Leticia Stradiotto

Cidade de Albuquerque, Novo México. To’hajiilee, uma reserva indigena em Navajo. Um trailer parado no meio do deserto. Um homem de meia idade vestindo apenas uma cueca branca, uma camisa verde e uma máscara de gás. Assim, há 15 anos, Breaking Bad nos apresentou ao primeiro laboratório de metanfetamina de Walter White, o falido professor de química do Ensino Médio, que acabou de ser diagnosticado com câncer terminal.

A droga que marca a produção era utilizada desde a Segunda Guerra Mundial. Ela era dada aos soldados para melhorar o desempenho e performance em campo. Sob efeito da substância, eles tinham o raciocínio acelerado e experimentavam uma intensa sensação de poder e de confiança. Por mais que Walt cozinhasse a metanfetamina com 92% de pureza, o protagonista interpretado por Bryan Cranston, jamais provou do seu produto – seu poder e confiança eram alimentados pela natureza da ambição em si mesmo.

No sul dos Estados Unidos existe uma expressão que significa o desvio dEl camino certo para o mau: Breaking Bad. Algo que pode ser apenas por um dia, ou pela vida inteira. Quando a mesmice dos dias cansa e jogar tudo pro alto lhe convém muito mais do que seguir a rotina. A transformação de um típico e comum cidadão americano no maior, mais assassino e ganancioso dono de um império no tráfico de cristal. 

15 anos atrás, Breaking Bad estreou na TV sob direção de Vince Gilligan como um drama cômico, e respondeu a pergunta que homens de meia idade com certeza fizeram durante sua vida: o que aconteceria se eu largasse meu emprego chato e começasse uma carreira de lucro ilegal? A solução envolvia drogas, explosões, gangues do tráfico, mortes impactantes e um pouco de frango frito.

A série foi um grande marco na história das produções televisivas, sendo responsável pela criação e mudança de um conceito cinematográfico. Seu papel foi tão grandioso que, durante suas cinco temporadas, colheu 230 indicações e um total de 118 prêmios em diferentes categorias. Em 2014, no Emmys Awards, a produção varreu as estatuetas, ganhando praticamente todas as indicações nomeadas- entre elas a de Melhor Série Dramática e também os prêmios individuais para o trio Aaron Paul, Anna Gunn e Cranston.

O impacto no modo de produção envolveu diversas características, desde a abordagem do roteiro até as técnicas de fotografia e ambientação do espaço. O cenário principal da história contempla paisagens áridas e desoladas do deserto de Albuquerque no Novo México, com tomadas amplas e panorâmicas que transmitem a vastidão e a impotência dos indivíduos em relação ao ambiente, contrastando diretamente com a vida suburbana de classe média do protagonista. A cidade se torna um personagem, com sentimentos de isolamento e opressão que atingem os conflitos internos dos próprios sujeitos envolvidos.

A equipe de direção de fotografia utiliza uma paleta de cores distinta para cada temporada, com um arco visual que acompanha a evolução do enredo. As cores saturadas e quentes dos primeiros episódios evocam a normalidade antes de tudo mudar para White, enquanto a paleta fria das últimas temporadas reflete uma crescente escuridão do declínio de Heisenberg.

Tecnicamente, a química é o estudo da matéria. Mas, prefiro encarar como o estudo da transformação. Pensem uma coisa. Elétrons, eles mudam seus níveis de energia. Moléculas, alteram suas ligações. Elementos, eles se combinam e se transformam em compostos. Isso faz parte da vida, certo? É uma constante, é um ciclo, é solução, dissolução, infinitamente. É crescimento, declínio e transformação.

Walter White

Além do mais, a escrita impressiona pela capacidade de transformação dos personagens durante a trama e o maior exemplo disso é Jesse Pinkman (Aaron Paul). O jovem era o contraponto de Walter White e sua trajetória dentro de Breaking Bad foi uma das mais emocionantes. No início, ele é visto como um usuário de drogas em busca de dinheiro fácil, porém, com o desenvolvimento da série, a personalidade de Pinkman se expande e revela uma vulnerabilidade extremamente emotiva. Jesse – independente de todos os erros e atrocidades cometidas – segue em busca de sua essência, que foi corrompida milhares de vezes. 

