Caio Machado

A primeira divisão binária que um ser humano encontra ao chegar no mundo é a de gênero. Menino e menina. O primeiro brinca de carrinho, a segunda brinca de casinha. Um veste azul, outra usa rosa, como disse uma figura execrável em Brasília certa vez. Mas por que essa divisão existe? Quem foi que a criou? Deus ou o ser humano? São todos questionamentos que permeiam Hedwig: Rock, Amor e Traição (Hedwig and the Angry Inch), filme que quebra esse muro tão precário com ousadia, Música e revolta.  

Na trama, acompanhamos Hedwig (John Cameron Mitchell), uma mulher transgênero que lidera uma banda de punk rock, a The Angry Inch. Enquanto percorrem os Estados Unidos, seguindo a turnê do astro Tommy Gnosis (Michael Pitt), temos um vislumbre do passado da protagonista, passando pela infância vivida na Berlim Oriental, sua cirurgia de redesignação de gênero forçada (e mal-sucedida) e a vinda aos EUA.  

Assim como Todd Haynes fez em Velvet Goldmine, em Hedwig, o ator e diretor John Cameron Mitchell compreende a Música, especificamente o rock, como um meio de acolhimento para vidas queer. Em flashbacks carregados de delicadeza e humor, o filme mostra a importância que figuras importantes do gênero, como Lou Reed e Iggy Pop, tiveram na formação da protagonista e seu autodescobrimento. O sentimento de identificação com essas personalidades foi fundamental para que se aceitasse como alguém fora do padrão heteronormativo. 

Através de uma cena curta, onde Hedwig ainda criança dança na cama enquanto “we are freaks” ecoa do rádio, o filme consegue demonstrar a melhor sensação que a Música é capaz de proporcionar: a de pertencimento. Sentir que você não está só no mundo e que aqueles versos, naquela melodia, estão conversando diretamente contigo. É um sentimento tão poderoso que devolve cor e força para vidas cinzentas e monótonas. 

A própria vida de Hedwig não foi nada fácil. Desde a infância, o sofrimento e a decepção sempre se mantiveram presentes. Mesmo assim, ela colocava a peruca, passava a maquiagem e seguia em frente, com a cabeça em pé e liderando sua banda. Nenhum personagem precisa falar para ela o quanto é forte pois qualquer momento onde Hedwig canta já diz isso. Performa sempre com uma intensidade capaz de mover multidões, mas seu público é pequeno. O filme faz questão de ressaltar o quanto ela e a banda destoam do ambiente e de quem frequenta o lugar onde se apresentam, mas não entende isso como motivo para chacota. Pelo contrário, vê como símbolo de força, de resistência. Não só Hedwig, mas todos do grupo têm uma confiança que é muito inspiradora. 

Esse espírito tão vibrante, tão corajoso permeia os 93 minutos da produção. Nela, as diferenças, sejam elas de aparência, comportamento ou o que for, são vistas como algo mágico. A magia, repleta de glitter, está presente tanto na vivacidade da fotografia quanto nas cenas onde a obra abraça seu lado fantasioso, como na inserção das letras de uma das músicas para que o espectador cante junto, igual a um karaokê, e nas animações, cheias de personalidade e que servem para ilustrar  as canções e histórias de vida da protagonista. 

Entre essas histórias, está o relacionamento conturbado com Tommy Gnosis. Há uma inocência muito bonita que acompanha as cenas no início da relação dos dois, onde o amor dela faz com que descubra mais sobre ele. À medida que Gnosis desbrava a própria sexualidade e não a aceita, o clima das interações entre os dois se torna profundamente melancólico e o filme se aproveita do drama gerado para ressaltar a ironia: é o que Tommy carrega no nome artístico, o conhecimento (gnosis), que causou a ruína de seu relacionamento com Hedwig. Mais uma vez, dor e decepção passaram pela vida da protagonista.  

