Nathalia Tetzner

Todo ator é, no fundo, movido pela atenção. Acostumado a esconder a ambição por trás de performances gloriosas, seu maior pesadelo é transparecer pela pele do personagem. Essa situação terrífica acontece com Bradley Cooper que – pela segunda vez assumindo o cargo de diretor em um filme que também protagoniza –, orquestra o seu maestro interior em uma cinebiografia que parece dizer bem mais sobre ele do que o objeto de estudo, o lendário Leonard Bernstein. Ainda que tenha bons momentos, Cooper não consegue desaparecer por completo na pele do compositor do musical West Side Story, fato previsto quando acusações de antissemitismo surgiram por todos os lados pelo uso questionável de uma prótese de nariz.

Em entrevista a CBS Mornings, o artista revelado por Sex and the City chegou a afirmar ter cogitado interpretar sem maquiagem, mas que “nós tínhamos que fazer isso, caso contrário eu simplesmente não acreditaria que ele é um ser humano”. A prótese, também defendida pela família de Bernstein, foi desenvolvida pelo japonês Kazu Hiro, especialista em efeitos visuais já coroado pelas premiações de Cinema tradicionais, que se desculpou aos que ficaram ofendidos. Acontece que em Maestro, o nariz é, não ironicamente, o menor dos problemas. Depois de algumas cenas, o público se acostuma gradativamente. O longa sofre é com o ego de Bradley Cooper que, enquanto visualmente se despede de suas características, não se livra da atmosfera de Oscar bait.

Desde a compra dos direitos autorais em 2008, a história de vida do protagonista passou pelas mãos de Martin Scorsese e Steven Spielberg até chegar em Cooper. Mesmo diante de falhas, ele é um bom ator e diretor, além de ter alguns trabalhos sólidos na filmografia. O seu debut atrás das câmeras, Nasce Uma Estrela (2018), é um dos filmes sobre o universo da Música mais notáveis dos últimos anos e o traz como um ótimo protagonista. Embora esse feito não se repita em Maestro, algumas sequências do longa impressionam como os minutos iniciais, quando o jovem Lenny é agraciado com a chance de conduzir uma orquestra, com o seu entusiasmo genuíno ultrapassando os limites dos 35 milímetros utilizados nas filmagens em preto e branco.

O roteiro de Maestro, escrito por Bradley Cooper e Josh Singer, coloca em foco o casamento de Leonard Bernstein e Felicia Montealegre – atriz estadunidense de ascendência costarriquenha –, interpretada com muita delicadeza por Carey Mulligan que, quando em cena com qualquer outra peça do elenco, ‘dá um baile’. Essa narrativa em torno de um homem cujo maior defeito aparentemente foi amar demais tem seus percalços ao passo em que força os personagens em seu entorno a relembrá-lo de todos os seus feitos como uma forma simplista de não perder a atenção do espectador. Outro ponto no mínimo peculiar é o uso do cigarro como vírgula em quase todos os diálogos; honestamente, se eles não parassem para fumar a cada fala talvez o filme durasse meia hora a menos. 

Se o início do longa parece formar um ambiente sereno como as composições de Bernstein, os atos seguintes provam que, felizmente, essa não é a proposta. Ao som das mais belas harmonias, o relacionamento do casal desmorona apenas para se reerguer novamente, fazendo o público pagar um preço pela carga emocional elevada e justificando como, de fato, por trás de todo grande homem existe uma mulher muito otária. Mulligan cresce nos momentos mais dramáticos de sua personagem e, entre o amor e o ódio, tem um arco digno até a despedida de Montealegre. A sua trajetória é atravessada constantemente pelas decepções que tenta suportar para ver Lenny feliz, definhando conforme ele suga a energia por não conseguir ser um por inteiro.

As grandes angústias da esposa de Leonard Bernstein também envolvem os relacionamentos ‘paralelos’ dele com outros homens. Vale destacar como Maestro realiza uma representação fidedigna e natural da comunidade queer, introduzindo os amores anteriores e posteriores do protagonista com maestria, além de entregar uma cena entre pai e filha muito importante para o entendimento do cenário vivido na metade do século passado; somente não tão grandiosa pelo fato de Jamie Bernstein ser interpretada por Maya Hawke, há um bom tempo emulando ela mesma nas produções em que é escalada. No mais, frente a tantos embates, nem mesmo um Snoopy inflável gigante invadindo a paisagem é capaz de atenuar o clima de drama. 

