Guilherme Barbosa

Desde sua estreia notável com De Primeira, Marina Sena tem trilhado uma jornada louvável na música brasileira. Transitando maravilhosamente entre o pop, a MPB e outros ritmos, seu estilo singular rapidamente cativou o público, garantindo-lhe um lugar de destaque no cenário mainstream do Brasil. Em Vício Inerente, a mineira demonstrou ainda mais audácia, explorando ritmos urbanos e experimentações sonoras que evidenciaram sua identidade artística. Agora, com o lançamento de Coisas Naturais, ela consolida essa evolução de forma surpreendente, apresentando um trabalho mais maduro, criativo e conectado com suas influências. Essa nova fase mostra que a cantora não tem medo de inovar e está sempre expandindo suas sonoridades e visuais de um jeito único.

Em seu terceiro disco, a cantora, mesmo utilizando sonoridades mais experimentais e com um apelo comercial, talvez menor que em seu trabalho anterior, entrega um conjunto coeso e cheio de sutilezas. A produção musical de Janluska revela diversas camadas sonoras que harmonizam elementos do samba, MPB, bossa nova, funk e pop, como apresentado em Carnaval. Se nos álbuns precedentes a artista mineira já evidenciava talento para transitar por diversos gêneros, aqui ela atinge a maestria.

A composição em Coisas Naturais também merece reconhecimento especial. Marina sempre explorou temas como a reconexão com a natureza, o autoconhecimento, o amor em suas variadas manifestações e a passagem do tempo, mas assim como a produção, aqui também se torna nítida a sua evolução e habilidade artística. As canções falam sobre crescimento pessoal, da busca pela paz interior e da aceitação da natureza transitória da vida, revelando uma maturidade não só artística como também pessoal, como revelado pela cantora em uma audição exclusiva do álbum antes do lançamento para fãs. 

Desde o lançamento do lead single do álbum, Numa Ilha, em dezembro de 2024, já era esperado que o novo disco transcendesse o que foi apresentado em Vício Inerente. Coisas Naturais não somente cumpre a expectativa como a supera, costurando os diferentes ritmos entre as faixas com clamor. Marina atinge o ponto alto da sua nova obra logo na terceira faixa. Desmitificar é uma canção forte, com batidas vibrantes, daquelas que foram feitas para ouvir no último volume e cantar bem alto em um show ao vivo. E, como em toda sua discografia, não poderiam faltar músicas voltadas para a autossuficiência, muito bem representadas por Voltei pra Mim e Pra ficar comigo em seus trabalhos anteriores. O pódio fica para Ouro de Tolo, onde Marina usa o violão e cria uma melodia daquelas gostosas de ouvir, como ficou evidente em seu evento de audição do álbum, onde cantou a música ao vivo para o público.

Desde seu lançamento, Coisas Naturais tem sido alvo de elogios vibrantes tanto da crítica especializada quanto do público. O disco tem performado muito bem nos charts, se tornando o 5º álbum nacional da história a ocupar simultaneamente todo o Top 10 da Apple Music Brasil e já acumulou mais de 70 milhões de streams no Spotify. O show de estreia da nova turnê aconteceu no Espaço Unimed, em São Paulo, que tem capacidade para 8.000 pessoas e teve  todos os ingressos vendidos. Os resultados e a recepção do público comprovam como Marina tem ido pelo caminho certo, sempre evidenciando sua autenticidade.

Atualmente, Marina Sena se destaca como um dos grandes nomes que transformam a música popular brasileira. Sua habilidade em mesclar referências tradicionais com o contemporâneo a posiciona de forma privilegiada no cenário musical. Com Coisas Naturais, ela reafirma a possibilidade de inovar sem renegar as raízes, honrando a tradição musical brasileira enquanto aponta para o futuro. Sua obra estabelece um diálogo tanto com a tradição do Clube da Esquina quanto com as batidas modernas do pop internacional, criando uma sonoridade singular e atraente. A contribuição de Marina vai além de suas canções: ela representa uma geração que busca liberdade estética, identidade própria e autenticidade em um tempo marcado pelo excesso de fórmulas simplistas.

