Marcela Jardim

Há dez anos, Jogos Vorazes: A Esperança – Parte 2 chegava aos cinemas encerrando uma das distopias audiovisuais mais influentes do século XXI. Em 2015, o lançamento dividiu público e crítica, mas hoje, uma década depois, o filme se revela uma obra que só ganhou densidade com o tempo. A produção sintetiza o espírito de uma geração que cresceu vendo o colapso de instituições, a crise da democracia e o avanço das guerras por narrativas. Revisitar essas imagens agora, num mundo ainda mais fragmentado e polarizado, expõe a força atemporal da saga e sua capacidade de dialogar com cada novo ciclo de turbulência política. Katniss (Jennifer Lawrence), com sua mistura de heroísmo imperfeito e vulnerabilidade radical, permanece como um símbolo cultural que transcende a ficção e encontra eco nas discussões sobre poder, propaganda e resistência.

A morte de Prim (Willow Shields), talvez o momento mais devastador da franquia, envelheceu como um lembrete incômodo do custo humano dos conflitos. A abordagem da cena, marcada por uma frieza quase documental, ultrapassa o impacto emocional e revela um comentário sobre como governos, tanto no mundo real quanto na ficção, sacrificam inocentes sob o pretexto de uma estratégia maior’. Ver Katniss correr entre fumaça branca e gritos desesperados, apenas para testemunhar a perda de sua irmã, o que moldou toda sua jornada, reforça a dimensão trágica da personagem. 

Uma década depois, a sequência continua doendo não pela surpresa, mas pela inevitabilidade: desde o primeiro filme, a irmã da protagonista sempre foi a representação daquilo que não deveria ser tocado. E quando Panem toca, todo o restante desmorona, tudo isso agravado pelo fato de que Gale (Liam Hemsworth), outrora aliado íntimo da protagonista e moralmente firme, torna-se cúmplice desse mecanismo de destruição. Sua participação no desenvolvimento das bombas o coloca simbolicamente ao lado daqueles que ele jurava combater, ampliando a ferida emocional e revelando como as guerras transformam pessoas comuns em agentes de tragédias irreversíveis, como o oprimido se tornou o opressor.

Outro momento que se tornou icônico com o passar dos anos é a invasão aos túneis e o ataque dos mutts. A cena, filmada como um híbrido de terror e guerra urbana, traduz a lógica desumanizante que permeia todo o conflito, uma lógica que já havia sido aplicada sem piedade a personagens como Peeta (Josh Hutcherson) e Johanna (Jena Malone). O claustro e o ritmo sufocante ecoam diretamente a experiência deles, vítimas de tortura, manipulação psicológica e condicionamento neural que os transformaram em armas vivas da Capital. Quando Peeta entra nos túneis sem saber se é capaz de distinguir amigos de inimigos, sua instabilidade emocional adiciona uma tensão quase insuportável, lembrando o espectador de que guerras produzem traumas que continuam lutando mesmo quando o corpo tenta sobreviver. Johanna, marcada por choques, afogamentos e isolamento, é uma sombra dessa mesma violência institucional. 

 E, nesse cenário já saturado de dor, a morte brutal de Finnick (Sam Claflin) se impõe como uma síntese do horror físico e emocional da guerra. O impacto é ainda maior porque ele morreu pouco depois de se casar com Annie (Stef Dawson), deixando para trás não só uma relação recém-iniciada, como também uma esposa grávida que jamais verá esse filho crescer. Um personagem tão marcado pela exploração, pelas cicatrizes do abuso e pela constante exposição pública termina consumido pelo mesmo sistema que o destruiu na juventude, evidenciando, talvez mais do que qualquer outro momento, a crítica da saga ao uso de corpos, mentes e afetos como instrumentos políticos.

A cena do Túnel da Pedra, em que Katniss leva um tiro e tenta convencer o Distrito 2 a não cair na lógica de ódio disseminada tanto pela Capital quanto pela própria rebelião, ganhou novos significados com o passar dos anos. Assistida dez anos depois, ela se articula diretamente com o fato de que até os distritos mais altos e privilegiados estavam sendo destruídos pela revolução, concretizando a promessa que Katniss fizera no filme anterior: “Você pode nos bombardear, queimar nossos distritos até as cinzas. Mas está vendo isso? Está pegando fogo. E se nós queimarmos, você vai queimar com a gente!”. 