Enquanto o garoto se martirizava por ser um vilão, o maior traficante Heisenberg não olhava para si como um mau caráter. A ausência de reconhecimento e empatia corroeu cada vez mais a sua persona, e ao mesmo tempo, aumentou o tempo de seu legado como Rei das Drogas. 

Mr. White não media esforços para acabar com qualquer um que ameaçasse sua carreira no tráfico, independente se isso significasse enfrentar os mais psicóticos traficantes ou o seu próprio cunhado agente do DEA (Drug Enforcement Administration). Todos que ameaçam seu desenvolvimento são inimigos em potencial, e todos acabam com o mesmo fim – tiroteios, explosões, tentativas de envenenamento e overdoses.

Tuco Salamanca (Raymond Cruz): líder de uma gangue criminosa do sudoeste americano e um dos primeiros chefões do tráfico na série. Esse inimigo é caracterizado por sua personalidade imprevisível, explosiva e violenta. Uma das cenas mais famosas do personagem é quando ele tem uma reação extremamente intensa ao experimentar a metanfetamina azul de Walter. A reação de excitação frenética ganhou adaptações na internet. Com certeza ele é um, dos tantos, inimigos icônicos de Breaking Bad. 

Gus Fring (Giancarlo Esposito) foi de longe o antagonista com mais destaque da trama. Ele é dono de uma rede de fast food de frango frito, chamada Los Pollos Hermanos, que na realidade é local do seu império no tráfico de drogas. O personagem é calmo e controlado e, ao contrário de Tuco, é extremamente cuidadoso com a sua aparência pública de empresário bem sucedido. 

Em suas cenas finais, Gus é atraído para um encontro com seu antigo rival, Hector Salamanca (Mark Margolis), velho tio de Tuco. A morte de Fring foi uma das mais memoráveis: com ajuda dos maquiadores e especialistas em efeitos especiais de The Walking Dead, a produção investiu forte nos destroços do personagem, e sem dúvidas fez com que os espectadores ficassem boquiabertos.

Não só de mortes se constrói a série, pelo menos não por enquanto. Outra emblemática – e talvez uma das favoritas relações entre os personagens – é o romance conturbado de Jesse Pinkman e Jane Margolis (Krysten Ritter). Os jovens se conhecem quando a garota se torna sua vizinha e locatária, tendo o namoro marcado por altos e baixos, com momentos de pura paixão e profundo desespero. 

Jane é uma artista viciada em drogas, que está tentando se manter limpa. Ambos compartilham uma conexão quase imediata, uma vez que possuem histórias de vida difíceis e buscam sair dessa para encontrar um caminho melhor. Apesar do vício, ela é uma influência positiva em Jesse e o encoraja a lutar contra seus demônios. 

O curto relacionamento é um momento de alívio e felicidade para os dois, pois encontram conforto um no outro para lidar com a caótica realidade. A chegada da personagem na série foi importante para o desenvolvimento de temas complexos, como a dependência química. A história do casal tange momentos marcantes e contribui completamente para o rumo da trajetória de Jesse Pinkman.

Outros casais importantes são compostos por Walter White e Skyler (Anna Gunn), que juntos têm uma família com dois filhos, Walter Jr., um jovem com paralisia cerebral, e Holly, a filha mais nova e recém nascida. À medida que Walter mergulha no mundo das drogas e da violência, sua família se torna cada vez mais distante e ameaçada, mesmo que essa seja sua principal razão para lucrar com a produção de cristal. Skyler, inicialmente, é uma personagem secundária na trama e muitas vezes odiada pelos fãs, mas ela começa a ganhar um espaço significativo quando descobre sobre as atividades ilegais do marido.