O impacto de seu novo trabalho se estende para além das paradas musicais. Ao abraçar uma sonoridade mais orgânica e explorar temas introspectivos, ela abre caminho para que outros artistas se sintam encorajados a seguir suas próprias verdades artísticas. A forma como Marina se conecta com o público, seja através de letras que ressoam com experiências universais ou performances energéticas, demonstra que a autenticidade é um pilar relevante em sua carreira. O álbum não é apenas um sucesso comercial, mas também um catalisador para uma nova onda de experimentação na música brasileira, provando que é possível equilibrar a inovação artística com o reconhecimento popular.

Coisas Naturais é, sem dúvida, um marco na discografia de Marina Sena e um dos melhores álbuns brasileiros lançados recentemente. É uma obra que atesta a coragem em amadurecer, reinventar-se e aprofundar suas criações. O álbum provoca uma experiência sonora envolvente, emotiva e admirável, consolidando Marina como uma das vozes mais autênticas de sua geração. Em um cenário musical frequentemente caracterizado pela repetição, é revigorante acompanhar uma artista que valoriza tanto a qualidade quanto a verdade artística. Marina Sena, com seu talento e ousadia, demonstra que elementos naturais, quando cultivados com esmero, podem florescer em criações raras e preciosas na música.

O post Em Coisas Naturais, Marina Sena mostra mais uma vez que sua arte é intrínseca à natureza apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Barbosa

Em 2013, James Wan apresentou ao mundo Invocação do Mal, filme que deu início a um universo repleto de histórias que se conectam entre si, criando uma instigação nos espectadores a fim de acompanhar todas as narrativas que compõem esse espaço sombrio. Uma década depois, em 2023, o diretor Michael Chaves, que dirigiu o ‘esquecível’ Invocação do mal 3: A Ordem do Demônio, adiciona um novo capítulo para essa coleção com A Freira 2, continuação da história que se iniciou em 2018, quando não funcionou tão bem. Dessa vez, o longa não apenas manteve o mesmo caminho, mas até mesmo intensificou, o que resultou em uma experiência que, em comparação, pode ser considerada ainda mais decepcionante.

Embora a premissa seja amedrontadora, o novo projeto não apresenta muitas inovações no enredo em relação ao seu antecessor. Em 1956, após os acontecimentos do primeiro filme, um padre é assassinado e a suspeita da propagação do mal se mostra cada vez mais verdadeira. Ao pensar que havia escapado de Valak, a entidade demoníaca, a Irmã Irene (Taissa Farmiga), novamente é convocada para investigar as ocorrências e encarar, mais uma vez, esse inimigo.

As semelhanças com o longa anterior não se limitam exclusivamente ao roteiro. A atmosfera sombria e os sustos previsíveis são elementos que parecem ter sido reciclados, deixando o público com uma sensação de déjà vu. A falta de originalidade no desenvolvimento da trama contribui para uma narrativa que não consegue sustentar o mesmo nível de tensão e interesse que Invocação do Mal e Invocação do Mal 2 proporcionaram. Esperava-se que fosse apresentado uma certa evolução, porém, a repetição de alguns pontos gerou uma decepção nos fãs.

Apesar de contar com um bom elenco, a presença de nomes reconhecidos não consegue compensar as lacunas do roteiro. Taissa Farmiga, de novo no protagonismo, oferece uma atuação competente, no entanto, a falta de desenvolvimento significativo da personagem compromete o envolvimento do espectador. Stormi Reid (Euphoria), que interpreta a Irmã Debra, tem seu brilho apagado, de certa forma, devido à ausência de crescimento e profundidade da beata. O protagonismo da Freira, que dá nome ao filme, se mostra ter sido ignorado, resultando em cenas de destaque escassas e uma falta frustrante de intensidade, terror e violência. A ausência de progresso nos arcos principais também deixa a desejar, o que prejudicou a capacidade do projeto de alcançar as expectativas criadas por conta do elenco famoso.

A Fotografia de A Freira 2, realizada por Tristan Nyby, mantém a estética gótica e a paleta de cores sombrias, características marcantes do universo cinematográfico criado por James Wan. A direção de Michael Chaves tenta capturar a essência do Terror, mas o resultado final é uma repetição de clichês que já foram explorados em filmes anteriores do mesmo gênero. A falta de inovação, tanto no aspecto visual quanto no narrativo, contribui para a sensação de que a obra é mais uma tentativa de capitalizar o sucesso do original do que algo autêntico e memorável por si só.