A devastação que atinge Panem inteira evidencia que, numa guerra, não existe lado imune às consequências, e que a retaliação irrestrita cobra seu preço mesmo entre aqueles que antes se julgavam protegidos pelo poder. Nesse contexto, o gesto da personagem no local deixa de ser apenas político e se torna ético: ela está tentando interromper um ciclo de violência que já contaminou o país de ponta a ponta. É uma sequência muitas vezes esquecida pelo grande público, porém que hoje, numa década marcada pela polarização extrema e pela normalização de discursos violentos, ressurge como uma das reflexões mais maduras da produção, uma recusa explícita a permitir que a revolução se torne tão destrutiva quanto o regime que combate.

A troca final entre Presidente Snow e Katniss no jardim, uma conversa calma, quase íntima, permanece como um dos diálogos mais inquietantes da franquia. Coriolanus (Donald Sutherland), revela as fissuras internas da rebelião e planta a semente da desconfiança que levará Katniss ao ato mais ousado da saga: matar Alma Coin. Esse momento, revisitado hoje, parece menos uma reviravolta e mais uma inevitabilidade política. O filme nos lembra que revoluções também se corrompem e que a figura do tirano pode mudar, mas a estrutura de poder tende a se repetir se não for radicalmente transformada. Isso mostra aos telespectadores que Coin e Snow são duas faces da mesma moeda.

Quando Katniss escolhe matar Coin (Julianne Moore) ao invés de Snow, a cena, que na época dividiu opiniões, tornou-se um marco narrativo que resiste ao desgaste do tempo. O ato é simbólico, político e profundamente humano. É Katniss rejeitando ser peça de propaganda, recusando um novo ciclo de violência e destruindo o mito da salvação fácil, além de deixar o ditador morrer nas mãos do povo que tanto destratou. Uma década depois, essa cena ecoa em discussões contemporâneas sobre líderes tiranos, manipulação ideológica e a dificuldade de imaginar sistemas verdadeiramente justos. É a prova de que A Esperança – Parte 2 nunca foi um final grandioso. Na verdade, um fim necessário e revolucionário.

Quando olha-se para trás, o epílogo, no qual Katniss e Peeta vivem em um campo silencioso, tentando costurar traumas com histórias, revela-se infinitamente mais corajoso do que parecia em 2015. Não é um ‘felizes para sempre’ de contos de fada. É um retrato honesto de sobreviventes que carregam feridas invisíveis de guerras que nunca permitiram vencedores, apenas sobreviventes marcados. Embora sigam em frente, criando filhos e cultivando novos rituais de vida, as memórias continuam assombrando, especialmente para a protagonista, cuja paz depende de narrar o passado como forma de domá-lo. 

O final, tão melancólico quanto necessário, dialoga hoje com debates sobre saúde mental, luto coletivo e pós-guerra, mostrando que a paz não apaga o que veio antes, e sim oferece um lugar para continuar respirando. É um encerramento que cresce junto com o espectador, sobretudo em um mundo no qual a noção de ‘recuperação total’ é tão ilusória quanto as promessas dos próprios Jogos. “Meus filhos, que não sabem que brincam sobre um cemitério”, cita Katniss Everdeen.

E talvez o fato de Jogos Vorazes continuar vivo seja o maior indicador de sua atemporalidade. A Cantiga dos Pássaros e das Serpentes (2023) ressaltou que Panem ainda pulsa como uma metáfora dolorosamente reconhecível, mergulhando nas origens do poder, do espetáculo e da manipulação, temas que permanecem centrais nas democracias contemporâneas. Continuando o legado dos primeiros filmes, Amanhecer na Colheita (2026), que explora a história de Haymitch Abernathy, um dos personagens mais traumatizados e politicamente lúcidos da saga, fica evidente que Suzanne Collins e Hollywood compreendem que este universo não é apenas ficção: é comentário social. 

Nesse sentido, a frase de Kendrick Lamar na performance do Super Bowl LIX halftime show: “The revolution is about to be televised, you picked the right time but the wrong guy” (“A revolução está prestes a ser televisionada, você escolheu a hora certa, mas o cara errado”), ecoa como uma espécie de síntese cultural dessa nova fase. Assim como em Panem, a revolução contemporânea não é silenciosa: ela é transmitida, performada e disputada em telas, narrativas e algoritmos, e nem sempre entregue aos líderes certos. No contexto político atual dos Estados Unidos, marcado pela radicalização partidária, pela desinformação e pela disputa feroz pelo domínio do imaginário público, a produção ganha força como leitura crítica. A saga revela como sociedades podem ser conduzidas por narrativas fabricadas, como inimigos podem ser construídos e desconstruídos conforme o interesse do poder, e como revolução pode se tornar espetáculo.