Exatamente como todo Oscar bait que se preze, Maestro recebeu sete indicações ao Oscar 2024. Dentre as categorias de Melhor Filme, Melhor Atriz, Melhor Ator, Melhor Fotografia, Melhor Som, Melhor Roteiro Original e Melhor Cabelo e Maquiagem, a sua maior chance está na caracterização elaborada por Kazu Hiro, Kay Georgiou e Lori McCoy-Bell, que talvez tenha lhes custado a reputação nas redes sociais, mas já levou dois prêmios do Sindicato de Maquiagem e Cabelo de Hollywood para casa. Ao longo da divulgação do filme, Bradley Cooper tentou de tudo para atrair os holofotes sobre a sua atuação, até usou das mesmas táticas de sua ex-parceira de cena, Lady Gaga, ao relatar ter visto o espírito de Lenny vagando pelo set, porém, nada parece tirar o homem dourado das mãos de Cillian Murphy por Oppenheimer.

Ao fim, o filme trata de um cineasta tentando conduzir uma obra sobre uma lenda da Música, no entanto, que acaba orquestrando o seu próprio maestro interior. Com cosplays étnicos que variam desde ofender a população judaica até escalar uma atriz britânica para viver uma latinoamericana, Maestro parece preparar o terreno para que, em alguma chance futura, Cooper possa se gabar sobre esse divisor de águas na sua carreira em sua cinebiografia. Enfatizando o monólogo de John Mulaney durante o Governors Awards; foram supostos seis anos de treinamento para executar seis minutos de perfeita condução que a audiência dificilmente saberia distinguir de uma entrega fajuta. Resta a Leonard Bernstein os aplausos eternos e a Bradley Cooper o desejo de que pense melhor sobre o seu papel.

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Nathan Nunes

Em 1988, o diretor Robert Zemeckis (De Volta para o Futuro, Náufrago) e o lendário animador Richard Williams (Um Conto de Natal) lançaram ao mundo Uma Cilada para Roger Rabbit, filme que fez sucesso ao convencer o público de que humanos poderiam interagir de maneira convincente com personagens de animação. No ano seguinte, a Disney se preparava para estrear em seu canal a série Tico e Teco e os Defensores da Lei, uma revitalização da marca dos dois esquilos – existente desde os anos 40 – em forma de desenho animado, que também gerou bons resultados de audiência para a casa do Mickey. 

O que uma coisa tem a ver com a outra? Em 2022, Tico e Teco voltaram aos holofotes em Tico e Teco: Defensores da Lei. Lançado diretamente no Disney+, o longa possui um legado bastante similar ao de Roger Rabbit, tanto na sua feitura mista de desenho animado com live-action (isto é, atores em carne e osso) quanto ao valor que dão à Arte da Animação, narrativamente falando.

A história começa exatamente no final dos anos 1980, quando o seriado de mesmo nome estava em seu auge. É nesse momento que Teco (Andy Samberg, de Brooklyn Nine Nine) decide seguir carreira solo e abandona Tico (John Mulaney, de Big Mouth), consequentemente dando também fim ao show. Décadas mais tarde, os dois esquilos se encontram completamente diferentes (Teco está até mesmo com um novo design em 3D) e ainda com a amizade abalada para descobrir o que está por trás do desaparecimento de seu amigo Monterey Jack (Eric Bana, de Hulk e Star Trek). 

A produção do Disney+ foi indicada ao Emmy 2022 na categoria de Melhor Telefilme, na qual concorre com Ray Donovan: The Movie (Showtime), Reno 911! The Hunt for QAnon (Paramount Plus), The Survivor (HBO) e Zoey’s Extraordinary Christmas (Roku). Devido aos rótulos que tanto a indústria cinematográfica como a televisiva colocam de que animação é “coisa de criança”, é provável que a produção saia de mãos vazias na categoria, perdendo para um candidato mais “sério”.

