Leticia Stradiotto

Com o pé afundado no acelerador, o criativo Edgar Wright apresenta um passeio de motor que destaca-se entre as obras do gênero. Em Ritmo de Fuga, em inglês Baby Driver, realmente foge do estereótipo de outros feitos cinematográficos que envolvem crimes e carros em alta velocidade. Lançado em 2017, o primeiro filme realizado nos EUA pelo diretor tem a ambientação dos assaltos em Atlanta e resulta na combinação do romance com perseguições de carro, além de nos presentear com uma caracterização visual de tirar o fôlego.

Antes da estreia de Baby Driver, o diretor Edgar Wright ainda não estava no ápice da admiração em sua carreira, apesar de ter lançado os aclamados, e também criticados, Chumbo Grosso (2004) e Scott Pilgrim Contra o Mundo (2010), ele ainda não tinha dado seu grande “boom” entre os queridinhos de Hollywood. Entretanto, a chegada de Baby Driver nas telonas garantiu o lugar de Wright dentro do Cinema pop. Com referências da trilogia de De Volta para o Futuro, em conjunto com a espetacular trilha sonora calculada nos mínimos detalhes, a produção vibra e caminha Em Ritmo de Fuga até as atuais essências do audiovisual.

Entre fantasias e sensibilidades, a rota do filme está direcionada ao motorista de fuga, Baby, interpretado por Ansel Elgort – ator que foi acusado de abuso e agressão sexual em 2020. O personagem utiliza fones de ouvidos para abafar o zumbido que adquiriu durante um acidente de carro, responsável por sacrificar a vida de sua mãe. A partir disso, Baby orquestra a vida em inúmeras playlists cuidadosamente selecionadas em seu iPod.

Porém, a vida de Baby não tem muita melancolia, o rapaz está sempre se estreitando entre o amor e o dinheiro. Em dívida com Doc (Kevin Spacey, que, assim como Elgort, foi acusado de abuso sexual pouco depois da estreia do filme), o chefão do crime, o jovem se encontra sempre a um passo mais perto da liberdade de seu trabalho arriscado como piloto de fuga. Baby é um moço singelo e extremamente comum. Após a triste perda de sua mãe, ele encontra abrigo apenas em seu pai adotivo, Joe (CJ Jones), um gentil senhor surdo – isso, até o jovem piloto conhecer seu grande amor, Debora (Lily James).

Debora, a garçonete simpática e apreciadora de música, desperta um novo motivo para Baby continuar com as perseguições e assaltos: conseguir dinheiro para sair da vida do crime e assim construir um digno final feliz com ela. Apesar de seu amor crescente pela moça, Baby ainda tem débitos com a bandidagem, e a única forma de resolver isso é acionar o volume no máximo em alta velocidade.

No trabalho, o jovem está cercado de capangas com passados duvidosos e problemas em potencial. Combinando ação e thriller, a gangue de criminosos é composta por um elenco de grandes nomes, possuindo atores como Jamie Foxx, representando Bats, um homem imprevisível e agressivo; Jon Hamm e Eiza González, uma dupla do tipo Bonnie e Clyde; e até mesmo Flea, o baixista do Red Hot Chili Peppers atua no filme.

Durante a trama fica evidente que o trabalho de Edgar Wright foi nutrido há anos para obter um resultado tão gigantesco. Tal fato é justificado pelo script iniciado em 1995, e somente finalizado 16 anos depois. Além disso, a introdução de Baby Driver torna-se fabulosa em apenas 6 minutos de cena ao som de Bellbottoms (“o fabuloso, mais excitante”) de Jon Spencer Blues. O momento lendário é a principal base em que o filme é construído: com muita ação, som e adrenalina os companheiros  de crime do protagonista estão assaltando um banco, ao mesmo tempo em que Edgar Wright está nos oferecendo uma experiência contagiante, dirigindo um grande mix entre carros e músicas, assim, criando uma conexão especial entre espectador e cenário.

Por si só, a abertura do filme demonstra toda a sua originalidade que é encontrada por quase duas horas. A corrida de Baby ao café é segmentada ao ritmo de Harlem Shuffle de Bob & Earl, com letras aparecendo magicamente nas paredes e placas. A Música é o principal elemento da produção, responsável por trazer os mais diversos sentimentos nas mais variadas cenas. É fácil dizer que o filme não é dirigido, mas sim, orquestrado por Wright. O resultado é um trabalho espetacular que mantém a adrenalina encontrada nos primeiros minutos pelas demais horas seguintes, alternando entre sequências de ações desenfreadas e cenas mais leves e, por fim, consequenciando um plano musical extremamente bem instrumentado.