Dez anos depois, A Esperança – Parte 2 segue sendo um dos finais mais ousados do cinema blockbuster justamente porque rejeita a ilusão de um desfecho limpo. A obra insiste que vitórias políticas raramente são puras, que o espetáculo da violência pode corromper qualquer lado, e que o verdadeiro custo da luta não cabe em discursos heroicos. Se Jogos Vorazes continua retornando ao centro da cultura pop, não é somente por nostalgia, mas porque seu mundo distópico, tão brutal, tão humano e tão cheio de ambiguidades, ainda conversa com o nosso. Enquanto a política real continuar funcionando de arena de espetáculo, vigilância e propaganda, Panem permanecerá menos fantasiosa e mais como aviso sobre ditaduras, revolução e poder: ao que tudo indica seguirá urgente por muitas décadas.

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Vitória Gomez

Pode a Arte imitar a realidade sem se basear nela? Pode a vida de alguém virar arte se não houver autorização? Todd Haynes prova que sim. Tão melodramático quanto bem-humorado, Segredos de Um Escândalo, inspirado em uma história real, mostra que o papel da arte não é necessariamente passar as coisas a limpo. Do contrário, a obra disseca os restos do que um dia foi um escândalo, reimaginando os ecos reais dele muito tempo depois que os noticiários se esqueceram. 

A tarefa de encarar o dramalhão é de Julianne Moore, Charles Melton e Natalie Portman. Os dois primeiros são um casal aparentemente feliz, mas que escondem mais do que a superfície mostra. Ela, Gracie, e ele, Joe, tem uma diferença de idade de praticamente 30 anos e começaram a se relacionar quando o menino tinha apenas 13. Já a última é Elizabeth Berry, uma atriz que passa a conviver com a dupla para estudar Gracie e interpretá-la fielmente em um filme independente. Quando o equilíbrio perfeito da casa é abalado pela convivência com a atriz, o passado volta à tona – dessa vez, para ser questionado e não endossado.

Tudo começa com a falta de cachorros quentes na geladeira. Longe de se autointitular camp ou fazer justiça com as próprias mãos, May December (no original) come pelas beiradas. Isso porque o caso por trás do escândalo-título é digno de tabloides, mas não requer uma nova exposição. Pelo contrário, a Elizabeth de Portman conhece as nuances da história na mesma ordem que o espectador: primeiro de fora, quando observa trechos de revistas e jornais sobre o julgamento do “pet-shop romance” ou fotos de Gracie tendo a primeira filha com Joe na prisão, ainda vestindo a tornozeleira eletrônica. Depois, de dentro, quando é confrontada com um casal calmo, com uma casa grande em um bairro familiar, uma churrasqueira com cachorros quentes, cervejas geladas, bolos de abacaxi, amigos preocupados, dois filhos adolescentes prestes a partir para a faculdade e uma encomenda com fezes dentro. 

Se a conta não fecha, é aí que Elizabeth Berry entra. A atriz assegura que só quer fazer jus à Gracie no filme, conhecer as zonas cinzas de onde o suposto romance nasceu. Aqui, não há opinião formada: ela está aberta para escutar o que seus objetos de estudo têm a dizer, não imputar suas próprias conclusões sobre eles. Segredos de Um Escândalo funciona justamente nessas áreas cinzas. Enquanto Gracie alega uma paixão avassaladora e um relacionamento feliz – e Joe acredita -, o dia a dia mostra uma dinâmica controladora, em que a mulher manda tão comumente quanto o marido obedece. Os anos de diferença evocam algo maternal. Você já está na segunda cerveja, desacelera. Não deixe suas coisas espalhadas na sala. Vá tomar banho antes de dormir.

Nisso, tanto Julianne Moore quanto Gracie se mostram uma raposa. Sempre que o assunto da diferença de idade vem à tona, a personagem declara o amor dos dois e lembra o quanto Joe a seduziu. Ela infla seu ego com comentários cortantes em direção a ele e às crianças, reitera o quanto sempre foi ingênua, reforça sua feminilidade e, quando precisa, chora desamparada como se não tivesse o dobro de maturidade do que qualquer um em cena. Na pele dela, Moore calibra seus gestos, ora se portando com inocência, ora com um ar de quem calcula cada movimento para ser percebida como quer. Modulando a voz, Gracie é incisiva e firme, mas rapidamente muda e soa como uma criança que não sabe as consequências de seus atos, enganando a vizinhança e o próprio marido. Ou quem sabe ela é assim e realmente acredita na própria infantilidade?