Essa noção extremamente desrespeitosa e limitada acerca da animação é justamente o oposto da forma como Tico e Teco: Defensores da Lei a trata, pois o que temos aqui é a Arte do desenho animado sendo abraçada em suas diferentes nuances de estilo e cultura. No primeiro sentido, destaca-se o uso de técnicas variadas em conjunto: 3D, 2D, stop-motion, entre outros. Além de tudo ser muito bem feito, contribui para uma diversidade visual gostosa de se ver em cena. 

Já no segundo, chama atenção a maneira que o filme se utiliza de detalhes específicos que fazem parte da história da animação, como ferramentas sagazes de roteiro. Um exemplo é toda a piada da região onde se localiza o covil do vilão Sweet Pete (Will Arnett, de Lego Batman) ser chamada de “vale da estranheza”, em referência ao fenômeno de mesmo nome que ocorre quando os olhos do público não se acostumam com um personagem digital. 

Outro exemplo mais significativo está no plano do antagonista de sequestrar desenhos animados e criar cópias pirateadas e de baixa qualidade para vender no exterior, algo que acontece com animações famosas desde os anos 80. O caso mais emblemático desse tipo de prática na indústria foi o da empresa brasileira Vídeo Brinquedo, produtora de pérolas como Os Carrinhos, Ratatoing e Ursinho da Pesada.

Além de ser um tributo de muito bom gosto para a Arte da Animação, Tico e Teco: Defensores da Lei também é um excelente filme de amizade, tendo em vista a ótima química da dupla titular. Por mais estranhas que possam ter parecido as escolhas dos dubladores no começo, John Mulaney e Andy Samberg se saem muito bem entregando personagens extremamente cativantes a seu modo particular. 

O Tico de Mulaney tem aquela impetuosidade clássica, em conjunto com uma visão marrenta e cínica da vida, que é quebrada completamente pela espontaneidade do Teco de Samberg. O jeito meio bobalhão e descontraído do nosso querido detetive Jake Peralta está inteiramente presente no timing cômico do pequeno esquilo, juntamente com um olhar sensível acerca dos seus erros no passado e da amizade, difícil de ser reconectada com o parceiro. 

No que tange aos coadjuvantes, dois personagens se destacam. Um deles é o Capitão Putty de J.K. Simmons (Whiplash), que carrega o peso da presença de voz do ator em seu jeito bem sisudo e centrado. Já o outro é o Sonic Feio de Tim Robinson (Star Trek: Lower Decks e Solar Opposites), que funciona tanto como uma referência para os fãs mais ávidos, como também na forma de um personagem divertido por si próprio.

Dito todos os elogios, é bom ressaltar que o filme não é perfeito e nem pretende ser, visto que o foco aqui está muito mais na construção da amizade da dupla principal e na celebração da animação do que qualquer outro ponto. Nesse sentido, o único aspecto que incomoda um pouco é a ansiedade do texto de precisar explicar algumas referências para que o público não fique perdido, algo que o deixa com um sentimento meio engessado, mesmo que não necessariamente ruim. 

Ademais, o retorno dos esquilos que marcaram a infância de diferentes gerações nos anos 1990 para as telas não poderia ser mais simpático. Seguindo os passos que Uma Cilada para Roger Rabbit trilhou 34 anos atrás para valorizar a animação como forma de Arte séria, sob a qual poderia ser contada diferentes histórias, até mesmo uma de filme noir; Tico e Teco: Defensores da Lei funciona muito bem como uma nova carta de amor a esse universo tão específico e fascinante do Cinema, além de ser puramente cativante por si só.

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Nathalia Franqlin

Finalmente chegou na Netflix a tão esperada continuação de Big Mouth. A série animada de comédia estreou em 2017, surfando nessa onda nova de animações para adultos nas plataformas de streaming. Ela conta com a participação de nomes relevantes no gênero, como seu co-criador Andrew Goldberg, que já participou do roteiro de Uma Família da Pesada. O criador da série, e amigo de infância de Andrew, Nick Kroll, também não é um novato nessa área, ele fez parte do elenco de Festa da Salsicha, que é – de fato – uma predecessora das animações esteticamente infantis, de gosto duvidoso e explicitamente sexuais.