As cenas assustadoras presentes durante os 110 minutos de duração do longa falham, na maioria das vezes, em gerar, de fato, susto ou medo nos espectadores. Com a previsibilidade presente em todas as cenas, a audiência já espera que pode se assustar, decepcionando na criação do suspense. Mesmo com a adição de um elemento feito para assustar, como o bode que foi criado para fazer uma alusão ao diabo em uma brincadeira entre as crianças da história, o filme ainda mantém a previsibilidade e não gera maiores emoções no público.

É evidente que, por se tratar de um longa-metragem que faz parte do universo de Invocação do Mal, A Freira 2 é um longa que reverbera na mídia, mas por pouco tempo. Ele mostra que se trata de um filme criado para o público não muito exigente do Terror, que o coloca como plano de fundo em encontros com amigos. Mesmo com um roteiro fraco e com muitas lacunas, Michael Chaves poderia ter feito um trabalho diferente e tentar contornar os problemas que aconteceram em seu irmão mais velho. Contudo, pela falta de inovação e a repetição de erros, The Nun 2 (no original) não se destaca e se torna uma obra muito fácil de ser esquecida pelo público.

O post A Freira 2 é tão aterrorizante que até mesmo encarar a tela se torna um desafio assustador apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Barbosa

Dois anos após o lançamento de um de seus álbuns mais majestosos, o Dangerous Woman, Ariana Grande lançou o doce Sweetener. Mas foi apenas seis meses depois, em Fevereiro de 2019, que ela apresentou ao público um de seus trabalhos mais poderosos, íntimos e bem sucedidos de toda sua carreira. thank u, next, seu quinto disco de estúdio, nasceu após um ano conturbado e movimentado na vida da cantora.

Depois de enfrentar uma série de acontecimentos marcantes em sua trajetória pessoal, Ariana Grande encontrou na Arte uma forma de expressar suas emoções. Durante as 12 faixas que compõem o álbum, ela aborda temas delicados e, de certa forma, comuns – como saúde mental e perda –, com sinceridade e vulnerabilidade, gerando no seu público, identificação e empatia com a artista.

Embora as temáticas da obra sejam delicadas e os vocais da cantora impressionem, a produção, que contava com nomes como Victoria Monét e Tommy Brown, deixou a desejar. Trazendo fórmulas genéricas do pop, com batidas familiares e arranjos que não se destacam, o projeto resultou em algumas faixas se fundindo umas nas outras, como em bad idea e break up with your girlfriend, i’m bored, que possuem sonoridades parecidas, prejudicando a distinção e a memorabilidade do disco como um todo.

Além de questões de superação de relacionamentos com os singles thank u, next e 7 rings, a artista também trouxe mensagens de autossuficiência e empoderamento feminino que perduraram no seu sucessor, o Positions (2020). Contudo, é importante observar que, nos versos, há uma certa superficialidade na abordagem dos temas, sem aprofundamento e desenvolvimento, os deixando menos impactantes.

O disco foi bem recebido pela crítica especializada, que o classificou como o mais maduro da carreira da artista, chegando a receber uma nota 7.9 do website Pitchfork. Será, então, que usar fórmulas genéricas faz com que uma obra se torne necessariamente ruim? Ariana provou que não e trouxe alguns desses elementos para os álbuns sucessores, Positions e Eternal Sunshine (2024), que também agradaram os críticos.

A evolução e o sucesso de Ariana Grande como artista é inegável, seja explorando novos estilos musicais ou promovendo causas importantes, ela evidenciou seu crescimento e consolidou sua trajetória na indústria com thank u, next. Hoje, transitando entre a atuação e a Música, Grande mostra como pode ser uma artista versátil e comprometida com sua Arte. Mais do que uma artista; ela é uma voz poderosa para uma geração, inspirando milhões com suas músicas.

O post Íntimo e poderoso: cinco anos de thank u, next apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Barbosa

Billie Eilish entrou para a história em 2020, na 62ª edição do Grammy Awards, quando seu álbum de estreia aclamado, WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO?, ganhou o prêmio de Álbum do Ano, o que a tornou a garota mais jovem a conquistar essa categoria. Ao longo das 14 faixas que compõem o disco, a artista navegou por diferentes sentimentos, desde os melancólicos até os mais obscuros.