À medida que a narrativa avança, a cantora e a banda têm seu instante de fama. A própria montagem do filme fica mais frenética para acompanhar a maior atenção que o grupo passa a receber. O ambiente onde apresentam muda, o antigo amor de Hedwig retorna, desta vez para pedir desculpas pelo erro do passado. A linearidade da trama é abandonada e a obra toma para si o caos, cheio de guitarras raivosas e ruído de amplificadores, para representar outra metamorfose da protagonista. 

Sem a peruca loira e sem roupas, a aceitação desta nova fase é chocante, mas também traz a liberdade. Agora, é um homem? Mulher? Nenhum dos dois e ambos. Definir sua existência nesses termos é muito simplista. De qualquer forma, continua caminhando. No Mês do Orgulho, sua história é uma incrível fonte de inspiração para todos que fazem parte da comunidade LGBTQIA+. É um incentivo maravilhoso para ser quem você é, sem medo, porque viver de acordo com as divisões que a sociedade impõe desde a infância só traz angústia. Somente abandonando esses “padrões” do século passado é que seremos livres de verdade. 

O post Quem é Hedwig? apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Gabriel Leite Ferreira

Raw Power era o disco favorito de Kurt Cobain. Não à toa: lançado em 1973, o manifesto definitivo dos Stooges pode ser considerado o primeiro álbum punk da história, anos antes das bíblias do gênero. Mas nem isso, nem o axioma recorrente “trilha sonora do fim do mundo” fazem jus a ele. Não totalmente.

Eu sou um guepardo caminhando com um coração cheio de napalm

Eu sou um filho fugitivo da bomba atômica

Eu sou o garoto esquecido do mundo

Aquele que persegue e destrói

Entre as bandas norte-americanas clássicas dos anos 70, o Stooges é certamente a mais errática. O grupo teve duas encarnações entre 1967 e 1974, gravou três obras-primas regadas a quantidades homéricas de drogas e acabou engolido pela decadência do vício. Porém, a semente resistiu às intempéries e hoje, olhando em retrospecto, é impossível contar a história do rock sem mencionar o quarteto liderado por Iggy Pop ao menos um par de vezes.

Como é de praxe na arte de vanguarda, os delinquentes juvenis de Michigan não conquistaram sucesso comercial algum durante sua primeira encarnação. The Stooges e Fun House fizeram a cabeça da crítica, mas não ecoaram com intensidade no público. Pra completar, os sérios problemas com drogas dos integrantes forçaram sua gravadora, a Elektra, a demiti-los após o lançamento de Fun House. Com isso os Stooges se separaram, e embarcariam diretamente para a obscuridade não fosse a intervenção de David Bowie.

Um grande admirador da banda maldita, Bowie levou um Iggy afundado no vício em heroína à Inglaterra e conseguiu um contrato como artista solo para ele. De início, Pop pretendia compor um álbum com James Williamson, guitarrista incorporado à sua antiga banda pouco antes do fim. Mas logo ficou claro de quem eles precisavam. Em setembro de 1972, o núcleo dos Stooges – Iggy Pop, James Williamson, Ron Asheton e Scott Asheton – estava novamente reunido e, contrariando todas as expectativas, gravando seu vindouro terceiro disco.

Dance com a batida dos mortos-vivos

Lucy, querida, fique longe da cama

Poder cru vai vir correndo atrás de você

A estreia homônima de 1969, com sua distorção tosca, hinos ao tédio juvenil e apatia à Velvet Underground, soava como os Beatles se eles tivessem começado a usar drogas pesadas já na fase iê-iê-iê. Fun House transformava o tédio em pura insanidade chapada, incluindo aí influências de free jazz e urros selvagens jamais igualados. Em Raw Power, os dois lados encontram um equilíbrio por meio dos riffs de Williamson, mais encorpados que os de Ron Asheton, guitarrista original. Some isso à pressão da gravadora CBS por pelo menos uma balada em cada lado do vinil e quatro viciados sob relativo controle, e temos o álbum mais coeso da curta história dos Stooges.

