevalece uma esperança em meio ao caos. Antes mesmo de sua estreia, Medida Provisória foi indicada a diversos prêmios internacionais. Saiu vencedor do Festival de Cinema Itinerante da Língua Portuguesa (FESTin) nas categorias de Melhor Realizador e Melhor Ator; foi o Melhor Roteiro Indie do Memphis Film Festival; e ainda campeão do Prêmio Manuel Barba, do Festival de Cinema Ibero-americano de Huelva. Diante dessa maravilhosa repercussão, é possível enxergar com bons olhos o impacto de milhares de pessoas que prestigiam o Cinema nacional.

Para entender melhor sobre as propostas críticas dessa obra, nada melhor do que interpretar as falas de Lázaro Ramos a respeito do contexto com o qual ela se insere: “Estamos falando de um filme que foi baseado em uma peça de teatro escrita em 2011. O roteiro foi escrito em 2015 com o propósito de alertar sobre problemas e questões que a gente não gostaria que acontecesse. Depois disso, várias delas aconteceram. É um sinal de que não podemos calar debates importantes para a gente melhorar enquanto sociedade e comunidade”.

Medida Provisória é um grito de alerta, mas também de esperança em meio ao caos. Não podemos desconsiderar que se trata de uma dramatização surgida num momento de rivalidades, disputas eleitorais e todo chorume desse desgoverno que flerta com situações antes consideradas impensáveis (no pior sentido da palavra). Nada é mais mirabolante que uma bela dramatização que escracha nossa condição. Os problemas são apresentados de maneira confortavelmente incômoda. É rir de si mesmo, sabendo os defeitos que precisam ser superados, sobretudo em momentos de transição. É daí que vem a esperança.

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Gabriel Gomes Santana

Como você reagiria se soubesse que a água usada para abastecer sua casa foi contaminada? É a partir desse revoltante cenário, que a segunda temporada de Aruanas traz mais uma denúncia, de um jeito que só a série mais ativista do Globoplay sabe fazer. Nos novos episódios, a ONG unirá forças para impedir a implementação de uma Medida Provisória responsável por isentar os impostos das maiores empresas de petróleo instaladas no Brasil.

Sob a direção de Estela Renner e Marcos Nisti (também roteiristas da série), a continuação da trama nos apresenta uma perspectiva mais profunda e detalhada sobre crimes ambientais. Ainda que na primeira temporada a sensibilidade dessa narrativa se evidencie com maior nitidez através do desmatamento e mineração ilegal, nesse segundo ano, o espectador é posto, com sutileza, nos meandros de crimes mascarados pelo poder público e financiados por interesses privados.

A nova queixa trazida pela Aruana dialoga com o tema da poluição. Para explicar melhor como esse agravante é estruturado, mais uma vez, as ativistas Natalie, Luiza, Verônica e Clara se reúnem em prol de um embate travado entre diversos arrebatamentos. Na linha tênue entre legalidade e moralidade, desta vez, obstáculos como: milícias, lobbies empresariais, alienações, articulações políticas e esquemas de corrupção pautam a batalha da preservação ambiental.

Mas a pergunta que não quer calar: a segunda temporada é tão envolvente quanto a primeira? De imediato, é possível assegurar: sim. As investigações mudaram, assim como a ambientação da trama, porém, os climas de suspense, drama e aventura permanecem fiéis aos fãs que procuram tais sensações na série. Mesmo assim, não crie expectativas sobre os destinos reservados a cada personagem. É o único conselho aos desavisados de plantão. Essa é definitivamente uma regra que deve ser cumprida por quem acompanha o seriado.

Afinal, quem se quer enganar? Como seria possível deixar de depositar expectativas quando se tem, num mesmo elenco, joias da dramaturgia brasileira contracenando em cenas de tensão e porradaria? Sem dúvidas, a atuação das personagens é um elemento chave neste enredo. A participação especial de Lima Duarte e a inserção de Lázaro Ramos, Daniel de Oliveira, Elisa Volpatto e Joaquim de Almeida, dá um toque especial nas novas intrigas desse caótico cenário.