Interligando música e carros velozes, o jovem Baby cria canções a partir de conversas gravadas, trabalhando como uma espécie de diretor e construindo a trilha sonora de sua vida. Porém, Em Ritmo de Fuga possui uma finalização controversa, a partir do momento em que a história perde a linha de ação é comum questionar sobre o extravio da obra e o porquê dessa ausência de linearidade. Mas, de qualquer forma, é um alívio concluir que o principal manejo foi unir o útil ao agradável: o recheio do filme é sua intensidade enquanto o soundtrack torna-se a cereja do bolo.

O desenrolar do enredo e a incessante busca pelo final feliz instigam o telespectador a seguir o filme até o fim. Por mais que o roteiro não tenha muitas inovações no gênero – com fugas e roubos ao banco – a execução é tão bem colocada que faz com que tudo pareça novidade dentro do Cinema, seja no romance musical ou nas próprias sequências de adrenalina. Os diálogos ácidos e as piadas contextualizadas na direção de Edgar Wright dão uma apimentada com um toque perfeito para a composição e identidade visual de Baby Driver.

Em Ritmo de Fuga faz aniversário com atemporalidade e ainda garante seu destaque nos principais filmes de ação. O seu significado dentro do audiovisual é a capacidade de manejar o talento para que a obra seja realmente orquestrada, unindo aquilo que nós mais gostamos: ação e Música. O esforço e trabalho de anos da direção dão origem a um filme extremamente original e com características que apenas Edgar Wright é capaz de transmitir pela Sétima Arte. Baby Driver é uma experiência sobre a eterna viagem: somente eu, minha música e a estrada.

O post 5 anos de Baby Driver: a essência do audiovisual ainda corre Em Ritmo de Fuga apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Vitor Evangelista

O que significa ser um super-herói? O senso de justiça, o dever a ser cumprido e o regozijo em fazer o bem podem estar na ficha técnica de qualquer mascarado que pirueteia pelas vielas escuras de uma cidade recheada de crimes. O Homem-Aranha, mais do que qualquer outro advento quadrinhesco, ganha novas camadas quando analisamos suas características mais específicas: ele é um adolescente passando pela puberdade, alguém efervescendo e encontrando seu lugar no mundo, em adição a picada do aracnídeo e o combo de grandes responsabilidades que chegam junto dos grandes poderes. 

Em 2018, Homem-Aranha no Aranhaverso soube destacar as particularidades do personagem-título com astúcia, deixando claro que, além do trauma de perder alguém, ser o Cabeça de Teia está muito ligado a ideia de sacrificar seu próprio espaço pessoal em prol de um parente, um amigo ou mesmo uma metrópole. Em 2021, chegou a vez do Peter Parker de carne e osso (Tom Holland) perder o chão e se firmar como o Amigão da Vizinhança que tanto lhe cobraram de ser desde que assumiu o manto em um aeroporto alemão. 

A narrativa de Homem-Aranha: Sem Volta para Casa (Spider-Man: No Way Home, no original) segue os eventos de Longe de Casa, quando um já derrotado Mysterio (Jake Gyllenhaal) dá a cartada de mestre de seu plano maléfico e revela ao mundo a identidade secreta do herói. Em meio ao caos, Peter resgata uma zonza MJ (Zendaya) do linchamento público e, reunido com Ned (Jacob Batalon), May (Marisa Tomei) e Happy (Jon Favreau), o time Aranha precisa decidir os próximos passos.

O Doutor Estranho se lamenta, sem entender que diabos ocorreu. Ele, agora sem o título de Mago Supremo depois de morrer no estalo de Thanos e tampouco sem o poder da Joia do Tempo, assume o papel de carrasco do Aranha, ditando o plano de resgate para que figuras históricas da mitologia de herói possam ser detidas e não causem mais dano à Nova Iorque lavada e sem cor da Marvel. Acontece que, na hora de conjurar a magia que faria boa parte do mundo esquecer que Peter Parker é o Teioso, bolas foram invertidas e as pessoas que tem conhecimento dessa identidade, independente de que mundo moram, estão sendo puxadas para essa Terra.

