Nathan Nunes

Em 1952, o cultuado cineasta japonês Akira Kurosawa (Ran) lançou ao mundo Ikiru. 70 anos depois, o pouco conhecido diretor sul-africano Oliver Hermanus (O Rio Sem Fim) se reuniu ao vencedor do prêmio Nobel de Literatura Kazuo Ishiguro, autor de best-sellers como Vestígios do Dia e Não Me Abandone Jamais, para prestar tributo ao longa original através de um remake chamado Living. O resultado dessa empreitada é sentido nas expressivas indicações do filme ao Oscar 2023 de Melhor Roteiro Adaptado para o escritor e Melhor Ator para Bill Nighy (Simplesmente Amor, Piratas do Caribe) no papel principal. 

Essa está longe de ser a primeira vez que um filme de Kurosawa é refeito para uma linguagem ocidental. Por Um Punhado de Dólares (1964), por exemplo, é um remake de Yojimbo (1961), enquanto Sete Homens e um Destino (1960) e Vida de Inseto (1998) ecoam diretamente Os Sete Samurais (1954). Até George Lucas diz ter se inspirado em A Fortaleza Escondida (1958) para conceber Uma Nova Esperança (1977). Contudo, é apenas agora que estamos presenciando o debute de Ikiru nessa mesma linha, pois a maioria dos realizadores sempre esteve ciente da grande dificuldade de adaptá-lo para uma nova roupagem. Felizmente, o tributo que Living faz ao clássico mantém a sua essência desde o nome, pois ambas as palavras titulares têm o mesmo significado em tradução: viver. 

Os cenários e o período histórico são evidentemente diferentes. Living troca o Japão pós-guerra onde se passa Ikiru pela Londres de 1953, no entanto, ambos se situam na mesma estafante burocracia do mercado de trabalho. No que tange a sua representação em cena, talvez o primeiro se saia melhor em como integra a cultura local com a sensação de aprisionamento do protagonista, ao se utilizar dos tradicionais costumes britânicos de educação e da finesse dos figurinos de Sandy Powell para surtir tal efeito. Ainda assim, tanto um quanto o outro recorrem ao mesmo recurso na direção de arte: o ambiente que sufoca os trabalhadores com pilhas gigantes de documentos ao redor.

Independente da época de produção, fato é que a história naturalmente começa se voltando para um olhar bastante pessimista da burocracia como uma sugadora de almas. Para ilustrar esse ponto, acompanhamos as diversas tentativas de um grupo de mulheres para conseguir aprovar a construção de um parque infantil numa região desolada de Londres. O que se sucede é uma rápida edição de movimento entre um setor e outro, cujas transições laterais (que também aparecem em Star Wars até hoje), organizadas pelo montador Chris Wyatt em Living, prestam homenagem as mesmas que Koichi Iwashita organizou em Ikiru.

Logo nos primeiros minutos de imersão dentro desse universo, somos introduzidos ao personagem principal, um homem idoso que dedicou grande parte de sua vida aos mecanismos do trabalho e se esqueceu de vivê-la no decorrer dos anos. Essa noção fica clara com o diagnóstico de uma doença terminal, que o condena a poucos meses de vida. A cena da descoberta dessa fatalidade funciona como um meio para entendermos a dicotomia entre os filmes. 

Em Ikiru, o recebimento dessa notícia pelo burocrata Kanji Watanabe vem acompanhado de uma grande dramaticidade, onde o intérprete Takashi Shimura (Rashomon) incorpora fortes e notáveis expressões de medo e angústia. Já em Living, o protagonista, aqui chamado Rodney Williams, reage de maneira melancólica e triste, mas menos intensa. Imediatamente, a câmera de Hermanus o captura quieto nas sombras de sua sala de estar, como se estivesse completamente engolido por esses sentimentos. 