O primeiro single da banda, tão ingênuo quanto drogado

Curta – e extenuante história. Desde os primórdios, Iggy ganhou notoriedade por suas performances violentas, que incluíam se cortar com cacos de vidro, se cobrir de pasta de amendoim e o famigerado stage diving. A evolução do abuso de drogas só fez dele mais imprevisível, dentro e fora do palco – e os outros membros também não eram flor que se cheire. O “dance to the beat of the living dead” da faixa-título não é apenas uma frase espirituosa sobre a música de Raw Power, é também uma constatação: sem garantias de sucesso comercial, os Stooges reformados eram mortos-vivos.

Mais vivos do que mortos, diga-se. Vítima da mixagem apressada de Bowie a fim de corrigir o parco trabalho do próprio Iggy, Raw Power soa como se estivesse no limite da sanidade: vocal e guitarra compõem a ensurdecedora linha de frente, enquanto baixo e bateria formam a base, discreta mas eficiente. Não é preciso dizer que as vendas foram pífias de novo. Eles seriam demitidos pouco tempo depois e encerrariam a caótica carreira em 1974, aos trancos e barrancos. Mas sua missão estava cumprida.

Um ano antes do disco definitivo, a banda já teve sua marca cravada na música pop com The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars. O personagem do divisor de águas de David Bowie era fortemente baseado em Iggy, desde o nome à (falta de) roupa. Bowie refinou a androginia animalesca do amigo para dar forma ao arquétipo definitivo do rock setentista.

No final daquela década, a primeira geração do punk surgiria destilando a mesma energia autodestrutiva dos riffs de Williamson, pais tanto da imundície dos Sex Pistols quanto da pompa barulhenta do Guns N’Roses. Nos anos 90, o Nirvana reafirmaria o vanguardismo de Raw Power com In Utero, um dos álbuns mais cáusticos já gravados por um grupo mainstream. A escolha de Cobain pela produção sem concessões e a interpretação visceral tem raiz direta na sonoridade agressiva do seu disco preferido.

Dê-me perigo, estranha

E eu sentirei sua doença

Não há nada em meus sonhos

Só memórias feias

Beije-me como a brisa do oceano

É fácil e até mesmo lógico resumir o poder da obra-prima dos Stooges à guitarra de Williamson em conjunção com o vocal de Pop. Comete-se aí uma falha comum: as letras são ignoradas. Os versos de Raw Power contam muito sobre a trajetória dos Stooges e sobre o próprio Iggy, mas sem a couraça de inconsequência juvenil dos álbuns anteriores – em Fun House, sua interpretação já ganhara tons mais dolorosos, mas a proposta era mais descontraída. Aqui, sangra para ser amado, expondo uma ferida aberta e sem cura.

Já no hino “Search and Destroy” a faceta sensível é explícita: Querida, você tem que me ajudar, por favor / Alguém salve minha alma. A faixa-título transborda ansiedade, desde o riff engasgado aos clamores finais: Eu só quero saber / Você consegue sentir?!. A crueza com que Iggy canta confirma, mais uma vez, a complementaridade entre voz e guitarra. As cordas de Williamson sangram tanto quanto as palavras. O poder cru é sentimental.

A urgência é palpável em cada um dos trinta minutos de música. Nos momentos mais violentos, como “Your Pretty Face Is Going To Hell” e “Penetration”, o mote sexo, drogas e rock’ n’ roll chega a seu auge: sexo selvagem, drogas pesadas e rock ’n’ roll ensurdecedor como forma de escapar da irremediável solidão.