Assim, retornam 5 grandes antagonistas das sagas anteriores do personagem. Resgatando um vilão de cada produção solo, o diretor Jon Watts começa a movimentar seus peões. Da obra de Sam Raimi, retornam o Duende Verde (Willem Dafoe), o Doutor Octopus (Alfred Molina) e o Homem-Areia (Thomas Haden Church); das aventuras espetaculares, os malvados do pedaço são o Lagarto (Rhys Ifans) e o Electro (Jamie Foxx). Com o circo armado, Parker e Watts precisam, além de pingar os is de uma trilogia que chega ao fim, satisfazer os fãs mais fervorosos do momento.

Afinal, com a abertura do Multiverso (que começou em WandaVision e continuou em Loki), as possibilidades são infinitas. É interessante, entretanto, que na exploração do conceito, o produtor executivo Kevin Feige opte por domar leões conhecidos antes de partir para apresentações inéditas. Se o Mercúrio de Evan Peters do começo de 2021 não passava de uma piada sem graça, o retorno dos eternizados Tobey Maguire e Andrew Garfield é a recompensa que a Casa de Ideias germina desde a concepção dos eventos pós-Thanos. Considerando que ir ao Cinema nesses anos de pandemia se tornou um acontecimento raro, filmes-evento como o terceiro Aranha de Holland não se provam apenas como uma retomada às salas, mas também um gigante alerta sobre a dominância dos arrasa-quarteirões nas bilheterias e nos mercados menores.

Quando foi lançado, Homem-Aranha: Sem Volta para Casa dominou as sessões, chegando a acabar com exibições de longas menos populares, como o Amor, Sublime Amor, de Steven Spielberg, King Richard: Criando Campeãs e até Marighella, de Wagner Moura, que sofreram com orçamentos grandes e um retorno financeiro que não se mostrou à altura. Todos os anos, em principal quando a Marvel reúne seus bonecos de ação em obras derradeiras, a discussão sobre monopólio cultural é acendida e apagada. 

A demanda é alta, é claro, mas se apenas um filme é exibido em uma porção de salas, qual a escolha do público senão prestigiar e assim inflar a bilheteria bilionária? Enquanto o Brasil não fizer nada para regulamentar questões do gênero, a vitrola continuará riscada, repetindo a mesma nota de pesar pelo conteúdo nacional, mas sem efetivamente preferenciá-lo ao lado da Lei. Dito isso, o sucesso mundial do Spider-Man transformou o longa na maior arrecadação da pandemia, além de aumentar um falatório em relação a uma possível nomeação ao Oscar. Mas isso são outros quinhentos.

De volta ao filme, é impressionante notar o fator sorte na direção de Jon Watts. Isto é, depois de Sam Raimi revitalizar o gênero dos heróis (ao lado de Blade e dos X-Men) no início dos anos 2000, e de Marc Webb não permitir que Garfield fosse parte de narrativas empolgantes (e mesmo assim cair no gosto do público), o cineasta da Marvel tem todas as cartas à mostra para celebrar o Cinema do Aranha, fechar ciclos importantes dentro do MCU e ainda sanar a inquietude de quem implorava por um Parker independente, sem as facilitações cedidas pelo Homem de Ferro, Nick Fury e Doutor Estranho.

Por conta disso, momentos como a introdução de Matt Murdock (Charlie Cox) são tanto ou até mais empolgantes que as lutas de Holland com os vilões. A surpresa, rápida e eficiente, de enfim enxergar o Demolidor ser convidado à festa suprime qualquer ação de computação gráfica que tem tesão em destruir concreto e capotar veículos de luxo. Quando atuou em 2004, Alfred Molina era auxiliado por humanos que controlavam seus quatro amedrontadores braços, dando substância à concepção de um vilão que nasceu, em telas, da mente do diretor que brincava com A Morte do Demônio nos anos 80.

Dessa vez, a movimentação do Doutor Octopus não passa perigo algum, por mais que o carisma e a entrega de Molina segurem o tom ameaçador que o personagem sempre exibiu. O contrário vale para o Duende Verde, que muito se beneficia da expressividade imortal de Willem Dafoe. O ator se manteve longe do Cinema mais pop nos últimos anos (apenas montando tubarões no Oceano), alternando sua rotina entre ocupar faróis imundos, motéis coloridos e manicômios artísticos, mas faz de seu último ato como Norman Osborn um espetáculo de loucura e alucinação.