Toda obra artística é produto do seu tempo e, assim sendo, do seu próprio Cinema. O longa de Kurosawa, por exemplo, é carregado de uma teatralidade que remete às raízes do texto na literatura de Tolstói (A Morte de Ivan Ilitch é a maior referência). Além disso, também toma liberdades mais expressivas. Uma delas é a poética, através do uso da narração para situar o espectador no estado de espírito do protagonista, nos confidenciando a informação de sua iminente morte antes mesmo dele ter conhecimento dela. A outra é a comercial, tendo em vista a sua longa duração com  ritmo lento, que naturalmente afasta as gerações mais novas. 

O remake de Hermanus opta por um caminho oposto, apesar de ainda manter essa notável qualidade poética. Ela se faz presente na trilha sonora melódica de Emilie Levienaise-Farrouch e na cinematografia de Jamie D. Ramsay, que transita brilhantemente entre a dor da escuridão, o calor da boemia e o sentimento pitoresco de aproveitar um belo passeio no parque. Por outro lado, existe uma concisão tão forte na forma como os temas são explorados que os impede de ecoar de modo tão complexo quanto o clássico. O melhor representante disso são os minutos de farra de Williams nas noitadas londrinas ao lado do Sr. Sutherland de Tom Burke, que são comprimidos em breves montagens. 

Ainda assim, as aspirações mais sutis de Living não deixam de ter eficiência própria. A cena do jantar entre Williams, seu filho Michael (Barney Fishwick) e sua nora Fiona (Patsy Ferran) é um ótimo exemplo disso. Desde o início, onde vemos Nighy treinando em frente ao espelho para revelar a verdade e falhando, até o desfecho, em que o silêncio prevalece sobre a mesa e o design de som faz rugir cada tilintar dos talheres nos pratos, sente-se perfeitamente o desconforto e as tensões entre os três, tão acumuladas que o simples gesto de pegar uma colher de comida fala mais alto que suas vozes. 

Essas sutilezas são a base da interpretação de Nighy e fazem valer a sua indicação ao Oscar. O ator britânico trabalha com gestos muito delicados ao longo de toda rodagem, seja em sua fala vagarosa ou em sua hiper postura de cavalheiro inglês. Contudo, há de ser dito que nenhum elemento de sua performance é tão fascinante quanto o seu olhar, principalmente em uma de suas últimas conversas com a amiga Margaret Harris (Aimee Lou Wood), onde ele finalmente se abre sobre o estado de sua saúde. No decorrer da cena, percebemos a transformação orgânica de seu olhar, conforme ele se conforma com a inevitabilidade de seu desfecho e retoma o ânimo para aproveitar o pouco que lhe resta de vida. 

O que se segue, a partir daí, é um terço final que esmiúça as memórias de seus companheiros de trabalho sobre sua vida e personalidade. Enquanto todos os burocratas sufocados por ternos e gravatas chiques tentam chegar a uma explicação lógica para o legado que o protagonista deixou, somos pouco a pouco apresentados a uma imagem belíssima e contemplativa. 

Ela acontece no parque que tanto Williams em Living, quanto Watanabe em Ikiru construíram para as crianças de um bairro carente, conforme os desejos das mulheres que foram apresentadas nos minutos iniciais. Isolados em meio a neve, eles permanecem cantando e sentados em um balanço, num contexto extremamente interessante metaforicamente falando. São homens à beira do fim de suas vidas, que escolheram morrer num local que é símbolo de seus estágios iniciais. A cena encanta na sua versão de 52, e também na atual. Logo, percebemos que, independente do momento histórico, de escolhas estilísticas e de diferentes abordagens cinematográficas, a importância de Viver continua a mesma. 

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“a vida é crua, não, moço?”

– Hilda Hilst

Depois de um mês de Abril marcado pelas muitas reflexões que a vida, obra e morte de Lygia Fagundes Telles nos provocaram, o Clube do Livro do Persona sabia que o mês de Maio era de seguir adiante no processo de explorar os substantivos femininos expressos na Literatura brasileira. E como a única regra continua sendo não fugir da complexidade natural que acompanha esse universo, a escolha da vez foi a última obra que Elvira Vigna publicou em vida: Como se estivéssemos em palimpsesto de putas.

