Marcela Jardim

Com os hits Espresso, Please Please Please e Taste, o sexto álbum da cantora Sabrina Carpenter ganhou uma turnê mundial com prováveis datas na América Latina. Short n’ Sweet foi lançado em Agosto de 2024 e conta com 12 faixas cuidadosamente produzidas, revelando uma maturidade artística impressionante. O single Taste teve um videoclipe muito bem executado, protagonizado pela artista junto a atriz Jenna Ortega, e conta com mais de 100 milhões de visualizações no Youtube em menos de três meses de lançamento.

A Short n’ Sweet Tour! iniciou um mês após o lançamento do disco, em Columbus, Ohio, trazendo uma produção impecável e um show repleto de energia e emoção. Carpenter passou por 25 estados norte-americanos até Novembro e, então, retornará aos palcos em Março de 2025, em Dublin, capital da Irlanda, iniciando a etapa europeia da turnê. Durante uma apresentação inesquecível, a cantora revelou em um show que o Brasil está nos planos, gerando enorme expectativa entre os fãs latino-americanos.

A setlist oficial da Short n’ Sweet Tour! é um espetáculo cuidadosamente planejado, com 20 canções que capturam a essência da artista. As 12 faixas do aclamado álbum Short n’ Sweet são acompanhadas por hits de seu trabalho anterior, emails i can’t send (2022), formando um repertório equilibrado e eletrizante. O show começa com o contagiante single Taste e culmina de forma apoteótica com o irresistível hit Espresso.

A produção é um verdadeiro deleite visual, com Sabrina Carpenter trocando entre quatro figurinos deslumbrantes. As peças exibem modelos únicos, cores vibrantes e, claro, muito brilho, com a assinatura inconfundível da artista: suas icônicas botas de plataforma reluzentes. Do sofisticado baby doll combinado com lingerie colorida ao macacão preto rendado adornado com penas, passando pelo conjunto de top e saia brilhantes, cada look reflete o estilo ousado e criativo de Carpenter, elevando ainda mais a experiência do espetáculo.

Como prova da paixão de seus fãs, o aplicativo Sabrinalert virou sensação. Criado para adivinhar os figurinos de cada show, o app viralizou no X e no Instagram, gerando uma onda de empolgação. Jovens admiradores se divertem especulando as cores, texturas e detalhes das peças, mostrando como a turnê transcende a música e se torna um verdadeiro evento cultural.

Com o sucesso, com certeza, vêm as polêmicas que a cantora não conseguiu escapar. Nas redes sociais, usuários acusaram a artista de usar playback em algumas músicas, teorizando que ao menos 30% é dublagem, 30% é backing track e apenas 40% ela está realmente cantando. “Eu canto ao vivo em todos os shows 100%. Vocês gostariam de falar com meus engenheiros de áudio?”, provocou Carpenter.

Porém, esse não foi o único alvoroço da Short n’ Sweet Tour!, visto que muitas pessoas demonstraram desconforto com a sensualidade de algumas partes do concerto. Desde o lançamento de Feather, single de seu quinto disco, em que a compositora aparece dançando em cima do altar de uma igreja, e de sua performance no VMA, ela recebe críticas por seu conteúdo ser considerado sensual demais.

A cantora declarou à imprensa que não liga para as acusações e, caso alguém se sinta desconfortável, que não vá ao show. Além disso, durante o ato de Bed Chem, um dos mais polemicos em razão da encenação de uma cena de sexo com um de seus dançarinos atrás de uma cortina, Carpenter fez inocentemente uma brincadeira infantil com seu parceiro, batendo as mãos e alfinetando os críticos de plantão.

A particularidade das apresentações da compositora foram um dos grandes destaques de sua última turnê. Uma das estrofes finais de Nonsense, em que a cada show a cantora alterava uma parte da letra da canção, não acontece mais. No entanto, durante um trecho da performance de Juno, Carpenter encena uma posição sexual distinta a cada noite, dialogando com um trecho da música: “Quer experimentar algumas posições esquisitas? Já tentou essa daqui?”.

Não somente, antes do início da mesma faixa, a cantora prende alguém da plateia por ser muito bonito(a) – com algemas rosas –, consolidando momentos de proximidade, divertimento e descontração com seus fãs. Outro acontecimento interessante: o giro de uma garrafa de cerveja no palco para decidir qual será a música surpresa da vez, podendo ser de outras artistas como ABBA, Madonna e Shania Twain, ou dela mesma.