Esqueça o maniqueísmo clichê presente no discurso “nós” contra “eles”. Em Aruanas, o que se vê é um complexo panorama no qual todos são responsáveis pela devastação, ainda que alguns sejam peças fundamentais para que isso aconteça. Semelhante às obras de José Padilha, cineasta pioneiro das narrativas policiais brasileiras, os episódios retratam as profundezas de esquemas políticos milionários que lucram através da irresponsável gestão de recursos públicos. Mais do que apontar as cartas marcadas desse tabuleiro, os roteiristas apelam para a inevitável e necessária ferramenta de mobilização social: a indignação.

Como se não bastasse isso, qualquer semelhança com a realidade certamente não é mera coincidência. Talvez, seja essa a razão da produção ter feito tanto sucesso por seu teor crítico. O grau de aproximação verídico que permeia esta ficção chega ser alarmante e assustador, porém pouco surpreendente. Não é como se os acontecimentos fossem previsíveis, no entanto quando se trata sobre o Brasil, não é difícil encontrar lacunas mal resolvidas que se repetem. E o descarte de resíduos tóxicos na natureza esboça isso.

No fim das contas, esta segunda temporada lança uma pergunta essencial: quem se beneficia com a devastação? Quem faz parte dos bastidores desse processo lucrativo e criminoso talvez não tenha um só perfil, mas vê vantagens nos processos de desinformação e alienação da opinião pública. Por isso, a importância das ONGs como órgãos que, mesmo cumprindo papéis que deveriam ser designados ao Estado, são reparadores e fiscalizadores do ecossistema. Porém, para que tais instituições consigam ter efetividade, a série estampa também a necessidade de uma mídia alternativa, que se preocupe com as questões socioambientais.

Em determinado momento da narrativa, todos os envolvidos escancaram seu descontentamento com o que se passa em Arapós. Os mercenários temem ser desmascarados, os alienados percebem que algo está errado e os justiceiros, intrometidos onde não são chamados, são ameaçados. E é nesse tom de ameaças que os capítulos de Aruanas se desenvolvem para um desfecho nada agradável. Apesar disso, ele não chega a ser ruim, mas deixa a desejar em muitas explicações que, provavelmente, estarão presentes em uma terceira temporada.

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Giovanne Ramos

Para não deixar o Dia da Consciência Negra passar despercebido sem nenhuma contribuição para o debate do racismo, em meados de outubro, a Rede Globo anunciou o especial Falas Negras, projeto idealizado pela autora Manuela Dias. Lançada no dia 20 de novembro, data emblemática, o projeto levantou expectativas, principalmente, dos negros pela sua proposta de composição totalmente negra, desde os atores até cargos mais elevados dentro de um projeto audiovisual, como é o caso de Lázaro Ramos, que assumiu o posto de diretor. Um ineditismo desagradável na maior emissora do país e sequer, no momento, concebível nas outras concorrentes.

Violência e temas sensíveis. Assim é categorizado o especial na plataforma Globoplay, e sem dúvidas, são palavras-chaves do cenário que cerca a sua estreia. A luta antirracista definitivamente não é atual, mas por diversos motivos, entre eles o esgotamento da população negra diante de opressões e ataques racistas de diversos níveis, tornou inviável de ser digna de cobertura nas mídias hegemônicas. Em maio, por exemplo, o estadunidense George Floyd se tornou combustível para manifestações após ser assassinado por um policial. No Brasil, a insatisfação foi acumulada desde o caso dos jovens negros João Pedro e Miguel e teve como um ponto de basta após João Alberto Freitas ser brutalmente espancado até a morte, na porta do Carrefour Porto Alegre, nas vésperas da Consciência Negra, desencadeando manifestações pelo país.

Mas o que tem a ser discutido sobre Falas Negras? Primeiramente, o pioneirismo tardio de tantas figuras negras envolvidas numa obra audiovisual brasileira na maior emissora do país, inclusive em cargos técnicos – caso do Lázaro Ramos como diretor e Uno de Oliveira nos efeitos visuais. É questionável o fato deste ser um feito de 2020, ainda mais quando é levado em consideração a idade da televisão nacional e a porcentagem de negros retratados nas telinha, ponto já problematizado em 2000, pelo cineasta e comunicólogo Joel Zito Araújo. O especial abre portas esperançosas para que no futuro o cenário de obras como telenovelas e séries sejam cada vez mais diversas em personagens de destaque.