O livro de 2016 finalizou com louvor um aspecto da trajetória da também jornalista, ilustradora, crítica e artista plástica, que passou a existir em 1988 como escritora através de Sete anos e um dia. Nas seis obras sequentes, Coisas que os homens não entendem (2002) e Deixei ele lá e vim (2006) destacam a essência de Elvira Vigna: com muita subjetividade, minimalismo, significação e teor político, ela cria uma Literatura experimental em contextos marginalizados para refletir sobre a experiência das mulheres na sociedade.

A construção é justamente o que desenvolve Nada a dizer (2010), sua obra mais aclamada e vencedora do Prêmio da Academia Brasileira de Letras de Ficção. Apresentando uma história de adultério narrada pela mulher traída, Elvira Vigna questiona as relações afetivas no mundo atual, numa determinação que dialoga com a própria Dama da Literatura Brasileira e, mais diretamente, com a poesia visceral de sua amiga de vida, Hilda Hilst, e a vencedora do Prêmio Camões de 2021, Paulina Chiziane.

Assim, o terreno era preparado para o livro de 2016, que apesar de tudo não definiu o fim de Elvira Vigna. Da autora falecida em julho de 2017, em decorrência de um carcinoma que debilitou a sua saúde durante os 5 anos anteriores, foi lançada a obra póstuma Kafkianas (2018), coletânea de contos muito bem apresentados pelo título. Mas antes de encerrar suas atividades em vida, ela intensificou sua voracidade em encarar a sociedade brasileira contemporânea pelas óticas de gênero.

Como se estivéssemos em palimpsesto de putas leva a Literatura de Vigna de volta aos seus níveis compulsivamente radicais, já experimentados pelos seus leitores nas citadas obras anteriores. Fervendo em assimilações, assim como os personagens do livro borbulham no Rio de Janeiro que uma polida cultura brasileira não é capaz de enxergar, o nosso Clube do Livro se inspirou para mais uma edição do Estante do Persona. No entanto, a conclusão é de que nada é como Elvira Vigna em ebulição com as suas próprias palavras.

Livro do Mês

Elvira Vigna – Como se estivéssemos em palimpsesto de putas (216 páginas, Companhia das Letras)

Dois estranhos se encontram num verão escaldante no Rio de Janeiro. É assim que Elvira Vigna dá partida ao último livro que escreveu e publicou enquanto ainda era viva. Na trama, a narradora se intriga pelas histórias de João, um sujeito diminuto que passou a existência completa entre lençóis, puteiros e quartos de hotel com prostitutas. Tudo isso enquanto sua esposa, Lola, aturava mentiras e explicações vazias. Ao longo das mais de duzentas páginas, que emocionalmente se quadruplicam, a escritora rasga as entranhas da condição humana, se deliciando com questões de moralidade, amor, sexo e controle.

O palimpsesto, um papiro ou pergaminho cujo texto primitivo foi raspado, para dar lugar a outro, recebe em seu tratamento a metamorfose da história em sua completude. João escreve e reescreve sua jornada com as mulheres a quem pagou por sexo, sempre em uma busca faminta pelo papel de alfa da alcateia. Através de períodos curtos, indagações pontiagudas e o uso mais do que eficiente de repetições, Elvira Vigna nos coloca todos dentro do palimpsesto, tornando impossível a ação de nos mantermos em silêncio quando confrontados com tais temas, tal entrega e tal formatação. Sinestésica, a escrita é quente, fumegante, borbulhante, e ai de quem temer se queimar. 

Dicas do Mês

Stephen King – It: A Coisa (1104 páginas, Suma)

Um palhaço sanguinário aterroriza uma pequena cidade no interior dos Estados Unidos desde que o mundo é mundo. Através de uma influência maléfica, Pennywise trucida crianças, adultos, idosos, sonhos e promessas. Isso é, até que um grupo de amigos, o Clube dos Perdedores, topa com a criatura. A partir da investida contra a fera nos anos 50, o grupo é marcado para sempre, compartilhando um trauma que psicólogo nenhum ajudará a curar.