O cinismo é a chave de Segredos de Um Escândalo. Ao contrário de Moore, que nunca deixa transparecer a verdade por trás de suas intenções, Natalie Portman é ótima atriz em interpretar uma atriz mediana. Por mais que tente, Elizabeth Berry preenche a tela em branco com suas opiniões e intenções, mas, no caminho, rende cenas tensas ao lado de Joe e Gracie. A frente de um espelho ou em um consultório médico, o desconforto surge ao passo que ela cruza a linha entre observação e intromissão, se aproveitando dos maneirismos de uma Moore brilhante para incorporar Gracie o máximo que pode – até de forma cômica, intencionalmente ou não.

No meio disso está Joe. Como uma criança perdida, ele não cria conflito, assiste TV, cuida de suas lagartas e apazigua os ânimos quando convém. É na presença de Charles Melton que o trio protagonista se eleva: introvertido e retraído, o personagem é resultado do “escândalo pet-shop”, um adolescente para sempre preso no corpo de um homem adulto, que nunca teve a chance de amadurecer sozinho. Até a relação com os filhos, com pouco mais da metade da idade dele, é desigual, já que as crianças viveram experiências que o próprio nunca pôde. A mera constatação de que adultos fazem coisas de adulto o abala, como se ele não soubesse como agir como um.

Além das performances, a direção novelesca de Todd Haynes cria a atmosfera inquietante que move as incertezas de May December. A condução simples, mas eficiente, as metáforas escancaradas, composições visuais geniais e uma boa dose de humor fazem o filme passear entre um drama voraz e uma sátira à própria indústria do Cinema que pouco o reconheceu. Apesar de superar outras obras nomeadas, seu nome não foi mencionado o suficiente nas grandes premiações norte-americanas, como o Oscar, SAG Awards ou outros prêmios de sindicatos hollywoodianos. 

Os poucos reconhecimentos foram os nomes de Melton, Moore e Portman em eventos como Critics Choic Awards e Globo de Ouro, mas, ainda assim, sem receber os devidos louros. Um alívio foi a indicação certeira da roteirista Samy Burch, que dois domingos antes do Oscar consagrou seu nome junto de Alex Mechanik (responsável pela história, junto dela) no Spirit Awards, premiação de filmes independentes. Com um tato para desconcertar o espectador e não dar de bandeja se Segredos de Um Escândalo é camp ou não, a novata aproveitou uma polêmica real para criar algo maior do que uma cinebiografia não autorizada e mergulhou nas vulnerabilidades de seus personagens. A torcida é para que Burch continue sua caminhada representando o longa e faça uma competição grandiosa com Anatomia de uma Queda e Vidas Passadas, deixando Maestro e Os Rejeitados para trás.

Sem previsão para chegar na Netflix Brasil (nos Estados Unidos, o longa foi lançado direto na plataforma de streaming), Segredos de Um Escândalo adentra as entranhas do imaginário popular e ainda cutuca os adeptos ao método de atuação e às produções true crime. O segredo é não se levar a sério demais e render boas risadas proibidas no caminho, sem acreditar se a canalhice das protagonistas são reais ou elas estão cegas na própria desonestidade que nos fazem acreditar junto. Ao final, quem sai ferido é Joe e quem sai curado é Charles Melton, que alça seu nome à A-List de Hollywood.

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“E que a sorte esteja sempre a seu favor”

Júlia Caroline Fonte

Obras literárias costumam trazer diversos desafios quando transportadas para as telas, tanto para fazer a adaptação funcionar nesse meio, quanto para agradar o grande fandom que a acompanha. Há 10 anos, presenciamos Jogos Vorazes (The Hunger Games) causar um alvoroço e garantir o grande sucesso que viria com suas três sequências. Inspirado no livro de Suzanne Collins, o filme foi responsável por transformar o universo das adaptações literárias no Cinema, iniciando uma nova fase do gênero e se tornando um marco para ele e para o protagonismo feminino entre o público juvenil; bem como iniciando um novo respiro para as séries de distopias.