Nas duas baladas supracitadas, Iggy se entrega à carência, e os pedidos de socorro não cessam. Em “I Need Somebody”, um blues paranoico, clama por uma companheira, mas avisa: Querida, eu vou te manobrar errado. Em “Gimme Danger”, a autodepreciação é ainda mais profunda e a vontade do eu lírico chega às raias do sadomasoquismo: Se você for minha mestra / Eu farei qualquer coisa. A obliteração do sujeito é sintomática do estilo de vida que Iggy levava à época, que quase o matou.

Montanhas de drogas e turnês caóticas eram comuns até o padecimento da banda em 1974. Depois, o frontman se transformou em uma parte viva do folclore da cena de Nova York, mal sobrevivendo com a ajuda de alguns poucos amigos, entre eles o próprio Bowie. Não fosse o auxílio do camaleão, seria difícil imaginar uma vida longa para Pop. Felizmente, ele ressurgiu e segue trabalhando com o mesmo tesão no alto dos seus 70 anos.

Querida, nós estamos entrando pra história

Venha comigo na minha viagem de morte

Ninguém, nem mesmo Iggy, imaginava que os Stooges sobreviveriam para contar sua história no século 21. “Death Trip”, a última canção de Raw Power, seria cômica se não fosse trágica. Nas palavras do vocalista: “A letra sou eu dizendo ‘eu sei o que vai acontecer com a gente, eu sei o que a gente tá fazendo, e eu vou cantar sobre isso’” . Um epitáfio muito adequado para os Stooges.

Eles sobreviveram relativamente incólumes às décadas seguintes, com exceção dos baixistas Dave Alexander e Zeke Zettner, mortos ainda na década de 1970. Iggy se tornou um artista solo produtivo, os irmãos Asheton seguiram tocando em diversas bandas da cena de Detroit e Williamson se formou em engenharia elétrica. Em 2007, o trio original e o baixista Mike Watt (Minutemen) se reuniu e gravou The Weirdness. Dois anos depois, Ron Asheton faleceu devido às complicações de um ataque cardíaco e Williamson retornou a seu posto. Em 2013, a banda gravou seu último disco, Ready to Die.

Nos anos seguintes, as mortes de Scott Asheton e Steve Mackay, saxofonista que participou de Fun House, colocaram um ponto final definitivo nessa história, coroada com o documentário Gimme Danger, de Jim Jarmusch.

Levando isso em conta, não é surpreendente a sobrevida de Raw Power. De fiasco a clássico incontestável bastaram alguns anos, mas Iggy ainda não havia descansado de sua death trip. Para o relançamento do álbum em 1997, tratou de remixá-lo da maneira como havia feito originalmente, sem a mão de Bowie. O resultado estabeleceu novos parâmetros para a infame loudness war. Se antes a banda soava à beira da insanidade, a nova versão, com vocal e guitarra no talo, soa como um psicopata terminal. Hipérboles à parte, o remix foi uma evolução e tanto, e é a melhor pedida para experimentar o poder cru em toda sua plenitude. Anárquicos 45 anos depois, continua irretocável. Can you feel it?!

O post O poder cru dos Stooges completa 45 anos apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Bárbara Alcântara

Quem teve a chance de ver Iggy & the Stooges no Claro Q É Rock, em 2005, ou no Planeta Terra, em 2009, ficou no mínimo abismado com a desenvoltura e a energia ainda exibidas pelo vocalista, mesmo aos mais de 60 anos de idade. Usando apenas um jeans feminino e um par de botas, Iggy Pop subiu nos amplificadores, fez danças inusitadas, abaixou as calças e ainda chamou o público para subir no palco – tudo isso enquanto cantava, a plenos pulmões, os clássicos da banda. No entanto, os caminhos até o topo foram ardilosos.

Ao lado de seus companheiros de banda, fez história com álbuns clássicos como o homônimo “The Stooges” (1969), o “Funhouse” (1970) e o “Raw Power” (1973), mas não passou incólume à intensa vida à la “Blank Generation” da cidade grande: quando a banda se desfez, em 1974, ele estava afundado nas drogas, sem dinheiro e sem contrato. Foi graças a David Bowie que se salvou. O amigo tirou Iggy do fundo do poço, o levou para a Europa e, em 1977, produziu os dois primeiros e aclamados álbuns em carreira solo do cantor: The Idiot, em março, e Lust for Life, em agosto.

