Iris Italo Marquezini

Doctor Who possui um legado bastante complicado de lidar. A natureza quase ilimitada do storytelling da série permite narrativas situadas tanto no passado quanto no futuro do planeta Terra e de todo o espaço sideral. Essa obra existe desde 1963 e, após o  famoso período de hiatus, o seriado voltou em 2005 e conquistou fãs novos e antigos pela nova versão. As aventuras propiciadas pela TARDIS, nave com formato de cabine telefônica inglesa, e pelo alienígena da espécie dos Senhores do Tempo, o Doutor, trouxeram histórias emocionantes e inspiradoras durante décadas. Em 2022, a BBC e o Disney+ anunciaram uma parceria para o que, a princípio, seria um recomeço para atrair novos públicos, estrelando Ncuti Gatwa, conhecido por Sex Education (2019-2023) e Barbie (2023), como o protagonista. Com o orçamento mais alto e a volta do showrunner Russell T. Davies, as novas tramas, iniciadas em 2023, pareciam retornar positivamente para a estrutura episódica de antigamente, diferente da proposta vista anteriormente na temporada-evento Flux, por exemplo. Entretanto, toda a novidade e brilhantismo foram encerradas abruptamente.

O mais recente ano de de Doctor Who começa de forma excelente. Com a coadjuvante Belinda Chandra (Varada Sethu), o público vislumbrou uma personagem mais alinhada aos moldes de Ace (Sophie Aldred), Donna Noble (Catherine Tate) e Bill Potts (Pearl Mackie). Ou seja, a amiga aparece como alguém sem medo de desafiar as ideias do Doutor. Belinda é enfermeira e não está nada feliz com as jornadas muitas vezes inconsequentes do colega. O objetivo dela não é se aventurar mais vezes no espaço, mas voltar para casa, seguindo a narrativa aos moldes de Star Trek Voyager. Essa relação, somada ao mistério sobre a identidade de Mrs. Flood (Anita Dobson), trouxe um ano com o melhor que o show tem a oferecer.

Apostar na estrutura episódica foi o maior acerto desse segundo ano. Doctor Who volta aos moldes da antiga televisão dos anos 1990, como Além da Imaginação e Arquivo X, com a exploração de tramas antológicas parece aproveitar cada segundo da quase uma hora de atenção da audiência. Ainda que as narrativas apresentadas pequem pela falta de sutileza presente também na primeira temporada, tudo se compensa a partir de episódios aventurescos e com as performances enérgicas de Gatwa e Sethu. 

Enquanto o 15º Doutor é emocional e explosivo, Belinda complementa essas ações com determinação e esperteza, principalmente pelo fato de ser enfermeira e suas habilidades em medicina serem relevantes para a trama, como em O Poço. Esse detalhe a diferencia da abordagem injusta dada à graciosa Yaz Khan (Mandip Gill) em outras aparições dela, já que se trata de uma policial com poucos roteiros aproveitando as habilidades vindas dessa profissão. 

A performance de Ncuti Gatwa já marcou o seriado. O ruandês é o primeiro Doutor abertamente queer e a segunda pessoa negra a ganhar o papel, após Jo Martin como a Doutora Fugitiva. O Senhor do Tempo desta vez é profundamente marcado pela emoção, charme e humor. O ator consegue transitar entre as camadas do personagem muito bem, fazendo com que a audiência nunca se esqueça da profundidade milenar dos conhecimentos do viajante do tempo. Além disso, consegue demonstrar sentimentos de carinho sinceros pela humanidade, ainda mais claro comparado a outros atores da versão moderna.

Essa empolgação toda de Gatwa aparece principalmente em  Lux, talvez o melhor episódio da nova era junto com 73 Jardas e Ladino. Neste capítulo mistura-se animação com live action e Doctor Who abraça o próprio legado como uma das séries mais antigas da televisão. Há brincadeiras com os clichês desse meio, tal qual Wandavision em 2021, com quebras da quarta parede, piadas metalinguísticas e misturas de mídias bastante condizentes com o potencial criativo do seriado. 

Outros destaques da temporada ficam para O Poço e A História e o Motor. O primeiro reformula um inimigo enfrentado anteriormente pelo Doutor em um capítulo aos moldes do Suspense e do Terror, com a performance fenomenal de Annabel Brook como a desconfiada Hanno Yeft. O segundo apresenta segue a estrutura de Mil e uma Noites combinado a lendas africanas, reviravoltas, mistérios e desafios genuínos para os protagonistas. Ambas as tramas se beneficiam das boas atuações e dos conceitos de Ficção Científica explorados, desafiando toda a inteligência, emoção e inseguranças da dupla principal.