Cada temporada de Big Mouth seguiu o desenvolvimento dos pré-adolescentes, em especial os melhores amigos Nick (Nick Kroll) e Andrew (John Mulaney). No primeiro ano, temos a chegada dos famigerados monstros hormonais na vida dos protagonistas, esse foi o começo do fim, o início da puberdade e o encerramento da infância. A priori, a série chocou e até repercutiu negativamente nas redes sociais entre os mais conservadores, pelo seu linguajar explícito e cenas grotescas. 

Já na segunda temporada, a trama perdeu um pouco o fôlego, diminuindo a quantidade de episódios escatológicos e tentando tomar um tom mais didático. Para isso, tratou de temas como ISTs e prevenção sexual, coisa que acabou por deixar Big Mouth cansativa, tediosa e, até mesmo, incoerente, já que, enquanto tomava um rumo educacional, continuava por mostrar de forma imprudente o uso da pornografia. 

Os anos recentes conseguiram se recuperar do catastrófico segundo. O terceiro chegou com um enredo muito mais interessante, buscando aprofundar os problemas pessoais dos personagens principais e focando na questão da masculinidade tóxica. Finalmente, a cereja do bolo: o quarto ano da série. O melhor até agora, mostrou o amadurecimento da narrativa e dos personagens, agora, adolescentes. Essa foi a única temporada da produção que conseguiu 100% de aprovação no site Rotten Tomatoes. 

A trama continua com foco nos melhores amigos. Mas, cada episódio desta temporada segue sendo um mais interessante que o anterior, e, apesar de todos  terem um certo nível de autonomia, o roteiro está muito bem escrito, fazendo com que eles trabalhem bem entre si. A quarta parte de Big Mouth não é maçante ou tediosa – como a segunda – não é aquele tipo de série que você assiste, com muita dificuldade, apenas pelo interesse no desfecho no final. Não, agora você vai querer maratonar a temporada toda de uma vez.

O primeiro episódio mostra como estão se desenvolvendo as intrigas geradas no final da terceira temporada com o beijo entre Missy e Nick, que deixou Andrew muito irritado. Este ainda se torna um bullie. Nesse ponto, é interessante como a série consegue desenvolver conceitos pouco materiais por meio de analogias, por exemplo, o sentimento de ódio que Andrew não consegue abrir mão se torna, literalmente, uma dolorosa e furiosa constipação intestinal, dublada por Paul Giamatti.

Logo no início, somos expostos a vários novos elementos e personagens singulares. Temos a aparição de Natalie (Josie Totah), uma adolescente trans. Big Mouth surpreende porque, de maneira geral, séries e filmes  – como o aclamado A Garota Dinamarquesa (2015) – tendem a tratar seus personagens trans como “personagens tipo”, ou seja, personagens extremamente genéricos e muito caricatos de um determinado grupo a ser representado, e sem a efetiva representação de atores e atrizes transexuais no elenco.

Mas não é isso que ocorre  aqui, começando pela atriz que dá voz à Natalie e também é uma mulher transexual. A personagem é uma menina complexa, tem suas próprias questões pessoais e sua personalidade não é apenas mostrar o orgulho trans ou ter um arco sofrido para se aceitar, ela é esperta, adora piadinhas de gosto duvidoso, fica ansiosa e insegura às vezes, mas tenta se mostrar forte e inabalável na maior parte do tempo. Ela é só mais uma pré-adolescente enfrentando grandes primeiras emoções e passando pela puberdade. 

Aparecendo junto com Natalie, temos Tito (Maria Bamford), o Mosquito da Ansiedade. Ele, sem dúvida, foi mais uma das sacadas geniais da série. Personificar um sentimento, como já havia acontecido antes com a Gata da Depressão (Jean Smart) e o Mago da Vergonha (David Thelwlis), é um dos melhores caminhos para demonstrá-los de uma forma que não vire gatilho para pessoa mais sensíveis, e mantém a proposta da série de explorar a puberdade enquanto “abraça as fraquezas do corpo humano e do sexo”. Tudo isso, claro, mantendo um tom leve e divertido.