27 anos depois de expurgarem o que achavam ser o vestígio final da Coisa, eles se reencontram. Um golpe derradeiro não é apenas necessário, mas vital e, através de mais de mil e cem páginas, o Mestre do Terror Stephen King nos detalha as minúcias de Derry, partindo dos tubos desgastados que filtram o esgoto até cada uma das personalidades que habitam o fatídico local. Extenso ao ponto de se tornar, estranhamente, uma leitura de conforto, It: A Coisa não é apenas o maior livro do Rei, em adição ele também é o melhor. – Vitor Evangelista

David Cronenberg – Consumidos (304 páginas, Alfaguara)

O nome de David Cronenberg não é exatamente pouco conhecido – muito pelo contrário. Na verdade, talvez possa causar certa estranheza ler o nome do renomado cineasta canadense na capa de um livro; mas, ao decorrer da leitura, Consumidos (2014) se prova o melhor do universo do autor. Sua estreia como escritor – e, até o momento, seu único romance – traz muito do universo retratado em seus filmes, principalmente Crash (1996), adaptação do livro homônimo de J.G. Ballard, com quem Cronenberg divide muitas semelhanças estéticas.

No romance, Cronenberg narra a história de Naomi e Nathan, um casal de jornalistas que, buscando uma reportagem, acabam submersos em uma trama global envolvendo sexo e morte. Ela investiga o assassinato – seguido de um suposto ato de canibalismo – de uma filósofa; ele, vai à Budapeste fotografar um cirurgião que trabalha com um método pouco convencional de combate ao câncer. Trazendo ressonâncias à já citada obra de Ballard, os dois jornalistas mantêm uma fixação por tecnologia, pela competição e quaisquer experiências que os façam escapar do cotidiano. Aos poucos, se dão conta que os fios de suas histórias investigativas interligam-se, aguçando Consumidos em um maravilhoso cenário especulativo. – Bruno Andrade

Eça de Queirós – A Relíquia (344 páginas, Fora do Ar)

“Sobre a nudez forte da verdade, o manto diáfano da fantasia”, a epígrafe de A Relíquia, livro clássico do escritor português Eça de Queirós, representa com perfeição o cruzamento entre o real e o imaginário que se estende durante a narrativa da obra. Dono de uma sensibilidade singular, Queirós consegue transitar com fluidez pelo concreto e pelo fantasioso. Assim, os devaneios complementam perfeitamente os momentos brutais da trama, sem deixar espaço para uma leitura confusa.

Teodorico Raposo, mais conhecido como Raposão, é o protagonista e o narrador de seu livro de memórias, A Relíquia. Malicioso e dissimulado em seus escritos, ele conta para o leitor sobre a difícil empreitada de enganar a sua tia beata, Dona Maria do Patrocínio, e, desse modo, poder desfrutar de suas aventuras amorosas, além de se consagrar como herdeiro universal da fortuna de Titi. Dividido em duas personas distintas: um sobrinho religioso e um conquistador nato de mulheres; a obra de Eça de Queirós é tão interessante quanto sarcástica em relação ao contexto em que foi publicada. – Nathalia Tetzner

Kazuo Ishiguro – Um artista do mundo flutuante (232 páginas, Companhia das Letras)

Escrito pelo ganhador do Prêmio Nobel de Literatura de 2017, Kazuo Ishiguro, Um artista do mundo flutuante é um romance traduzido no Brasil por José Rubens Siqueira. No livro, somos apresentados a vida e incertezas do narrador e protagonista, Masuji Ono. Após a Segunda Guerra Mundial, Masuji está aposentado e é um artista de grande renome na região. Preso a uma mentalidade um tanto tradicionalista, o pintor se choca com os pensamentos das filhas e pessoas da nova geração depois da perturbada abertura do Oriente ao mundo ocidental. 

Ao longo do texto, Ono viaja entre suas memórias e reflete sobre os caminhos que o levaram a ser artista, trazendo à tona a ideia do “mundo flutuante” em que os bares e a vida farrista aconteciam. Esse universo da noite e o professor que o ensinou sobre ele, fazem parte do início do protagonista como pintor, entretanto, adquirir um estilo próprio e ideais políticos sobre a arte mudam sua maneira de agir e geram consequências refletidas no presente. 