Um completo idiota

The Idiot chegou como uma afronta aos fãs do extinto Stooges. Trazia uma nítida influência de Bowie, com quem escreveu a maior parte das músicas em parceria, e isso definitivamente não agradou a quem estava acostumado com o som arcaico e visceral dos primórdios. Mesmo com todas as mudanças, a assinatura de Iggy estava lá: as faixas exprimiam o seu sentimento em relação ao mundo, fosse pelas letras autobiográficas, fosse pelas melodias densas e quase fúnebres.

Tudo começou em 1947, no estado de Michigan, quando nasceu James Newell Osterberg Jr. Uma criança comum, alegre e sorridente, que tinha um desempenho impecável na escola. Aos poucos, o menino foi revelando seus dons artísticos e um grande apreço pela música. No auge da adolescência, formou a sua primeira banda, The Iguanas (daí veio seu apelido, Iggy) e, a partir de então, começou a desandar nos estudos.

Como todo jovem rebelde, sentia que seu pai era superprotetor. Quando começaram as reclamações em casa sobre a influência negativa da sua carreira musical sobre a acadêmica, ele chegou a “se mudar para as ruas” – mas foi acolhido pela família novamente.

A música de abertura do álbum, “Sister Midnight”, conta um episódio de sua juventude em que foi pego no flagra pelo pai com a filha de uma família vizinha e, a partir de então, proibido de sequer se aproximar da garota. Nela, ele fala sobre o sentimento que foi reprimido por anos. Posteriormente, a música foi regravada por Bowie sob o nome de “Red Money”, com a letra modificada.

“Calling Sister Midnight | Chamando a Irmã da Meia Noite

Can you hear me call?  | Você pode me ouvir chamar?

Can you hear me well? | Você pode me ouvir bem?

Can you hear me at all? | Você pode simplesmente me ouvir?

Calling Sister Midnight | Chamando a Irmã da Meia Noite

I’m an Idiot for you | Sou um idiota por você”

Entrou na universidade apenas para ter o primeiro contato com o que viria a ser o seu mundo. Assistiu a apresentações do Velvet Underground, MC5 e The Doors, e com o tempo passou a se identificar com a postura insolente dessas bandas, que iam contra o flower power dos hippies. Isso fascinou o jovem que, na época, preferia “My Generation”, do Who, a “Help!”, dos Beatles. Abandonou a faculdade para abraçar a sua verdadeira paixão: a música!

Após passar por uma série de bandas, em 1967, conheceu os irmãos Scott e Ron Asheton, e formou o que um dia seria os Stooges. Dave Alexander era, a princípio, roadie, mas terminou como baixista. Ron assumiu a guitarra e Scott, a bateria. Iggy Pop ficou a cargo dos vocais e, inspirado nas apresentações de Jim Morrison, passou a fazer performances intensas e audaciosas – que terminavam, geralmente, com o cantor nu ou coberto por seu próprio sangue.

A segunda faixa de The Idiot, “Nightclubbing”, é a música que, com uma vibe vampiresca, melhor retrata as madrugadas excursionando por festas e gigs ao redor da cidade. Noites varadas à base de álcool e entorpecentes, que fizeram com que os Stooges entrassem em um submundo que, cada vez mais, se mostrava sem futuro algum e, principalmente, sem volta.

Nightclubbing we’re nightclubbing | Festejando, nós estamos festejando

We’re walking through town | Nós estamos andando pela cidade

Nightclubbing we’re nightclubbing | Festejando, nós estamos festejando

We walk like a ghost | Nós andamos como fantasmas

We learn dances brand new dances | Nós aprendemos danças, novas danças

Like the nuclear bomb | Como a bomba nuclear

Enfim, em 1969, assinaram contrato com a Elektra Records e gravaram o primeiro álbum, The Stooges, produzido por John Cale do Velvet Underground. Um ano depois lançaram Fun House, esse por Don Gallucci do Kingsmen. Infelizmente, ambos os álbuns não foram bem sucedidos comercialmente na época e receberam muitas críticas.

