Isabela Nascimento

Em Fevereiro deste ano, Tucker Pillsbury lançou o deluxe do seu disco mais recente, Kansas Anymore (The Longest Goodbye). A sua nova versão traz quatro músicas inéditas, colocando o ponto final na sua última história de amor.  A versão original foi lançada em Julho de 2024, como seu segundo álbum de estúdio, Kansas Anymore. Nessa produção, o cantor traz uma nova versão de si mesmo, abandonando sua persona rapper apresentada no seu primeiro disco, Rx (2022). Nesse novo projeto, o americano se apresenta como um artista de pop rock, com influências do country atual. Essa troca de estilo fez público conhecer o outro lado de Pillsbury e ajudou a chamar uma fanbase mais engajada.

No primeiro álbum lançado, ele celebra seu relacionamento com a youtuber e influencer de sucesso, Emma Chamberlain. Os dois ficaram juntos por dois anos, tendo o anúncio oficial de namoro na edição de 2023 de dias dos namorados da GQ, revista norte-americana. O projeto de 2024, reflete sobre o término desse namoro. Tucker Pillsbury contempla, nesse CD, como o fim do romance foi difícil para ele e a paixão que ainda existia pela sua ex-amada. O maior exemplo é a música Deeply Still In Love.

Na última faixa do disco original, Something, Somehow, Someday, há um toque de desilusão e amor que somente uma pessoa vivendo com um coração partido pode proporcionar. O tom de esperança de que poderemos ver eles juntos novamente enriquece o álbum ainda mais. Mesmo o cantor trazendo esse sentimento de um amor não superado nas outras letras, essa é a mais honesta e tocante. Nela, Pillsbury lista as diferenças entre o músico e sua ex-namorada, enquanto ele é uma pessoa perdida e com problemas de vícios, ela é organizada, centrada e decidida, porém, ainda com personalidades contrárias, Role Model acredita que a sua musa voltará para ele de algum jeito. “Mas eu acredito que eles são feitos um para o outro/Algo, de algum modo, algum dia/Sim, acredito que eles são feitos um para o outro”, o artista canta.

Em Fevereiro deste ano, o artista lançou a versão deluxe do seu segundo álbum de estúdio. Nas novas músicas adicionadas, Pillsbury continua pensando em Emma Chamberlain, mas diferente do disco original que mostra o cantor ainda apaixonado, as novas faixas adotam um tom de nostalgia. As memórias já estão distantes, sendo contadas apenas como lembranças do passado. 

Kansas Anymore (The Longest Goodbye) abre com a faixa Old Recliners, produzida por Noah Conrad, que tem uma base calma e simples, se unindo de forma agradável às outras músicas do álbum. Na letra, Tucker Pillsbury continua remoendo a partida da sua ex-namorada. Ele diz que ainda pensa nela e nos dias que passaram juntos, em suas últimas palavras para Chamberlain no término e, por fim, como a perda dela fez o artista se sentir sozinho e perdido. A faixa é bem gostosa de ouvir, tem uma melodia que parece ter sido inspirada nas produções country que, ao se unir a letra, traz um sentimento nostálgico, como se o cantor estivesse se lembrando de memórias distantes.

Em contrapartida, Sally, When the Wine Runs Out, é totalmente diferente de tudo que ele apresentou neste CD, ao mesmo tempo que a faixa se complementa, naturalmente, a ele. Nessa música, Pillsbury conta sobre Sally, uma mulher que ele conheceu no bar e como ela o deixou intrigado. Essa canção é a mais animada e dançante do deluxe, tem uma letra ‘bobinha’, porém divertida, com aquele toque de quem está se apaixonando e também nos mostra que Role Model já não se lembra dos amores e corações partidos do seu passado. Essa é a faixa que está se destacando mais depois do lançamento, ela ganhou um videoclipe simples, mas com a cara do artista e já tem mais de dez milhões de streamings nas plataformas digitais.

Some Protector é a volta da conversa sobre sua ex, porém, de uma forma diferente. Agora, Tucker Pillsbury questiona sobre os sentimentos que restaram após superar seu antigo amor, ele diz que se sente como um protetor dela. “Sim, eu sou, e sempre serei um tipo de protetor”. Ele também menciona como essa ‘conversa’ está estendida e como sabe sobre isso, mas não consegue ignorar as dúvidas da cabeça dele acerca desses pensamentos.

A música começa com um violão simples e um coro ‘baixinho’, que vai aumentando gradualmente. Mesmo não sendo a melhor faixa do deluxe, você consegue entender a escolha dela para o disco, mostrando como Pillsbury está confuso sobre esses sentimentos e, quando você entende que esse álbum apresenta todos os estágios do término, faz ainda mais sentido.

A última faixa recebe o nome The Longest Goodbye e é, de longe, uma das músicas mais interessantes do álbum. Em entrevista a Travis Mills em seu programa The Travis Mills Show na Apple Music, Tucker Pillsbury diz que estava incerto sobre ter essa música no deluxe, mas, após analisar, ele resolveu adicionar. “Eu senti que essa música fechava o álbum, mas a última canção da versão original (Something, Somehow, Someday) tinha esse mesmo efeito […] Porém, eu não poderia deixar de fora, principalmente ouvindo ela com as outras faixas e, também, ela foi feita em um momento especial com os meus colaboradores”, ele finaliza.

A faixa tem presença de mais instrumentos e uma produção mais refinada. Há referências do jazz e de músicas da década de 1990. A letra é a sua última despedida, o cantor se lembra, novamente, do término, mas com um tom de distância como se não doesse mais e fosse um passado distante. Ele finaliza dizendo que não a ama mais, porém, espera que o novo amor dela a trate bem. A composição é curta e sem rodeios, a mensagem é bem clara e direcionada a sua ex. Quem escuta consegue notar os sentimentos não cantados nela e que a sua jornada, finalmente, chegou ao seu final. 

As músicas adicionadas fazem jus ao nome Kansas Anymore (The Longest Goodbye). Essa foi a devida despedida ao seu grande amor, as letras mostram a caminhada final antes de fechar essa porta, a nostalgia dos bons momentos, o encontrar de uma nova pessoa e, por fim, o adeus para essa história. Não existia maneira melhor de terminar esse álbum, Role Model acertou totalmente com as escolhas da faixa. Mesmo em alguns momentos soando repetitivo, você entende as escolhas, porque as músicas não eram, exatamente, para os fãs em si e, sim, para ela.

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Arthur Caires

“Caramba, moleque/Você me fodeu tão gostoso que eu quase disse ‘Eu te amo’” é a primeira frase que Lana Del Rey diz em seu sexto álbum de estúdio, Norman Fucking Rockwell!. A letra faz parte da faixa-homônima do disco, cujo nome é referência ao famoso pintor do século XX, conhecido pela sua representação do American Dream. Em meio a uma bela produção orquestral, Del Rey canta sobre esse homem prepotente, autodepreciativo, tóxico emocionalmente e, bem, um homem. É a forma brilhante que a artista encontra de introduzir a temática que irá se estender: uma reflexão sobre o mundo contemporâneo sob suas lentes melancólicas, ambientalizada na Califórnia da década de 1960.