A decisão de abdicar da característica e aterrorizante máscara verde pode doer o coração de quem borrava as calças quando criança só de ouvir a risada e o planador à distância, mas a síndrome Marvel de estampar o rosto dos atores enriquece o Duende, um magnata falido e doentio, sofrendo de distúrbio de personalidades. As trocas entre Dafoe e Holland são as melhores que o jovem ator já teve com qualquer antagonista, e, por conta das nuances do vilão, cada cena oferece múltiplos graus de emoção e tensão, afinal, nem a trilha de Michael Giacchino dá conta de modular as viradas do texto, escrito por Chris McKenna e Erik Sommers.

A música do compositor sabe complementar a direção de Watts, partindo da abertura até a canção que embala os créditos. Aliado à potência de reunir 3 gerações do aracnídeo, o filme se sustenta pela emoção. Afinal, a iminente e já anunciada ponte para a trama do segundo Doutor Estranho impossibilita Sem Volta para Casa de voar alto demais. Mesmo a notícia de uma nova trilogia, desta vez ambientada na faculdade, apenas aterra esse capítulo três como um inevitável acerto de contas da Marvel com os fãs.

Os comentários mais autorais da obra perdem-se no emaranhado de referências, mas não devem passar totalmente despercebidos. Quando reescala J.K. Simmons para o papel de um psicopata da mídia, Jon Watts discursa a respeito da proliferação de notícias falsas e do valor mercadológico da indústria de sensacionalismo. Não à toa, o J. Jonah Jameson da Marvel é um mix de José Luiz Datena com Luiz Bacci de bigodes, partindo de um cenário de porão mal iluminado quando dá o furo da identidade do Aranha, até conseguir orçamento para financiar helicópteros sobrevoando a vida do menino como urubus famintos.

Detalhes desse gênero se camuflam por toda a narrativa do filme. A discussão que permeia o antipunitivismo pode ser mais discutida no campo extra-filme, assim como a escolha de situar o embate derradeiro entre Aranha e Duende por cima dos ideais de paz derrotados no escudo caído do Capitão América. E não é como se o Cinema de herói não encontrasse espaço para discussões mais aprofundadas, mas visto que os Eternos de Chloé Zhao carregam o fardo de filme com a recepção menos positiva do MCU por não se apoiar no já desmiolado e deturpado conceito de fan service (quando a obra atende pedidos diretos de quem a consome), não é estranho que a empresa por trás do império tenha apostado todas as fichas na nostalgia e no apreço pelo que já é passado.

E, falando dos dois grandes monumentos históricos de Sem Volta para Casa, Tobey Maguire e Andrew Garfield brilham no maior filme de 2021. Os Aranhas experientes são um complemento à jornada de Tom Holland no papel, formando a base para que, sem um lar físico ou emocional, ele possa seguir em frente. O conceito de moradia que permeia a versão da Marvel para o personagem culmina no medo mais genuíno do homem, o de se encontrar sem um norte, sem uma casa para voltar. Para se tornar o Spider-Man que Stan Lee e Steve Ditko criaram em 1962, Tom Holland precisava não apenas ir ao baile de formatura com a filha do Abutre, virar um Vingador, lutar contra um alien roxo e ter sua identidade secreta revelada. Ele precisava perder o tio Ben.

Mas não existe Tio Ben na Marvel, nunca existiu. Como então rasgar o coração com oito patas do jovem? Como destruir seus sonhos e dilacerar sua alma? Voltando à origem da concepção moderna do Teioso nos cinemas. Não há inimigo mais terrível que o Duende Verde, não há vítima mais letal que a Tia May, não há como esse caminho ser desviado. Com grandes poderes, vem grandes responsabilidades, já disseram três parentes, agora falecidos. E eles falaram a verdade. A juventude e a inocência de Holland foram expurgadas de seu corpo cansado, machucado e dolorido.

