Livia Queiroz

Imagine que você está assistindo um jogo de xadrez. O primeiro jogador ao fazer sua abertura, opta por sacrificar sua peça imaginando tirar vantagem do ataque de seu adversário, que captura o peão. Essa jogada chama-se O Gambito da Dama que, em tradução italiana, seria como uma rasteira da peça na qual está localizada à frente da rainha em forma de isca, afinal, nenhum jogador experiente sacrifica sua peça mais valiosa ao lado do rei logo no início da partida. Diante desse movimento, há 5 anos, a Netflix lança, então, a minissérie O Gambito da Rainha, baseada no romance de 1983 de Walter Tevis. 

A trama, inusitada e cativante, foi criada e dirigida por Scott Frank e sua extensão não surpreende somente pela qualidade narrativa como pelo casting. A atriz Anna Taylor-Joy (Beth Harmon) foi a escolha perfeita para o papel principal de uma personagem forte e introspectiva e que, na época, iniciava sua ascensão em Hollywood com participações de sucessos como Vidro (2019), Fragmentado (2016), The Miniaturist (2017) e The Witch (2015). Além dela, o elenco conta com outros nomes conhecidos, incluindo Thomas Brodie-Sangster (Benny Watts) e Harry Melling (Harry Beltik). Certamente, todos esses aspectos lideraram o projeto que viria a ser o maior sucesso de audiência da Netflix com uma minissérie, alcançando 62 milhões de telespectadores nos primeiros 28 dias de lançamento e alcançando Top 1 em 63 países. 

A prosperidade também vai além do próprio streaming, somando 11 Emmys de 18 nominações. O mais interessante da série é, sem dúvidas, a capacidade de envolver o telespectador na narrativa do jogo, interessante até mesmo aqueles que não sabem sobre xadrez. Conforme Beth é ensinada pelo Sr. Shaibel (Bill Camp) sobre o tabuleiro e suas jogadas, o público consegue entender, nem que sejam os conceitos básicos, sobre a matemática e a arte desse espetáculo. Cada jogada é perfeitamente envolvente, mostrando significado em cada movimento. Depois de muitas partidas evidenciadas em tela, é possível perceber um padrão de início quando Beth participa das competições, e quando se entende que aquele movimento – explicado também pela protagonista – é, na verdade, a perfeita analogia ao gambito da dama.

A fotografia (Steven Meizler), apesar de simples quando tratamos de grandeza de espaços, encontra sua beleza no minimalismo e zooms que transpassam as jogadas de xadrez e expressões de tensão em meio ao tabuleiro. O cenário, baseado nos anos de 1960, é um contraste enorme, no qual serão explorados cenas de cores que se misturam entre si na neutralidade e, por outras vezes, serão coloridos com diversas texturas, estampas e cores em um mesmo ambiente, trazendo à série um retrato de conforto estranho mesmo àqueles que não viveram a época, assim como os detalhes do próprio ambiente de gravação, com sacolas de compras de boutiques verídicas, carros clássicos e móveis padronizados. 

O Gambito da Rainha também traz à tona ‘a psicologia dos campeões’. Abrindo espaço para mostrar a obsessão que leva a perfeição, uma clássica narrativa quando se retrata o esporte, como em Arremessando Alto (“A obsessão vence o talento todas as vezes”- 2022), Eu, Tonya (2017), Cisne Negro (2010) e Touro Indomável (1980). A forma com a qual a produção desenvolve esse aspecto é compulsivo e repleto de tensão, assim como a protagonista, que acredita na necessidade de dopar-se para obter rendimento em seus jogos, um vício desenvolvido desde a infância no orfanato. Entretanto, Beth burla a narrativa de autodestruição dos obcecados de forma melodramática, e a ausência da fase de reconstrução mental e estrutural de um ex-viciado decepciona, especialmente pela curiosidade de como essa forte mulher lidaria com isso.

“Um empate, no entanto, não era uma vitória. E a única coisa na vida dela que ela tinha a certeza de amar era uma vitória.“

Além dos aspectos cinematográficos e psíquicos, a série surpreende com a complexidade e significância que aplica por meio da moda. Coordenada por Gabriele Binder, a equipe de costume design fez um excelente trabalho, no qual precisou não só assemelhar-se ao estilo dos anos 60 como também criou o desafio de aplicar easter-eggs de xadrez dentro da linguagem fashion na série. A moda sempre foi uma forma de comunicação feminina quando vivia-se em um período do qual as mulheres eram impedidas de se expressar. E Beth Harmon mostra não só a força feminina que pode ser transparecida na roupa como a forma com a qual ela é um sinal de conexão entre seus interesses e si mesma. 