O trabalho da cantora começou a gerar notoriedade em 2016, quando ela lançou a doce ocean eyes. Desde o início de sua carreira até seus trabalhos mais recentes, ela sempre abordou emoções profundas em suas músicas. Em idontwannabeyouanymore, a insegurança e autocrítica são exploradas por um viés de vulnerabilidade e honestidade. Já em seu álbum de estreia, ela se questionou para onde vai quando dorme e devaneia (ou será que não?) por pesadelos e sonhos.

O conjunto da obra, produzido juntamente de seu irmão, Finneas O’Connell, é uma jornada que se aprofunda pelo inconsciente do eu lírico. Utilizando elementos do pop, eletrônico e Música alternativa, os terrores noturnos surgem em faixas como a eletrizante bury a friend. Esse mergulho nas profundezas da psique humana é uma característica de seu trabalho, que entrega aos fãs uma narrativa emocionante e sonoridade única.

É perceptível que as composições de Eilish permitem inúmeras interpretações, afinal, o inconsciente muitas vezes é  subjetivo. A canção em destaque – no verso onde menciona o título do disco, “Quando todos dormimos, para onde vamos?” –, as reflexões podem ser acerca do desconhecido, a morte ou o subconsciente. Essa perspectiva mostra como suas letras trazem profundidade e complexidade em suas narrativas.

Grande fã do Terror, Eilish encontrou inspiração em um de seus filmes favoritos, O Babadook (2014), para criação de seu álbum, incluindo a arte da capa que, de forma emblemática, consegue retratar excelentemente todos os elementos trabalhados em WWAFA,WDWG?. Os adjetivos demoníaca e sombria talvez sejam os mais adequados para descrever o que é a belíssima Fotografia. Sob a direção de Kenneth Cappello, todos os desejos da cantora foram habilidosamente reunidos, produzindo o material impecável.

Não havia dúvidas de que uma obra tão bem produzida seria um sucesso estrondoso. Aos 18 anos, Billie Eilish lançou seu primeiro álbum em Março de 2019 e, imediatamente, mostrou o que viria a ser na indústria musical. Tornou-se a cantora mais jovem a ser indicada às principais categorias do Grammy, teve o álbum mais reproduzido no Spotify e também o mais vendido daquele ano. 

E quanto vale entrar para a história? Com seu sucessor, o melódico Happier Than Ever (2021), a artista tinha o desafio de atender a expectativas devido aos feitos do antecessor e inovar com seu novo álbum. O sucesso não foi diferente, e a obra estreou no topo da parada musical Billboard 200. Cinco anos depois, seu primogênito ainda é memorável e ficará marcado com seus feitos. A artista mostra para o que veio com sua criatividade e autenticidade, e se estabelece no cenário musical como um ícone global.

O post Há cinco anos, Billie Eilish mostrava seus pesadelos com WHEN WE ALL FALL ASLEEP, WHERE DO WE GO? apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Barbosa

Em 2002, o caso Richthofen escandalizou o Brasil pela extrema brutalidade do crime, orquestrado por Suzane Von Richthofen e os irmãos Cravinhos. A indústria cultural, desde então, explorou diversas formas de recriar esse trágico evento, seja por meio de livros, podcasts ou no Cinema. Em 2021, dois filmes apresentaram uma nova abordagem, revelando a perspectiva de Suzane e a de Daniel Cravinhos, seu então namorado. Dois anos depois das primeiras adaptações cinematográficas, surge um novo capítulo com A Menina Que Matou os Pais – A Confissão, prometendo narrar os acontecimentos desde a noite do crime até o dia em que confessaram.

O filme vem para completar a história dos antecessores A Menina que Matou os Pais e O Menino que Matou Meus Pais: não há novidade no caso, a diferença fica sobre como o ocorrido é mostrado aos espectadores. O longa apresenta os dias tensos que sucederam a noite do assassinato de Manfred e Marísia, pais de Suzane. Um terceiro olhar à história exibe todo o processo de investigação da polícia para entender como as mortes aconteceram a sangue frio até a confissão dos três envolvidos.

Desde a popularização do true crime, iniciou-se uma discussão sobre a glamourização de serial killers e os crimes que marcaram. O ponto principal é articular sobre até que momento o indivíduo que o cometeu está sendo colocado como sofredor, tirando o lugar daqueles que realmente são vítimas e os colocando como sujeito principal, deixando de lado sua crueldade e violência. Em casos muito famosos como Ted Bundy e Jeffrey Dahmer, que tiveram muitas obras criadas em torno de seus crimes, essa discussão foi muito ampliada.