A série construiu personagens tão intrínsecos e envolventes, como substâncias constituintes de uma reação, que apenas as cinco temporadas por si só não bastaram. Ganhando duas continuações no audiovisual, o filme El Camino e a série derivada Better Call Saul. Outro ponto que estimula o sucesso da produção, é a gigantesca possibilidade do espaço para outros personagens e não apenas os protagonistas. Por exemplo, El Camino trata da vida de Jesse Pinkman após Breaking Bad, enquanto Better Caul Saul conta a história do advogado da dupla responsável pelo toque de humor e sarcasmo na série debutante, Saul Goodman. 

Por mais que o fim da série tenha sido polarizador, entre os que amaram e os que odiaram, Breaking Bad tem a química. A história é um conto épico de apogeu e queda que, mesmo após seus 15 anos de lançamento, ainda instiga os telespectadores. Nos encontramos imersos nas substâncias constituintes, sendo elas simples ou compostas: a mistura ácida da obra resulta em uma explosão química inevitável. Assim como a metafísica, são realidades que transcendem a experiência sensível.

A trama nada mais é do que uma série de reações. E cada uma dessas reações provocam a mudança. Crescimento, declínio e transformação. Breaking Bad encerra ressignificando o ciclo infinito do estudo da transformação na química. A dissolução de Walter White acontece exatamente onde ele começou: em um laboratório de metanfetamina.

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Bruno Andrade

Parece ser comum vislumbrar nos artistas momentos em que avaliam seus projetos fracassados. Esse costuma ser o enredo de filmes B, geralmente cômicos, sobre musicistas falidos que criam projetos para superar a si mesmos. Não é o caso do The Black Keys, que chega ao seu 10º álbum de estúdio olhando para o passado, sem motivos para se envergonhar. Como homenagem aos artistas que influenciaram a banda, Delta Kream (2021) traz covers de grandes nomes do blues como Junior Kimbrough e R.L. Burnside, adaptando a essência do duo composto por Dan Auerbach e Patrick Carney em canções clássicas na história do gênero.

A música de The Black Keys carrega a forte influência que os artistas receberam do blues. Mesmo em seus projetos mais ambiciosos — Brothers (2010) e El Camino (2011), ambos sucesso de público e crítica —, a dupla fez questão de marcar suas origens. Com 20 anos de carreira, Auerbach e Carney parecem parar e contemplar a jornada que os alçou ao topo das paradas — vencendo quatro vezes o Grammy, uma delas como Melhor Álbum de Rock por El Camino, que também foi indicado a Álbum do Ano na edição de 2013 da premiação — enquanto tocam aquilo que ouviam na juventude.

A capa de Delta Kream apresenta uma fotografia de William Eggleston, tirada nos anos 1970, e o título do álbum é uma referência a região Delta do rio Mississipi, conhecida como a região que deu origem ao blues norte-americano, no final dos anos 1920, e por isso também conhecido como delta blues. Nomes relevantes surgiram nesse meio, como John Lee Hooker, Bessie Smith e a “Mãe do Blues” Gertrude Ma Rainey. O gênero começou a ganhar força quando as gravadoras perceberam seu potencial comercial, ainda sob o cenário violento de racismo e segregação que a população negra enfrentava nos Estados Unidos.

Não é a primeira vez que os The Black Keys decidem homenagear suas influências. Chulahoma (2006) é um álbum tributo a Junior Kimbrough, e no álbum de estreia do duo, The Big Come Up (2002), há um cover de She Said, She Said, dos Beatles. Mas a pequena dupla originada em Akron, que teve seu primeiro álbum gravado no porão de Carney, atingiu os anos de ouro em uma época em que hamburguerias e cervejas artesanais estavam na moda. O estilo da banda — cru, rústico, e até barulhento — cabia como uma luva nessa nova era. O som de blues foi apropriado, à sua maneira, e transformado em algo mais palatável. As músicas foram convertidas em trilhas sonoras de filmes, seriados e transitavam por campanhas publicitárias. Eles eram onipresentes, e naturalmente ficaram cansados. 