A minissérie conversa com o público por meio das peças que a protagonista utiliza o tempo todo. No início, uma garota introvertida e cheia de ressentimentos que não tem experiências para contar, vestida de forma simples e neutra, sem chamar atenção. Depois, no orfanato, completamente uniformizada porém com um crescente ar de rebeldia, com uma roupa amassada e meias engruvinhadas. Em seguida, o seu passo ao mundo do xadrez, que envolve uma coletânea de looks quase matemáticos, voltados sempre às linhas verticais e horizontais. E por fim, ao tornar-se um ícone do esporte, ela amplia o vestuário para algo digno de realeza, com óculos de Maison Bonnet, sobretudos e vestidos inspirados em Pierre Cardin, a arte pop de Andy Warhol, saltos e adereços capilares, além da equipe se inspirar em esculturas de modelos dos 60’s como Edie Sedgwick e Françoise Hardy. Beth definitivamente se veste não só como uma verdadeira rainha como também como si mesma em torno de sua maior obsessão, o xadrez.

Um exemplo da moda como poder político é no episódio Adjournment (Partidas Adiadas), em uma coletiva de imprensa na pré-partida contra Vasily Borgov (Marcin Dorocinski). Nela, um jornalista pergunta à Harmon qual a opinião dela sobre “aqueles que dizem que ela é muito glamurosa para ser levada a sério como uma jogadora de xadrez”. De forma breve e objetiva, a mulher responde: “Eu diria que é muito mais fácil jogar xadrez sem o peso de carregar o pomo de Adão”, uma clara menção à guerra dos sexos que escutou sua vida toda quando se trata de esportes. Neste e em outros comentários da imprensa é inserido o sexismo dos interesses sobrepostos pela lente de gêneros, no qual – diante da elegância que intimida – associa o papel feminino e de sua feminilidade às atividades caseiras e sofisticadas enquanto o homem pratica a competitividade dos esportes. 

Portanto, O Gambito da Rainha é versátil e abre debate para diversas temáticas não necessariamente entrelaçadas porém de alguma forma independentemente conectadas pelo bem da qualidade cinematográfica. É o tipo de minissérie que se acaba em um único dia, não por ter poucos episódios mas por quão satisfatória é a jornada de Beth Harmon e sua conexão com um esporte um tanto quanto ofuscado atualmente. Apesar das pequenas desvantagens do cotidiano evidenciadas no decorrer dessa obra, entendemos que é sempre interessante iniciar suas partidas de forma ousada, pensando no futuro tal qual um gambito da dama porque, afinal, “o xadrez também pode ser muito bonito”.

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Gabriel Gatti

William Shakespeare foi um grande dramaturgo nascido no século XVI, e chegou a publicar cerca de 40 obras, que acabaram sendo amplamente revisitadas ao longo dos séculos. Como é o caso de Macbeth, uma tragédia medieval sobre ganância e culpa que rendeu uma série de adaptações cinematográficas. Dentro dessa ampla gama de subprodutos derivados do acervo literário shakespeariano parece quase improvável produzir algo com características originais, porém foi exatamente isso que o diretor Joel Coen fez em A Tragédia de Macbeth, uma produção da A24 em parceria com a Apple TV+.

Ao primeiro contato, o longa parece bem distante do estilo comumente desenvolvido pelo diretor em conjunto com seu irmão, Ethan Coen. Juntos, os irmãos Coen produziram diversos filmes que utilizam do humor sarcástico para questionar certos padrões normalizados dentro da sociedade estadunidense. Porém, A Tragédia de Macbeth o coloca sozinho na cadeira de direção em frente a uma das peças mais dramáticas de Shakespeare. Para essa produção, Joel se arriscou em uma película minimalista, em que até as cores não foram bem-vindas para recontar essa grande tragédia, um formato inusitado para a obra.

Outro ponto importante para adentrar a narrativa é compreender o estilo do autor original. Shakespeare teve seu trabalho dividido ao longo de três fases, sendo a primeira (1590-1602) delas dominada por peças históricas e tragédias em estilo renascentista, a segunda (1602-1610) caracterizada por tragédias e comédias e a terceira (1610-1616) ocupada por peças de caráter conciliatório. Macbeth, especificamente, foi lançada em 1623, mas acredita-se que tenha sido escrita entre os anos de 1603 e 1607. Sua trama dramática com a sede de poder como peça central enquadram a narrativa como sendo parte da segunda fase das obras shakespearianas.

Desse modo, a trama se inicia na Escócia durante o século XI com o retorno dos generais Macbeth (Denzel Washington) e Banquo (Bertie Carvel) de uma batalha em que saíram vitoriosos. No caminho de volta para casa, eles são surpreendidos com três bruxas (Kathryn Hunter) que declamam a profecia de que Macbeth se tornará barão e, depois, rei. Assim que o primeiro presságio se concretiza, o protagonista da trama se sente motivado a matar o monarca vigente para assumir o trono, apesar de se mostrar apreensivo com a ideia em certos momentos. 

No entanto, sua esposa, Lady Macbeth (Frances McDormand), demonstra seu lado maquiavélico ao insistir para que o marido cometa o crime. Sendo assim, após apunhalar durante a noite o Rei Duncan (Brendan Gleeson), a quem Macbeth era próximo, a profecia anunciada pelas bruxas se concretiza e o assassino se torna o soberano. Após conquistar a sonhada coroa, o peso da culpa passa a atormentar Macbeth, que começa a sofrer com terríveis ataques de consciência beirando a loucura.