A Short n’ Sweet Tour! posiciona Sabrina Carpenter como uma artista ousada e multifacetada, capaz de provocar e cativar simultaneamente. Sua habilidade de conectar-se com o público por meio de performances dinâmicas e interativas, como o uso de elementos surpresa e momentos de descontração com os fãs, é louvável e reforça sua autenticidade. Contudo, o teor fortemente sensual de seus shows e a abordagem provocativa em músicas como Juno e Bed Chem têm gerado divisões. 

Parte do público enxerga essas escolhas como uma evolução criativa que reflete seu amadurecimento artístico, enquanto outros as veem como uma apelação que desvia a atenção de seu talento vocal e composicional. O resultado é uma turnê que, embora marcante, levanta questionamentos sobre o equilíbrio entre Arte, provocação e estratégia comercial.

Ainda que polarizadora, a tour consolida sua identidade artística, mostrando que Carpenter não teme arriscar e romper expectativas. Suas respostas afiadas às críticas, sejam sobre playback ou sensualidade, demonstram autoconfiança e um desejo de se afirmar como mais do que apenas uma cantora pop: uma performer completa.

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Vitória Lopes Gomez

Frances e Bobbi são melhores amigas que já namoraram. Frances tem uma queda por Nick, e Bobbi, por Melissa. Nick e Melissa são casados. É partindo desse emaranhado que Sally Rooney, em seu livro Conversas entre amigos, encontra terreno fértil para dissecar relacionamentos contemporâneos e seus envolvidos, assim como as dinâmicas sociais e de poder das relações interpessoais modernas. Se a irlandesa escreve, essencialmente, sobre pessoas normais vivendo sua realidade – mesmo que seja uma realidade inventada, somente baseada na vida real da autora ,- essa obra de estreia  mostra que, mesmo antes do fenômeno Pessoas normais, Rooney já mostrava a potência de suas histórias fictícias reais.

No enredo do livro, a dupla de amigas se apresenta recitando poemas, escritos por Frances. Em um dos eventos, conhecem Melissa, uma escritora e fotógrafa bem-estabelecida, que pretende escrever um perfil sobre as duas jovens. Para isso, as convida a sua casa. Na residência de classe média no centro de Dublin, história vem, história vai e não demora para os pares trocados se conectarem. Com Bobbi e Melissa preenchendo os espaços com suas personalidades, Frances captura o olhar de Nick, o marido de Melissa, que parece tão perdido ao lado da mulher quanto ela com Bobbi.

Conversations with friends (o título original) é o primeiro livro publicado por Sally Rooney, que estourou com seu lançamento seguinte, Pessoas normais. Nesse segundo, a força gravitacional que move a narrativa é o (eventual) casal Connell e Marianne. Dos 16 aos 20 e tantos anos, os dois passam da ingênua adolescência à desafiadora vida adulta um na companhia do outro, ora em um relacionamento romântico, ora aprendendo a viver sem ele. Já em Belo mundo, onde você está, o terceiro e mais recente romance da autora, Alice e Eileen são velhas amigas que se correspondem por e-mail. Com quase 30, o foco das protagonistas já não é o amadurecimento, mas outros, refletidos pelos da própria autora: vida profissional, relações românticas e de amizade menos idealizadas, capitalismo e reflexões acerca até do mercado editorial – esse, que Rooney está inserida – representam uma fase diferente da qual Connell e Marianne passaram. 

Mesmo antes de Pessoas normais e Belo mundo, Conversas entre amigos soa quase como um meio-termo entre as realidades. Aqui, as protagonistas Frances e Bobbi já deixaram para trás a inocência da adolescência, mas, nos primeiros anos da casa dos vinte, não se estabeleceram o suficiente para se sentirem parte do mundo adulto – isso, como todo jovem adulto. A autora, porém, não se preocupa em verbalizar os anseios das duas explicitamente – e, na verdade, não o fez em nenhum de seus livros. Já virou marca registrada de Rooney deixar o leitor sentir por si mesmo, apresentando somente situações e diálogos tão reais e relacionáveis que não conseguimos fazer diferente de nos imaginarmos no lugar das personagens.

“Bobbi disse que não achava que eu tinha uma ‘personalidade verdadeira’, mas declarou que não se tratava de um elogio. De modo geral, eu concordava com a avaliação. A qualquer instante sentia que poderia fazer ou dizer qualquer coisa, e só depois pensar: ah, então sou esse tipo de pessoa”.