Quando a premissa conceitual foi divulgada – interpretação de personagens negras históricas e suas falas -, a produção correu dois riscos, da seleção não agradar, ainda mais tendo escolhas de figuras estrangeiras entre as 22 personalidades. A representação também foi uma preocupação, pelas chances de convencer o público através de atuações carrascas, uma vez que parte das personagens são conhecidas. No fim, não foi um problema, pois o elenco de peso emocionou com excelência em suas encenações. 

O elenco de 22 intérpretes, assim como o talento, é gigante: nomes de peso e conhecidos pelo grande público como Taís Araújo (Marielle Franco), Babu Santana (Muhammad Ali), Aílton Graça (Milton Santos), Flávio Bauraqui (Luiz Gama) e Fabrício Boliveira (Olaudah Equiano) se encontram com artistas renomados do teatro como Naruna Costa (Angela Davis), Reinaldo Júnior (Mahommah Gardo Baquaqua), Heloísa Jorge (Nzinga Mbandi) entre outros que compõe o espetáculo televisivo. Mas entre a leva, alguns se destacaram positivamente: Bukassa Kabengele que trouxe para a ficção o carisma de Nelson Mandela e Olívia Araújo intérprete da ativista Harriet Tubman. 

A seleção foi balanceada entre figuras populares e outras apagadas pela história, mas felizmente resgatadas no drama. Outros nomes, principalmente brasileiros, ficaram de fora, o que é compreensível já que se todos os nomes negros de importância fossem retratados, seria necessário no mínimo três temporadas de uma série. Talvez seja uma crítica, o tempo curto de apenas uma hora, limitou tanto a seleção de personalidades quanto os aprofundamentos necessários, como contextualizações mais ricas para além das falas. Um seriado com episódios de vinte minutos, abordando cada uma das histórias por trás das célebres frases – “Eu tenho um sonho” (de Martin Luther King Jr.), “Liberdade é não ter medo” (de Nina Simone) e “Eu não sou seu negro” (de James Baldwin) são apenas algumas -, com certeza daria uma contribuição inigualável para a história da raça e do audiovisual.

Ao invés disso, a simplicidade pareceu ser um objetivo. Cenário único com suas devidas caracterizações, contraposição de luzes entre o fundo preto e partes do ambiente iluminadas. Todo esse minimalismo ajudou a destacar a atuação e a força de cada fala proferida entre as figuras, escaladas numa espécie de linha cronológica. Dividido entre três blocos, construiu-se uma narrativa linear da pré-escravatura, passando por aqueles que sofreram as dores do sistema escravista, os teóricos e os precursores da resistência que são hoje lembrados como símbolos da luta e por fim vítimas atuais. Tudo funcionou, desde as mensagens de autoestima até as de encorajamento e por fim depoimentos, onde se tornou impossível não se emocionar com Tatiana Tiburcio, encarnando o papel de Mirtes, mãe do menino Miguel, morto aos 5 anos.

Entre trilhas sonoras empoderadoras, Falas Negras se encerra com um gosto agridoce. Satisfação das pautas negras estarem ganhando aos poucos destaque nas telas, sem ser através da violência e do crime, apesar de ter dividido atenções com o ocorrido na noite anterior. Mas amarga, ao se deparar num país escondido por trás do mito da democracia racial e de desculpas fáceis como o racismo estrutural. O que torna o especial mais marcante é como frases, muitas em parte de séculos anteriores, continuam tão atuais, e ao invés de caminharmos para frente com os nossos líderes, os mesmos demonstram grande retrocesso e negação de um problema escancarado em nossa sociedade.

Para os mais habituados e conhecedores da história do movimento negro, talvez sinta de primeira a falta de ativistas, teóricos e pessoas que também são de grande importância para exaltar. Mas temos de lembrar que ainda há uma grande parcela da comunidade que não possui acesso a muitos do que foi destacado pela direção de Lázaro, e são esses que têm de ser inseridos nesse contexto para que cobrem por mais obras como essa. Apesar de atrasada, Falas Negras faz parte de uma trajetória de lutas por espaços que, com muita garra e inspiração estão sendo aos poucos conquistados e sendo notados.

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