Na obra de Kazuo, as recordações são usadas como forma de resistir às mudanças, mas também são responsáveis por reconstruir o país antes das ruínas, assim como, ilustrar a influência estadunidense no comportamento dos japoneses. Um artista do mundo flutuante é uma leitura fluida e rica em detalhes, sua narrativa comove e encanta com delicadeza. – Jamily Rigonatto

Bernardine Evaristo – Garota, mulher, outras (496 páginas, Companhia das Letras)

Construído em uma estrutura que se assemelha, tanto na forma de quebra dos parágrafos e frases quanto no modo narrativo, a um poemance, ou seja, uma mistura da forma poemática com o romance, o livro da vencedora do Booker Prize Bernardine Evaristo não conseguiria usar tradicionais estruturas para contar as histórias de suas personagens que, pensando no modelo clássico e europeu de um livro, nunca estiveram impressas de modo tão íntimo e verdadeiro, sendo, na realidade, sempre projetadas a uma categoria do “Outro”. 

Desde os caminhos no processo diaspórico para a Inglaterra, vindas de países como Gana e Nigéria, até no pensar da juventude acerca de gênero e sexualidade, em um cenário socialmente barulhento – Londres em meio às negociações do Brexit – a narrativa de Garota, mulher, outras consegue enclausurar, em seu processo puramente polifônico, o passado, o presente e o futuro das subjetividades retratadas sem necessariamente delimitá-las a cada tempo, mas sim criando novas noções de identidade que transpassam tais noções, unidas nessa busca, constante no livro, pela ancestralidade. Trazendo a realidade de mulheres e pessoas divergentes de gênero e sexualidade para suas páginas, Evaristo inaugura novos imaginários e possibilidades na estrutura do romance. – Enzo Caramori

Taylor Jenkins Reid – Daisy Jones & The Six (360 páginas, Paralela)

Como se a euforia pelos anos 70 já não fosse suficiente no imaginário popular, a autora Taylor Jenkins Reid decidiu materializá-la nas páginas de seu próprio livro. Daisy Jones & The Six revive um dos períodos mais efervescentes para a música, especialmente na cidade de Los Angeles, a partir da história da banda que dá nome à obra. O único detalhe, que já é marca registrada da escritora, é que eles nunca existiram na realidade. Por meio de uma narrativa que facilmente se confundiria com o roteiro de um documentário, somos conduzidos às memórias dos integrantes do grupo musical, que relatam os primórdios de suas aventuras durante uma entrevista. 

Da mesma mente que nos trouxe a notável Evelyn Hugo, Taylor Jenkins Reid agora volta os holofotes para Daisy Jones, cantora em ascensão da época, que teve seu caminho cruzado com a banda The Six, e, assim, iniciaram sua carreira de sucesso. Juntos, Daisy, Billy, Graham, Karen, Warren, Pete e Eddie mergulham nas psicodelias que viveram no auge dos anos 70, em meio a muito amor, drogas e rock ’n’ roll. Hipnotizante até o último segundo, a única frustração que Daisy Jones & The Six traz é o fato de podermos apenas imaginar como seriam as músicas da banda. Mas, não por muito tempo, já que o livro conquistou os olhares de Reese Whiterspoon, o que rendeu a produção de uma série em 12 episódios para o Amazon Prime Video, com as gravações já encerradas. – Vitória Silva

Jorge Amado – Terras do Sem-Fim (280 páginas, Companhia das Letras)

Escrito por Jorge Amado durante seu exílio na Argentina, Terras do Sem-Fim vasculha as consequências que a exploração do cacau trouxe para a região de Ilhéus, no sul da Bahia. A trama sobre jagunços traz a história de disputa de terras por duas grandes famílias. Junto com Cacau, São Jorge dos Ilhéus; Gabriela, cravo e canela e Tocaia Grande, Terras do Sem-Fim compõe a fase de livros amadianos dedicados à rica e sangrenta história da região cacaueira da Bahia. Essa obra trabalha memórias da infância do próprio autor, ao mesmo tempo em que denuncia a violência e a exploração que marcaram o período. 