Do outro lado da moeda de Frances e Bobbi, estão Nick e Melissa. O casal é mais velho, cada um com seus 30 e poucos anos, tem um ciclo de amigos e uma casa invejável, são (aparentemente) bem resolvidos, e profissional e financeiramente estáveis. Tudo isso, coisas que as duas não são. Apesar dos mundos diferentes, a conexão das personalidades acaba sendo inevitável no decorrer dos encontros. Assim como Bobbi, Melissa é confiante, o tipo de pessoa que preenche os ambientes em que entra, e sua convicção e força são claras, até intimidadoras. Já Nick se assemelha a Frances: ele, um ator bonito e relativamente famoso, apesar de mediano em sua carreira, serve como um marido troféu, e parece se curvar à presença imponente da esposa – da mesma forma que a protagonista se sentia em seu antigo relacionamento com a amiga.

A partir do jantar da entrevista, o destino parece premeditado, mas nunca previsível. Bobbi, naturalmente, se conecta a Melissa e repele Nick. Por mais escancarada e sem vergonha que seja, a queda da jovem não vai muito além disso e a relação permanece platônica. Afinal, como Bobbi sempre lembra, ela é casada. Já com Frances e Nick acontece o contrário e a conexão se constrói lentamente, com a culpa pela relação extraconjugal sempre como um empecilho entre os dois. Do ponto inicial de terem em comum somente situações em que ficam deslocados ao mesmo tempo – além, claro, das companheiras extrovertidas -, os dois passam de meros parceiros de desconforto para descobrirem um no outro uma ligação um tanto mais profunda e complicada.

A verdade é que não parece haver muito ao que se apegar nessa nova relação. Quanto mais próximos Nick e Frances se tornam, mas indecifrável ele fica, e a incerteza move o relacionamento. Isso até para o leitor: com a narração da jovem protagonista, Conversas entre amigos se passa sob o olhar inseguro e acanhado dela. A forma com que vemos os personagens, inclusive, é sob sua visão. Bobbi parece a melhor pessoa do mundo à princípio, articulada, faladeira, engraçada, convicta em seus posicionamentos… até discordar das ações de Frances. Já Melissa fica entre a megera que pisa no marido e a mulher decidida e bem-sucedida que a jovem sonha em ser. Nick, ora é indecifravelmente atraente, um mistério a ser decifrado, ora submisso e indeciso, misterioso só porque não sabe o que quer. De novo, em nenhum momento Rooney julga seus protagonistas: eles são o que são, cada um com seus motivos.

Avançando nas 264 páginas do livro, os sentimentos e emoções vêm espontaneamente, conforme os quatro personagens vivem, se relacionam e, bem, conversam. Conversas entre amigos, como outras obras de Sally Rooney, usa do subtexto de um relacionamento – dessa vez, um fora da configuração tradicional – para ir além. Motivados pelas ações, percepções e desejos dos protagonistas, o livro discute as dinâmicas de poder dessas conexões, da monogamia à diferença de tratamento entre homens e mulheres em uma relaçãp heterossexual. Também (e, de novo, como em outras obras da irlandesa), os quatro refletem sobre novas possibilidades e dinâmicas de relacionamento, capitalismo, vida profissional, saúde mental, política e classes sociais.

“Ele tinha mais respeito por Melissa do que por mim? Gostava mais dela? Se ambas fôssemos morrer em um edifício em chamas e ele só pudesse salvar uma de nós, será que era óbvio que salvaria Melissa e não eu? Era praticamente diabólico transar com alguém que mais tarde deixaria você morrer queimada”.

Nesse coming-of-age peculiar e envolvente, não há espaços para julgamentos, não há lado certo ou errado. Definitivamente, não há moral da história. Os finais de Rooney escancaram o caráter imprevisível das relações humanas, mas também o lado esperançoso. Na tradução de Conversas entre amigos, Débora Landsberg, que trabalhou nos três romances publicados da autora, mantém a melancolia da escrita, assim como a forma direta, objetiva e fluida da irlandesa de escrever. Na estreia de seu estilo, Sally Rooney aprofunda ainda mais seus personagens ao não indicar quem verbaliza cada coisa: os diálogos não recebem pontuação precisa e, mesmo assim, sabemos quem diz o que ao final. 