A história acontece em uma realidade distópica, na qual a capital Panem controla 12 distritos, que subordinados, são forçados a disponibilizar trabalho e matéria-prima; além de jovens para participar de um programa de televisão, os Jogos Vorazes, onde os participantes – conhecidos como tributos – são forçados a lutar até morte para que haja apenas um vitorioso. Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence), uma garota pobre do Distrito 12, se oferece como voluntária para proteger a irmã Primrose (Willow Shields), que foi escolhida para os Jogos. Assim, ela assume seu lugar e enfrenta diversos desafios para sobreviver ao lado de Peeta Mellark (Josh Hutcherson), um padeiro de seu distrito.

A narrativa explora diversas dificuldades da protagonista, que com seu gesto de coragem e amor com a irmã, vem a se tornar um símbolo para os distritos finalmente se rebelarem contra a opressão da capital. Sustentando uma narrativa de romance com Peeta (um amor encenado que depois se torna real), ambos conseguem sobreviver e desafiar o poder e soberania do Presidente Snow (Donald Sutherland), tornando-se uma ameaça que se intensifica através dos filmes seguintes. Porém, não sem sofrer diversas perdas no caminho para conquistar a liberdade do país.

Em suas sequências, vemos o caminho de Katniss se transformando e ficando cada vez mais perigoso, escancarando o arriscado jogo político no qual ela foi colocada. Os Jogos Vorazes foram apenas seu primeiro obstáculo. Assim como muitos tributos, ela vira uma estrela, e sua fama se torna um desafio delicado tanto para Snow quanto ao domínio da capital; com diversas e sutis provocações, ela desafia seus inimigos e instiga o povo a lutar nessa batalha. 

Contudo, Katniss nunca começou nada por esse objetivo, seu único foco era proteger a irmã e garantir a sobrevivência daqueles que ama, além da própria, sem deixar de lutar pelo certo e por aquilo que acredita (mesmo que isso implique tomar atitudes drásticas), características que cativaram seu público e a tornaram tão humana. Seu broche se torna um símbolo de luta, no qual ela se transforma; Katniss agora é o tordo que move a revolução, e não pode mais fugir disso. Assim, o peso de seu papel passa a custar muito: seus amigos, seu distrito (destruído em um bombardeio), sua sanidade e, principalmente, sua irmã, que morreu ajudando a causa. 

Porém, Katniss não se torna um símbolo apenas para Panem, a personagem foi responsável por balançar a indústria cinematográfica. Ela foi a primeira protagonista feminina em uma saga literária a trazer uma mulher em um papel social condizente e que esperamos há anos, mas nunca tivemos de modo marcante como ela: forte e corajosa, ao mesmo tempo que vulnerável e humana. Muito diferente foi o legado deixado por Bella Swan, que mesmo sendo um marco, ainda não apresentava a protagonista que esperávamos. Também Lúcia e Susana Pevensie, que em diversas situações do filme As Crônicas de Nárnia: o Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa ficavam à sombra dos irmãos, só puderam lutar em uma batalha no segundo filme. Assim como Katniss, elas se consagraram como grandes protagonistas, porém, de modos muito diferentes quanto ao seu simbolismo nas adaptações. Katniss pôde fazer algo maior dentro do universo em que estava, e de fato estar à frente da narrativa, assim como Frodo Baggins e Harry Potter. Sem ser rebaixada por homens e dependente deles, e nem ser reduzida a estereótipos femininos ou papéis secundários – ocorrência comum em gêneros como distopias e ação; a personagem se confirma como uma grande inspiração para as garotas que a acompanharam desafiar o sistema e ser a heroína da própria história, de modo que torna Jogos Vorazes um marco para o público jovem.

No entanto, o impacto de seu papel contribuiu para criar novos estereótipos na década de 2010, momento de ascensão feminina na cultura pop. Os questionamentos quanto aos papéis e narrativas destinados às mulheres começaram a se intensificar e se tornar exigência do público, principalmente de mulheres cansadas da falta de representatividade. Katniss se torna uma personificação de uma mulher forte: fechada, sem traços femininos marcantes, forte fisicamente e que não demonstra sentimentos aos outros. Algo que foi importante para marcar o rompimento com a representação das mulheres no passado. Porém, nos esquecemos que mulheres fortes não se resumem apenas a essas características; a própria saga traz exemplos de mulheres que demonstram força de outras formas, como Mags (Lynn Cohen), Prim, Effie Trinket (Elizabeth Banks), Rue (Amandla Stenberg), Annie Cresta (Stef Dawson) e até mesmo a presidente Alma Coin (Julianne Moore). 