Outro diferencial da temporada foi o retorno de Ruby Sunday (Millie Gibson). Enquanto em outros anos as co-stars voltam para participações especiais, Ruby regressa como personagem casual. Com tramas e arcos próprios, a intérprete mostrou o quanto ainda tinha a oferecer, ganhando inclusive o criativo Dia de Sorte, em que os traumas de viajar com o Doutor florescem e a relação tóxica com um stalker trazem tensão. 

Havia esperança de que Rogue (Jonathan Groff), mercenário do episódio paródia de Bridgerton, aparecesse tanto quanto Ruby, aparecendo em missões paralelas ou para ajudar diretamente a dupla principal. O interesse romântico poderia funcionar de forma parecida a melhor personagem do seriado: River Song (Alex Kingston), a esposa – e também viajante do tempo – do protagonista. No entanto, esses retornos casuais do trambiqueiro não ficaram para este universo, que apareceu  em uma única cena e sem muitas chances de retorno. 

Ainda assim, o brilho se mantém, pois Doctor Who também se beneficiou do alto orçamento. A trilha sonora composta por Murray Gold continua excelente como sempre. Os efeitos especiais, figurinos e cenários extremamente complexos são inéditos para a série antes limitada em todos os seus aspectos. O Festival Interestelar da Canção, por exemplo, ganha cenas épicas beirando o horror cósmico. Todos esses episódios citados possuem referências diretas a acontecimentos de outras temporadas, mas utilizam  direções competentes para não apelar demais para os fan services ou confundir fãs novos. A participação especial da Doutora Fugitiva foi um desses momentos bem feitos.

O capítulo de estreia, A Revolução Robô, e os posteriores, são inventivos, experimentais e contidos em si, com apenas alguns acenos para reviravoltas maiores,  como se não houvesse tempo a perder. Em alguns momentos, toda a sutileza vai embora e a audiência é diretamente informada sobre as mensagens que a série procura trazer. Até mesmo o arco de Belinda, ao se aproximar da amizade com o Doutor, acontece rápido demais – logo se estabelecendo como grandes amigos poucas aventuras depois de se conhecerem.

Essa clareza é explicada pela curta duração da temporada. Somando ambos os anos do show na Disney+, Gatwa teve somente 19 capítulos para chamar de seus. Mesmo contando a participação pontual no final de Risadinha, com David Tennant, e o fraco especial de Natal, Joy to the World, com Nicola Coughlan (Bridgerton), ainda se tem um número bem abaixo de episódios comparado com as passagens de Matt Smith e Jodie Whittaker no papel, por exemplo. O astro deu a impressão de aproveitar cada segundo dessa oportunidade, a audiência não deixa de notar sua antecipada saída do papel. 

A abordagem da série estava boa até então, com tramas endereçando problemas contemporâneos, como a toxicidade do movimento redpill, o combate à homofobia, ao racismo e a busca por ancestralidade. Todavia, tudo começa a desandar quando, de repente, a narrativa mais episódica é deixada  de lado para abordar as dezenas de pontas soltas lançadas nos últimos anos,  tudo em somente dois únicos capítulos finais.

O finale, dividido em duas partes, é frustrante, embora abranja a estética Kafkiana e distópica interessante, a primeira metade faz muitas perguntas sem dar sinais de respostas. A volta de Rani (Archie Panjabi), da Era Clássica (1963–1989), é completamente desperdiçada ao descaracterizar a cientista e torná-la basicamente uma substituta de outros antagonistas genéricos. Essa decisão gastou de forma anticlimática o potencial enorme dessa vilã. Até mesmo Belinda foi deixada de lado nos últimos capítulos, limitando-se a ficar confusa dentro de uma caixa.

Não só isso, como essa temporada final tentou dar um tom épico para a história anterior, usando a estrutura batida e cheia de fan services utilizada a cada season finale da produção e especiais desde O Poder da Doutora (2022). O Mundo do Desejo e Guerra da Realidade não possuem nem metade da nuance, coesão narrativa ou expansões interessantes para justificar o tom grandioso escolhido. O capítulo de despedida da brilhante Jodie Whittaker como 13ª Doutora, apesar dos problemas que sua personagem teve ao longo de seus anos no programa, ainda foi infinitamente mais satisfatório e emocionante.

É previsível sentir saudade da conclusão do 12º Doutor (Peter Capaldi) também.  Twice upon a time (2017) teve o intuito de se afastar do tom épico e focar no embate pequeno de salvar algumas dezenas de refugiados do ataque dos cybermen. Essa decisão ajudou a realçar a personalidade do Doutor de se importar com cada alma viva possível. Comparado aos capítulos finais de Gatwa, é como se a obra estivesse se esquecendo dos passos interessantes que a fizeram evoluir e continuar relevante ao longo do tempo.