Completando 5 anos de idade em 2022, Conversas entre amigos ganhou sua adaptação homônima para TV, que, assim como Pessoas normais, teve o dedo da autora na concepção. Há meia década, porém, a primeira aparição das duas jovens rebeldes e cheias de idealizações, desconstruindo as aparências do meio adulto ao passo que tentam descobrir seu próprio lugar no mundo, não era uma projeto de comentário social para Sally Rooney. Na verdade, para ela, a situação era mais sobre  “observar a textura do mundo em que estava habitando”, absorvendo-o. E na vida real, sobre a qual ela tanto escreve, realmente não há moral da história. O que há são pessoas como Frances e como Bobbi, como Melissa e como Nick, que navegam seus sentimentos, desejos e as consequências de suas ações. Com sua delicadeza, honestidade e olhar apurado, Rooney simplesmente os capta e coloca em palavras.

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Bruno Andrade

Músicos são, geralmente, indivíduos que se alimentam da matéria sonora presente em seu tempo, buscando criar algo totalmente novo; por essa razão, a Música está sempre morrendo e renascendo. Quando tentamos classificá-la, surgem descrições que tendem a separá-la do todo, numa tentativa de evidenciar o que a define como única e distinguível àquela sociedade. Mas como classificar o ruído? Alguns podem chamar de shoegaze, gênero no qual My Bloody Valentine carrega o maior prestígio, e cujo hipnótico Loveless, segundo álbum de estúdio do grupo, completou 30 anos no começo de novembro.

Se você reparar bem, há sempre um som de V percorrendo seus ouvidos; de forma paradoxal, esse tinido cria a sensação de que não há silêncio absoluto. Na Acústica, ramo da Física que estuda os sons, de fato não há silêncio, pois este só é realmente possível no vácuo do universo. Mas, em Loveless, a estranheza é quase essencial. O que fez de My Bloody Valentine uma banda única é sua abordagem de som completamente inovadora, composta por uma textura melancólica, ruidosa, e inexplicavelmente aconchegante — talvez um resultado natural da divisão vocal entre Bilinda Butcher e Kevin Shields, em um interesse mútuo de amplificar esse zumbido dos nossos ouvidos. 

Brilhantemente exposta nas 11 canções que compõem o disco, essa nova sonoridade abriu as portas para álbuns como Siamese Dream (1993) e Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995), do Smashing Pumpkins, cuja reverência de Billy Corgan aos integrantes de Valentine soou tão natural que, numa possível comparação a Gish (álbum de 1991 e estreia dos Pumpkins), temos a sensação de que tudo estava bem ali, à distância de uma pequena regulagem de pedais e amplificadores.

O estilo shoegaze tem sua origem no Reino Unido, mas encontra sua primeira grande repercussão no álbum de estreia de My Bloody Valentine, Isn’t Anything (1988). Estima-se que o gênero tenha surgido através da forma tímida de tocar em público, pouco se importando com a performance, olhando para os pedais e analisando os próprios sapatos pela timidez (ou arrogância) — daí o título ‘shoegaze’, algo parecido com “contemplador de sapatos”. Todavia, como qualquer movimento ou gênero musical, reduzi-lo a um simples trocadilho pode parecer raso.

Musicalmente, o shoegaze é uma espécie de caos sonoro, marcado por camadas pesadas de instrumentos, através da sobreposição de guitarras distorcidas e baterias que abusam dos pratos de ataque. Esses diversos revestimentos musicais visam desenvolver uma instrumentalização harmônica, na qual torna-se difícil distinguir cada item. Esse é um dos estilos musicais mais determinantes para o surgimento do dream pop e do indie rock, e a capa de Loveless representa essa sensação de caos. Nela, observamos uma guitarra coberta por uma camada fosca que dificulta a nossa visão — de forma mais ou menos igual, transmite o que sentimos ao escutar o disco. 

O som pesado é, ao mesmo tempo, relaxante e profundo. No limiar entre o barulho confuso e a sonoridade habitual, o álbum apresenta um tipo de desafio ao ouvinte, no qual precisamos aceitar a intimidação que é atentar-se aos ruídos, como se os vocais fossem deixados de lado e servissem de instrumentos para todo o resto. Na canção Sometimes — que inclusive faz parte da trilha sonora de Lost in Translation (2003), de Sofia Coppola — ouvimos uma guitarra base que se mantém durante toda a canção, nos guiando em uma viagem totalmente íntima, cuja voz, bem lá no fundo, parece ser a mensagem que precisamos decifrar. Enquanto When You Sleep parece a trilha sonora de um sonho, Blown a Wish nos mantém presos em suas repetições psicodélicas.