Essa nova construção da personagem é muito bem trazida à tela, principalmente para o que Panem exige de Katniss. A capital é uma ótima representação da sociedade do espetáculo, que espera de suas marionetes – tributos – uma imagem desejável para o espectador, esses que o programa quer satisfazer a todo custo. Assim, nossa protagonista é forçada a viver um papel já esperado para que sobreviva, deve sorrir e ser simpática, e permanecer neutra diante de diversas situações sustentadas pela cegueira e intolerância da elite pelo seu povo. Ela protagoniza cenas icônicas desafiando a soberba da capital, e o melhor, sendo ela mesma, a Garota em Chamas que todos admiram e sentem sua força e calor emanar ao rodar um vestido e assumir sua verdadeira forma: um poderoso tordo.

Diante disso, a desigualdade social não deixa de aparecer como uma forte crítica em Jogos Vorazes, retratada pela relação entre a Capital e seus distritos. A miséria do distrito 12, ao qual somos apresentados desde o primeiro filme, faz um grande contraponto com os excessos dos luxos da capital. Essa população marginalizada só é útil para a elite quanto está ali para suas necessidades: o trabalho servil e entretenimento com suas mortes. O segundo filme, Jogos Vorazes: Em Chamas, é o que mais escancara essa problemática, quando Katniss e Peeta precisam adentrar os glamourosos palácios e conviver nesse cenário sabendo a situação do resto do país; assistindo a pessoas se empanturrar de comida e se afogando em futilidades, enquanto o povo passa fome. Isso tudo não deixa de ser reflexo direto da nossa sociedade e do pior que ela pode se tornar.

Essas críticas trazidas pela saga tiveram um papel social muito importante para o período de seu lançamento. As alegorias e metáforas presentes na história contribuíram para que o público, principalmente infanto-juvenil, tivessem contato com diversas questões problemáticas ali espelhadas e tomassem consciência de seu papel como cidadão. Como consequência, Jogos Vorazes inspirou diversas populações a se reerguerem e lutar para combater as autoridades, defendendo a democracia, como os protestos de Mianmar em 2021 e na Tailândia em 2014. Trazendo a esperança que as pessoas precisavam para mudar o mundo.

Em relação a aspectos técnicos, o filme dirigido por Gary Ross não decepciona. O roteiro muito bem feito escrito pelo diretor, junto de Billy Ray e da própria Suzanne Collins, garantiu o sucesso imediato do filme, junto é claro, de elenco de peso. Além disso, o marcante visual foi um elemento de extrema importância, dando vida a Panem e os distritos, resultado de um grande departamento de arte dirigido por John Collins, Robert Fechtman e Paul Richards, somado à excelente fotografia de Tom Stern. Porém, é possível notar um salto de qualidade entre os dois primeiros filmes e que se mantém nos dois últimos, principalmente quanto à imagem.

Jogos Vorazes se sustentou como uma importante obra audiovisual, e reforça isso com suas três continuações. Além de uma excelente adaptação, o filme também conseguiu se tornar um marco para o gênero distopia, garantindo um spin-off depois de 10 anos de seu início. E além de abrir espaço para outras grandes séries como Divergente e Maze Runner, ela foi responsável por reviver as sagas no cinema. O longa foi uma grande contribuição para modificar o papel feminino no audiovisual e estabelecer a importância da narrativa de heroínas, permitindo que jovens mulheres possam se espelhar e acreditar em seu potencial de fazer coisas grandiosas, e até mesmo começar uma revolução. 

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Gabriel Fonseca

Filmes são feitos de outros filmes. De músicas, pinturas, e livros também. Como linguagem e expressão artística, o Cinema está constantemente influenciando e sendo influenciado por outras obras. Algumas são referências diretas, como as centenas de easter eggs em Jogador Nº 1. Outras, são fontes de inspiração e resultam em um trabalho único, como a pintura de Edward Hopper que inspirou a casa horripilante de Psicose, um clássico de Alfred Hitchcock. 

Por sua vez, Hitchcock foi uma fonte de referências e inspirações para Joe Wright, que é conhecido por dirigir dramas como Orgulho e Preconceito e O Destino de uma Nação. Wright se aventurou no suspense com A Mulher na Janela, uma adaptação tediosa do romance homônimo de A.J. Finn. Lançado na Netflix em maio, o filme é pura reverência às obras do passado – especialmente às de Hitchcock – e as utiliza como fórmula, sem propor uma experiência própria, ou alcançar o mesmo nível de tais obras.