Porém, o único momento em o fan service funciona e se justifica, é o icônico encontro entre o 15º Doutor e a 13ª Doutora. A cena possui diálogos realmente criativos e já característico de outros momentos, tanto da série quanto do universo expandido, de duas encarnações do personagem se unir para ajudar uma à outra. Esses instantes são sempre especiais, justamente por essas uniões não serem tão frequentes. O tom divertido e melancólico da conversa consegue trazer profundidade para o bate-papo entre duas versões de uma mesma pessoa já cientes do próprio destino. O protagonista precisava de um ombro amigo e é ótimo ter a Doutora como escolha para desempenhar essa função, já que o universo criativo da obra permite encontros como esse. 

Contudo, o crossover não chocou tanto quanto a reviravolta da regeneração inesperada do 15º Doutor, na qual uma nova pessoa entra para o papel de protagonista. A atriz Billie Piper, intérprete da companion Rose Tyler nas primeiras temporadas da era moderna da série, é a nova face do programa. Rostos repetidos já foram escolhidos anteriormente, como foi o caso de Colin Baker e Peter Capaldi, ambos atuando como personagens secundários em Doctor Who antes de aparecerem oficialmente como Doutores. A decisão é bem mais chocante desta vez, já que Rose foi protagonista desde o piloto do reboot de 2005. Essa escolha, justamente por ser feita pelo showrunner Russell T. Davies, traz uma camada de ressalvas enorme.

Davies é conhecido por comandar as primeiras temporadas da série moderna (2005-2023), estreladas por Christopher Eccleston, David Tennant, Billie Piper, Freema Agyeman e Catherine Tate brilharam nos papéis principais. Fãs notaram o detalhe de Billie Piper não ser creditada com o título de 16ª Doutora nos créditos do capítulo – algo que aconteceu em regenerações passadas. Mesmo com o potencial enorme de  Piper entregar boas abordagens como Doutora, não está claro qual a identidade dessa nova persona em tela. Nessa lógica, a profissional poderia receber um novo título e seguir um caminho maléfico, por exemplo.

No fim, a impressão é a de uma possível volta do 14º Doutor também, já que devido à bizarra birregeneração, continua em Londres. Assim, novas aventuras utilizando ambos os atores das primeiras temporadas seriam possíveis. Muitos fãs compararam essa decisão com a volta de Robert Downey Jr à Marvel como Doutor Destino (2026) após o papel de Homem de Ferro (2008-2019), uma justificativa forçada e ridícula para indicar o retorno aos  “bons tempos” da obra. 

Mas a Disney dificilmente abandonaria o universo de super-heróis no momento atual. Doctor Who, por outro lado, não teve essa sorte. A parceria entre a BBC e a plataforma de streaming foi encerrada por falta do retorno esperado e uma suposta vertente progressista demais para ser “Marvelizada”. Um novo especial de natal, porém, foi anunciado para 2026 e a série está com o futuro garantido, mesmo fora da Disney. A próxima era do seriado terá de fechar as pontas soltas com a confirmação ou não da nova atriz como 16ª Doutora. Além disso, a saudade do protagonista pela neta Susan e o romance com Rogue. Colocar Piper como válvula de escape para resolver essas pontas soltas é prejudicar tanto a narrativa anterior quanto a que está por vir.

Ainda assim, todos os furos de roteiro parecem ficar em segundo plano quando, na verdade, a maior dificuldade da obra nos próximos anos será manter a própria essência em meio às ondas conservadoras, contradizendo tantas décadas de história. A única tristeza de Doctor Who possivelmente voltar a ter um orçamento menor futuramente é a diminuição de contratações de profissionais do audiovisual para o show, já que narrativamente os efeitos especiais eram meros detalhes da produção cheia de momentos icônicos e emocionantes. A série derivada, The War Between The Land And The Sea, é o encerramento genuíno da parceria com a Disney+, mas ainda assim, a produção sequer chegou a ser distribuída globalmente como planejado.

Ncuti Gatwa, Varada Sethu e Millie Gibson saíram dos próprios papéis cedo demais. Chega a ser desrespeitoso com a performance do ator entrar e sair do papel de Doutor entre regenerações feitas puramente em apelo à nostalgia. Embora os especiais de Tennant tenham sido justificados pela inusitada surpresa de encerrar toda a história até então, a volta de Piper evidencia o perigo do seriado esquecer seu caráter criativo e retroceder na abordagem do soft reboot. Com o fim do acordo com a Disney, a distribuição do programa também ficará prejudicada, uma péssima notícia para os whovians  – nome dado à fanbase da obra – brasileiros, já que a série e conteúdos do universo expandido sequer chegam oficialmente ao país.