Lançado em agosto de 2019, Norman Fucking Rockwell! foi e é, até hoje, o álbum mais aclamado criticamente de Lana Del Rey, totalizando uma média de 87 no agregador Metacritic. Seu single de maior sucesso foi a deliciosa reinterpretação de Doin’ Time, da banda Sublime, em que no clipe, uma versão gigante da cantora  anda pelas ruas de Los Angeles. O disco, produzido, em sua maioria, por Jack Antonoff, é uma cápsula daquele ano, representando o momento cultural e social da época e que consagrou a intérprete como uma das melhores compositoras do século XXI.

Desde o começo de sua carreira, Lana Del Rey canta sobre mitologia e glória norte-americana. Referências a lendas como James Dean e Elvis Presley, carros velozes nas rodovias de Los Angeles e a vontade de dançar o pop rock orquestral da década de  1960 como uma forma de escape são exemplos disso. Por cima desses cenários, ela escreve sobre amores intensos, mas perigosos e autodestrutivos, interpretando – e vivendo – uma personagem vulnerável e melancólica, porém, autoconsciente. 

Essa representação foi o motivo de muitas críticas ao longo dos anos, que alegam que a artista ‘glamouriza’ o abuso, o que Del Rey contrapôs em sua carta aberta, em Maio de 2020: “Eu fui honesta e otimista sobre os relacionamentos desafiadores que tive. Novidades! É o jeito que as coisas são para muitas mulheres. E essa, infelizmente, foi minha experiência até o ponto que aqueles álbuns foram feitos”.

Em seus trabalhos anteriores, a cantora realmente usava o American Dream e suas relações interpessoais complicadas para criar uma estética e um universo, porém nunca apenas por uma lente positiva. A compositora também critica a superficialidade e os perigos da idealização. Suas letras podem sugerir uma luta interna entre a atração pelo glamour e a consciência das falhas estruturais e morais da sociedade norte-americana. 

Em Norman Fucking Rockwell!, Lana Del Rey ainda utiliza suas referências temáticas usuais, mas tem como principal foco seu autodescobrimento, a atmosfera californiana e o contemporâneo norte-americano. Cinnamon Girl e Happiness is a butterfly são a típica representação de sua personagem, presa em um relacionamento incerto: “Se ele é um assassino em série, então o que de pior/Que pode acontecer a uma garota que já está machucada?”. Porém, The Greatest é um desejo de nostalgia pelos tempos mais simples em contraste com o presente caótico. A artista sente falta da Música e do bar que os Beach Boys tocavam, enquanto canta “O Havaí acaba de escapar de uma bomba/Los Angeles está em chamas, está ficando quente/Kanye West está loiro e desaparecido/Life On Mars não é apenas uma música/Oh, a transmissão está quase começando”.

Mariners Apartment Complex, outro grande destaque do álbum, é a faixa que mais explicitamente mostra o desenvolvimento pessoal de Del Rey. A compositora deixa de lado a postura delicada e submissa e assume a direção do barco com “Eu sou o raio,o relâmpago, o trovão/O tipo de garota que vai te fazer pensar”. Ao mesmo tempo, reflete e reconhece seus erros: “Eles confundiram minha gentileza com fraqueza/Eu estraguei tudo, eu sei, mas Jesus/Uma garota não pode apenas fazer o melhor que consegue?”. Além de ser uma ótima canção de autodescoberta, também é uma representação da experiência da mulher na sociedade. Ver a evolução da narrativa feminina na obra de Lana Del Rey é impressionante, considerando o impacto que causa em seu público. Como Billie Eilish disse no Coachella de 2024: “Ela é a razão da existência de metade de vocês, vadias.”

Em conjunto das letras impecáveis, o que torna ‘NFR!’ um excelente disco é sua produção. É envolvente a forma como Antonoff e Del Rey, entre outros colaboradores, conseguiram fazer com que todas as faixas soassem como um verão norte-americano de comercial da década de  1960, em que estamos assistindo ao pôr-do-sol na praia e ouvindo o rádio vindo de um Mustang ao fundo. O exemplo mais notório é a extensa Venice Bitch, com seus nove minutos e trinta e sete segundos, que, representando uma viagem psicodélica, coloca o ouvinte no mesmo ambiente inebriante que os artistas. Fuck it I love you e Love Song também se destacam, em que a voz angelical da cantora se sobressai e nos faz acreditar que ela pode fazer qualquer canção à capela e já seria uma obra de Arte.

A coesão, tanto temática quanto atmosférica, sempre esteve presente nos discos de Del Rey, sendo Norman Fucking Rockwell! a epítome dessa característica, ao lado do recente Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd, de 2023, e Honeymoon, de 2015. É estonteante como a compositora consegue transformar os nossos pensamentos mais contraditórios e complexos em poesia. “Não pergunte se eu estou feliz, você sabe que eu não estou/Mas o melhor que eu posso dizer é que não estou triste”, ela reflete na faixa de encerramento, hope is a dangerous thing for a woman like me to have – but i have it. Nem tudo é feito de extremos, a ausência de felicidade não implica tristeza e a esperança realmente pode ser um sentimento perigoso de se ter, mas precisamos dela para seguir em frente.

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Henrique Marinhos e Nathalia Tetzner

Se em algum momento você achou que Lady Gaga havia perdido sua capacidade de inovar, Harlequin (2024) vem para confirmar a sua desconfiança. Lançado poucos dias antes do filme Coringa: Delírio a Dois, o álbum, composto majoritariamente por regravações de jazz, parece ser uma tentativa de Gaga de provar que ainda tem a sofisticação para dominar qualquer gênero. Mas será que a artista que nos deu The Fame Monster e Born This Way ainda consegue trazer algo novo aos palcos?

Depois das colaborações com Tony Bennett em Cheek to Cheek (2014) e Love for Sale (2021), aqui ela se aventura em seu primeiro álbum solo de jazz. São 41 minutos distribuídos em 13 faixas, das quais apenas duas são originais (Folie à Deux e Happy Mistake). Lançado pela Interscope Records, a obra conta com uma produção vocal de Gaga e Benjamin Rice e reúne uma equipe de mais de 30 músicos, um exemplo claro do que se espera de uma gravação com orçamento alto e uma equipe de engenheiros de som premiados. 

No aspecto técnico, a produção é belíssima. Stefani Joanne Angelina Germanotta faz jus às raízes no Teatro e entrega uma performance vocal repleta de emoções. Obviamente, não deixando de ser um tanto quanto caricata em certos momentos, até porque, há de se concordar que não exagerar maneirismos não é necessariamente o feitio da cantora, acostumada a levar diferentes personas ao público. Em Harlequin, ela une a sua essência irritante de theater kid com a perspicácia do produtor Rice, adicionados à masterização e mixagem de Emily Lazar e Serban Ghenea, que fazem os instrumentos brilharem.

Toda essa grandiosidade técnica, no entanto, parece mais voltada para manter a segurança do que para oferecer algo surpreendente. Esse é o caso da faixa Folie à Deux, em que a artista é creditada como única escritora, trazendo uma fusão fluída de rock com elementos de jazz, enquanto The Joker oferece a Gaga o espaço para brilhar com uma releitura ousada,  – bem no estilo de Descendentes, da Disney – no tom certo para a Arlequina.