Quando a Netflix lançou Dahmer: Um Canibal Americano, surgiram muitos debates sobre se realmente havia necessidade de criar mais uma retratação de um caso que afetou e marcou a vida de tantas pessoas, já que a série foi acusada de mostrar o serial killer como vítima em alguns momentos. Com A Menina Que Matou os Pais – A Confissão, não seria diferente levantar o questionamento se era necessário criar mais um capítulo para uma história que foi tão cruel e sensacionalizada pela mídia. Também não é diferente afirmar que mais uma vez um crime grave e cruel foi explorado para criar uma obra cinematográfica puramente mercadológica, visto o resultado raso do filme entre atuações e desenvolvimento.

Com o lançamento, um certo clamor foi gerado com a expectativa de que a direção e atriz principal conseguissem demonstrar a dissimulação, narcisismo, manipulação e frieza de Suzane, uma pessoa tão complexa, que conseguia demonstrar muitas características em um só momento. Carla Diaz, com certa diligência, representa as emoções de Richthofen em ocasiões marcantes para o ocorrido, como no enterro dos pais, no qual ela utilizou calça jeans e um cropped preto. No terceiro ato, temos uma atuação mais contida, tornando os acontecimentos mais convincentes.

Leonardo Bittencourt e Allan Souza Lima, em suas representações dos irmãos Cravinhos, têm desempenhos diferentes. Bittencourt não tem muita precisão em demonstrar o nervosismo que Daniel demandava naquele momento, diferentemente do representante de Cristian Cravinhos, que tem uma das melhores performances de todo elenco ao interpretar aquele que acabou influenciando em diferentes momentos da investigação. O ápice vem no terceiro ato, próximo da confissão, quando ele mostra com muita maestria como o ser humano se comporta sob pressão e nervosismo. 

O desenvolvimento do enredo escrito por Ilana Casoy e Raphael Montes ocorre principalmente por meio da investigação do crime. Contudo, na segunda metade do filme, percebe-se uma aceleração em direção ao clímax, resultando em uma conduta que negligencia a exploração aprofundada dos detalhes da apuração do incidente. A habilidade da polícia em conectar todas as peças de um quebra-cabeça tão difícil é bruscamente simplificada, com base em pequenos descuidos dos personagens, o que pode parecer um tanto quanto duvidoso.

Filmes baseados em histórias reais, especialmente aqueles que abordam crimes brutais como o caso Richthofen, são muito desafiadores. A tarefa é complexa e requer uma sensibilidade competente de toda a equipe envolvida. A Menina Que Matou Os Pais – A Confissão é mais uma abordagem comercial e midiática do que uma criação de um testemunho significativo que honre a memória das verdadeiras vítimas.

O post O dilema de Suzane von Richthofen em A Menina Que Matou os Pais – A Confissão apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Barbosa

A música pop sempre esteve no auge do mundo, principalmente após o início dos anos 2000. A ascensão de nomes como Britney Spears, Beyoncé, Lady Gaga e Rihanna fez com que a régua de exigência em relação a cantoras que iriam surgir a partir dali fosse muito alta. Com o passar do tempo, a forma de se consumir música pela grande massa mudou. O TikTok, a rede social mais usada pela Geração Z, tem grande influência na indústria fonográfica, com o poder de ressuscitar grandes clássicos e fazer pequenos artistas se tornarem globais, como Olivia Rodrigo, por exemplo. Tate McRae também faz parte dessa nova leva de cantores, e isso fica evidente em seu novo álbum de estúdio, THINK LATER.

Desde pequena, a cantora canadense faz parte do ambiente artístico, seja na dança ou na música. Foi somente em 2023, após lançar Greedy – o lead single de seu novo álbum – que a cantora atingiu novos patamares. Até então, McRae havia estreado com o primogênito i used to think i could fly e tinha uma pequena base de seguidores. Ao viralizar com a música no TikTok, mesmo com uma carreira tão recente na indústria, a intérprete chegou no topo da playlist Spotify Global, onde permaneceu por várias semanas, e alcançou também o topo da parada musical Billboard Global 200.