Ninguém pediu um remake de Doctor Who. É inevitável notar a ironia da presença do selo da Disney nas telas da série quando esta parece seguir o mesmo caminho que as últimas produções fracas do estúdio. Todas as temporadas passadas tiveram uma dose considerável de problemáticas, entretanto acreditar na repetição de tramas, personagens e atores como se essa fosse a solução para manter uma das produções mais criativas da história da TV relevante, é trocar uma viagem por toda a vastidão do espaço por um passeio simples e seguro no parque de diversões. A obra hoje é divertida, mas operar na linha do aceitável é correr o risco de ser facilmente substituída por qualquer outra mídia sem medo de fazer diferente, como Doctor Who fez tantas vezes no passado.

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Íris Ítalo Marquezini

Não é surpreendente falar sobre Doctor Who para alguém alheio à série e a pessoa se impressionar com o número de episódios. No ar desde 1963, e com décadas de influência na cultura pop, o seriado televisivo de ficção científica continua a encontrar novos fãs curiosos para saber como uma cabine telefônica policial – a TARDIS – pode ser maior por dentro. Os últimos três especiais da série não são exatamente receptivos para quem desconhece aquele universo transmídia gigantesco, mas com certeza confortam os dois corações dos ‘whovians’ que estavam com saudade das frenéticas e criativas aventuras que só os Senhores e Senhoras do Tempo sabem trazer. 

Uma das características mais únicas de Doctor Who, desde a década de  1960, é a capacidade do protagonista se regenerar: isto é, trocar a própria fisionomia em situações de risco de vida e mantendo as memórias intactas –  uma solução inventada para justificar a troca de atores ao longo da produção. Após três temporadas polêmicas com Jodie Whittaker interpretando a Doutora, o seriado trocou de showrunner, e Chris Chibnall deu lugar a Russel T. Davies – o responsável pelos primeiros quatro anos da Era Moderna da série. Ou seja, trata-se do mesmo produtor que cuidou do reboot de 2005 do seriado , que continua a história da Era Clássica, mas com o objetivo de receber novos fãs, na época, com Christopher Eccleston interpretando o viajante do tempo.

Foi em 2022 que soubemos quem iria substituir a tão criativa, amorosa e elétrica Jodie Whittaker no papel de 13º Doutora. A BBC revelou que Ncuti Gatwa, astro de Sex Education e Barbie, seria a próxima encarnação do personagem. Com uma das cenas de regeneração mais épicas de todos os tempos, essa notícia tornou o emocionante e ambicioso capítulo de despedida de Jodie Whittaker, O Poder da Doutora, ainda mais surpreendente: o rosto que apareceu na tela não era de Gatwa, mas sim de David Tennant.

Com todas as 13 temporadas da Era Moderna explorando e adicionando novas camadas ao personagem do Doutor, os especiais de 60 anos aparecem quase como um fim para a Era Moderna como um todo. O próprio Russel T. Davies afirmou que a próxima temporada, agora sim estrelada por Ncuti Gatwa, será considerada a primeira de uma nova era. Os três episódios especiais, distribuídos pela Disney+, aparecem como um fechamento inesperado para os fãs do que foi uma das séries mais marcantes da última década.

O primeiro episódio dos especiais de 60 anos, A Fera Estelar, além de trazer David Tennant de volta ao papel do protagonista, também marca o retorno de uma das companions mais carismáticas. Donna Noble, interpretada por Catherine Tate, aparece com um marido, uma filha e um cotidiano corrido. Nada tão aventuresco quanto a vida acompanhada do amigo viajante do tempo. A personagem não era vista no seriado desde a quarta temporada, quando ela teve a memória apagada pelo Doutor em um dos finais mais tristes e chocantes na história de Doctor Who.

Com o risco de Donna morrer caso se lembre quem é o Senhor do Tempo, a força desse primeiro episódio está no ritmo certeiro de Comédia entre Tennant e Tate, ambos atores shakespearianos especialistas no assunto, mesmo anos depois de terem atuado juntos. O destaque vai também para Yasmin Finney (Heartstopper), que interpreta a curiosa e carinhosa Rose,  filha de Donna. Além disso, o episódio ainda conta com os fofos e impressionantes Meeps, ‘criaturinhas’ que são o foco dessa narrativa. A Fera Estelar começa como uma releitura de E.T. O Extraterrestre (1982) combinado com o memorável capítulo Parceiros no Crime, justamente para subverter ao fim a trama que esperávamos de forma divertida.

É impossível ignorar a importância que a narrativa dá ao tema da diversidade e da mudança. Afinal, é a aceitação que salva o mundo. O acolhimento do novo abre a possibilidade de haver soluções diferentes que driblem a morte e sirvam à vida. Toda essa mensagem fica clara para Rose, que se sente deslocada no começo até perceber que existe uma força bem mais bonita e poderosa dentro de si. Doctor Who é brilhante pelo equilíbrio entre o senso de aventura e a emoção: os personagens podem passar por todos os lugares mais fantasiosos do universo, mas a saudade, culpa e insegurança são sentimentos muito reais.