Em uma das faixas originais, Happy Mistake, a intérprete de Shallow consegue finalmente dialogar com as diferentes vidas dela: pessoal, nos palcos e, agora, nas ‘telonas’ do Cinema. ‘Palhetando’ gentilmente um violão, ela compõe uma canção honesta e linda: “Uma disposição solitária/Retratos de uma garota desgastada/Como eu me tornei tão viciada/No amor do mundo todo?”. Por alguns minutos, Lady Gaga nos transporta para uma atmosfera melancólica à là Billie Eilish, que serve como ponte entre a loucura da fama e a insanidade da ‘loirinha’ mais insana dos quadrinhos.

Outros momentos de destaque são em Get Happy (2024) e World on a String, produções em que Rice permite que o âmago teatral de Gaga domine, sem deixar o instrumental ficar atrás. Enquanto os arranjos orquestrais das guitarras, por Tim Stewart nos remetem a uma qualidade quase cinematográfica (e muito bem-vinda) dado o envolvimento do álbum com a trilha sonora do filme, que não são as mesmas versões.

Gaga, que dispensa apresentações, opta aqui por um caminho seguro, quase reverente demais às canções originais. Oh, When the Saints é um exemplo de como a falta de conexão temática com o filme e a sequência do álbum prejudica o ritmo — enquanto releituras como a de Visões da Raven se tornam icônicas, essa é uma das irônicas. Embora a faixa tenha um solo de guitarra interessante, a estrutura geral não é diferente de qualquer outra versão que já ouvimos de jazz tradicional.

É justamente na concepção que o disco peca. Por se tratar de uma maioria de covers, o projeto, recheado de fotos conceituais e expectativas, não acaba soando original. As estruturas das faixas sofreram poucas alterações, fazendo com que Harlequin se encaixe mais como uma remasterização do que, de fato, uma releitura. Para o ouvinte, fica a sensação de que Lady Gaga esperava entrelaçar a sua figura com a anti-heroína da DC suficientemente para emplacar um filme solo no futuro. Contudo, isso fica difícil quando um projeto como esse parece não tomar decisões tão objetivas, além do fracasso em bilheteria de Coringa: Delírio a Dois.

A escolha de regravações clássicas, como Smile e If My Friends Could See Me Now, peca ao manter arranjos que soam desatualizados. E se Lady Gaga queria emular Judy Garland ou Frank Sinatra, ela até acerta no tom. O problema é que, quando a comparação inevitável com esses gigantes é feita, Gaga simplesmente não acrescenta nada de novo. Tudo é muito competente, mas não suficiente para compensar a falta de inovação. O álbum flui como uma sequência de homenagens ao passado e falha em conectá-las a algo que faça sentido em sua carreira em 2024, ou mesmo no universo do Coringa.

Tal falta de conexão é ainda mais decepcionante quando pensamos nas promessas realizadas na semana que antecedeu o lançamento de Harlequin. Anunciado de surpresa, a gestação do disco foi curta, porém, repleta de declarações e visuais, no mínimo, intrigantes. Uma pena que, quando colocado em prática, o apelido ‘LG 6.5’ tenha sido tão preciso; o disco não consegue decidir o que quer ser e acaba soando como algo perdido na discografia de Gaga. Dotado de qualidade artística e faltando a criatividade característica da artista, o projeto tem tudo para passar despercebido, algo nem um pouco usual para quem já dominou o mundo na década de 2010.

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Guilherme Barbosa

Billie Eilish entrou para a história em 2020, na 62ª edição do Grammy Awards, quando seu álbum de estreia aclamado, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, ganhou o prêmio de Álbum do Ano, o que a tornou a garota mais jovem a conquistar essa categoria. Ao longo das 14 faixas que compõem o disco, a artista navegou por diferentes sentimentos, desde os melancólicos até os mais obscuros.

O trabalho da cantora começou a gerar notoriedade em 2016, quando ela lançou a doce ocean eyes. Desde o início de sua carreira até seus trabalhos mais recentes, ela sempre abordou emoções profundas em suas músicas. Em idontwannabeyouanymore, a insegurança e autocrítica são exploradas por um viés de vulnerabilidade e honestidade. Já em seu álbum de estreia, ela se questionou para onde vai quando dorme e devaneia (ou será que não?) por pesadelos e sonhos.

O conjunto da obra, produzido juntamente de seu irmão, Finneas O’Connell, é uma jornada que se aprofunda pelo inconsciente do eu lírico. Utilizando elementos do pop, eletrônico e Música alternativa, os terrores noturnos surgem em faixas como a eletrizante bury a friend. Esse mergulho nas profundezas da psique humana é uma característica de seu trabalho, que entrega aos fãs uma narrativa emocionante e sonoridade única.

É perceptível que as composições de Eilish permitem inúmeras interpretações, afinal, o inconsciente muitas vezes é  subjetivo. A canção em destaque – no verso onde menciona o título do disco, “Quando todos dormimos, para onde vamos?” –, as reflexões podem ser acerca do desconhecido, a morte ou o subconsciente. Essa perspectiva mostra como suas letras trazem profundidade e complexidade em suas narrativas.

Grande fã do Terror, Eilish encontrou inspiração em um de seus filmes favoritos, O Babadook (2014), para criação de seu álbum, incluindo a arte da capa que, de forma emblemática, consegue retratar excelentemente todos os elementos trabalhados em WWAFA,WDWG?. Os adjetivos demoníaca e sombria talvez sejam os mais adequados para descrever o que é a belíssima Fotografia. Sob a direção de Kenneth Cappello, todos os desejos da cantora foram habilidosamente reunidos, produzindo o material impecável.

Não havia dúvidas de que uma obra tão bem produzida seria um sucesso estrondoso. Aos 18 anos, Billie Eilish lançou seu primeiro álbum em Março de 2019 e, imediatamente, mostrou o que viria a ser na indústria musical. Tornou-se a cantora mais jovem a ser indicada às principais categorias do Grammy, teve o álbum mais reproduzido no Spotify e também o mais vendido daquele ano. 

E quanto vale entrar para a história? Com seu sucessor, o melódico Happier Than Ever (2021), a artista tinha o desafio de atender a expectativas devido aos feitos do antecessor e inovar com seu novo álbum. O sucesso não foi diferente, e a obra estreou no topo da parada musical Billboard 200. Cinco anos depois, seu primogênito ainda é memorável e ficará marcado com seus feitos. A artista mostra para o que veio com sua criatividade e autenticidade, e se estabelece no cenário musical como um ícone global.

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Arthur Caires

Quando se trata de Carly Rae Jepsen, é de se esperar música pop de alta qualidade. A artista inicialmente se destacou com o sucesso Call Me Maybe, mas ao longo de sua carreira, demonstrou ser muito mais do que o fenômeno de um único hit. Em seu álbum de 2015, Emotion, conquistou uma base sólida de fãs e se consolidou como uma das principais figuras do gênero. Em seguida, com Dedicated em 2019, Jepsen reforçou sua posição como ‘princesa do pop’. Agora, em 2023, temos o resultado de um experimento que deu errado no início – The Loneliest Time – mas que gerou um resultado final surpreendente: seu sétimo álbum de estúdio, The Loveliest Time.