Um clássico na Literatura nacional, Terras do Sem-Fim mantém a fluidez das obras de Jorge Amado, fazendo com que a leitura de cada página seja um deleite e um exercício do estudo da História. A habilidade do escritor em apresentar cenários e personagens permite que o enredo tenha um desenvolvimento excepcional ao mesclar dois pontos de vista. A violência é marcante, mas necessária: Terras do Sem-Fim não é feito para agradar, e sim para expor a guerra política que torna o local sujo e manchado a sangue pelas injustiças sociais e disputas de terra. Os personagens marcantes ditam o ritmo crescente da narrativa, marcando o livro na biografia de Amado. – Ana Júlia Trevisan

Pagu – Parque Industrial (111 páginas, Companhia das Letras)

Para quem tomou a linguagem contemporânea de Elvira Vigna como um dos aspectos mais fortes de sua obra, é inevitável reconhecer seu diálogo com a sinceridade visceral de Pagu. Separadas por mais de 80 anos, Como se estivéssemos em palimpsesto de putas e Parque Industrial se convergem no objetivo de relatar as dinâmicas das relações vivenciadas por mulheres, em contextos marginalizados e marcados pela violência em suas mais diversas formas. Mas ao contrário do fervor naturalista do Rio de Janeiro dos anos 2010, o primeiro livro de Patrícia Galvão está na mecânica industrial da São Paulo da década de 30, se concretizando como o primeiro romance proletário brasileiro e manifestando a ânsia de revolução cultural da modernista por trás do pseudônimo de Mara Lobo.

Enquanto realiza nada menos do que os desejos de Pagu, o livro atinge bem mais do que suas ambições aos apenas 22 anos de idade. Como um marco absoluto na Literatura brasileira, Parque Industrial retrata a industrialização que definiu o século XX no país, iniciada na capital paulista repleta de promessas, e desenvolvida irregularmente pelo resto do território nacional com muitas consequências – principalmente para quem sempre ocupa o centro e margem da sociedade: as mulheres. Assim, a autora – e seus personagens – não tem tempo para meias palavras nem caprichos estéticos, atribuindo à sua obra um caráter urgente, que captura recortes das vidas fragmentadas pelas máquinas capitalistas, e que, 90 anos depois de sua primeira publicação, diz tanto sobre o Brasil de hoje quanto suas conterrâneas contemporâneas. – Raquel Dutra

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Isabella Siqueira

Apesar dos ares de preconceito que rodeiam o novo livro de Kazuo Ishiguro, é preciso olhar para Klara e o Sol com a mente aberta. O célebre autor, vencedor do Nobel de Literatura em 2017, lançou neste ano seu oitavo romance, que chegou ao Brasil pela editora Companhia das Letras. O escritor, que muitas vezes teve seu mérito questionado, desenvolve uma trama que é pobre quando se pesa apenas a qualidade da ficção científica, mas satisfatória quando observada através da lente sentimental.

Após a consagração do cantor americano Bob Dylan, que ganhou o Nobel um ano antes de Ishiguro, o escritor britânico foi visto somente como uma opção segura depois da escolha polêmica. Mas, para julgar com clareza sua nova obra, é necessário esquecer qualquer questionamento sobre a qualidade de sua obra. E, mesmo que tenha sido referenciado pela crítica como um livro indigno de um ganhador do maior prêmio de literatura, Klara e o Sol é um bom romance sobre a complexidade das emoções humanas e de suas criações tecnológicas.

Klara, uma espécie de robô humanoide, é uma AA (Amiga Artificial) que inicia a trama já demonstrando muita sensibilidade e percepção sobre tudo à sua volta, se destacando assim entre os outros AA’s. A obra, que é dividida em cinco partes, começa numa loja onde a personagem se encontra observando atentamente o Sol, essa relação especial é referenciada ao longo da história, ficando claro que apesar da inteligência superior, ela tem ideias ingênuas sobre as propriedades da estrela.