Nesta perspectiva, a sensação de ver Donna e o Doutor no episódio seguinte, A Imensidão Azul, é a mesma de ler HQs ou ouvir os incontáveis audiodramas do universo expandido. Temos aqui um aprofundamento do que já eram dinâmicas engraçadíssimas e únicas de se acompanhar. Trazer os dois aventureiros amados novamente parece uma jogada fácil para reconquistar os fãs mais antigos, mas se mostra uma decisão acertada, pois prova o quanto a dupla ainda tinha muito a resolver entre si. 

Temos aqui uma companion que sabe como é a dor da perda e um Doutor que está exausto de sentir o medo de sempre colocar amizades em risco. Essa soma apresentada e como ela é aplicada na narrativa é de partir o coração, por forçar esses dois personagens a desconfiar um do outro e suspender a vulnerabilidade que tinham entre si até então. Em uma trama que homenageia os filmes O Enigma de Outro Mundo (1982), de John Carpenter, e Alien, O Oitavo Passageiro (1979), de Ridley Scott, os amigos precisam lidar com cópias de si mesmos interpretadas por aliens metamorfos e cruéis. 

Um dos destaques deste capítulo é a produção da Wolf Studios Wales. Com locações construídas e complementadas com a tela verde, o cenário claustrofóbico de uma estação no fim do universo se torna imersivo e aterrorizante. Os famigerados efeitos especiais duvidosos de Doctor Who aparecem aqui de forma proposital, beneficiando-se muito da sensação incômoda de que existe algo de errado. O fato do episódio A Imensidão Azul ser montado de forma que o espectador fique tão desnorteado quanto os personagens gerou um dos finais mais desesperadores de todo o seriado.

Quando a terceira aventura de Donna e Doutor chega em A Risadinha, já é possível reparar em algumas diferenças entre as duas versões do Senhor do Tempo interpretadas por David Tennant. O personagem passa por genuínos surtos de raiva ao longo dos especiais e parece muito mais reflexivo do que a atuação mais enérgica e contida vista nas primeiras temporadas da série. Isso se explica pelo fato de ser uma regeneração do protagonista que mantém as mesmas dores e memórias dos acontecimentos que vieram até esse momento. Nesse sentido, esse aspecto poderia ter sido mais desenvolvido, já que nos momentos em que Tennant decide citar os traumas sofridos depois da própria regeneração, vemos uma carga dramática acumulada que fica reservada somente para os últimos segundos do último capítulo. 

A Risadinha alcança uma escala que tenta ser tão épica e fantasiosa que, infelizmente, acaba se distanciando bastante da ficção científica na qual os whovians estão acostumados a assistir. O Artesão, originalmente um vilão da série clássica – agora interpretado pelo ator Neil Patrick Harris –, possui poderes praticamente ilimitados e funciona bem como um contraponto ao Doutor, que também poderia ser considerado uma figura quase divina. O embate entre os dois se dá pela inteligência, e não pelo esforço físico, em um duelo de cartas semelhante ao aclamado episódio O Pesadelo de Metal.

É justamente essa quebra de regras da ficção científica que faz A Risadinha extrapolar, por bem ou por mal, os limites do que entendemos por Doctor Who. A fantasia é abraçada para colocar o Doutor em uma posição impotente em que precisa se esforçar até o limite para derrotar o vilão que alterna entre o caricato e o brutal. Essa aleatoriedade do que está por vir resulta em um episódio com cenas icônicas dividindo espaço com um ritmo muitas vezes incoerente. Após momentos extremamente tensos, a audiência é surpreendida com Neil Patrick Harris utilizando seu histórico musical em uma performance ao som de Spice Girls, de forma gratuita até demais. 

A introdução de Ncuti Gatwa acontece nesse tom, e a aparição do novo Doutor cura qualquer constrangimento sentido ao longo da narrativa. A presença de ambas versões do personagem ao mesmo tempo na tela se complementam, já que Gatwa aparece pela primeira vez tão frenético, carismático e até mesmo sarcástico quanto David Tennant foi nas próprias temporadas da Era Moderna. Mesmo com uma participação curta, o novo ator já se mostrou alguém com todas as características inteligentes que o Senhor do Tempo exige, mas com uma elegância e estilo só vistos anteriormente no 8º Doutor, interpretado por Paul McGann.

Por mais que as histórias sejam às vezes confusas, os especiais juntos formam uma ótima narrativa sobre abraçar as dualidades presentes no seriado e na vida. Se William Faulkner uma vez disse que o coração em conflito consigo mesmo é o único assunto na qual vale a pena escrever, Doctor Who se prova como uma das melhores séries a fazer isso desde sempre: o antigo e o novo; o diferente e o familiar; e o cansaço e o senso de aventura. É a coexistência como uma aplicação do que é diversidade por definição no gênero da ficção científica, nunca falhando em se reinventar. 