A artista canadense vem de uma tradição de disponibilizar para seus fãs as B-Sides de seus trabalhos, que são músicas compostas no meio do processo criativo, mas que não entraram no projeto final. Dessa vez, não foi diferente. Nove meses após o lançamento de The Loneliest Time (2022), Jepsen retorna com The Loveliest Time, companheiro do primeiro, que se completam em um projeto único, segundo a própria cantora para a revista Rolling Stone. Para a intérprete, a primeira versão é algo mais conciso, que foca em seguir algumas regras, enquanto a seguinte é seu ‘parque de diversões’, no qual gosta de experimentar coisas diferentes.

Trata-se de um movimento cada vez mais utilizado na indústria da Música. Com a ascensão do TikTok e do consumo de mídia acelerado, os artistas se veem na necessidade de constantemente entregarem novos trabalhos. Embora possa ser sufocante, é uma oportunidade de experimentar e ter menos compromisso com velhas regras de lançamentos: três singles, hit para rádio, videoclipe e assim vai. Versões deluxe e álbuns de remix deixam de ser uma estratégia comercial e se tornam uma forma de liberdade artística.

Introduzido pelo single Shy Boy, uma faixa deliciosa e cheia de atitude, The Loveliest Time, ao contrário de seu irmão, é sobre finalmente sair de um período conturbado e se sentir vivo para descobrir novos horizontes. Embora ainda possua faixas reflexivas, como a fusão de Kali Uchis e Men I Trust em Kollage, trata-se de uma autorreflexão originada dessas novas experiências, e não de agentes externos e fora do nosso controle como uma pandemia, assunto recorrente no álbum anterior. 

Entre os destaques do disco temos Psychedelic Switch, uma rendição dançante à experiência sensorial e aos sintetizadores dos anos 1980, marca registrada de Jepsen. Além dela, Kamikaze e Come Over representam muito bem o sentimento de euforia no começo de uma relação, com melodias e letras divertidas que fazem do replay irrecusável. No meio desses altos, faixas esquecíveis como Aeroplanes e Put It To Rest baixam a energia do álbum, mas não chegam a prejudicar a experiência.

A principal característica que difere The Loveliest Time de The Loneliest Time é a sua coesão. A versão mais solitária conta com uma extensa lista de produtores, resultando em faixas que não conversam entre si, principalmente em sua produção. Apesar de possuir alguns acertos, como a inteligente e engraçada Beach House e a inspirada no retorno aos anos 1980, Talking To Yourself, seu maior feito foi ter viralizado 15 segundos de áudio de sua – nem tão boa assim – faixa-título no TikTok.

Diante desse contraste, ouvir a versão mais amorosa se torna ainda mais prazeroso. Precisamos da chuva para ter o arco-íris, saber o que é a escuridão para apreciar a luz. O disco representa o primeiro passo que demos para fora de casa sem uma máscara, ainda apreensivos, mas com uma ânsia de viver de novo. A progressão do álbum também representa isso: no Lado A, somos a Rapunzel de Enrolados pisando na grama com cautela e no Lado B, nos entregamos à euforia de corrermos livres pelo mundo.

Com o sucesso crítico e a aprovação dos fãs, Carly Rae Jepsen se joga em um vasto horizonte musical de possibilidades com The Loveliest Time. Após explorar novas dimensões de sua sonoridade, a artista agora desfruta de uma liberdade para seguir qualquer direção que sua criatividade a conduza, podendo deixar para trás o pop chiclete que marcou a década de 2010. O que continua a enriquecer suas músicas são as melodias cativantes e a diversão de suas composições, não apenas os sintetizadores de décadas passadas.

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Guilherme Veiga

O três, seja na numerologia ou não, é cheio de significados. A representação da trindade paira desde a Igreja Católica até mesmo à triforce de Zelda e carrega com si uma enorme carga, explicada ou não. Ele também simboliza um novo caminho, em que, na melhor de três, a inserção de um terceiro elemento ultrapassa a tirania do um e traz um novo horizonte para o impasse do dois. Da mesma forma em que juntamente significa o fechamento, quando é nesse conjunto ímpar que a maioria dos arcos, seja na literatura ou no audiovisual, se arranja em trilogias.

Na Música, porém, é difícil algo que fuja da unidade. Você deve estar pensando agora em milhares de bandas ou groups, estes últimos impulsionados pelo K-pop. Sim, eles existem, mas é de se analisar que, no caso das bandas, elas são personificadas muitas vezes em seu frontman e, com os boy ou girl groups, a persona criada para seus integrantes é tão forte que, às vezes, ultrapassa a própria organização da qual fazem parte. No entanto, é mais uma vez no três que as coisas funcionam de modo diferente. 

É dessa arrumação que surgiu o termo power trio, popularizado na década de 1960 e que difundiu a formação guitarra, baixo e bateria. Na lógica de que três cabeças pensam melhor do que uma, surgiram grandes nomes desde Nirvana à Tribalistas e, nesse sentido, o trio composto por Phoebe Bridgers, Julien Baker e Lucy Dacus já mostrou a que veio em seu primeiro disco, the record.

As boygenius se tornaram quem são por acaso. Bridgers e Dacus eram atos de abertura para Baker em 2016 e, de vez em quando, cada uma delas aparecia no show da outra ao longo do ano seguinte, o que resultou, em 2018, em uma turnê das três em que cada integrante cantava sua carreira com algumas músicas em conjunto. O fortalecimento da amizade resultou no EP autointitulado, que começou com a ideia de gravar uma ou duas canções para suprir os pedidos dos fãs, mas se transformou em um consistente trabalho de seis faixas que não só consolidou as três no cenário indie como também jogou um balde de água fria na forma em que a indústria, majoritariamente masculina, se voltava para intérpretes femininas.

De Ludmilla à Anitta, de Sabrina Carpenter à Olivia Rodrigo ou de Katy Perry à Taylor Swift, mulheres foram condicionadas a se degladiarem seja nos charts, nos fã-clubes ou nas páginas de fofoca, para que possam sobreviver no mundo da Música. Logo, três artistas do mesmo gênero, tamanho e temáticas como Lucy Dacus, Phoebe Bridgers e Julien Baker, naturalmente seriam induzidas – no melhor dos cenários – à competição. No entanto, a amizade das três e a criação do boygenius vem na contramão da indústria e é um movimento de resistência para a mesma.

Esse cenário só é possível pela existência de algo que as aproxima sem ser a Música, pois aqui ela é instrumento para externalizarem seus interiores. Dessa forma, o boygenius se tornou não só um espaço seguro para a feminilidade como também para a sexualidade, fazendo com que o grupo entendesse sua inserção e relevância na comunidade queer. Por isso, o projeto surge como esse reduto no qual as três podem maturar seus sentimentos e propósitos.

A discografia do grupo funciona, então, como um processo de reabilitação. O EP boygenius se afunda em desgraça enquanto the record já se reconhece no fundo do poço e cria uma imagem otimista e esperançosa para seus problemas. Isso fica muito claro no encerramento do projeto, Letter to and Old Poet que interpola Me & My Dog e mesmo com um verso final bem semelhante, a simples troca de “faminta” por “feliz” dita a enorme diferença entre as duas obras.

Só que diferente da imagem que comumente temos de centros de reabilitação, aqui não há aquele ‘oi, meu nome é fulana’ seguido de um ‘olá, fulana’, pois, para isso, é preciso levar em conta que estamos cercados de desconhecidos. Como o grupo é composto por velhas conhecidas, the record é o exercício que ótimas compositoras se propuseram para conhecer liricamente a si e a outra. Nesse sentido, o álbum se assemelha mais ao convite para a rehab – como um ‘oi, nós somos o boygenius e aqui você é livre para ser e sentir’.