Se nem MJ nem Ned sequer se lembrarão do nerd do Queens, o que lhe resta para continuar se pendurando pelos prédios da Grande Maçã, ele questiona seus mentores-irmãos. Nem Maguire nem Garfield têm o gabarito em mãos, mas suas experiências de perda, luto e sobrevivência oferecem suficiente compaixão e esperança para Holland. O amanhã pode ser cinzento, mas ele deve continuar na jornada. Sem namorada, sem melhor amigo, sem tia, sem Stark e sem Estranho. Sem volta para casa, sem emprego e sem formatura. Sem todos os mimos que lhe privilegiavam, mas com grandes responsabilidades nas costas. Bem-vindo, Peter Parker, será ótimo te conhecer ainda mais.

O post Sem Volta para Casa, o Homem-Aranha busca refúgio em si mesmo apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Pedro Gabriel

O sentido do viver é umas das questões mais antigas do ser humano. Por que estou aqui nesse mundo? Qual o meu propósito na Terra? Essas perguntas rodeiam a nova produção dos estúdios Pixar, Soul. Dirigido por Pete Docter (Monstros S.A, 2001 e Up! Altas Aventuras, 2009), e co-dirigido por Kemp Powers, seguimos a vida de Joe Gardner (Jamie Foxx), um professor substituto de música de uma escola, com o sonho de ser um músico profissional de jazz. 

Quando Joe finalmente consegue uma vaga em um quarteto de uma grande musicista de jazz, Dorothea Williams (Angela Bassett), um acidente acontece, e ele morre. Com isso, a história de Soul percorre a tentativa do homem de voltar ao corpo, ao mesmo tempo que ele tenta ajudar uma jovem alma chamada 22 (Tina Fey) a conseguir um passe para a Terra.

A premissa do filme não é inovadora. Mas ela é bem utilizada pela Pixar em suas produções, onde o protagonista é levado para outro local, precisando percorrer aventuras para retornar ao seu lar. Mas, como em outros longas, Soul consegue entregar uma obra delicada, complexa e profunda, acertando mais uma vez na sua fórmula.

O jazz como fio condutor

Em entrevistas sobre o filme, Docter contou como foi escolhido tanto o personagem, quanto o fundo que a história teria. Foi quando surgiu a ideia de um professor de música, que é apaixonado por jazz. E com o estilo musical, surge o primeiro protagonista afrodescendente da Pixar, e o primeiro co-diretor negro de uma animação do estúdio, Kemp Powers. 

Não apenas o personagem principal, mas toda a Nova Iorque criada em Soul mostra essa representatividade de diversas etnias, mas focando na comunidade negra norte-americana. E a principal delas, e que permeia nos ouvidos de quem assiste, é o jazz, um estilo que está intrinsicamente conectada com a história dos negros nos Estados Unidos. 

A trilha sonora original, composta por Trent Reznor, Atticus Ross e Jon Batiste, leva a entender o porquê Joe ama tanto tal estilo, e torna todo o clima do filme mais intenso. Ela dita o ritmo dinâmico da produção, que não enrola em seus 101 minutos. Tudo tem o tempo necessário, sem “barrigas” no meio da narrativa.

O antes e o depois da vida

Docter constrói um mundo muito rico em Soul. Primeiro é apresentada uma visão do Além-Vida, um lugar onde as almas vão quando morrem. Após a negação de Joe de sua morte, ele cai em um universo completamente diferente, o Pré-Vida. Novamente, os diretores conseguem realizar o feito de criar um mundo complexo e organizado, com uma estética de empresa, para ambientar suas histórias, como feito em Divertida Mente. 

O contraponto feito entre esses dois estágios é construído de uma forma certeira: no Além-Vida, as almas, que já batalharam muito durante sua existência, esperam em uma esteira, no meio da escuridão, que as leva de encontro a uma luz branca, aquele é o seu descanso. Já no Pré-Vida, o ambiente toma outras proporções. Nesse local, que é colorido e “cheio de vida”, as almas criam suas personalidades. 

Através de tutores, elas são inspiradas e levadas a achar um propósito, que dará um passe para a Terra. Para encarnar, pulam em um buraco que as leva para o planeta, dando esse salto de fé que é viver. Todo esse mundo é gerenciado por entidades, que no Pré-Vida são chamadas de Jerry, ou Zé na tradução brasileira (tendo a participação na versão original de Alice Braga como Jerry A). Enquanto no Além-Vida, Terry (Rachel House) é responsável pela contagem e gerenciamento de almas desencarnadas, e é ele quem vai atrás de Joe.