Entre 1971 e 1972, a banda passou por um hiato: Iggy estava lutando contra o vício em heroína. Mais ou menos nesse período, conheceu David Bowie e foi com ele para Londres, na tentativa de gravar um álbum solo (que não rolou). No fim, acabou reunindo os Stooges e juntos gravaram o aclamado Raw Power, com Ron no baixo, Scott novamente na bateria e James Williamson na guitarra. O errado deu certo: a pegada mais agressiva do álbum, produzido pelo próprio Bowie, não só foi bem aceita pelo público como também acabou rendendo a Iggy Pop o status de “pai do punk”.

Nos anos seguintes, a vida desregrada acabou tendo sérios desdobramentos para ex-companheiros de banda: Zeke Zettner e Dave Alexander falecem, o primeiro devido à overdose de heroína e o segundo por um edema pulmonar, causado por excesso de álcool. “Dum Dum Boys”, a sexta faixa do álbum solo, fala abertamente sobre isso e se refere a eles como “garotos tolos” – lamentando o fato de terem sido ingênuos ao ponto de perderem suas vidas por pura luxúria:

What happened to Zeke? | O que aconteceu com Zeke?

He’s dead on jones, man | Ele morreu de heroína, cara

How about Dave? | E Dave?

OD’d on alcohol | Overdose de álcool

(…)

Well, things have been tough  | As coisas têm sido difíceis

Without the Dum Dum Boys  | Sem os Dum Dum Boys (garotos tolos)

Ao fim de 1976, Iggy Pop estava em um estado tão deplorável que ele se internou por livre e espontânea vontade em uma clínica de reabilitação, o Instituto de Neuropsiquiatria da Universidade da Califórnia (UCLA). Durante o período em que esteve lá, seu único visitante foi o amigo Bowie.

Recuperando o tesão pela vida

Lust for Life alcançou um lado mais positivo e dançante do cantor. É um retrato do momento em que aceita a segunda chance oferecida pela vida (e pelo amigo), e deixa para trás um passado lúgubre, macabro, de um período insano regado a, literalmente, muito sexo, drogas e rock’n’roll.

David Bowie “ressuscitou” Iggy Pop ao convidá-lo, em 1976, para acompanhar sua turnê de lançamento do álbum Station to Station. A seriedade com que tratava cada minuciosidade, deixou o amigo boquiaberto! “Ele fazia um grande show toda noite. Não importa onde fosse”, conta Iggy em entrevista. Durante a viagem pela europa, entre a França e Alemanha, produziram juntos o The Idiot – mas foi especificamente na cidade de Berlim que Lust for Life nasceu.

Além de ter a sua vontade de viver recuperada, na segunda obra em carreira solo, o cantor retoma também as raízes no rock. Com vocais mais guturais, ele deixa a personalidade selvagem tomar conta de seu trabalho. Algumas faixas, entretanto, ainda têm muito do companheiro, como por exemplo “Turn Blue” e “Fall In Love With Me”.

Em “The Passenger” (que muita gente aqui pelo Brasil conhece como “O Passageiro”, na voz de Dinho Ouro Preto), mostra que, até mesmo para falar dos períodos mais sombrios, havia amadurecido. Com um ar nostálgico, atravessa as ruas de uma metrópole e narra situações fictícias baseadas em memórias de um passado junkie. Consegue ver a beleza da vida que um dia o consumiu.