Produzido por Catherine Marks (que já trabalhou com nomes como The Killers e Foals) e tendo a unanimidade feminina em seu processo, o álbum se inicia de forma crua e conjunta, com a angelicalmente harmônica Without You Without Them. Além de ser a única faixa sem uma distinção de estrofes para cada intérprete, ela também materializa esse convite nos versos “Quero ouvir sua história e fazer parte dela” e “Eu quero que você ouça minha história e seja parte dela”. Apesar da pouca duração, o disco tem o tempo necessário para evidenciar que preza muito pela competência lírica que as três têm de sobra.

O projeto então engata na trinca de singles $20, Emily I’m Sorry e True Blue. Eles servem para imprimir a marca de Baker, Bridgers e Dacus, respectivamente, na obra, mostrando que cada particularidade será respeitada e utilizada para enriquecer o produto final. O ato de as ouvir em sequência soa não-linear e inconsistente, o que para um álbum pode parecer prejudicial, mas aqui é totalmente proposital e necessário para diferenciar a personalidade de cada uma.

Porém, o lado A do registro faz questão de, mesmo com três personas únicas e gigantescas, mostrar como, ao invés de encapsula-las em um produto, o adapta para elas. Not Strong Enough, o smash hit do projeto, escancara isso ao conseguir inseri-las em um folk rock extremamente espirituoso e cativante, que não é marca registrada de nenhuma das três.

Após o terreno ser delimitado na primeira parte, o lado B aprofunda as intenções do grupo e suas referências. Mais melancólico do que seu começo, a obra retorna aos projetos solo de suas intérpretes e também evidencia que o registro é o resultado de quem as moldou na Música, indo de Simon & Garfunkel, Crosby, Still & Nash até Leonard Cohen. Os mais traumatizados com fan service, podem pensar que a inserção de muitas referências – algumas até literais – esvazia o projeto, só que o álbum contra-argumenta ao se mostrar a versão lapidada de três artistas extremamente ricas musicalmente.

Ainda no paralelo cinematográfico, the record pode ser, a grosso modo, definido como o Vingadores para pessoas tristes. E essa comparação faz ainda mais sentido ao analisar os moldes em que the record foi concebido. Após a ideia ser cogitada, cada uma optou por antes desenvolver sua carreira solo, seja em turnês, aprimorando a composição, colaborando com gente de alto nível ou conquistando indicações ao Grammy, e consequentemente, o respeito da indústria.

O retorno pode até ter demorado depois do sumiço de 2018, porém, hoje se mostrou necessário. Com o boygenius funcionando como o ponto de reflexão das três enquanto pessoas, não se podia ter a indefinição delas enquanto artistas. Tanto que o processo de criação se deu, principalmente, durante a pandemia, fazendo com que a reunião se torne uma válvula de escape em suas vidas, em que elas, sem perderem suas essências, deixam de ser Phoebe, Lucy e Julien, para se tornarem as boygenius.

Portanto, the record é o queijo com goiabada, o pão de queijo com doce de leite, a soneca após um almoço de domingo na praia, o tomar banho após limpar a casa. A obra é o conjunto de combinações que jamais imaginaríamos como necessárias, mas que dão sentido para aquele pequeno momento de nossa vivência. E o registro é coerente no recorte temporal em que ele se insere na vida das três, mostrando que tais momentos podem ser encontrados nos piores períodos, desde que saibamos conviver e extrair o melhor a partir deles – o que no caso das três, resulta em música.

Apesar dos cinco anos que separam as duas obras da discografia da banda, o registro começa exatamente onde o autointitulado parou. Dessa forma, o álbum representa uma ode ao tempo e sua implacabilidade, na qual , mesmo na continuidade dos acontecimentos, o seu correr promove uma enorme mudança em nós. E os 42 minutos de the record são um lembrete de que a melhor coisa a se fazer é deixá-lo passar.

Em entrevista à Rolling Stone, Lucy Dacus contou que uma das composições surgiu enquanto Phoebe Bridgers, para mostrar uma música às amigas na estrada, errou o caminho. No mesmo sentido, o próprio boygenius é esse desvio de rota em suas carreiras. Exaltando a passagem do tempo do mesmo modo que o disco de estreia, elas mostram que desvios não são um desperdício, e sim parte da jornada. E, se a vida não tem GPS, the record não precisou de três chances para nos convencer de que é um ótimo companheiro de viagem nesse curto trajeto de nossas vidas.

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Laura Hirata-Vale

“Eu tenho os melhores amigos neste lugar” é a frase que resume o que é a 5 Seconds of Summer. Amigos desde a escola, Luke Hemmings, Calum Hood, Michael Clifford e Ashton Irwin começaram a trajetória do grupo com covers publicados no YouTube em 2011, na cidade de Sidney. Em Setembro de 2022, a banda australiana lançou o seu quinto álbum de estúdio, 5SOS5, que mostra toda a evolução e maturidade adquirida pelo quarteto durante mais de uma década de carreira.

Foram quase dois anos de uma separação forçada pela Covid-19, suspensão de shows e muita reflexão. Por isso, o disco é uma renovação para o grupo. Depois de ser marcada pelo lançamento do complexo e sentimental CALM, logo no começo da pandemia, a 5 Seconds of Summer mostra como mudou durante o período de isolamento social. O lançamento de dois projetos solos de seus integrantes – Superbloom, do baterista Ashton Irwin, e When Facing The Things We Turn Away From, do vocalista Luke Hemmings –, e a saída da gravadora Interscope Records e o ingresso na BMG Rights Management, que gerencia outros cantores como Louis Tomlinson e Rita Ora, mostraram como a banda adquiriu mais liberdade e independência. 

O quinto álbum é responsável por sintetizar toda a evolução musical que a banda adquiriu ao longo dos anos. Os dois primeiros discos foram marcados pela presença do pop punk que, lentamente, foi se tornando um pop rock cheio de guitarras, baixos e baterias. 5SOS5, por sua vez, consolida o gênero e ainda adiciona mais variações de sons aos clássicos, como sintetizadores, pianos e cordas. A mudança de estilo musical, ao mesmo tempo que consegue atingir mais pessoas, deixou alguns fãs saudosistas sentindo falta do passado; principalmente quando se fala da parte do fandom mais antigo, que acompanha a banda desde seus primórdios.

O quarteto dá um show de vocais: a maior parte das músicas possui Hemmings como o vocalista principal, mas, diferentemente do passado, muitas partes são cantadas pelos três outros integrantes, fazendo o trabalho ter uma harmonia bela e equilibrada. Além disso, o guitarrista Michael Clifford canta inteiramente a faixa Emotions. Com frases como “Não se importe comigo, só estou me sentindo meio quebrado, meio quebrado, se precisar de mim, estarei aqui com minhas emoções, minhas emoções”, a canção é uma das mais tocantes, íntimas e sensíveis do disco todo.