Agora, o Mosquito é o responsável pela maioria dos conflitos envolvendo os personagens. Ele é irritante, insistente, não para de falar, sabe das maiores inseguranças de cada um e consegue alimentá-las; não é surpresa que essa seja a motriz do efeito dominó nos conflitos na série. É interessante como conseguimos nos identificar com os personagens quando eles estão vulneráveis pelo Tito, porque, de fato, todos já tivemos problemas com os mosquitos da ansiedade durante a adolescência, essa fase confusa tanto para nós, quanto para os personagens. Esse é, com toda certeza, um dos elementos que deixou essa temporada de Big Mouth tão provocante. 

Outro personagem que também ganha destaque é o Nick do futuro, ou Nick Starr. Ele não é novo dessa temporada, já havia sido mencionado anteriormente em um episódio do segundo ano de Big Mouth. Mas, agora, ele tem um destaque de super vilão ao estilo Psicopata Americano. Nick Starr é um episódio singular nessa temporada, ele quebra um pouco o ritmo da série e, a priori, pode ser incômodo para aquele que já se sente vidrado ao enredo. 

O capítulo do futuro acontece inteiramente na cabeça do Nick do presente, na forma de um pesadelo. Esse é o Nick completamente tomado por suas inseguranças e medos, ele é solitário, rico, viciado numa droga que o faz ter orgasmos, é narcisista e egoísta. Nesse futuro, há leis ambientais que protegem os mosquitos, todos idênticos ao Tito, e, por mais incômodos que eles sejam, ninguém pode matar nenhum, e também o planeta está entrando em colapso com o apogeu capitalista.

Esse não é o melhor dos futuros, mas é realista. Big Mouth, apesar de manter o mesmo nível desde o seu início, tomou um tom mais duro e crítico, talvez até mesmo sombrio. Isso é bem coeso, já que vemos esse mundo através dos personagens e, agora, é a vez deles estarem sendo, de fato, adolescentes e não mais pré-adolescentes, a infância morreu de vez. Eles não estão, necessariamente, mais maduros, e sim mais críticos, políticos, revoltados, ansiosos e inseguros.  

Outro ponto chave nessa última parte é a jornada de autoconhecimento de Missy (Ayo Edebiri). Ao final da terceira temporada, ela conhece Mona (Thandie Newton), sua Monstra Hormonal, o que leva ao fim da sua infância. O arco de descobrimento de sua identidade é uma das melhores partes desse ano. Missy é muito doce e gentil, mas precisa se descobrir e aceitar todas as partes de sua personalidade – incluindo a mais ousada e assertiva de todas. As várias Missys, incluindo a Missy revoltada e agressiva, a ajudam a iniciar sua adolescência e a se tornar menos inocente. Esse foi um desenvolvimento muito importante para a narrativa, ela ter ganhado tamanha progressão tornou a trama muito mais cativante. 

Ainda sobre a personagem, por causa do fomento nos debates sobre dubladores brancos dublarem personagens não-brancos, houve uma mudança no elenco dos voice actors. Missy não foi e não será mais dublada pela atriz branca Jenny Slate, agora  a atriz, escritora, comediante e produtora Ayo Edebiri será a porta-voz da personagem. Isso é pertinente também para a subjetividade da trama, já que esse é o momento em que a garota começa a se enxergar como uma pessoa negra e a levantar questões estéticas, sociais e culturais sobre sua auto expressão. Esse é o momento, por exemplo, que ela decide trançar o cabelo. 

Big Mouth realmente acertou nesta quarta temporada, trouxe elementos interessantes, amadureceu o tom e, finalmente, parou de incentivar o uso da pornografia. A Netflix já renovou a série para o quinto ciclo e, até mesmo, confirmou que haverá o sexto. Com base nas últimas datas de lançamento das temporadas anteriores, é provável que a próxima fique para o final de 2021, entretanto, ainda é possível que haja atrasos na produção em decorrência da pandemia e ela só esteja disponível no início de 2022. Agora, basta esperar para ver se ela vai seguir a evolução da quarta, se manter no nível das primeiras, ou nos surpreender ainda mais.

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