Fazer um filme com elementos visuais, técnicos, ou com enredo que nos lembre de outro não é necessariamente um crime artístico. Na verdade, assim nascem os gêneros que costumamos usar para classificar o Cinema. Os filmes pioneiros ganham créditos por lançarem uma tendência, enquanto os posteriores são notados quando ultrapassam os limites do convencional. Usemos o exemplo do clássico Blade Runner, de Ridley Scott. Com um futuro distópico herdado da literatura de George Orwell e Ray Bradbury, o longa ostenta a roupagem dos clássicos noir. O resultado é uma combinação inovadora das visões de passado e futuro, que rendeu uma continuação de mesmo nível.

Apesar da baixa criatividade, o filme de Wright ganha pontos ao escolher Amy Adams para dar vida à protagonista Anna Fox, uma psicóloga infantil com depressão e agorafobia, um transtorno de ansiedade que a impede de sair de casa. Só de abrir a porta, Anna entra em pânico e desmaia. Nos primeiros minutos, surge o mistério inicial da história: a causa de sua condição psicológica. Tudo o que sabemos é que ela é divorciada, mistura remédios controlados com álcool, é fã de suspenses clássicos e desenvolveu uma obsessão pela vida dos vizinhos, especialmente os Russell, uma família que acabou de se mudar para a casa da frente.

A semelhança com Janela Indiscreta (1954) não é nenhum segredo, pois, logo no início de A Mulher na Janela, vemos um frame do clássico, congelado na televisão de Anna. Também podemos ver cenas de outros filmes do mesmo gênero, como Quando Fala o Coração e Prisioneiro do Passado. Estas referências são colocadas na tela por Wright, que quer nos familiarizar com a narrativa e, em alguns momentos, com as sensações despertadas pelos filmes mais velhos. 

Logo, o espectador se antecipa em relação aos acontecimentos principais da trama: a protagonista que não pode sair de casa é testemunha de um assassinato, visto através de sua janela, o que coloca a sua vida em perigo também. Porém, construída com um perfil psicológico pouco confiável, Anna nos conduz à direção errada. Joe Wright, por sua vez, tenta nos posicionar dentro da cena, como observadores à espreita; o que consegue algumas vezes graças à atuação de Amy Adams e a cenografia. Tanto a atriz quanto a casa que a cerca são aflitivos, como se os dois representassem o mesmo estado de espírito.

Esta combinação entre a performance de Amy Adams e o cenário são como âncoras para criar o suspense. Vez ou outra, A Mulher na Janela expressa visualmente o delírio e o medo de uma mulher traumatizada. Os outros personagens são revelados, se mostram mais do que os arquétipos que atribuímos a eles, porém, a sua transformação não nos surpreende porque não sentimos o seu peso, ou conseguimos nos importar suficientemente. A única exceção é Alistair, o pai da família Russell interpretado por Gary Oldman. O vilão é fino e carrancudo, até quebrar a sua passividade e explodir. 

Mesmo com elementos interessantes, como a cenografia, o enredo inspirado em um clássico, Adams e Oldman no elenco, The Woman in the Window não transmite uma experiência a la Hitchcock. É apenas um amontoado de referências. Talvez o objetivo de Wright com este filme tenha sido explicitar as convenções do próprio gênero, para anteciparmos o enredo e nos surpreendermos com as alterações. Isto não acontece com quem assiste e não percebe tais referências – elas passam despercebidas, tornam a direção vazia. Por outro lado, para quem é aficcionado por este tipo de mistério, o filme soa como outro Paranóia, que não encontrou a própria voz.

Se posicionar em uma tendência artística ou gênero não é o mesmo que reproduzi-los. Se Joe Wright intencionou homenagear outro artista, se esqueceu de uma das suas características mais notáveis: a sua personalidade. Muitas decisões tomadas nesta produção não passaram de um chamariz comercial, sem o objetivo de despertar um sentimento, senão, o de familiaridade: o título e o enredo que nos lembram outro filme, o plano na escada de Um Corpo que Cai (1958) e a mudança de tom no final, para um terror slasher.  É como se toda obra fosse construída a partir de fórmulas, coisa que a Netflix faz às centenas, todos os anos.

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