Quando o Doutor abraça o lado melancólico de nunca vencer completamente, mas também aceita que fez o que podia, vemos um fechamento emocionante para toda a Era Moderna da série. O protagonista sente um amor tão grande pela vida que acaba preso em um luto constante, incapaz de esquecer o que já se foi. Esse aspecto vale para todas as encarnações do personagem das 13 temporadas, mas aparece agora de forma mais leve e livre no 15º Doutor, Ncuti Gatwa. Chega a ser um ato corajoso dar um final feliz ao personagem sabendo que o ideal seria mantê-lo – com o objetivo de entreter a audiência – em um ciclo de sofrimento que poderia chegar, no fim, a contradizer a mensagem de esperança que Doctor Who sempre foi ótima em ressaltar.

Com essas possibilidades abertas, surge então um espaço para uma boa e velha história de Natal, tradição já conhecida no seriado. A primeira aventura do Doutor de Ncuti Gatwa em A Igreja da Rua Ruby faz o milagre de criar uma aventura ao estilo Charles Dickens sem ser na icônica Era Vitoriana. Parte da razão que faz isso funcionar é a nova companion, Ruby Sunday, uma órfã gentil interpretada por Millie Gibson. A dinâmica entre Ruby e Doutor funciona, pois aqui se tem uma jovem de coração muito puro, mas ignorante para muitos aspectos da vida, e um Doutor muito sábio – e completamente embasbacado  com o fato de ela conhecer tão pouco do mundo. 

Além de sarcástico, o 15º Doutor consegue ser muito expressivo tanto nas cenas de Comédia quanto nas de Drama. O personagem serve de ‘anjo da guarda’ para Ruby, tal qual vimos o Doutor de Christopher Eccleston ser para Rose Tyler (Billie Piper) no primeiro capítulo da Era Moderna. O especial de Natal protagonizado por Gatwa e Gibson é quase um episódio piloto para o que está por vir na série. Os vilões da aventura – ‘duendes comedores de criancinhas’ – são cômicos e protagonizaram uma cena musical com a colaboração do já conhecido Murray Gold, compositor das trilhas mais icônicas da série.

Doctor Who, em todos os aspectos, encerra um arco iniciado em 2005 com capítulos que tentam ao máximo fazer jus ao legado de décadas do seriado. Em meio a tantos gêneros que foram explorados, muitas abordagens para o protagonista foram inseridas e muitas companions entraram e saíram da TARDIS, deixando saudades nos espectadores e muitas piadas que aparecem para os mais atentos captarem. Mesmo com o tema principal sendo as constantes mudanças da vida que nem mesmo a viagem no tempo é capaz de evitar, muito se mantém. 

Ver Ruby entrar na TARDIS pela primeira vez causa uma sensação de conforto enorme. Nem foi preciso ouvir um “‘é maior por dentro” – a reação clássica de qualquer companion. Tudo já está lá. Assistir Doctor Who ontem, hoje e daqui muitos anos, é ter a certeza de que essa série bizarra sobre uma nave na forma de cabine telefônica policial sempre ofereceu bem mais do que prometia. O seriado mostra que ver a vida com um senso de aventura e maravilhosidade é o suficiente para que se sinta dois corações batendo no peito.

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Gabriel Oliveira F. Arruda

A mais recente da primeira leva de séries do Disney+ produzidas pela Marvel Studios, Loki chega com a proposta de resgatar a personagem titular dos eventos trágicos de Vingadores: Guerra Infinita, utilizando a viagem no tempo de Ultimato como ponto de partida para sua trama de ficção científica old school. Contudo, se tem uma coisa que o Deus da Mentira de Tom Hiddleston nos ensinou ao longo de sua década no Universo Cinematográfico Marvel, foi nunca confiar nas aparências.

Após as peripécias temporais para reaver as Joias do Infinito terem resultado na evasão de um Loki pós-Vingadores das autoridades terrenas e asgardianas, ele é logo capturado por uma entidade ainda mais misteriosa. Grande parte do primeiro episódio, Glorioso Propósito, se dedica a apresentar a Autoridade de Variação Temporal (AVT), a misteriosa organização que clama governar a ordem do tempo e que acusa Loki de ser uma “variante”: alguém que divergiu do caminho designado pelos Guardiões do Tempo na Linha do Tempo Sagrada e que, portanto, não deveria existir.

O piloto se sobressai ao fazer a ponte entre o anti-herói que vimos morrer pelas mãos do Titã Louco e o maníaco homicida de Os Vingadores, por meio de um inteligente interrogatório que o força a rever os seus “maiores” momentos – passados e futuros – e a confrontar sentimentos profundos que ele manteve escondidos. O que antes seria uma sentença de morte vira oportunidade quando o agente Mobius (Owen Wilson) pede a ajuda do notório trapaceiro para capturar outra variante fugitiva extremamente perigosa: ele mesmo.