Após o lançamento de Turn Blue (2014), a banda entrou em um hiato que só terminaria em 2019. Muitos sites replicaram teorias esquisitas sobre o fim da banda, mas Patrick Carney confirmou em entrevista que só precisavam de um tempo. É fato que os dois integrantes não pararam de pensar em música, envolvendo-se em projetos paralelos. O blues polido da banda, que deu as caras principalmente em Brothers, abriu caminho para um som mais psicodélico em Turn Blue, sobretudo pela produção de Danger Mouse — produtor de Demon Days (2005), do Gorillaz, e The Getaway (2016), do Red Hot Chili Peppers. Quando Let’s Rock (2019) surgiu, sem a produção de Mouse, soou exatamente como deveria soar: um blues rock valvulado. 

Ainda sob os efeitos do trabalho de 2019, o duo iniciou de forma despojada a gravação do próximo projeto. Delta Kream foi gravado durante uma pausa na turnê de Let’s Rock, ocorrendo em duas tardes e totalizando uma sessão de dez horas. O álbum possui um tom de nostalgia, não apenas pelo aceno ao passado, mas por suceder um hiato — as gravações ocorreram sob o ar do penúltimo álbum, transmitindo a reconciliação da dupla com o projeto. A banda coloca nos covers sua marca, adaptando à reconhecível guitarra distorcida de Auerbach e à bateria marcada de Carney os clássicos originalmente mais próximos do country. As versões são expansivas, ruidosas, e mais pesadas, proporcionando a levada blues rock. Gravado à moda das jams sessions, Delta Kream traz participações de Eric Deaton e Kenny Brown, famoso por sua técnica de slide e por ter integrado o grupo que tocou com R.L. Burnside.

O CD se inicia com uma versão de Crawling Kingsnake, single do disco, composta por John Lee Hooker em 1949, e também famosa pela versão de Junior Kimbrough de 1994. Hooker é conhecido no gênero por converter em canções a dura realidade segregacionista dos Estados Unidos — como James Baldwin fez em sua literatura —, especialmente no sul do país, ao mesmo tempo em que criou peças artísticas únicas. 

O cantor não utilizava suas canções para entreter, mas para alertar e informar a sociedade sobre a tragédia racial vivenciada pela população negra. Junior Kimbrough — a principal influência dos Black Keys — ajudou a popularizar o subgênero hill country blues, e não era conhecido até seus 60 anos. Como ocorreu com vários nomes do blues, Kimbrough tornou-se famoso no meio após sua morte, e não à toa os The Black Keys dedicaram um CD totalmente ao músico.

Quando se fala em blues, naturalmente se lembra do ar emancipador que o gênero propagou, e esse movimento ocorre em parte pelo que não foi gravado. O blues se consolidou por passar de boca em boca, ser transmitido pelas conversas entre amigos, e por transcender o valor moral que uma sociedade racista impunha a uma parcela da sociedade. Por essa razão, é possível visualizar como a mesma música tem caminhos diferentes tratando-se de artistas diferentes — eles deixaram sua marca. 

Os Black Keys nunca foram adeptos de mudanças radicais, e na sua versão de Crawling Kingsnake encontramos mais dos gestos que consagraram a banda. A bem da verdade, encontramos o duo em seu estado mais vulnerável, abrindo caminho diante daquilo que consolidou seu estilo. “Alguém me disse ontem: ‘Isso me lembra o velho Black Keys.’ E eu tipo ‘não, não é, porque nós não éramos tão bons’”, disse Dan Auerbach em entrevista.

Poor Boy a Long Way from Home, de R.L. Burnside, ganha uma versão mais lenta com a banda, assim como Louise, de Mississippi Fred McDowell. Poor Boy — como a maioria das outras músicas do disco — parece sintetizar a ideia de continuidade do blues presente em todo o álbum, pois, em Delta Kream, a banda fez versões de músicas que também ficaram conhecidas por outras interpretações. A versão original de Poor Boy a Long Way from Home é desconhecida, mas trata-se de uma canção tradicional do blues, com versões de Jeff Buckley, John Fahey, e gravações datadas de 1927.