Clifford também teve um destaque diferente durante o álbum: ele foi o responsável por boa parte da produção do projeto. Por causa da mudança para a BMG, a banda teve mais liberdade para criar, produzir e escrever, e assim, 5SOS5 possui uma variedade de sonoridades, sentimentos e ritmos, indo de músicas reflexivas e cheias de energia para canções com temas tristonhos, chegando até em odes à amizade e ao companheirismo.

Direto de uma caixinha de música, Older mostra todo o romantismo da 5 Seconds of Summer. O single tem os vocais de Hemmings e sua noiva, a cantora-compositora Sierra Deaton, conhecida pelo hit Little Do You Know. Em uma canção melódica, melancólica e até dolorosa, a dupla canta sobre a paixão e o pesar causado pela perda do amor da vida. Com versos poéticos e bem pensados, como “Em seu vestido de noiva cor de cocaína”, “Minha querida devota delicada” e “Eu sempre estarei sangrando amor” podemos ouvir, sentir e entender a dor e a angústia que o eu-lírico sente. A música é como uma carta de despedida, em que cada palavra escrita possui uma enorme carga sentimental.

Com a flexibilização das medidas protetivas contra a Covid-19, o lançamento de 5SOS5 fez com que a banda realizasse ações que não pôde fazer com o quarto álbum. O primeiro single, Complete Mess, foi lançado simultaneamente com o seu videoclipe, no começo de Março de 2022. Ao longo do tempo, a era ganhou outros cinco singles e mais quatro vídeos. Houve também, no dia em que o disco foi liberado, o show especial The Feeling of Falling Upwards: One Night Only realizado no Royal Albert Hall, uma sala de espetáculos emblemática de Londres, como uma celebração aos dez anos de carreira, ao álbum novo e à volta aos palcos. 

Com o retorno dos shows, o grupo já está confirmado em dois festivais de música: o Tecate Pa’l Norte, no México, e o When We Were Young, nos Estados Unidos. Em relação a outros planos, há a especulação de que Ashton estaria trabalhando em seu segundo projeto solo. É interessante ver como a banda cresceu desde o seu terceiro álbum, Youngblood, o responsável pelo primeiro bilhão de streams de uma canção do quarteto. Em 5SOS5, podemos ver uma 5 Seconds of Summer mais madura, adulta e que se sente confortável em experimentar novos estilos, sons e ritmos. 

Depois de tanto tempo esperando por novidades, os corações da fanbase ficaram “em um liquidificador emocional” e quase pararam por causa das dezenove músicas que compõem o disco. E, de um jeito cheio de carinho, afeição e celebração, a 5SOS vai conquistando seu espaço no cenário musical enquanto acha seu lugar no mundo. Sem esquecer de suas raízes e fazendo questão de voltar ao “nascer do sol em Sydney”, o grupo também mostra como o quinto integrante da banda é a junção da Música com os fãs.  

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Jho Brunhara

Over The Rainbow, I Will Survive, I’m Coming Out, True Colors, Express Yourself, Beautiful, Firework. Ao longo da história, a comunidade LGBTQIA+ encontrou nas músicas de grandes cantoras o conforto proporcionado por letras sobre esperança, libertação e expressão. Algumas dessas, com uma mensagem quase explícita sobre aceitação direcionada ao público queer, confirmada pelos clipes, onde tinham maior liberdade do que nas letras (que poderiam ser boicotadas pelas rádios). Quando Lady Gaga lançou a faixa Born This Way e colocou a canção para tocar no mundo todo, ela também estava transmitindo o trecho “Não importa se você é gay, hétero ou bi/Lésbica ou transgênero/Eu estou no caminho certo, baby/Eu nasci para sobreviver”.

Dez anos atrás, o mundo já estava avançando em algumas pautas relacionadas à comunidade LGBTQIA+, mas 2011 ainda era 2011. Para uma artista do calibre de Gaga, que estava no auge da carreira como fenômeno pop instantâneo, divertir o mundo com suas investidas bizarras do The Fame Monster era completamente diferente de fazer uma afirmação política tão direta. Mas a intenção deu certo, e, apesar da rejeição por parte de seu público herdado do sucesso de Just Dance, Poker Face e Bad Romance, a artista conseguiu respaldo para seguir com seu projeto mais ambicioso até então.

O disco Born This Way, diferentemente da faixa homônima, abandona o electropop convencional que a cantora ajudou a popularizar nos anos anteriores e cria diversas camadas que difundem a mensagem do LP: encontrar força nas singularidades e estranhezas. Seja através da estética noturna metálica, punk e rebelde; da sonoridade electropop com influências diretas do rock, metal, synthpop, techno e, até mesmo, ópera; da mitologia alienígena análoga ao dualismo cristão; ou das letras sobre identidade, sexualidade, religião e liberdade. Ao longo das faixas, Gaga funde elementos de sua própria história com a narrativa que apresenta ao ouvinte, e, desde Marry The Night, com seus sinos de igreja, convida todos aqueles que precisarem para uma oração.

Naquele momento, suas palavras eram direcionadas aos seus fãs. Para aqueles jovens LGBTQIA+ que não sentiam apoio em casa e buscavam a aceitação, Gaga ergueu uma igreja e abriu as portas para os que procuravam refúgio. Se ofereceu como a figura materna que não encontravam em suas famílias de verdade, e tentou escrever, com base em suas próprias vivências, o que acreditava que aquelas pessoas precisavam ouvir, para se sentirem amadas e livres, para se expressarem do jeito que quisessem. A mesma megalomania que transformou Stefani Germanotta em Lady Gaga fez nascer o Born This Way, enterrando qualquer iconoclastia, consolidando a artista como Mother Monster, e oferecendo um lugar seguro para seus seguidores.

POR DEUS E PELOS GAYS

Muito antes de Born This Way, Gaga (que é bissexual) já declarava seu apoio à comunidade LGBTQIA+, e participou de diversas ações contra a homofobia nos EUA. Sempre trabalhando ao lado de pessoas queer, a cantora usava de sua Haus para dar vida às criações desses artistas. Até mesmo em premiações, foram muitos os discursos em que Gaga agradeceu a “Deus e aos gays”. Foi, inclusive, ao aceitar o prêmio de Vídeo do Ano por Bad Romance, no VMA de 2010, que ela anunciou o álbum Born This Way. 

Utilizando o polêmico e controverso vestido de carne, Gaga usou do figurino para protestar contra o lema “Don’t ask, don’t tell”, revogado apenas em 2011. A política instaurada por Bill Clinton na década de 90 proibia que pessoas abertamente homossexuais ou bissexuais fizessem parte do exército estadunidense, e declarava um movimento de silenciamento com os que já eram militares, impedindo que os indivíduos “saíssem do armário”. Para a artista, que passou pelo tapete vermelho com dispensados do exército americano por sua sexualidade, a roupa feita de carne era um alerta para que as pessoas lutassem antes que tivessem “tantos direitos quanto carne em nossos ossos”.

O primeiro single da era, a faixa-título, saiu em meados de fevereiro de 2011. Com um clipe de mais de sete minutos, dava-se início a narrativa que acompanharia Born This Way até o fim dolorido e antecipado da turnê mundial. Dirigido pelo lendário Nick Knight, o vídeo introduziu a mitologia do álbum a partir do “Manifesto of Mother Monster”, um discurso sobre o nascimento de duas novas raças, uma representando o bem, sem qualquer preconceito, e uma representando o mal. Nesse novo mundo, chamado de G.O.A.T. (Government Owned Alien Territory, em tradução livre, Território Alienígena Comandado pelo Governo), Gaga imprimiu sua teatralidade genial de contar histórias.