A partir daí, Loki habilmente torce sua premissa de ficção científica serial em uma narrativa de redenção romântica que, diferente de suas aparições prévias, explora o personagem principal não apenas no contexto do universo Marvel, mas como a figura mítica e caótica do Deus da Trapaça. Colocando-o diretamente em conflito com a figura de autoridade e ordem suprema, a série criada por Michael Waldron consegue fazer florescer a verdadeira natureza de Loki como um agente do caos e da mudança, explorando intimamente sua natureza dual e paradoxical de jeitos peculiares e inventivos.

Desses, o mais evidente e tangível é a introdução de Sylvie (Sophia Di Martino), a variante que Loki é chamado para caçar, uma mulher com contas a acertar com a AVT e que provê a maior parte da força motriz da série após sua chegada ao final do segundo capítulo, A Variante. Ao encarar ferozmente o Loki que conhecemos e declarar que aquilo “… não é sobre ele”, o tabuleiro está montado para que os próximos episódios respondam à pergunta: então, sobre o que é?

Muito como WandaVision foi uma homenagem às comédias românticas da televisão americana e Falcão e o Soldado Invernal foi uma exploração de tramas de espionagem internacional nos calcanhares do Blip, Loki se vende como uma ficção científica serializada remetente à Doctor Who – se Doctor Who tivesse um orçamento. Quando um grupo de personagens pode ter seus nomes concebivelmente traduzidos para “Senhores do Tempo”, esse tipo de comparação é inevitável, e a série é esperta o suficiente para abraçar a galhofa e os questionamentos existenciais, ao invés de se envergonhar deles.

A amizade entre Loki e Mobius ajuda a realçar tais questionamentos, com os dois personagens se desafiando mutuamente ao longo de suas cenas juntos. Enquanto o agente ajuda a expor e confrontar as reais motivações e os objetivos de Loki, o deus ajuda a expor as falhas lógicas da AVT e a fazer com que Mobius comece a questionar o propósito daquilo tudo. Ambos os atores vestem muito bem a dinâmica de comédia buddy cop e trazem à tona o melhor do outro.

Afinal, o que faz um Loki ser um Loki? Se há apenas uma linha temporal, existe mesmo livre arbítrio? “Por que diabos há um jacaré aqui?” São todas perguntas feitas e, até certo ponto, respondidas (até mesmo a do jacaré), em episódios diferentes, sem sobrecarregar o telespectador. É claro que Loki também possui ganchos que só serão respondidos mais à frente, mas é louvável ver o quanto cada capítulo se esforça para contar tramas que respondam esses questionamentos ou que introduzem novos e instigantes conceitos.

A relação entre o Deus da Trapaça e sua variante é um dos grandes trunfos da série, chegando de fininho em um episódio que foi erroneamente considerado como um filler por alguns fãs por não conter muitas respostas, mas que apresenta muito bem a dinâmica entre as duas personagens e estabelece o tom da segunda metade da temporada. Não é nada menos do que poético que a tentativa mais sincera da Marvel de introduzir uma trama romântica em seu universo venha de Loki, o personagem que uma vez provocou Thor (Chris Hemsworth) por conta de seu romance com a mortal Jane Foster (Natalie Portman) em Thor, mais de 10 anos atrás.

É claro que já houveram subtramas românticas em filmes da Marvel (Thor teve provavelmente a mais acentuada), mas Loki marca a primeira vez em que tal gênero assume o primeiro plano da história e guia as ações de seu personagem. Não só isso, mas o fato de Loki estar apaixonado por uma versão alternativa de si mesmo molda a narrativa e introduz um nível de profundidade até então inexplorado pela Casa das Ideias. Nas palavras da diretora da série, Kate Herron:

“É muito caótico se apaixonar por uma versão de si mesmo, mas ao mesmo tempo é uma ideia tão ruim e tão travessa, que é claro que o Loki se apaixonaria por si mesmo. Mas ele também é um personagem que precisa vencer seus demônios e encontrar o bem em si mesmo para poder seguir nessa jornada de redenção. No centro de tudo isso temos essa história de amor e ninguém se apaixona na hora certa.”

Kate Herron, “Avante: Os Bastidores de Loki”

Embora Loki e Sylvie iniciem essa jornada como inimigos, a ameaça de uma lua explodindo sob suas cabeças logo faz com que ambos reconsiderem suas desavenças e comecem a trabalhar juntos. No menor episódio da temporada, Hiddleston e Di Martino introduzem uma química singular e incendiária no enredo e nos fazem ansiar cada vez mais por todos os momentos que partilham. Durante a fuga, os dois tem uma conversa honesta sobre família, amor e até mesmo sexualidade, na qual Loki revela ser bissexual.