A sétima faixa do disco, Do the Romp, também foi gravada em The Big Come Up, e grafada pelo The Black Keys como Do the Rump. As diferenças não ficam somente nas vogais. A versão mais recente do cover soa mais madura e despretensiosa, um relaxamento de quem consolidou seu nome com diversos hits nas paradas de sucesso, e que agora grava com uma das referências do gênero sentado bem ao lado. Auerbach deixa de lado a voz rosnada, Carney traz uma bateria com mais groove, mas o grande diferencial está na sujeira controlada das duas guitarras, que em certo momento parecem tocar versões paralelas da mesma música.

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Aline Eva

El Camino chegou com o objetivo de mostrar tudo que aconteceu com Jesse Pinkman imediatamente após os eventos do perfeito episódio final de Breaking Bad. Exibido em 2013, em Felina, Jesse consegue, com a ajuda de Walter White e seus estratagemas, escapar com vida e fugir. Trata-se, portanto, de uma sequência e epílogo do seriado da AMC, que entrega o mesmo clima tenso e cheio de adrenalina com uma boa dose de drama e pitadas de humor. 

O final de Breaking Bad foi muito bem construído, com um nível de excelência condizente com a qualidade da série durante todas as 5 temporadas, deixando a maioria dos fãs plenamente satisfeitos. Ainda assim, a oportunidade de assistir um pouco mais dessa trama inigualável e poder matar a saudade de um dos personagens mais incríveis foi um bônus extremamente valioso. El Camino foi lançado diretamente na Netflix, no fim de 2019. 

O longa metragem foi escrito e dirigido pelo brilhante Vince Gilligan, trazendo Aaron Paul de volta ao papel de Jesse Pinkman. Existe um rápido resumo dos fatos ocorridos anteriormente na série, mas para uma melhor experiência é altamente recomendável assistir novamente o último episódio, para refrescar a memória e não deixar passar nenhum detalhe.

El Camino foi indicado ao Emmy 2020, e está concorrendo na categoria de Melhor Telefilme. A cerimônia do Emmy acontecerá no dia 20 de setembro e ainda não se sabe ao certo como será o formato do evento, em virtude da pandemia do coronavírus. Sabemos apenas que será um acontecimento único na história.

Vince Gilligan teve a ideia inicial de fazer El Camino ainda durante as filmagens da última da temporada de Breaking Bad. O criador conversou com Aaron Paul sobre o projeto em 2017 e começou a desenvolver o roteiro, consultando também a equipe de Better Call Saul para garantir que a continuidade do universo não fosse quebrada. As filmagens começaram em novembro de 2018 e ocorreram em sigilo no Novo México e Arizona, durante cinquenta dias. A existência do filme permaneceu não-confirmada até agosto de 2019, quando foi oficialmente anunciado pela Netflix.

Infelizmente, Aaron Paul não foi indicado para a categoria de Melhor Ator de Minissérie ou Telefilme nessa edição do Emmy. Entretanto o ator já foi vencedor do Emmy de Ator Coadjuvante em Drama no papel de Jesse Pinkman três vezes: em 2010, 2012 e 2014, também tendo recebido indicações em 2009 e 2013.

O filme representa, acima de tudo, uma justa oportunidade para colocar os holofotes na figura de Jesse, evidenciando o esperado término do ciclo de violência e horror que ele teve que suportar durante toda a série, especialmente na última temporada.  Agora, Pinkman trilha o caminho para que, finalmente, alcance seu merecido final feliz (ou ao menos um recomeço menos sombrio).

Mas Jesse não é a única figurinha de Breaking Bad a dar as caras em El Camino. Outros personagens fazem importantes participações no filme. Dentre eles se destacam o eterno Walter White (papel lendário de Bryan Cranston), Jane Margolis (Krysten Ritter) e Todd Alquist (Jesse Plemons). 

Os momentos que recolocam Walter e Jane ao lado de Jesse são bem tocantes. Resgatando um sentimento de nostalgia e, ao mesmo tempo, uma ideia de despedida moral daquelas figuras que o garoto/homem vai sempre guardar em algum lugar de seu coração.