O álbum estourou, de fato, em 1996, quando teve a faixa homônima escolhida por Danny Boyle para se tornar carro-chefe da trilha sonora de Trainspotting – Sem Limites (que ganhou uma sequência esse ano, e chega ao Brasil no dia 23). O filme tem muito a ver com a vida do próprio cantor: conta a trajetória de Mark Renton e seus amigos, todos drogados tentando se livrar do vício em heroína, encontrar emprego e se estabelecer afetivamente. A letra da música logo foi associada às falas iniciais do protagonista:

O ano de 1977 foi frutífero não apenas para Iggy. Bowie lançou dois pontos altos de sua carreira: Low, em janeiro, e “Heroes”, em outubro. A influência de um na carreira do outro é nítida, sobretudo nesse período em que estiveram juntos em Berlim. Bowie excursionou com Iggy, tocando teclado durante os shows, enquanto o segundo ajudou na gravação de alguns backing vocals de Low.

Após os dois álbuns solos, Iggy ainda lançou mais 18. Mas nunca escondeu o protagonismo de Bowie em sua vida e carreira, tanto que se pronunciou publicamente diversas vezes após a morte do amigo, em 2016.

A relação profunda entre os dois chamou tanto a atenção que, em 1998, foi enredo do filme Velvet Goldmine, de Todd Haynes. Sob os pseudônimos de Brian Slade (Jonathan Rhys Meyers) e Curt Wild (Ewan McGregor), o longa narra, entre muitos floreios e muita romantização, desde o primeiro encontro dos dois, até o que ficou conhecido como a “fase Berlim” de Bowie.

Iggy Pop também ficou famoso por quebrar os estereótipos de gênero e chocar a sociedade, muito antes do Liniker e a geração do tombamento sonhar em existir. Já apanhou muito por ter a mania de andar de vestido pela cidade de Ann Arbor, em Michigan, e inclusive chegou a ter os dentes da frente quebrados por conta disso. Sempre preferiu roupas mais apertadas e espalhafatosas (de preferência no modelo feminino), era assumidamente bissexual, usava maquiagem e nunca demonstrou qualquer problema com isso.

Com uma disposição de dar inveja até nos mais jovens, em 2007 e 2013 reuniu os Stooges e lançou mais dois álbuns, The Weirdness e Ready to Die. Em 2010, foi induzido ao Rock’n’Roll Hall of Fame. Em 2015 retornou ao Brasil para mais uma apresentação, dessa vez sem a banda e, no ano seguinte, lançou mais um álbum, junto com o vocalista da Queens of the Stone Age, Josh Homme. Atualmente, continua fazendo participações especiais em shows, filmes e entrevistas, e não seria estranho se resolvesse sair em uma outra turnê mundial.

Além de toda a contribuição musical, atuou em filmes como Cry-baby (1990), de John Waters, Tank Girl (1995), de Rachel Talalay, O Corvo – A cidade dos anjos (1996), de Alex Proyas. Até dublagem ele fez, em Persépolis (2007), de Marjane Satrapi, e (pasmem!) na animação da Nickelodeon, Rugrats – Os Anjinhos (1998).

Enfim, Iggy Pop foi um visionário: se o som pesado e intenso dos Stooges deu origem ao que ficou conhecido como o punk rock, a morbidez de seu primeiro álbum solo previu o que viria a se tornar o pós-punk (o disco ganharia uma aura ainda mais sinistra três anos depois, ao ser descoberto que foi a trilha sonora do suicídio de Ian Curtis, do Joy Division). A onda pesada de The Idiot serviu como um ponto de descarga emocional, abrindo espaço para a leveza e bom humor de Lust for Life, que se estendeu até os dias atuais. Sua genialidade influenciou e continua influenciando grandes nomes, entre eles Kurt Cobain, do Nirvana, Anthony Kiedis, do Red Hot Chili Peppers, e Thurston Moore, do Sonic Youth.

Quem diria que um idiota com sérios problemas com drogas seria capaz de alcançar tudo isso?

O post Iggy Pop, o idiota com tesão pela vida apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.