Para dar vida a narrativa, Joel Coen escalou Denzel Washington e Frances McDormand para viver o casal Macbeth, que entregaram a dramaticidade necessária para o papel. Além da dupla já amplamente conhecida, outro grande destaque de atuação no longa foi o das bruxas, encarnado por Kathryn Hunter. A personagem da atriz se apresenta como um indivíduo, mas sua sombra se fragmenta em três, servindo como uma releitura original das personagens criadas por Shakespeare. Além disso, a atuação de Hunter, que já era uma artista muito conceituada no teatro, se assemelha em partes ao Gollum de O Senhor dos Anéis devido sua entonação vocal e os movimentos corporais de contorção. Essa encenação apresentou o tom macabro logo no início do filme, que perdura até sua conclusão.

Outros elementos discretos dispostos ao longo de A Tragédia de Macbeth acentuam o lado sombrio da película e, ainda, se aproximam da obra do dramaturgo inglês. Em suas narrativas literárias, Shakespeare cita diversas aves que deixam sua marca na trama. No caso de Macbeth esse cenário não foi diferente. Os corvos estão muito presentes no desenrolar do plano macabro do cavaleiro que almeja ser rei, o que insere ainda mais o telespectador no clima tenso do longa. 

Apesar da trama destoante do que o diretor está habituado a apresentar, A Tragédia de Macbeth toma certos rumos que guiam a narrativa para o lado tragicômico, já tão conhecido na cinematográfica de Joel Coen. Dessa forma, o cineasta busca formas de se arriscar por novos caminhos, mas sem abrir mão totalmente da zona de conforto. Nesse sentido, a construção da narrativa se dá sob um roteiro shakespeariano que serve de coluna espinhal para o longa, e uma estética medieval construída a partir de um cenário meticulosamente planejado para criar uma atmosfera teatral.

A construção do castelo, em que se passa a maior parte da história, foi um ponto chave para o filme. A estética do prédio destoa em certos pontos da arquitetura medieval e a aproxima do design apresentado no Expressionismo Alemão, com porta e janelas compridas, escadarias altíssimas e a ausência de mobília. Esse lado cru dos cenários trouxe um lado que remete a um palco de teatro e as falas dos atores como se estivessem recitando uma poesia, se assemelhando às atuações cênicas.

Essa construção de um plano cinematográfico quase chapado serviu como uma tela em branco para que o diretor de fotografia Bruno Delbonnel fizesse o seu show de luz e sombra. A técnica tão empregada nas pinturas renascentistas e barrocas deram o toque artístico necessário para o longa, que ainda foi enquadrada no padrão 4×3. Como resultado, a estética da película se assemelha muito ao filme O Sétimo Selo, de Ingmar Bergman, que por um acaso também é narrada durante o período do medievo.

Além disso, o minimalismo presente em toda a caracterização de A Tragédia de Macbeth se estende também à sua trilha sonora solene, assinada por Carter Burwell. Durante boa parte dos diálogos do filme, o único som capaz de ser ouvido é a fala dos personagens e os ecos de fundo que transcendem a atmosfera caótica, porém o trabalho sutil do compositor na obra completa as arestas de silêncio que permeiam a narrativa. 

Como resultado desse meticuloso trabalho exibido no longa, The Tragedy of Macbeth foi amplamente elogiada pela crítica especializada, chegando a receber uma aprovação de 94% no site do Rotten Tomatoes. Seu elenco super renomado já garantiu diversos troféus por sua atuação. O protagonista Denzel Washington já levou para casa duas estatuetas do Oscar, além de já ter vencido outros prêmios, como o Globo de Ouro e o Urso de Prata no Festival de Berlim. O mesmo cenário de premiação acontece com Frances McDormand, que é dona de três Oscars pela pela categoria de Melhor Atriz. O diretor do longa shakespeariano também não fica de fora das condecorações, ostentando prêmios do Festival de Cannes, BAFTA, Critics Choice Awards, entre outros.

O mesmo quadro de premiações se repetiu com o Oscar 2022, com exceção de McDormand que, vindo da vitória dupla por Nomadland em 2021, não recebeu nenhuma indicação este ano. A Tragédia de Macbeth foi contemplada em três categorias, sendo elas a de Melhor Ator para Denzel Washington, de Melhor Fotografia para Bruno Delbonnel e de Melhor Design de Produção para Stefan Dechant e Nancy Haigh. Todos já colecionam um histórico grande de indicações a prêmios por seus desempenhos estonteantes no ramo cinematográfico.

Sendo assim, A Tragédia de Macbeth se mostra como uma das melhores produções de Joel Coen, que, pela primeira vez, assumiu a direção sem Ethan e, ainda, se distanciou de seu estilo cinematográfico previsível ao se envolver em uma atmosfera sóbria e artística. Toda a personalidade empregada pelo diretor no filme o tornam único dentro de um universo de outras adaptações da mesma obra e, ainda assim, mantém a trajetória de Macbeth tão próxima da narrativa que nasceu do imaginário de William Shakespeare.

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