A dicotomia do bem e do mal, por mais simples que seja, tinha exatamente a simplicidade como propósito de resgatar a dualidade cristã do céu e do inferno, dos puritanos e dos pecadores. Born This Way se apresenta como um distante apócrifo da Bíblia, com a figura da Mother Monster como uma líder religiosa futurista, e seus ensinamentos como uma tentativa de guiar uma geração que já enxergava em Lady Gaga a figura de um Messias (ou Anticristo) da revolução cultural. 

Não à toa a nova-iorquina se estabeleceu como um camaleão na cultura pop e viciou o mundo em sua identidade visual bizarra. Aqui, seu comprometimento com sua estética atingiu o ápice: Gaga queria se portar como uma alienígena social, desde as jaquetas punk, até a maquiagem pesada preta, roupas de látex e as próteses faciais imitando chifres. Tudo dentro da proposta do Born This Way, encorajar e celebrar o esquisito e o único, através da expressão rebelde contra a norma convencional.

Um ano mais tarde, em 2012, Gaga abriu ainda mais as suas asas, disposta a estabelecer uma conexão direta com os seus fãs. Numa época em que as redes sociais ainda não eram centralizadas nas mãos de Mark Zuckerberg, o site Little Monsters funcionava como um Facebook para os little monsters, seguidores da cantora. Com um milhão de usuários registrados em 2013, a Mother Monster usava o canal para falar diretamente com seus monstrinhos, que utilizavam do espaço para compartilhar memes, artes e desabafar, muitas vezes, sobre homofobia, depressão, ansiedade e, até mesmo, publicar cartas de suicídio. Ativa na plataforma, a artista interagia com os posts e escrevia mensagens para os autores, na tentativa de ajudá-los com os problemas internos e externos, e promover um espaço de apoio, assim como o propósito da Born This Way Foundation, criada por Gaga e sua mãe.

ME ENCONTRE NA CAPELA ELÉTRICA

Com o lançamento do disco, em maio de 2011, não restaram dúvidas do que aquele universo queria ser: uma homenagem à noite e tudo que ela representa para as pessoas LGBTQIA+, que, historicamente, encontraram refúgio sob a luz da lua e na liberdade das boates. Combinar letras sobre sexualidade, identidade, feminismo, pecado, moda, esperança, medo e glória parece uma colcha de retalhos, mas Gaga costura com uma linha metálica e estampa sua jaqueta de couro personalizada com strass e spikes.

Assim como o caos da juventude, Born This Way é um caldeirão de sentimentos sobre quem ser e como se expressar. Como na faixa Hair, em que a artista conversa diretamente com sua adolescência e discursa a favor da singularidade de cada um, que, muitas vezes, encontra o escape através das roupas e do cabelo. “Eu só quero ser eu mesma e quero que vocês me amem por quem eu sou”, canta para seus pais.

A sonoridade dançante do álbum, já utilizada desde antes pela nova-iorquina, é alinhada com o que o gênero pop sempre representou para a comunidade queer, que utilizavam das boates como um espaço de expressão e libertação. “Reze por seus pecados embaixo do globo espelhado da discoteca”. Gaga canta em Electric Chapel, afirmando que o espaço seguro para a purificação dos medos e inseguranças é na pista de dança da Capela Elétrica, onde cada um pode ser quem quiser.

O profano, associado com a liberdade sexual, de gênero e da forma de se expressar, aqui, é subvertido como um ato glorioso, seja com Bloody Mary (uma de suas melhores letras), Heavy Metal Lover (talvez a melhor música da carreira), ou Scheiße (o hino feminista de Gaga que, infelizmente, não foi single). Embalado em um techno gótico, a artista coproduz o disco ao lado de Fernando Garibay, DJ White Shadow e RedOne, e consegue transparecer as intenções do LP através da diversidade de sons, modulações vocais e temas, e, ainda assim, encontrar uma linha para fazer com que aquelas canções pareçam pertencer ao Born This Way e nenhum outro álbum.

Os clipes também ajudam a construir o universo criado pela Mãe Monstro, como a já citada incubadora da raça alienígena sem preconceitos da faixa-título. Judas coloca Gaga como Maria Madalena e reconta o apócrifo bíblico de sua relação com Jesus, em uma analogia ao amor proibido, dualismo entre o bem e o mal, e a má interpretação da figura feminina, subvertendo as ferramentas opressoras da religião. The Edge of Glory evoca a energia de I Will Survive e coloca a cantora para dançar vestida com strass e spikes por uma Nova York iluminada por luzes rosas e roxas (quer algo mais gay que isso?). Em Yoü and I, Gaga apresentou ao mundo seu alter ego drag king, Jo Calderone, que chegou até mesmo a performar no VMA de 2011.

Marry the Night, último single da era, é uma síntese do Born This Way. O curta-metragem, dirigido pela própria artista, reconta sua trajetória antes do início da carreira e cola todas as peças que constituem o álbum. Em entrevista, a nova-iorquina compartilhou relatos sobre abusos sexuais que sofreu quando tinha 19 anos, e, aparentemente, Gaga usou de sua arte para reinterpretar esses eventos no clipe. Esse, que é um dos trabalhos mais pessoais da carreira, e se mostra ainda mais significativo agora, por dividir seus traumas com o mundo para se curar, sonhar com um futuro melhor, e inspirar vítimas de violência a buscar forças e não desistir de viver.

BORN THIS WAY BALL TOUR

Debaixo de holofotes pesados e enfrentando um frio de quase 10 graus negativos, Gaga fez um dos shows mais importantes de sua carreira na noite de 12 de dezembro de 2012, em Moscou, na Rússia. Sob ameaças de ser processada e presa por propaganda gay, a artista, mesmo assim, levou a Born This Way Ball Tour para o gélido país do leste europeu, onde é crime desde o início dos anos 2010 fazer qualquer menção pública pró-pessoas LGBTQIA+. Isso não impediu ela de transmitir a mensagem principal de seu trabalho. Do fundo dos pulmões, a artista e ativista gritou noite adentro, para um estádio lotado, palavras de ordem contra o governo russo: “Eu acredito que tanto homens quanto mulheres merecem amar uns aos outros igualmente. Me prendam, Rússia!”. 

Para promover o disco e levar sua mensagem de aceitação e luta, Gaga saiu em turnê mundial e passou por seis continentes. Expandindo a história contada no clipe de Born This Way, o show deu vida ao universo de G.O.A.T., por meio de um palco em formato de castelo medieval e uma narrativa regada de teatralidade. Foi criada uma área especial na frente da pista premium reservada aos fãs que chegassem mais cedo (chamada de The Monster Pit), que também possibilitava a chance de alguns serem selecionados para conhecer a cantora nos bastidores, de graça.