Com a viralização de Greedy, a cantora intensificou a divulgação do single, desde performances em programas de TV e em premiações. Ela ainda investiu em um videoclipe clássico, com figurino esportivo de hóquei, bailarinos e muita dança. É perceptível a confiança que ela demonstra, muito confortável com as câmeras e servindo uma postura digna de diva pop que, de certa forma, se perdeu ao longo do tempo no cenário da música do gênero. A canadense foi alvo de diversas comparações, chegando a ser chamada de Britney Spears da nova geração. São tantas referências e paralelos que sua autenticidade acaba se perdendo, fazendo com que a confiança apresentada na canção não fique tão evidente no restante do álbum.

Durante as 14 faixas que compõem a obra de McRae, ela incorpora seu lado bad ass girl – a famosa garota má – para mostrar que está pronta para devorar todos os homens que aparecerem e para fazer com que o cara que a deixou se arrependa disso, mesmo estando presa a ele. Essa fórmula não é nada inovadora, por ser uma cartada coringa de quase toda cantora do cenário pop e já tendo sido utilizada diversas vezes na indústria, como nas canções How to Be a Heartbreaker, da Marina and The Diamonds; Blank Space, da Taylor Swift e Maneater, da Nelly Furtado.

A sonoridade do disco revela uma combinação de influências, indo de elementos clássicos do pop, como sintetizadores, até toques mais experimentais, como os componentes trazidos do R&B. Essa diversidade nas referências gera uma sensação convidativa e dançante ao trabalho, deixando-o confortável aos ouvidos dos consumidores do estilo musical. As letras não apresentam profundidade, mas expressam os sentimentos de McRae, demonstrando uma pequena fração da personalidade da artista.

Além de sua presença musical cativante, os visuais e a estética de Tate McRae desempenham um papel importante na construção de sua identidade artística única. Seja nos figurinos arrojados, na coreografia impecável ou na escolha de cenários, McRae transforma cada apresentação em uma experiência imagética envolvente. Os videoclipes de suas músicas são como extensões das narrativas e adicionam uma perspectiva intrigante ao trabalho, mostrando-a não apenas como uma cantora talentosa, mas como uma artista completa e influente em todos os aspectos de sua arte.

THINK LATER é um capítulo significativo na carreira de Tate McRae. Embora ceda temporariamente às tendências pop predominantes, ela também demonstra uma habilidade única de modificar padrões, criando momentos inovadores e resgatando referências de cantoras consagradas. O álbum em sua totalidade não é apenas mais um produto da era TikTok: ele tem sua singularidade e sugere que, mesmo em meio a um cenário musical em constante mudança, a intérprete está firmemente determinada a trilhar seu próprio caminho.

A ascensão meteórica de Tate McRae no mainstream atual é inegável, sendo considerada uma das vozes promissoras da nova geração. Contudo, no universo saturado de fórmulas comerciais que caracterizam o cenário da música atual, surge a inquietação sobre como ela irá equilibrar sua autenticidade diante das constantes pressões para se alinhar a padrões instantâneos e superficiais. 

Será que a ousadia criativa de McRae será uma resistência ao efêmero ou haverá conformidade ao caminho mais trilhado em busca do sucesso imediato? Essas são questões que pairam diante do dilema enfrentado por novos artistas, e THINK LATER se torna um espaço para ver como Tate McRae vai lidar com as novas demandas da indústria musical.

O post Em THINK LATER, conhecemos a bad girl interior de Tate McRae apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.

Guilherme Barbosa

Não é por acaso que Taylor Swift é considerada a indústria da Música. A cantora, que acumula mais de 100 milhões de ouvintes mensais no Spotify, lançou em Outubro de 2023 a regravação de uma de suas maiores obras musicais, o álbum 1989 – agora intitulado 1989 (Taylor’s Version). Após o anúncio da remasterização de seus seis primeiros discos, a intérprete tem se mostrado muito engajada em apresentar ao público novas versões que se mostrem atuais, mas ao mesmo tempo, preservem sua essência original.