O grupo surgiu em Dublin, no ano de 1984, ainda como uma dupla composta por Kevin Shields e o baterista Colm Ó Cíosóig, cujo nome do projeto era The Complex. Posteriormente, os dois integrantes se mudaram para Berlim, lugar onde lançaram seu primeiro EP, This Is Your Bloody Valentine (1985), já sob autoria de My Bloody Valentine — nome tirado de um filme alternativo de 1981. Sem qualquer sucesso, o pequeno compilado foi desanimador, e ambos os integrantes mudaram-se no mesmo ano, desta vez para a Inglaterra.

Com a entrada da baixista Debbie Googe, gravaram outro EP, Geek! (1985), dessa vez deixando em evidência a influência de The Jesus and Mary Chain, mas ainda marcados pelo punk que dominava o cenário musical. Assim, de forma gradual, o formato pelo qual a banda seria reconhecida começava a dar as caras, tomando sua forma completa quando Bilinda Butcher ingressou no grupo, em 1987, passando a dividir guitarra, vozes e o protagonismo com Shields.

A complexidade na gravação de Loveless se dava em detrimento da sonoridade específica que Shields queria retirar. Segundo ele, o álbum demorou para ficar pronto porque “até o último minuto, achávamos que terminaríamos tudo em mais dois meses. Passamos dois anos achando que terminaríamos tudo em mais dois meses”. Essa fórmula encontrada pelo grupo evidencia a ignorância daqueles que acreditam ser apenas barulho. Invariavelmente, o disco ou te prende imediatamente ou te afasta assustado, mas há algo que soa uniforme. Para chegar nesse resultado de novo, o My Bloody Valentine só lançou outro álbum inédito vinte e dois anos depois, intitulado m b v (2013), e igualmente genial.

Mas, no curso da História musical, nada poderia ter calculado o surgimento de um gênero que, grosso modo, colocaria a voz em segundo plano. Afinal, poucos anos antes do lançamento de Loveless — ou até mesmo antes do surgimento do grupo —, a Música pop era o típico rock de arena, com sua ode aos grandes festivais e apreço genuíno das performances vocais de seus representantes. Contudo, uma característica peculiar das gerações é que elas sempre estão negando a anterior. 

Inevitavelmente, Walter Benjamin estava certo quando escreveu em A obra de arte na era de sua reprodutibilidade técnica (1935) que a obra reprodutível extinguiria a “aura” — mas isso não era uma lamentação. Seu objetivo era manifestar uma desconfiança em relação ao discurso elitista, que evocava a “alta cultura” para distinguir as culturas de massa, transformando-as em itens de segunda categoria. Para Benjamin, esse culto da “arte pela arte” estava se transformando em idolatria fascista. Em outras palavras, a tecnologia na Música é uma ferramenta que possibilitou driblar os ditos ‘fiscais da cultura’, propondo, de forma silenciosa, ideias revolucionárias, como My Bloody Valentine propôs com Loveless. Mesmo que os grandes conglomerados adaptem-se ao consumo de massa, é interessante visualizar esse pequeno triunfo. 

Para muitos céticos, o advento da gravação digital foi uma catástrofe irreparável. Mesmo que seja particularmente estranho pensar na Música antes da era do streaming e até mesmo do CD, havia uma enorme cultura que cultivava o som ‘ao vivo’ — ou ‘orgânico’, se preferir. Isso pode ser visto na concepção de óperas inteiras, mas, não muito longe, também pode ser visualizado no rock já citado, sendo exatamente a característica que influenciou Shields a conceber o que seria o som ruidoso de My Bloody Valentine. 

Ao ouvir Live At The Hollywood Bowl, dos Beatles, o artista ficou tão impressionado na forma em que a gritaria do público ultrapassava a sonoridade do quarteto inglês, e como tudo isso estava gravado junto às músicas, que decidiu incorporar esse alvoroço aos seus ideais, conforme ele próprio declarou. Embora num primeiro momento essa ambição pudesse soar estranha, não é esquisito dizer que, ano após ano, as gravações musicais transformam-se em ambientes cada vez mais ficcionais, paradoxalmente buscando moldar as canções em objetos mais ‘reais’. 

No entanto, crises impostas à Música mostram uma maneira satisfatória de se compensar: intrusos e enganadores prosperaram ao longo da História da Arte, mas nunca antes artistas de enorme talento, negligenciados por suas origens distantes do mainstream, estiveram tão dentro do jogo. Aqui estamos, trinta anos depois, enxergando Loveless como algo original e um ponto fora da curva na história da Música. Mais do que isso: o disco é um recorte perfeito de uma época profícua musicalmente, e a marca permanente de My Bloody Valentine no mundo.

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