Todos os elementos da tour foram pensados como uma experiência completa para os espectadores se sentirem integrados na mitologia do Born This Way, materializando o culto que Gaga construiu a cada noite de apresentação. O espetáculo teatral mostrou que a grandiloquência da artista não conhece limites, e, além do gigantesco castelo interativo colorido por diferentes jogos de luz, a mente da Haus colocou no palco seu melhor. Um cavalo mecânico, uma vagina gigante, manequins sobre rodinhas controlados a distância, uma moto em que Gaga deitava em cima e se transformava no híbrido da capa do disco para passear pelo palco, um sofá de carne (de mentira, dessa vez), um rosto suspenso em uma caixa de vidro que conversava com o público, e a lista vai longe.

A Born This Way Ball Tour marca, também, a última vez, até agora, que Gaga performou no Brasil. Passando por três cidades brasileiras em novembro de 2012 (Rio de Janeiro, São Paulo e Porto Alegre), a artista encontrou o maior público na capital paulista, se apresentando para mais de 52 mil pessoas, no Morumbi. Assim como nos outros shows da turnê, alguns fãs brasileiros foram convidados para sentar com Gaga no seu piano-motocicleta, e, no Rio, a artista chegou até mesmo a chorar enquanto conversava com o público. O Rock in Rio pode ter traumatizado os monstrinhos do Brasil, mas a Mãe Monstro, com certeza, leva lembranças inesquecíveis de quando esteve no país, tão eternizadas quanto a tatuagem em sua nuca.

A dedicação sem descanso da performer para com a turnê encerrou a BTWBT com um fim trágico: depois da apresentação em Montreal no dia 11 de fevereiro de 2013, Gaga revelou que estava com uma fratura no quadril desde dezembro, se agravando ao ponto que ela não conseguia mais andar. Todas as datas seguintes foram canceladas para que a artista pudesse passar por cirurgia e iniciar o tratamento.

THIS ALBUM IS FOR Ü

Esse álbum é para vocês. Quando se abre o encarte da versão física do Born This Way, essa é a primeira mensagem que se lê. Declarando um disco inteiro para os fãs, Gaga colheu os frutos de criar uma rede de apoio para seus seguidores, e consolidou o suporte incondicional de seus monstrinhos. Ela sempre soube que, para enfrentar o mundo real, é necessário uma jaqueta de couro simbólica para se proteger da rejeição quando se é diferente.

Em uma nota pessoal, o Born This Way é, provavelmente, o álbum mais importante da minha vida. Aos 11 anos, ouvir de alguém que eu admirava que estava tudo bem ser eu mesmo e que havia beleza no que me fazia diferente dos outros, me deu força para não ceder à autodestruição causada pela homofobia e a pressão de não se encaixar na heteronormatividade. Me fez conhecer outras pessoas que estavam passando pelas mesmas coisas que eu e também encontraram conforto na mensagem do disco, como um dos meus melhores amigos até hoje. Me fez viver um dos dias mais felizes da minha vida no show da turnê em São Paulo. Me fez perceber que eu não estava sozinho, e que poderíamos ajudar uns aos outros.

Born This Way é sim um projeto pensado para os little monsters, mas, antes disso, é um excelente disco pop, impecável em sua construção sonora e estética, e que vai envelhecer como um dos melhores trabalhos de Gaga, se não o melhor. Divisor de águas na carreira, polêmico e arriscado, mas gigantesco em sua ambição e proposta. A igreja de Lady Gaga agora se coordena sozinha, e aqueles jovens de 2011, que ainda carregam o suporte que o álbum possibilitou a eles, encontraram um mundo um pouco mais fácil de sobreviver. É como fechar os olhos e sentir a jaqueta de couro invisível sobre meus ombros.

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Juliana Dal Ri Galina

Considerada a “Rainha do Indie”, Lana Del Rey quis testar mais sons que vão além do indie em seu novo álbum, o que não é surpresa. Quem acompanha a cantora sabe que desde seu lançamento de 2019, Norman Fucking Rockwell!, ela vem fazendo sons que vão do pop ao estilo alternativo. No entanto, nesta nova obra Chemtrails Over The Country Club, Lana explora mais sua poesia em tipos musicais do indie, country e, principalmente, folk.

Lançado no dia 19 de março de 2021, através das gravadoras Polydor Records e Interscope Records, Chemtrails Over The Country Club contém 11 canções de puro aspecto vintage estadunidense. Começamos com a faixa-título que apresenta elementos como carros esportivos, viagens entre amigas e tardes na piscina, mostrando um verão bem típico californiano – característica comum nas suas obras.

No decorrer da música vemos que Lana quer mostrar seu lado jovem, livre e selvagem, presente também nos singles Dance Till We Die e Wild At Heart. Além de mostrarem um lado natural da compositora, a primeira tem um tema meio rock, com uma mudança no meio da música com o uso de baixos e bateria. Já a segunda apresenta tons calmos de violão, lembrando o folklore, de Taylor Swift. 

Já que comentamos de folk, Yosemite é a que lembra o gênero com sua melancolia na poesia e na melodia. Nomeada com o nome de uma paisagem natural dos EUA, Yosemite Falls, Yosemite é a canção mais serena do álbum todo, já que traz uma letra nostálgica de um amor passado junto com um violão no fundo. 

Ainda sobre ex-paixões, temos abertura do sertanejo americano em Chemtrails Over The Country Club com Breaking Up Slowly, em parceria com a cantora country Nikki Lane. Sendo a faixa mais curta, com apenas 2 minutos e 57 segundos, Breaking Up Slowly apresenta ritmo bem estilo country com as cordas do violão e baixo em sincronia com as vozes da dupla, cantando sobre términos difíceis, mas precisos. O single também apresenta referência vintage, citando os anos 60 através de Tammy Wynette. 

Not All Who Wander Are Lost, que, mesmo com um som sertanejo americano, o uso intenso da voz remete a lembrar das notas vocais de AURORA, artista alternativa, em seu single Exist For Love. Comentando sobre a cantoria de Lana Del Rey, a cantora vem aprimorando e suavizando sua voz cada vez mais, que é perceptível na quarta faixa do álbum, Let Me Love You Like A Woman. 

Interessante comentar que devido a esse canto ser tão calmo como um sussurro, Lana resolveu cantar justamente esta faixa na live do The Tonight Show. Ainda no indie, é curioso olhar que, Dark But Just A Game e Tulsa Jesus Freak são semelhantes no quesito de serem as únicas trabalhadas com batidas eletrônicas, enquanto o resto de Chemtrails Over The Country Club é mais acústico.

Para fechar o álbum, temos For Free e White Dress. A começar por For Free, temos a exposição de como trabalhar com música nem sempre é realmente recompensador e valorizado, o que é muito interessante, já que a canção é uma colaboração com Zella Day e Weyes Blood, cantoras que não dominam o mainstream como a Lana.

Vemos também essa temática de não-reconhecimento com White Dress, em que Lana Del Rey recorda do seu tempo antes da fama como Lizzy Grant – uma garçonete que adora Kings of Leon e White Stripes e vê uma virada na sua vida ao finalmente ser vista, como ela mesmo fala. O clipe conta com um cenário americano antigo de estrada, pôr do sol, dança de patins e entre outros.

Chemtrails Over The Country Club é a obra da Lana Del Rey que mais mexe com tantas áreas musicais, fazendo melodias incríveis e únicas, algo que ela vem produzindo desde Norman Fucking Rockwell!. O álbum reconforta a todos com sons calmos e cantorias leves, vindos do folk e country, e batidas mais aceleradas e cantos agudos, ao estilo alternativo.

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