Além desses locais, existe um terceiro, chamado de Viagem pelos personagens. Um plano que fica entre o mundo dos vivos e dos mortos. As pessoas que ali se encontram, estão em uma espécie de transe por algo que gostam, ou estão perdidas em suas ansiedades e inseguranças. 

Tanto a parte criativa do mundo de Soul, quanto sua estética são impecáveis. É certificada com o selo Pixar de qualidade, e funciona muito bem com o que o filme se propõe a mostrar. O roteiro de Pete Docter, Mike Jones e Kemp Powers é simplificado e complexo ao mesmo tempo, sem subjugar a inteligência de seus espectadores, sendo compreensível tanto para adultos, quanto para crianças.

As camadas dos personagens

Nessa realidade construída por Docter e Powers, a história se desenrola com os dois personagens muito bem desenvolvidos. De um lado temos Joe, um cara que está na sua meia idade, e que passou a vida inteira esperando o seu momento. Ele tem uma vida pacata, sem grandes emoções, adiando o seu viver até que seu sonho seja realizado, e agora terá que inspirar uma alma a querer viver, para que ele consiga voltar. Em contraponto, temos a 22, uma alma que está no Pré-Vida há muitos anos, e que não consegue achar uma motivação para querer viver.

Muito do sucesso de Soul se deve a química maravilhosa entre os dois personagens principais. Os atores dão um show de atuação, tanto no original, quanto na dublagem brasileira (Jorge Lucas e Carol Valença dublam Joe e 22 aqui no Brasil), passando a imagem proposta pelo filme da dupla. Os dois são muito carismáticos, e logo nos primeiros segundos que estão em tela, já torcemos para que consigam o que querem. Ainda que os destinos traçados sejam previsíveis, a jornada é contada de uma forma envolvente, criando um laço rapidamente com sua história e motivações. 

À medida que o filme passa, você sente cada vez mais as camadas dos personagens. Joe, que era gentil, sonhador e inspirador, aflora seu egoísmo e suas decepções, deixando sua ambição tomar conta de tudo. Enquanto isso, 22, a alma desinteressada e sarcástica, prova da vida e mostra um lado mais sensível e aberto a novas experiências, mas esbarra com suas inseguranças em relação à vida na Terra. 

Mas não são apenas os personagens principais as estrelas do filme. Quando voltamos os olhos para o elenco coadjuvante, os melhores momentos são tirados deles. A mãe, relutante quanto ao sonho do filho; o barbeiro que mostra que nem sempre nossos sonhos tornam-se realidade, mas que isso não é o fim do mundo; a aluna que demonstra que mesmo que lutemos contra o que gostamos, isso sempre estará internalizado em nós. Cada personagem, cada cena, cada momento, tudo enriquece os protagonistas, como também quem assiste e encontra essas pessoas nas suas vidas.

A edição de Kevin Nolting traz um bom equilíbrio entre o cômico e o dramático, com uma montagem que poderia ser cansativa, se o roteiro não fizesse o espectador criar a vontade de ver aquilo em tela. Isso ocorre nos cortes entre fala e acontecimento, como na representação dos tutores da 22, que são figuras históricas, ou nas quebras das viagens das pessoas. 

Mas também é visto no uso dos flashbacks do Joe, onde podemos ver a vida como ele próprio enxerga. Os diálogos bem escritos, que tocam na alma de quem assiste, mesclam com a estética, montagem e música, e criam esse material esplêndido. 

Não será surpresa encontrar ele entre os indicados aos grandes prêmios para o cinema, incluindo o Oscar. As apostas para a categoria de Melhor Animação são fortíssimas. Mas Soul também está sendo cotada para as categorias de Melhor Trilha Sonora, Melhor Roteiro Original, e até Melhor Filme. 

O fim inevitável de Soul

Soul se mostra como a real e mais pura alma da Pixar. Profundo e belíssimo, o filme entrega uma história cativante, com uma técnica impecável. Mesmo com desfechos clichês, ele surpreende quem o assiste, levando às lágrimas e em uma constante de reflexões sobre a nossa própria vida. 

Será que estou vivendo, ou estou adiando minha vida? E se algo grandioso já aconteceu, será que estou realmente feliz ou a procura de algo que já estou dentro? A única certeza tirada é que Soul não é um filme para ser digerido rapidamente, e que ele transcende a tela com suas questões.

O post Ao som de jazz, Soul mostra que é a alma da Pixar apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.