Onde um é oportunista e manipulativo, a outra é reativa e agressiva, e parte do que torna a dinâmica entre os dois tão intoxicante é como juntos eles conseguem realçar suas melhores qualidades e superar suas maiores falhas. Depois de passarem doze horas tentando sobreviver em um planeta prestes a morrer, quando Loki suavemente diz à Sylvie que acha ela incrível e eles dão as mãos, somos deixados com a impressão de que algo verdadeiramente monumental está acontecendo. Algo capaz de mudar o universo.

Não é por acaso que o crush de Loki consigo mesmo comece à beira do fim do mundo. No segundo episódio, a ideia de que Sylvie se esconde em apocalipses é introduzida, já que os cataclismas ocultam qualquer alteração que a personagem possa fazer na Linha do Tempo Sagrada. Mitologicamente, faz todo sentido Loki ver no fim do mundo uma oportunidade: o deus é intimamente relacionado com a vinda do Ragnarok na mitologia nórdica, onde seus filhos são responsáveis por grande parte da batalha.

Sylvie diz a ele, momentos antes do fim de Lamentis-1: “O universo quer se libertar, então manifesta caos. Como eu ter nascido a Deusa da Mentira”, uma fala que revela não só algo sobre ela como também sobre o papel fundamental dos Lokis no universo. Apesar de adotar atitudes vilanescas em todas as suas aparições, ele é primordialmente um desafio à ordem e aos limites, uma resposta às tentativas de contenção e controle e por isso tira sua força de apocalipses, por ser tanto herói quanto vilão, ser tanto sábio quanto é tolo, de ser uma dualidade e um paradoxo em si mesmo, um narcisista egoísta cujo maior medo é ficar sozinho.

Durante seu memorável período no Vazio, o lugar para onde a AVT manda as linhas temporais “podadas”, Loki conhece diversas versões de si mesmo e é obrigado a enfrentar de cara as diversas características que o definem e finalmente encarar os sentimentos que tem por sua variante. É Sylvie que primeiro percebe a oportunidade de usar o carcereiro deles, Alioth, como uma porta para achar a pessoa por trás de tudo, reafirmando o poder de Loki sobre os apocalipses. É um testamento à força do roteiro de Loki o Vazio ter sido utilizado não apenas como um parque de easter eggs da Marvel (afinal, quem reclamaria de um bom e velho Thanoscoptero?), mas como uma invenção para externalizar legitimamente os conflitos de seu protagonista e fazer ele superar seus limites.

A série está na sua melhor forma quando assume as qualidades do próprio Loki, sendo duas coisas ao mesmo tempo com resultados caóticos: ao mesmo tempo uma ficção científica das antigas e uma adição moderna ao cânone do MCU; um estudo de personagem intimista e uma expansão repentina e até mesmo violenta da realidade em que esse personagem vive; equilibrando a arquitetura brutalista e déco dos escritórios da AVT com paisagens históricas ou alienígenas; fazendo bom uso de sintetizadores em sua trilha sonora futurista e logo depois introduzindo uma reinterpretação da ópera de Richard Wagner.

Em um final de temporada que desafia a distinção entre “meditativo” e “entediante”, Loki se mantém fiel à esse glorioso propósito mitológico, com Loki ao mesmo tempo apaixonado e em guerra consigo mesmo, uma dança de facas e beijos que entrega tanto uma conclusão para as tramas apresentadas nesse primeiro ciclo quanto uma promessa do que há por vir. Com uma confirmação surpresa de uma segunda temporada sendo desenvolvida, as implicações de seu final traçam os pontos iniciais da Fase 4 no Cinema e na Televisão. Com rumores de que o personagem esteja escalado para aparecer em Doctor Strange in the Multiverse of Madness, Loki se posiciona como uma das peças chaves para a continuação da saga dos Maiores Heróis da Terra no futuro.

Ainda há problemas clássicos herdados do modelo Marvel: personagens como a juíza Renslayer de Gugu Mbatha-Raw e o misteriosamente-nomeado “Aquele Que Permanece” de Jonathan Majors têm pouca caracterização com o qual trabalhar, e recebem a promessa de serem explorados em produções futuras. O relacionamento complicado de Mobius com Renslayer tem um final morno no sexto episódio, salvo pelas excelentes interpretações, mas que faz pouco pelos personagens, enquanto o monólogo expositivo de Majors nos deixa definitivamente intrigados, mas sua personalidade fica diluída nas toneladas de informação que ele despeja.

Como o deus no qual foi inspirado, Loki é caótica, trágica, divertida, cruel e profundamente romântica, dando diversas oportunidades para que Tom Hiddleston exiba seus talentos teatrais na reinvenção de um dos personagens mais marcantes de sua carreira. E, graças a um elenco excepcional, um roteiro singular e uma direção travessa, somos deixados ansiando por mais desse personagem, e de todas as variações deles que podem existir. Especialmente aquelas que sabem que não estão mais sozinhas.

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