Já no caso de Todd, a coisa muda. As cenas evidenciam o caráter de psicopatia do personagem, com uma vibe tragicômica. O ator Jesse Plemons (que fez Black Mirror) mudou bastante desde o episódio final  de Breaking Bad, o que chamou a atenção do público. Pois, embora teoricamente o filme se passe logo após os acontecimentos do último episódio, a aparência de Todd parece de alguém anos mais velho e com alguns quilos a mais. Sobre essa questão, muito embora pareça evidente que a forma física de Jesse Plemons mudou consideravelmente devido ao longo lapso temporal da vida real entre o final de Breaking Bad e a filmagem de El Camino, há uma teoria que o filme buscaria passar especificamente a visão do Jesse sobre a história e os personagens. Seria mais algo sobre a memória que ele tinha e da maneira como enxergava do que sobre como as coisas realmente eram.

A jornada de Pinkman durante o filme mostra exatamente quem ele se tornou depois de todos os acontecimentos: agora não é mais um menino, mas um homem mais sofrido, calejado e perspicaz. Um alguém que passou por muitas coisas dramáticas e dolorosas, mas que continua conservando certa ingenuidade e generosidade. A cena em que ele se confunde acreditando nos “policiais” deixa bem clara essa dualidade tão típica dele: ora malandro, ora extremamente ingênuo.

A grande mágica que Vince Gilligan faz é ser extremamente conciso e preciso para condensar em duas horas de filme a essência de Pinkman e como se dá seu ponto de virada para uma nova fase de sua vida. O ritmo de El Camino não fica cansativo, os diálogos não são longos demais e não há prolongamento desnecessário de cada trama menor do filme: tudo é feito com um timing perfeito. A escolha estratégica dos personagens que aparecem no filme, como Skinny Pete (Charles Baker), que demonstra com gestos grandiosos o enorme afeto e admiração que sempre teve por Jesse e o rabugento Ed (interpretado de forma brilhante pelo saudoso Robert Forster), também ajuda a construir o ritmo ágil e envolvente, conferindo ao longa um bom equilíbrio de tragédia e comédia.

A rapidez e agilidade nos diálogos e nas cenas de ação dão um ritmo adequado de tensão à El Camino. Com pequenos toques de comédia, abordando de forma muito adequada o acerto de contas de Jesse com todo o peso dramático que carregou até então e sua evolução pessoal. Além, é claro, de evidenciar que certas coisas sempre farão parte de sua essência. 

A interação por flashbacks com Jane e Walter, o já evidente desapego em relação aos pais (que não mereciam outra coisa realmente) e a bonita relação com o menino Brock reforçam a ideia de um acerto de contas com tudo que é importante para Jesse. Conseguindo se livrar, ao menos em parte, do enorme peso de culpa e autopiedade que carrega, ele se sentie finalmente mais livre e preparado para iniciar uma nova vida em outro lugar, com outra identidade.

El Camino honra a trajetória de Jesse Pinkman, um dos personagens que mais terrivelmente sofreu em Breaking Bad. Um dos trailers que antecedeu o lançamento do longa contava justamente alguns dos piores momentos que Jesse passou desde que Walter White cruzou o seu caminho. O vídeo é pura arte e evidencia uma estratégia que Gilligan utiliza com perfeição em seus trabalhos: colocar uma trilha sonora leve e bonitinha para momentos de extremo drama e violência. Os piores momentos de Pinkman ao longo de toda a série são ironicamente contados ao som da música Enchanted.

Depois de passar por tantas transformações, perdas e sofrimento, o mínimo que Jesse merecia era um filme que fizesse jus à sua história mostrando que, finalmente, poderá acertar todas as contas com o passado e reconstruir sua vida abandonando as tragédias e remorsos. Mas não sem antes passar por mais alguns ou vários obstáculos, como não poderia deixar de ser. 

O sentimento ao final do telefilme El Camino é de alívio e uma leve esperança em dias melhores, para aquecer e acalmar o coração do público da série e traçar um novo destino para um dos personagens mais amados e cativantes do universo Breaking Bad. 

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