Esse começo serve apenas para situar o jeito de pensar e as características de Klara. Em nenhum momento o autor explicita quais são as condições em que ela foi criada, todo esse universo decadente é deixado às sombras. Mas, tudo bem, já que o real sentido da narrativa de Ishiguro não é desenvolver um Duna da vida, e sim voltar com os temas em comuns de suas outras obras, como Vestígios do Dia e Não Me Abandone Jamais. A praia do autor é na verdade falar sobre sentimentos, seja na véspera da Segunda Guerra ou num futuro onde a tecnologia controla o DNA das pessoas.

É nessa premissa absurda que uma robô como Klara se fez tão precisa no futuro triste de Ishiguro. Crianças superiores e solitárias são o único fruto de um mundo onde é possível modificar a genética ao gosto dos humanos. Um Amigo Artificial não passa de uma companhia cara e de alta tecnologia, são máquinas criadas para ensinar, ajudar e curar a solidão de jovens modificados. Mas, apesar de ser exaltada apenas pela sua evolução, semelhante a um celular de última geração, a protagonista da história é tão empática e justa quanto uma pessoa real, e por sua personalidade sensível é fácil gostar de Klara e desgostar dos que a rodeiam.

Infelizmente, o autor desenvolve apenas Klara, e os demais personagens não passam de um apoio para as reflexões da AA. Após ser escolhida como companhia de Josie, uma pré-adolescente com problemas médicos misteriosos, a protagonista se envolve em complexas relações que não encontram suas expectativas dos tempos em que estava na loja. Sua única outra relação que é um pouco mais profunda é com a Mãe e Rick, amigo e namoradinho da infância da menina.

O interesse da protagonista pelas relações que acontecem à sua volta, Josie com sua mãe e Rick, é o assunto principal da trama, que não descreve muito a tecnologia envolvida, mas sim suas consequências diretas. Com muita sutileza, Ishiguro dá pistas sobre a real entrada de Klara na família, e todas as possibilidades que sua personalidade perceptiva oferecem num mundo onde as relações são rasas e descartáveis. Mas, o que o autor deixa claro é que, apesar do esforço e sucesso da personagem em demonstrar emoções apesar de seu corpo artificial, existe algo de único em cada ser humano, e que jamais será substituível.

Mesmo que o autor cite constantemente que a forma de Klara ver o mundo, é completamente diferente da de um Transeunte, já que ela coloca tudo em caixinhas como se fosse o processamento de uma imagem, é essa visão única que dá à personagem certa ingenuidade. Com o passar do livro, ela cria uma tese de que o Sol é capaz de poderes absurdos e curativos, visto que enxerga os acontecimentos sem tanta lógica quanto deveria. E, mesmo que a base dela esteja correta, pois o Sol é a fonte de energia de todas as coisas vivas, tal obsessão a faz imaginar que o astro é capaz do impossível.

Ainda sobre o universo não explorado de Ishiguro, o sistema de classes em vigor é interessante, mas simplista até demais. A divisão criada entre as crianças levantadas, termo usado para os bebês que foram modificados geneticamente, e as que os pais não tiveram a coragem de impor tais mudanças é explorada no contexto de riqueza e pobreza. Fica claro que a desvantagem social dos jovens que foram levantados é compensada por ganhos financeiros, oportunidades e uma vida sem preconceito. Apesar da ideia ser um tanto básica, funciona para o contexto da obra, que não aprofunda esse sistema injusto de divisão baseado em uma escolha drástica feita no nascimento de cada indivíduo.

A premissa de Klara e o Sol é vaga, assim como o futuro que o autor nipo-britânico propõe. Mas, observando sem preconceitos anteriores, o livro não merece críticas exageradas. Baseando-se em uma ideia onde qualquer relação ou comportamento pode ser facilmente reproduzido pela tecnologia, e de que não existe nada de especial sobre cada pessoa, Kazuo Ishiguro conduz com muita graça a trajetória de uma humanoide mais humana do que muitos por aí sonham em ser.

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