Desde o lançamento do Fearless (Taylor’s Version), em 2021, a artista tem apresentado um novo formato de consumo de suas criações, presenteando os fãs com músicas inéditas que compõem o conjunto original de faixas, adicionando novas histórias e sentimentos às composições mais pessoais de cada álbum. Quando lançou o projeto original, em 2014, a cantora se adentrava 100% no gênero pop, apresentando canções que viriam a fazer um sucesso estrondoso e a consolidaria como uma das maiores divas pop da atualidade. Swift estava presente em todo lugar: streamings, rádios e televisões. Seu sucesso era inegável e hoje se torna algo inerente à sua carreira.

Anunciado como sua regravação favorita, o tão aguardado disco traz consigo temáticas como o amor, novas descobertas e decepções. Os cenários que vão desde a cidade grande até a praia se fazem presentes para criar uma atmosfera calorosa que irá transitar entre as 21 faixas da nova versão. Com o desafio de manter a qualidade do registro original, a loirinha não decepciona ao trazer vocais mais maturados, suaves e amistosos às suas canções. Um dos maiores sucessos da era, Blank Space nos traz o mesmo ambiente, mas de maneira mais madura em seus versos. Os vocais nos oferecem uma sensação de ironia, contrários ao sentimento de raiva dos cânticos originais.

O álbum mantém suas referências dos anos 1980, que funcionam muito bem em quase toda a obra, como Welcome to New York, I Wish You Would e This Love. Style se mostra como uma das, se não a única música da versão repaginada que, simplesmente, não funcionou. Seus vocais decepcionam, tirando toda a vivacidade que a canção pede. A mudança no instrumental é perceptível, confirmando que a produção falhou ao tentar realçar o que já era bom.

Com sua estética única, o registro traz cinco faixas inéditas para fazer conjunto com as originais. De forma muito sensível, todas trazem assuntos como a decepção, mas também a superação. Now That We Don’t Talk se mostra como aquela canção que (quase) todo mundo irá se identificar. De maneira autêntica e sincera, a Miss Americana nos conta como é ver alguém que era presente em nossa vida e hoje não é mais, seguindo em frente. Taylor Swift reafirma seu status de uma das maiores compositoras de todos os tempos ao nos contar de um jeito tão particular, em forma de composição, como é crescer, amar, se decepcionar e ainda assim, no fim de tudo, se sentir limpo. 

A nova versão não apenas resgata a nostalgia dos fãs, mas também oferece uma nova perspectiva da relação entre os artistas e seu catálogo na indústria musical. Ao revisitar um álbum já consagrado como o 1989, Swift não só fortalece seu vínculo com os ouvintes antigos – o famoso fan service – como também encanta uma nova geração ao proporcionar uma experiência musical renovada. Esta conexão com as gerações Z e Alpha são perceptíveis, especialmente durante os shows da gigante The Eras Tour, onde foi possível notar a presença de crianças e adolescentes cantando as músicas com muita energia. A abordagem desafia os tradicionais costumes, redefinindo a maneira como os artistas preservam seus legados, ao mesmo tempo em que reimaginam criações de anos atrás.

Sua legião de fãs é imensa e isso se torna ainda mais explícito durante a turnê atual, a The Eras Tour. No Brasil, os swifties se uniram para uma homenagem no Cristo Redentor, celebrando a chegada da cantora no país. Este é apenas um exemplo de como ela estabelece uma conexão profunda em suas obras. Os versos contam emoções vividas por quase todos, afinal, quem nunca passou por um término de relacionamento? Ao revisitar sentimentos, Swift não apenas proporciona uma perspectiva renovada de seus discos, mas também adiciona camadas emocionais profundas a eles. Essa conexão vai além de simplesmente ‘ouvir música’; é um laço emocional que transcende o tempo, construindo uma relação autêntica de identificação entre a artista e seu público.

É inegável o impacto que o 1989 teve na indústria musical: foram muitos recordes e shows que ficarão para a história. A regravação vem para reafirmar esse sucesso, nos mostrando que apesar das adversidades, foi possível manter a qualidade original trazendo novos elementos que compõem de forma extraordinária o disco. De fato, há algumas incorreções que se fazem questionáveis, mas que ainda assim, não diminuem o quesito qualidade de uma obra que é uma das mais premiadas da história do Grammy. Com o lançamento de sua quarta Taylor’s Version, a artista se consolida ainda mais como uma das maiores deste século, demonstrando ser extremamente completa e versátil.

O post 1989 (Taylor’s Version): A consolidação do inesquecível apareceu primeiro em Persona | Jornalismo Cultural.